Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2012-10-25T06:51:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 280718.pdf: 549102 bytes, checksum: c28da9cfd61b189d205a315684e443bf (MD5) / O objetivo desta pesquisa é analisar como o personagem Ricardo é construído em duas adaptações teatrais brasileiras de Ricardo III de William Shakespeare: Ricardo III, dirigida e adaptada por Jô Soares, e Ricardo III, dirigida por Roberto Lage e adaptada por Celso Frateschi, ambas encenadas em São Paulo em 2006. De 2003 a 2006, o Brasil passou por um momento delicado em termos de política. Vários escândalos aconteceram durante o governo Lula, sendo Escândalo do Mensalão, Escândalo dos Correios e Escândalo dos Bingos os que vieram à tona nos anos 2005 e 2006 e que causaram grande instabilidade política. Levando em consideração o fato de que duas montagens de uma das peças mais políticas de Shakespeare foram encenadas no Brasil em meio a esse turbilhão de escândalos políticos, a análise tem como foco a construção do personagem Ricardo, em cada produção, em relação ao contexto político brasileiro da época. A análise mostra que a construção dos protagonistas difere em cada produção. Enquanto a produção de Soares parece fazer referências ao contexto político da época e ao presidente Lula por meio de um Ricardo irônico, quase cômico, a produção de Frateschi e de Lage demonstra certa neutralidade e procura mostrar, por meio de um Ricardo malvado, cruel e violento, outros problemas da sociedade brasileira, tais como violência e os efeitos negativos do capitalismo.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, Florianópolis, 2012 / Made available in DSpace on 2013-06-25T18:43:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 313099.pdf: 819021 bytes, checksum: 38fc483707f2729c48b8bc90425ab10f (MD5) / Este trabalho tem como objeto principal a tradução, do castelhano para o português brasileiro, do texto dramático La tierra sin mal (1998) do autor paraguaio Augusto Roa Bastos. A partir de leituras críticas e considerações sobre o processo tradutório, este estudo vem reafirmar a importância do acesso aos textos do autor em língua portuguesa. O drama La tierra sin mal, apresenta aos leitores brasileiros, com esta tradução, um texto inédito em português. A tradução desta obra do gênero dramático também abre horizontes para uma integração entre as áreas das letras e das artes cênicas, ao criar uma oportunidade de encenação deste texto a um público brasileiro. Este trabalho traz ainda uma análise diretamente relacionada à cultura e aos temas que fundamentam a história da obra, pois em La tierra sin mal é possível observar aspectos relativos à realidade e cultura paraguaia, através de uma mescla entre história e mitologia guarani. Somada a esta análise, está um estudo sobre o processo de tradução desta obra dramática ao português e dos aspectos da poética do autor Augusto Roa Bastos. Compõem o trabalho observações de alguns fundamentos teóricos sobre cultura e tradução, especificamente na área da tradução teatral, a peça La tierra sin mal traduzida para o português seguida de uma análise do processo tradutório e por fim uma análise da poética do autor.<br> / Abstract : This paper has as main object translation, from Spanish to Brazilian Portuguese, the dramatic text La tierra sin mal (1998) of Paraguayan author Augusto Roa Bastos. From readings and critical considerations about the translation process, this study reaffirms the importance of access to the texts of the author in Portuguese. The drama La tierra sin mal, introduces for the readers to Brazil with this translation, an unpublished text in Portuguese. The translation of this work of dramatic genre also opens horizons for integration between the area of literature and arts, to create an opportunity of staging this text to a Brazilian public. This paper also carries an analysis directly related to culture and themes that underlie the history of the text, because in La tierra sin mal is possible to observe aspects of reality and Paraguayan culture through a blend of history and mythology Guarani. Added to this analysis is a study on the process of translating this dramatic text into Portuguese and poetic aspects of the author Augusto Roa Bastos. Compose the work of some theoretical observations on culture and translation, specifically in the area of theatrical translation, the piece theater La tierra sin mal translated into Portuguese followed by an analysis of the translation process and finally an analysis of the poetics of the author.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2013-07-16T04:05:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 279018.pdf: 1370258 bytes, checksum: 16ed3502245b99d274a9c053fcbc2bff (MD5) / Since its advent, photography has been used as a process of registry of images, either for souvenirs or as a physical proof that something existed in the past. The use of photographs as historical documents serves several areas, for the static and immutable physical characteristics of photos allow the images to be used as sources for analysis and study. It is in this context that photographs of a production of A Comédia dos Erros allow a detailed study of their contents and possible meanings. It is through the photographs of a scene that the analyst is able to detect particularities of a moment of the performance that no longer exists and, this way, reconstruct its moment within the spectacle. With the help of iconographic indications allied with the playtext, it is possible to obtain further details of a scene, even identifying the exact moment of the performance the image refers to. Considering that every photograph is a trace from the past, it is the viewer's role to read and understand the photographic image based on his or her socio-cultural background which will enable the reconstruction of meanings for the implicit fragments within the image. / Desde seu advento, fotografias têm sido usadas como veículo de registro de imagens, sejam elas para recordação ou como prova física de que algo existiu no passado. O uso de fotografias como documento histórico se estende por diversas áreas devido a suas características físicas estáticas e imutáveis que permitem que imagens sejam utilizadas como fontes de análise e estudo. É neste contexto que fotografias de uma montagem de A Comédia dos Erros permitem um estudo detalhado de seus conteúdos e possíveis significados. É através da fotografia de uma cena que o analista consegue detectar particularidades de um momento da performance que já não mais existe e assim reconstruir seu momento dentro do espetáculo. Com a ajuda de indicações iconográficas aliadas ao texto dramático é possível obter mais detalhes de uma cena, até mesmo identificar o exato momento da performance a qual a imagem se refere. Considerando que toda fotografia é um resíduo do passado, cabe ao interprete ler e compreender a imagem fotográfica baseado em sua bagagem sócio-cultural que possibilitará a construção de significados dos fragmentos implícitos na imagem.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-04-30Bitstream added on 2014-06-13T19:53:04Z : No. of bitstreams: 1 silva_en_me_arafcl.pdf: 422502 bytes, checksum: d3f2c2c1588c12579f8b34b1ea785ca2 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / As peças cômicas do luso-brasileiro Antônio José da Silva (1705-1739) — mais conhecido na História da Literatura pela alcunha de O Judeu — apresentam uma grande diversidade de recursos cênicos e literários cuja função primordial, além de provocar o riso espontâneo, é a de maravilhar os sentidos do espectador. Vários desses recursos, como os disfarces e os duelos — além dos trocadilhos e de outros expedientes de linguagem — são componentes de natureza lúdica, isto é, são pertinentes ao domínio do jogo. O objetivo deste trabalho é verificar, à luz dos estudos sobre o lúdico desenvolvidos pelo historiador Johan Huizinga (1872-1945) — e de outros estudos sobre as relações entre arte e ludicidade —, a hipótese de que o teatro de Antônio José da Silva configura-se tal qual um jogo, que se desdobra em competições amorosas, verbais e sociais. O corpus primário, sobre o qual incide a nossa análise, é constituído por três óperas joco-sérias do Judeu: Esopaida ou vida de Esopo (1734), Os encantos de Medeia (1735) e Guerras do Alecrim e Manjerona (1737). Cada elemento deste corpus representa, respectivamente, uma das três fontes principais da produção teatral do comediógrafo: a literária, a mitológica e a histórica / The comedies of Luso-Brazilian Antônio José da Silva (1705-1739) – known in the History of Literature by the nickname Jew – have a great diversity of scenic and literary resources, whose primary function, besides causing the spontaneous laughter, is the marvel of the senses of the viewer. Several of these resources, such as disguises and duels – as well as puns and other expedients of language – are components of playful nature; they present features of game. The objective of this project is to verify, in the light of studies on the playful developed by historian Johan Huizinga (1872-1945) – and other studies on the relationship between art and playful – the hypothesis that the theater of Antônio José da Silva is characterized as if it were a game that unfolds in loving, verbal and social competitions. The primary corpus of the research will consist of three Jew's operas joco-serious, namely: Esopaida ou vida de Esopo (1734), Os encantos de Medeia (1735) e Guerras do Alecrim e Manjerona (1737). Each element of this corpus represents, respectively, one of the three main sources of writer’s comic production: the literary, mythological and historical

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-03-03Bitstream added on 2014-06-13T19:32:24Z : No. of bitstreams: 1 abib_jr_me_arafcl_prot.pdf: 470315 bytes, checksum: aee73f979451fa2d1e4b6c02a865ab74 (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia – O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) –, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don’t hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia – O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:24Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-03-07Bitstream added on 2014-06-13T19:53:07Z : No. of bitstreams: 1 miziara_vs_me_arafcl.pdf: 347302 bytes, checksum: 86ed3f2b39f10068fdd7724f3db30518 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Secretaria de Educação / Partindo da idéia de que unidade é o resultado da união entre os interesses coletivos e os interesses individuais, Almada Negreiros reitera, ao longo da sua produção artística, que essa junção é uma necessidade do homem, mesmo que isso crie uma atmosfera de disputa constante entre os seres humanos. Assim, o conceito almadiano de tragédia da unidade é derivado da constatação da impossibilidade de conciliar, no ser humano, as suas necessidades particulares e as necessidades coletivas. Tendo como corpus as peças Desejase Mulher e S.O.S., pretendemos apresentar as nossas reflexões a respeito da tragédia da unidade e de como ela se expressa, formalmente, no teatro de Almada Negreiros. Ao longo desse percurso, constatamos dois princípios fundamentais à tragédia da unidade: a repetição e a fragmentação. Elementos básicos de nossa análise. / Considering unity as the result of the union between the collective interests and the individual interests, Almada Negreiros reiterates, along his artistic production, that this junction is a necessity of the man, even if this creates an atmosphere of constant dispute among the human beings. Thus, Almada Negreiros' concept of the tragedy of the unity is derived from the evidence of the impossibility of reconciling, in the human being, his own necessities and the necessities of the collectivity. Having as corpus the plays Deseja-se Mulher and S.O.S, we intended to present our reflections about the tragedy of the unity and how it expresses itself, formally, in Almada Negreiros' drama. During this study, we observed two fundamental principles of the tragedy of the unity: the repetition and the fragmentation. Basic elements of our analysis.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:44Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-05-02Bitstream added on 2014-06-13T18:44:07Z : No. of bitstreams: 1 boero_saal_dr_arafcl.pdf: 1342330 bytes, checksum: adbd99c984c7951513e05d833a3068ce (MD5) / Este trabalho tem o objetivo de investigar a figura do malandro, num corpus selecionado dentre as obras de Arthur Azevedo, ―maior autor do teatro brasileiro cômico‖, segundo Guinsburg et al (2006). Nossa hipótese é a de que o dramaturgo, na criação dessa personagem central e significativa nas peças referidas, parte da convenção da comédia que estabelece o uso de personagens da camada média ou baixa da população, do substrato do criado astuto da Comédia Nova e de seus congêneres posteriores até chegar ao que denominamos malandro azevediano. Essa figura teria ali duas importantes funções: a de satirizar o governo e as elites por criarem condições para a disseminação tanto dos malandros quanto da malandragem e a de conferir recriação estética aos homens e mulheres, que, por serem do povo, rapidamente seriam esquecidos. A fim de comprovar essa ideia, dividimos o estudo em quatro partes, a saber: a primeira, cujo escopo é conhecer, brevemente, a vida, a obra e a crítica sobre A. Azevedo; em seguida, explanar acerca das relações entre trabalho e ociosidade estabelecidas pelos brasileiros de então, e averiguar, partindo do conceito de ―navegação social‖, os esquemas de sobrevivência empreendidos pelas personagens em algumas cenas do corpus. Na terceira seção, procuramos rastrear a utilização do criado ardiloso, na Comédia Nova, passamos pelos Zanni e por Arlequim, cotejamos ainda as figuras do trickster, do pícaro e a do próprio malandro. Por fim, munidos das noções de cômico e de satírico, buscamos interpretar o malandro presente na dramaturgia azevediana. O referencial teórico usado vincula-se a pesquisas de diversas áreas: antropologia social, dramaturgia, sociologia, historiografia teatral, história da vida privada, literatura cômica e/ou satírica, linguística e outras / Our aim is to investigate the figure of the crook within a corpus made up of some of Arthur Azevedo‘s works. Azevedo is ―the greatest Brazilian comic theatrical author‖, according to Guinsburg et al (2006). It is our hypothesis that this playwright bases this historical leading character on a comedy convention that determines the use of characters from lower social classes, from the streetwise orderly of New Comedy up to his later congénere and what we call today the ―azevedian crook‖. This character supposedly has two important purposes: to poke fun at the government and the upper classes for providing the conditions that allowed the dissemination of crooks and also the purpose of esthetically recreating men and women who would soon be forgotten because they belonged to the lower classes. To prove our theory, we divided our study in four parts: the first one is a brief look into the life, the work and the reviews about A. Azevedo; next, we intend to talk about the relation between work and idleness of the Brazilians who lived in that period. We also intend to look into the concept of social navigation and the survival strategies used by some characters from corpus. In the third section we focus on the sleazy servant of New Comedy, on Zanni and Harlequin and conclude the section with a look on trickster, picaro and the crook himself. Finally, we use the concept of comical and satirical to interpret the crook of Azevedo's drama. Our theoretical references comes from researches from several areas: social antropology, dramatics, sociology, theatrical historiography, history of private life, comical/satirical literature, linguistics among others

Resumo: Esta dissertacao apresenta uma traducao, acompanhada de estudo introdutorio e notas, da obra Ifigenia entre os Tauros, de Euripides, a partir da edicao de J. DIGGLE (1981). Na introducao, propoe-se um estudo critico sobre a recepcao da obra, desde a Poetica de Aristoteles, em que foi vista como um modelo para a composicao tragica, ate seu desprestigio pela critica moderna e a reavaliacao de sua importancia por estudos recentes. Apresenta-se tambem uma discussao sobre aspectos concernentes a performance da obra e a possivel relacao entre sua textualidade e as reproducoes imageticas relacionadas a variante taurica do mito de Ifigenia. Segue-se a traducao em verso livre, acompanhada do texto grego utilizado e, por fim, notas em que se discutem aspectos estruturais, literarios e filologicos do texto. Por se tratar de uma obra cuja escritura estava orientada para o horizonte performativo das representacoes teatrais atenienses no seculo V a. C., a abordagem tradutoria e critica deste trabalho enfatiza as relacoes entre performance e textualidade, elementos indissociaveis na escritura dramaturgica da tragedia atica.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2016. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2017-04-06T20:01:19Z No. of bitstreams: 1 2016_CarlosMateusdaCostaCastelloBranco.pdf: 4952869 bytes, checksum: ccfa89f81c82e5d808f3bfe2da1528de (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2017-04-13T15:04:42Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_CarlosMateusdaCostaCastelloBranco.pdf: 4952869 bytes, checksum: ccfa89f81c82e5d808f3bfe2da1528de (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-13T15:04:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_CarlosMateusdaCostaCastelloBranco.pdf: 4952869 bytes, checksum: ccfa89f81c82e5d808f3bfe2da1528de (MD5) / A tese recupera aspectos do teatro em Brasília e discute sua relação com o contexto político dos anos 1960 e 1970. Para isso, é feita a recuperação do panorama do teatro político no século XX no Brasil, para analisar a produção da cidade dentro desse contexto mais amplo e como parte de um sistema que compartilhava dos mesmos conteúdos e muitas vezes das mesmas metodologias teatrais. O trabalho dialoga com a fortuna crítica do teatro político como Brecht, Piscator dentre outros e sobre as artes cênicas na cidade. Ainda, pretende formar um campo de visão que permita a análise da dramaturgia produzida nas primeiras décadas de Brasília, e identificar seu forte comprometimento com as questões políticas da época. Fatos relacionados à censura durante a ditadura militar e à produção do teatro e da dramaturgia local igualmente fazem parte desta tese. Também é feita a análise literária das peças Um Uísque para o Rei Saul, de César Vieira, Cristo x Bomba e As Caravelas de Sylvia Orthof, O Homem que enganou o diabo... e ainda pediu troco de Luiz Gutemberg, O Quarto de Dácio Lima e Capital da Esperança, do Grupo Carroça, dirigida por Humberto Pedrancini. / The thesis recovers aspects of the theater in Brasilia and discusses its relationship to the political context of the 1960’s and the 1970’s. To achieve that the panorama of the political theater in the twentieth century in Brazil is retrieved in order to analyze the city's theatrical production within this broader context and as part of a system sharing the same content and often the same theatrical methodologies. The work speaks to the critical fortunes of the political theater like Brecht, Piscator among others and about the performing arts in the city. Moreover it intends to form a visual field that enables the analysis of the dramaturgy produced in the first decades of Brasilia and identify its strong commitment to the political issues of the time. Facts related to the censorship during the military dictatorship and the theatrical production and local dramaturgy are also part of this thesis. Additionally a literary analysis of the following plays are made: Um Uísque para o Rei Saul, by César Vieira, Cristo x Bomba e As Caravelas by Sylvia Orthof, O Homem que enganou o diabo... e ainda pediu troco by Luiz Gutemberg, O Quarto by Dácio Lima, Capital da Esperança, by Grupo Carroça, directed by Humberto Pedrancini.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Línguas Estrangeiras e Tradução, Programa de Pós-Graduação em Estudos da Tradução, 2017. / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2017-06-13T21:21:45Z No. of bitstreams: 1 2017_GuilhermePereiraRodriguesBorges.pdf: 3110135 bytes, checksum: 5283c3adad533a744df4668e0217f2e0 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-08-11T22:21:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_GuilhermePereiraRodriguesBorges.pdf: 3110135 bytes, checksum: 5283c3adad533a744df4668e0217f2e0 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-11T22:21:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_GuilhermePereiraRodriguesBorges.pdf: 3110135 bytes, checksum: 5283c3adad533a744df4668e0217f2e0 (MD5) Previous issue date: 2017-08-11 / Esta dissertação tem como objetivo analisar três traduções do inglês para o português do Brasil da peça teatral A streetcar named Desire (1947), de Tennessee Williams (1911-1983), para mostrar como foram traduzidos aspectos da composição artística do escritor e o discurso da personagem Blanche Dubois. A primeira tradução, de Brutus Pedreira, foi publicada em 1976 pela editora Abril Cultural, em São Paulo. A segunda tradução, de Vadim Nikitin, foi publicada em 2004 pela editora Peixoto Neto, em São Paulo. A terceira tradução, de Beatriz Viégas-Faria, foi publicada em 2008 pela editora L&PM, em Porto Alegre. Essas três traduções receberam o mesmo título, Um bonde chamado Desejo. Para constatar como a obra em questão, uma das mais importantes do teatro norte-americano, tem circulado no Brasil, esta dissertação trata dessas referidas múltiplas traduções publicadas da peça e o foco do estudo é no texto enquanto drama, enquanto obra literária. Na análise das traduções, considera-se principalmente como foram traduzidas as características estilísticas (LEECH; SHORT, 2007) da escrita de Williams, bem como a composição da personagem protagonista da peça, Blanche Dubois, e de seu discurso peculiar. Essa personagem se tornou um dos elementos mais marcantes da mitologia popular norte-americana devido ao sucesso de crítica e de público que foi a peça de Williams e suas subsequentes reescrituras (filme, televisão, ópera, balé, etc.) (LEFEVERE, 1992). Sendo assim, se mostra relevante observar a maneira como essa figura feminina foi abordada nas três traduções da obra para o português do Brasil. Além disso, se explora informações sobre os agentes do processo tradutório (tradutores, revisores, editoras) bem como sobre aspectos referentes às capas, contracapas, coleções e paratextos (GENETTE, 2009) das traduções. Com o desenvolvimento dos Estudos da Tradução e de sua vertente descritiva, veio a se reconhecer que a tradução literária, sobretudo a teatral/dramática, envolve questões que vão além do âmbito puramente linguístico, invocando também o sociocultural, histórico e político. Com o objetivo de melhor analisar as circunstâncias literárias e extraliterárias relacionadas à transferência de uma obra de determinado sistema de partida para outro, é adotada a Teoria dos Polissistemas de Itamar Even-Zohar (1990) que foi uma das bases para o posterior estabelecimento da disciplina com a contribuição acerca da tradução e da tradução literária de teóricos como Susan Bassnett (1980), Theo Hermans (1985), Gideon Toury (1980, 1995), André Lefevere (1992), Lawrence Venuti (1995), entre outros. Como metodologia de análise das traduções de Streetcar, é usado como parâmetro geral o esquema de descrição de traduções literárias desenvolvido por José Lambert e Hendrik Van Gorp (1985). A partir da análise de exemplos selecionados das três traduções e de seu texto de partida correspondente, observa-se que a abordagem dos tradutores é diversa. Pedreira (1976) parece preferir estratégias opostas às de Viégas-Faria (2008). Enquanto Pedreira faz inúmeras omissões em seu texto, a tradução de Viégas-Faria se apresenta aumentada, ou seja, explicativa e didática, com acréscimos pontuais de texto pela tradutora (e que não estão no texto de partida). Já, Nikitin (2004) se mantém mais alinhado ao texto de partida, reproduzindo, em português, elementos como a pontuação característica de Williams e outros recursos do texto. Em relação à personagem Blanche, na tradução de Pedreira ela é rasa, insossa, submissa e resignada. Nas traduções de Nikitin e de Viégas-Faria, a personagem está mais alinhada ao texto de partida e destaca-se o fato que Viégas-Faria compôs o discurso dessa personagem com mais consideração. Com esta dissertação, objetiva-se fornecer uma contribuição para os estudos de peças teatrais em múltiplas traduções no Brasil e também expandir o interesse no que se refere à tradução de obras dramáticas entre diferentes culturas. / This dissertation presents an analysis of three translations from English into Brazilian Portuguese of Tennessee Williams’ (1911-1983) A streetcar named Desire (1947). This study highlights how aspects of the writer’s artistic composition and the character Blanche Dubois have been translated. The first translation, by Brutus Pedreira, was published in 1976 by Abril Cultural, in São Paulo. The second translation, by Vadim Nikitin, was published in 2004 by Peixoto Neto, in São Paulo. The third translation, by Beatriz Viégas-Faria, was published in 2008 by L&PM, in Porto Alegre. All of these three translations have the same title: Um bonde chamado Desejo. To see how the work in question, one of the most important plays in American theater, has circulated in Brazil, this dissertation approaches these aforementioned multiple published translations of the play and the focus of the study is on the text as drama, as literature. In analyzing the works, it is mainly considered the way in which stylistic features (LEECH; SHORT, 2007) of Williams’ writing, as well as the composition of the main character of the play, Blanche Dubois and her peculiar speech, have been translated into Portuguese. Due to the critical and audience success of Williams’ play and its following rewritings (film, television, opera, ballet, etc.) (LEFEVERE, 1992), this character became one of the most striking elements of American popular mythology. Thus, it is relevant to observe the way in which this female figure was approached in the three translations of the work into Brazilian Portuguese. In addition, information about the agents of the translation process (translators, proofreaders, publishers) is explored, as well as aspects related to covers, back covers, collections and paratexts (GENETTE, 2009). With the development of Translation Studies and its descriptive field, it has come to be recognized that literary translation, especially theatrical/dramatic translation, involves issues that go beyond the linguistic scope, also invoking social, cultural, historical and political factors. In order to better analyze the literary and extra-literary circumstances related to the transfer of a work from one system to another, the Polysystems Theory by Itamar Even-Zohar (1990) was adopted, which was one of the bases for the establishment of the discipline with the contribution of theoreticians like Susan Bassnett (1980), Theo Hermans (1985), Gideon Toury (1980, 1995), André Lefevere (1992), Lawrence Venuti (1995), among others, whose works are also explored here. As methodology, the hypothetical scheme for describing literary translations developed by José Lambert and Hendrik Van Gorp (1985) is used as general parameter. From the analysis of selected examples of the three translations and their corresponding starting text, it is clear that the approaches of the translators are diverse. Pedreira (1976) seems to prefer strategies opposed to those of Viégas-Faria (2008). While Pedreira makes several omissions in his text, Viégas-Faria’s translation is expanded, explanatory and didactic, with punctual additions of text by the translator that are not in the starting text. Nikitin (2004) is more aligned with the starting text, reproducing, in Portuguese, features such as Williams’ characteristic punctuation and other elements of the text. In regards to the character Blanche, in Pedreira’s translation she has no depth, she is dull, submissive and resigned. In Nikitin and Viégas-Faria’s translation she is more aligned with the starting text and stands out the fact that Viégas-Faria composed her speech with more consideration. It is hoped with this dissertation to provide a contribution to the study of plays in multiple translations in Brazil and also to expand interest on the translation of dramatic works between different cultures.