Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2009 / Made available in DSpace on 2012-10-24T20:52:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 270320.pdf: 7580294 bytes, checksum: 251d0530b0582b881a1d59d9ea614a1a (MD5) / Esta tese analisa como cenas sinistramente violentas no Macbeth de William Shakespeare são realizadas em três produções teatrais (a Macbeth de Trevor Nunn, para a Royal Shakespeare Company, em 1976, a Macbeth de Ulysses Cruz, e Trono de Sangue de Antunes Filho, ambas de 1992) e em dois filmes (o Macbeth de Roman Polanski, de 1971, e Homens de Respeito, de William Reilly, de 1991). Essas produções foram escolhidas devido a sua proximidade nas respectivas épocas e sua relevância: a Macbeth de Nunn é um marco muito elogiado; as duas Macbeths brasileiras ocorreram em um momento em que o Brasil não estava feliz com seu presidente, que renunciou antes de sofrer o impeachment. Quanto aos filmes, o de Polanski é provavelmente o mais violento de qualquer adaptação de Shakespeare para as telas, e o de Reilly é uma apropriação que transporta a ação para a Máfia do século XX. Através de uma análise de "The Sand-Man," de Ernst Hoffman, Freud desenvolveu seu conceito do sinistro, aquilo que é estranhamente familiar, que deveria manter-se escondido mas insiste em aparecer. O sinistro engloba várias características, como os duplos, a compulsão em repetir, o mau olhado, o olho grande, o olhar, o impulso da morte, déjà-vu, fantasmas, bonecas e autômatos, a nebulosidade entre fantasia e realidade, a limininalidade, epilepsia e loucura. A maior parte desses traços está presente no texto da peça e nas cinco produções analisadas. Esta tese investiga se o sinistro vem mais à tona quando a violência se mistura, e vice-versa, e por que às vezes se tem certeza de ter visto algo que sequer foi mostrado-o que é, por si só, uma sensação sinistra. Para explorar essas perguntas, esta tese compara duas mídias, teatro e cinema, sob a ótica da Análise de Performance. Outro capítulo teórico é dedicado ao sinistro e à violência em Macbeth. Os outros três capítulos analisam cada produção, sempre dando atenção ao contexto em que cada uma foi realizada. A tese conclui que violência e sinistro andam lado a lado nas cinco produções e no texto em si, mas que o filme de Polanski é difícil de ser igualado em termos de violência sinistra, já que opta por mostrar na tela muito da violência que é apenas sugerida no texto (como no caso do assassinato de Duncan). No entanto, todas as cinco produções oferecem exemplos interessantes de violência sinistra em um texto que sempre foi considerado um dos mais violentos entre as obras de Shakespeare, e que poderia ser visto também como o mais sinistro.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura. / Made available in DSpace on 2012-10-22T15:09:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 233099.pdf: 739351 bytes, checksum: 65f3be1c2ec26259d8fc2afe472f5cd3 (MD5) / A dissertação trata da leitura das peças O noviço, de Martins Pena, e Ópera do malandro, de Chico Buarque, ambas representando pela comédia o tema da malandragem. O objetivo principal é apresentar dois tipos de malandro presentes nas peças e contextualizá-los a partir de leituras de outras peças com o mesmo tema e da mesma época de produção. O objetivo secundário, de um lado, é destacar os aspectos sócio-econômicos de um malandro, o caça-dotes, típico do século XIX, responsável pela apropriação indébita do patrimônio familiar; de outro lado, evidenciar os aspectos político-sociais de outro tipo de malandro, o contraventor, responsável pela lesão patrimonial e moral de um grupo social mais amplo, a sociedade brasileira do século XX. A metodologia desdobra-se em dois tipos de leitura, a estrutural e a temática, ambas complementadas por leituras analógicas de peças da mesma época e por elementos da fortuna crítica do corpus. Além da introdução, apresentadora de traços gerais da matéria, a divisão do trabalho é fracionada em duas leituras: a primeira sob o ângulo dos elementos estruturais do texto dramático; e a segunda enfocando as formas temáticas . a astúcia, a sedução e a criminalidade. À guisa de conclusão, rematam-se os resultados, acrescidos de reflexões sobre o tema. The dissertation deals with the reading of the parts O noviço, of Martins Pena, and Ópera do malandro, of Chico Buarque, both representing for the comedy the subject of the roguery. The main objective is to present two types of rogue gifts in the parts and put into context them for readings of other parts of the same subject and time of production. The secondary objective of a side detaches the partner-economic aspects of one rogue, hunting-endows it, typical of century XIX, responsible for the misappropriation of the familiar patrimony; of another one I bark of the Brazilian dramaturgy of century XX, the political-social aspects of another type of rogue, the offender, responsible for the patrimonial and moral injury of ampler a social group, the society. The methodology is unfolded in two types of reading, structural and the thematic. Both are complemented by analogical readings of parts of the same time and by elements of the critical richness of the corpus. Beyond the introduction, presenter of general traces of the to be treated substance, the division of the work is fractioned in two readings, the first one, under the angle of the structural elements of the dramatically text; e second focusing the thematic forms, the astuteness, the seduction and crime. To it stews of conclusion conclude the results, increased of reflections on the subject.

Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-02-19T11:32:52Z No. of bitstreams: 1 Debora de Souza.pdf: 5049943 bytes, checksum: 0cd1c5a1b79321d0fe4374d25483a8b1 (MD5) / Approved for entry into archive by Fatima Cleômenis Botelho Maria (botelho@ufba.br) on 2013-02-19T16:13:37Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Debora de Souza.pdf: 5049943 bytes, checksum: 0cd1c5a1b79321d0fe4374d25483a8b1 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-02-19T16:13:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Debora de Souza.pdf: 5049943 bytes, checksum: 0cd1c5a1b79321d0fe4374d25483a8b1 (MD5) / No contexto social e histórico da ditadura militar, na Bahia, textos teatrais eram submetidos aos órgãos censórios, sendo avaliados por diferentes técnicos. No presente trabalho, propõe-se analisar o processo de construção dos textos teatrais censurados Aprender a nada-r e Anatomia das feras, de Nivalda Silva Costa, e editá-los. No campo dos estudos filológicos, conforme orientação das teorias de edição, que tomam os textos em perspectiva material e social, buscou-se apoio em outras ferramentas teóricas e metodológicas, sobretudo de crítica textual e de crítica genética, com o intuito de compreender o texto em seu processo de produção e de transmissão, levando-se em consideração a ação dos agentes mediadores, a dramaturga/diretora, o datilógrafo, os censores. Apresenta-se a edição dos textos selecionados em suporte papel e eletrônico. Justifica-se a realização desse trabalho pela possibilidade de oferecer à comunidade científica importante contribuição no que tange à prática editorial, oferecendo uma leitura de determinada escrita para o palco elaborada por uma mulher negra engajada com questões políticas, sociais e estéticas, permitindo-se pensar sobre a prática censória e sua consequência para produções teatrais baianas, bem como sobre a edição de textos teatrais. / Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2012.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente / Made available in DSpace on 2013-03-04T18:41:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 304970.pdf: 1685292 bytes, checksum: e002c1482ecd986bba9665c874e1592e (MD5) / Peças teatrais podem ser consideradas tanto literatura como performance. Isso significa que elas têm força, autoridade tanto na forma de texto escrito (drama), como na forma de ação encenada (performance). A literatura, instituição baseada na pretensa estabilidade da palavra escrita, costuma simplificar o teatro à apenas drama, especialmente em se tratando de autores canônicos como William Shakespeare. Considerando tal contexto, a presente investigação analisa a relação entre linguagens verbais e não-verbais em performance teatral baseada em texto dramático, visando entender o processo que transforma o texto dramático em comportamento teatral (de acordo com o conceito de W. B. Worthen de dramatic performativity). Especificamente, esta investigação analisa os elementos verbais e não-verbais usados para produzir humor na tradução de The Taming of the Shrew, de Beatriz Viégas-Faria, e na encenação de A Megera Domada dirigida por Patrícia Fagundes e encenada em 2008, em Porto Alegre, pela Cia. Rústica. Os parâmetros conceituais utilizados nessa investigação são determinados por Worthen (2003), Patrice Pavis (1995) e Richard Schechner (2003, 2006), sendo que a análise da produção teatral é baseada na teoria de mise en scène de Pavis (1995). / Theatre plays enjoy a status of both dramatic literature and performance. This means that they have force, authority as both written texts (drama) and staged action (performance). Literature, an institution base based on a pretense stability of the written word, tends to reduce theatre to drama, especially when it concerns canonic authors such as William Shakespeare. In face of this context, the present investigation analyzes the relation between verbal and non-verbal languages in stage performance of scripted drama, aiming at understanding the process to which the dramatic text is subject in order to be transformed into stage behavior (according to W. B. Worthen's concept of "dramatic performativity"). More specifically, it analyzes the verbal and non-verbal elements used to construct humor, in Beatriz Viégas-Faria's translation of The Taming of the Shrew and in Patrícia Fagundes's staging of A Megera Domada, performed in 2008, in Porto Alegre, by Cia Rústica. The conceptual parameters that guide this investigation are drawn mainly from Worthen (2003), Patrice Pavis (1995) and Richard Schechner (2003, 2006), being the approach to the theatrical activity based on Pavis's (1995) theory of mise en scène.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente. / Made available in DSpace on 2013-07-15T23:34:41Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / O objetivo deste trabalho é analisar o uso de canções e efeitos sonoros em quatro produções teatrais de Romeu e Julieta, de William Shakespeare, enfocando os cruzamentos interculturais entre o texto e os vários contextos de performance. Este estudo propõe a análise do desenho sonoro como prática teatral, tomando como referência central teorias dos estudos musicais (Luiz Tatit e Marcos Napolitano), dos estudos de desenho sonoro (Deena Kaye, James Lebrecht e Livio Tragtenberg), da análise da performance (W. B. Worthen, Patrice Pavis, Susan Bennett, e outros), e de análises textuais, e levando em conta os estágios que envolvem uma produção teatral: concepção, produção, e recepção. O corpus da pesquisa é constituído pelas seguintes produções teatrais: Romeo and Juliet, da Royal Shakespeare Company, dirigida por Michael Bogdanov (1986); Romeo and Juliet, da Royal Shakespeare Company, dirigida por Michael Boyd (2000); Romeu e Julieta, do Grupo Macunaíma, dirigida por Antunes Filho (1984); e Romeu e Julieta, do Grupo Galpão, dirigida por Gabriel Villela (1992). O estudo demonstra que a análise da performance pode ser aprimorada ao enfocar a complexidade discursiva dos eventos sonoros, através da investigação dos momentos em que som e canção ocupam papéis importantes na cena teatral.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Linguística. / Made available in DSpace on 2013-07-16T04:21:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 313789.pdf: 2204596 bytes, checksum: 306911d523e5fe070f63a37c158c0c54 (MD5) / Com o aporte teórico-metodológico da Teoria da Variação e Mudança Linguística (Weinreich, Labov e Herzog (2006 [1968]), o objetivo desta pesquisa é identificar as formas de tratamento utilizadas em 12 peças de teatro florianopolitanas dos séculos XIX e XX e sua relação com as dimensões de poder e solidariedade, teorizadas por Brown e Gilman (2003 [1960]. Os dois séculos são divididos em quatro períodos de 50 anos, e cada período é representado por três peças de teatro. Após a identificação das formas de tratamento, são destacadas as formas mais frequentes em cada período de 50 anos para se proceder a uma análise estatística multidimensional e revelar que grupos de fatores eram mais significativos na escolha por uma ou outra forma de tratamento. A tendência indicada pela análise dos grupos de fatores deve apontar que forma, dentre as duas ou três mais frequentes em cada período de 50 anos, estaria mais associada à dimensão de solidariedade e qual estaria mais associada à dimensão de poder. Como resultados, na primeira metade do século XIX, destacam-se como variáveis independentes significativas as #relações de intimidade#, a #faixa etária#, as #relações familiares#, a #audiência# e as #relações profissionais#. A correlação entre os fatores e variável dependente indicam que a forma de tratamento TU, nesse período, estava mais associada à dimensão de solidariedade, e a forma O SENHOR estava mais relacionada à dimensão de poder. Na segunda metade do século XIX, os grupos de fatores relevantes são as #relações de intimidade#, a #classe social#, as #relações profissionais# e a #faixa etária#. Os resultados parecem indicar que, nesse período, novamente a forma de tratamento TU estava mais associada à dimensão de solidariedade, ao passo que a forma O SENHOR estava mais relacionada à dimensão de poder. Na primeira metade do século XX, as variáveis independentes selecionadas pelo programa estatístico GoldVarb como mais relevantes são #ambiente#, #classe social#, #faixa etária#, #relações familiares#, #relações de intimidade#, #audiência#, #relações profissionais# e #sexo/ #gênero#. A correlação entre os fatores e as formas variantes parece indicar que, nesse período, a forma de tratamento TU estava mais associada à dimensão de solidariedade, a forma O SENHOR à dimensão de poder, e a forma VOCÊ estaria flutuando entre as duas dimensões. 16 Na segunda metade do século XX, foram selecionadas como variáveis significativas as #relações familiares#, a #faixa etária#, o #ambiente#, o #sexo/ gênero#, as #relações de intimidade#, a #audiência# e a #classe social#. Acredita-se que, nesse período, as formas TU e VOCÊ estivessem mais associadas à dimensão de solidariedade, enquanto O SENHOR estaria mais relacionada à dimensão de poder. Neste estudo ainda são brevemente suscitadas questões com relação ao papel dos grupos de fatores linguísticos, ao papel dos grupos de fatores socioestilísticos, à noção de neutralidade, teorizada por Cook (1994, 1997), à possibilidade de se considerarem as formas de tratamento como não sendo variantes de uma mesma variável e aos cinco problemas empíricos relacionados à mudança linguística, postulados por Weinreich, Labov e Herzog (2006 [1968]).

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2013. / Made available in DSpace on 2013-12-05T23:25:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 319062.pdf: 1155695 bytes, checksum: 1183cbeee5b9a0236f1b3345b340359f (MD5) Previous issue date: 2013 / Esta pesquisa está inserida nos Estudos Descritivos de Tradução e tem como objetivo analisar duas traduções para o português brasileiro da peça Pygmalion de Bernard Shaw. Mais especificamente, analisar como os dois tradutores brasileiros Miroel Silveira (1964) e Millôr Fernandes (2005) traduziram o dialeto cockney da personagem Eliza Doolittle. Esta variação linguística específica tem associações geográficas e culturais. O cockney é a forma de inglês falado na área de East End de Londres pela chamada classe trabalhadora e tem um papel central na narrativa de Pygmalion. O modelo teórico metodológico proposto por Lambert e Van Gorp (1985) foi utilizado para a análise das traduções. A hipótese inicial levantada por este estudo foi a de que os tradutores, apesar de utilizarem abordagens diferentes, não apagariam os traços dialetais, pela importância desse elemento no desenvolvimento da peça, o que vai de encontro às observações de Milton (2002) no que se refere à prática comum de apagamento de dialetos na tradução literária no Brasil. O que se verificou pela análise é que Miroel Silveira ambientou a peça no Rio de Janeiro e traduziu o cockney de Eliza funcionalmente para um pseudodialeto suburbano com marcação da oralidade principalmente pelo uso de gírias, deixando bem marcado, dessa forma, seu background social, enquanto Millôr Fernandes optou por traduzir funcionalmente o cockney a um pseudodialeto caipira, porém mantendo a peça em Londres. <br> / Abstract : This research is embedded within the Descriptive Translation Studies and aims at analyzing two translations into Brazilian Portuguese of the play Pygmalion by Bernard Shaw. Specific attention is given to how the two Brazilian translators Miroel Silveira (1964) and Millôr Fernandes (2005) translated the cockney accent of the character Eliza Doolittle. This linguistic variation has specific geographical and cultural association. Cockney is the form of English spoken in London's East End area by the so-called working class and has a central role in the narrative. The methodological model proposed by Lambert and Van Gorp (1985) was used for the analysis of the translations. The initial hypothesis formulated that the two translations, despite the different approaches, would not erase the dialect due to its importance to the development of the play, going against observations made by Milton (2002) to what refers to the common practice of erasing dialects in literary translations in Brazil. The analysis verified that Miroel Silveira changed the setting of the play to Rio de Janeiro and translated Eliza?s cockney accent functionally to a suburban pseudo dialect with orality marks mainly by slang usage, marking the social background. On the other hand, Millôr Fernandes chose to translate cockney functionally into a pseudo ?caipira? dialect, however, keeping the setting of the play in London.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2002. / Made available in DSpace on 2012-10-20T08:02:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 274154.pdf: 247241 bytes, checksum: c763697e8d7046c2933a8365e1105ac2 (MD5) / Este trabalho constitui-se de uma adaptação para o teatro do romance Um Largo, sete memórias, de Adolfo Boos Júnior. Ou seja, partindo de uma mesma diegese, transpusemos um texto do gênero narrativo (um romance) para o gênero dramático. Para isso efetuamos um levantamento teórico considerando o confronto entre realidade e ficção, o processo de criação literária e inserida nesse processo, a questão dos gêneros e os seus elementos. Apresentamos também uma análise do conjunto da obra do autor. O trabalho de adaptação mereceu um capítulo explicativo. Durante o presente estudo percebemos que algumas obras literárias não se enquadram em conceitos pré-estabelecidos, como exemplo Um Largo, sete memórias o que leva à, no mínimo, cautela quando da classificação de uma obra em determinado gênero.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-06-14Bitstream added on 2014-06-13T20:28:47Z : No. of bitstreams: 1 villavicenciogarcia_hh_me_ia.pdf: 701069 bytes, checksum: 4f7fcbe7703681fe791698834537f770 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / O objetivo do presente trabalho é realizar um estudo sobre a incidência do teatro narrativo nas peças: Borandá, do autor brasileiro Luís Alberto de Abreu, e Nuestra Señora de las Nubes, do autor argentino Aristides Vargas. A análise desenvolvida privilegia primeiramente o contexto histórico que antecedeu a formação dos grupos teatrais com os quais os dramaturgos colaboraram. Apontamentos sobre os golpes de Estado na América Latina, que tiveram lugar no pós-guerra, servem para delinear o quadro de instabilidade social e política reinante na região. Descreve-se um cenário tomado por regimes autoritários, uns de natureza dinástico-patrimonialista e outros promovidos pelo intervencionismo estrangeiro, visando evitar revoluções sociais e apoiar contrarrevoluções conservadoras. À continuação, o estudo focaliza a questão artística, assinalando a origem, o processo de trabalho e o repertório de peças encenadas pelos grupos estudados. Enfoca o surgimento do grupo de teatro Malayerba, em 1979, como um coletivo de atores exilados na cidade de Quito, no Equador; e a fundação da Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes de São Paulo, em 1993, como um conjunto empenhado em pesquisar novas formas de comédia popular brasileira. Em seguida, o trabalho indaga as questões temáticas levantadas nas peças, abordando o fenômeno da migração interna e do exílio político e econômico, experimentado pelos cidadãos dos países latino-americanos na segunda metade do século XX. Aqui, o conceito de esperança utópica do geógrafo inglês David Harvey, a noção de identidade latino-americana do pesquisador argentino Néstor Canclini e o enfoque histórico do escritor uruguaio Eduardo Galeano significaram uma eficaz ferramenta de trabalho. Na sequência, a pesquisa encarrega-se de fazer um estudo comparativo entre... / El objeto de este trabajo es realizar un estudio sobre la incidencia del teatro narrativo en las piezas: Borandá, del autor brasileño Luís Alberto de Abreu, y Nuestra Señora de las Nubes, del autor argentino Arístides Vargas. El análisis desarrollado privilegía en primer lugar el contexto histórico que precedió la formación de los grupos teatrales con los cuales colaboraron los dramaturgos. Apuntes sobre los golpes de Estado en Latinoamerica durante la posguerra sirven para demarcar el cuadro de inestabilidad social y política reinante en la región. Se describe un escenário plagado de régimenes autoritários, unos de naturaleza dinástico-patrimonialista y otros promovidos por el intervencionismo extranjero, intentando evitar revoluciones sociales y apoyar contrarrevoluciones conservadoras. A continuación, el estudio focaliza la cuestión artística, señalando el origen, el proceso de trabajo y el repertorio de piezas montadas por los grupos estudiados. Destaca el surgimiento del Malayerba, en 1979, como un colectivo de actores exiliados en la ciudad de Quito, en Ecuador, y la fundación de la Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes de São Paulo, en 1993, como un conjunto empeñado en investigar las nuevas formas de la comedia popular brasileña. Después, el trabajo trata de las cuestiones temáticas levantadas en las piezas, abordando el fenómeno de la migración interna y del exílio político-económico experimentado por los ciudadanos de los países latinoamericanos en la segunda mitad del siglo XX. Aquí, el concepto de esperanza utópica del geografo inglés David Harvey, la noción de identidad latinoamericana del estudioso argentino Néstor Canclini y el enfoque histórico del escritor uruguayo Eduardo Galeano, se constituyeron en una eficaz herramienta de trabajo. Después, se hace un estudio comparativo de las obras... (Resumen completo clicar acceso eletronico abajo)

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Guacira Marcondes Machado Leite / Banca: Sonia Aparecida Vido Pascolati / Banca: Isabelle Regina de Amorim Mesquita / Banca: Milca da Silva Tscherne / Resumo: Esta tese pretende traçar as linhas principais de um quadro representativo da relevância do tema do amour décadent em obras dramáticas do fin-de-siècle, a partir do rastreamento de elementos característicos da expressão do amor em poetas-dramaturgos que, de alguma forma, estiveram vinculados à literatura simbolista-decadentista. Para isso, toma-se como ponto de partida a análise do drama lírico Axël (1986), do poeta-dramaturgo francês Conde de Villiers de L'Isle- Adam (1840-1889), que marcou a literatura moderna com a emblemática personagem Axël de Auërsperg, o príncipe dos decadentes, conhecido por rejeitar não só a vida real, mas também os prazeres do amor em favor do Absoluto e do Amor Eterno. Villiers de L'Isle-Adam partilha com os poetas simbolistas-decadentistas o sentimento de desprezo dos valores burgueses da sociedade moderna. Foi com o olhar crítico e com a amargura do poeta maldito que esse francês, contrariando a tendência romanesca realista-naturalista de histórias de amor bem sucedidas, imprimiu ao amor trágico entre Sara e Axël a expressão do desejo do Amor Ideal: um sentimento sublime, distante da vulgarização dos interesses sócio-econômicos de sua época. Nem mesmo a bela e atraente Ève Sara foi capaz de persuadir o jovem príncipe a regozijar-se com os prazeres da vida real. A decisão de Axël de deixar a vida e seus prazeres e de não consumar o amor carnal é consciente e prova a sua impossibilidade de se adequar à vil realidade circundante. Outra obra, também importante no que concerne à expressão do sentimento amoroso na literatura simbolista-decadentista, é a peça Pélleas et Mélisande (1904) do poeta dramático belga, Maurice Maeterlinck (1862-1949), seguidor dos passos de Villiers de L'Isle- Adam. Essa obra, apesar de aparentar um certo apego à tradicional temática trágico-amorosa romântica,...(Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This thesis intends to sketch the outlines of a representative picture of the relevance of the theme amour décadente (decadent love) in plays of the fin-de-siécle and beginning of the 20th century. It starts by tracing the elements that are characteristic of the expression of love in poet-playwrights who were, somehow, tied to the decadent symbolist literature. In order to achieve its aim, this project departs from the analysis of the lyric drama Axël (1986), by the French poet-playwright Conde de Villiers de L'Isle-Adam (1840-1889), which marked modern literature with its emblematic character Axël de Auërsperg, the prince of the decadents, known for rejecting not only social life, but also the pleasures of love in favor of the Absolute and the Eternal Love. Villiers de L'Isle-Adam shares with the decadentsymbolist poets the feeling of contempt for all the bourgeois values of modern society. It was with his accursed poet's bitterness and critical eye that, against the realist-naturalist Romanesque tendency of successful love stories, this Frenchman inscribed the tragic love between Sara and Axël with the expression of desire for the Ideal Love: a sublime feeling, away from the trivialization of social and economic interests of his time. Not even the beautiful and attractive young lady Ève Sara was able to persuade the young prince to derive pleasure from the joys of real life. Axël's decision to give up social life and its pleasures and not to consummate carnal love is conscious and it proves that it's impossible for him to fit the vile reality surrounding him. Another work which is important regarding the expression of love in the decadent-symbolist literature is the drama Pélleas et Mélisande (1904), by the Belgian dramatic poet Maurice Maeterlinck (1862-1949), who followed the steps of ...(Complete abstract electronic access below) / Résumé: Cette thèse vise à tracer les lignes principales d'une image représentative de la pertinence du thème de l'amour décadent dans les oeuvres dramatiques de la fin du XIX siècle et du début du XXe siècle, à partir de la localisation des éléments caractéristiques de l'expression de l'amour par les poète-dramaturges qui en quelque sorte ont été liés à la littérature symbolistedécadentiste. Pour cela, on prend comme point de départ l'analyse du drame lyrique Axël (1986), du poète et dramaturge français Comte de Villiers de L'Isle-Adam (1840-1889), qui a marqué la littérature moderne avec le personnage emblématique Axël d'Auërsperg, le prince des décadents, connu pour avoir rejeté non seulement la vie, mais aussi les plaisirs de l'amour en faveur de l'Absolu et de l'Amour Éternel. Villiers de l'Isle-Adam partage avec les poètes symbolistes-décadentistes le sentiment de mépris pour les valeurs bourgeoises de la société moderne. D'un regard critique et avec l'amertume du poète maudit, ce Français, contrairement à la tendance romanesque réaliste-naturaliste, a imprimé dans l'amour tragique de Sara et d'Axël l'expression du désir de l'Amour Idéal: un sentiment sublime, éloigné des intérêts socio-économiques de leur temps. Pas même la belle et séduisante Ève Sara a réussi à persuader le jeune prince de se réjouir des plaisirs de la vie réelle. La décision d'Axël de quitter la vie et ses plaisirs et de ne pas consommer l'amour charnel est consciente et prouve son incapacité d'adaptation à la réalité qui l'entoure. Une autre oeuvre littéraire, aussi importante par rapport à l'expression du sentiment amoureux dans la littérature symbolistedécadentiste, est la pièce Pelléas et Mélisande (1904) du poète dramatique belge Maurice Maeterlinck (1862-1949), un adepte de l'écriture de....(Résumé complet accès életronique ci-dessous) / Doutor