O trabalho discute uma faceta ainda pouco explorada da poeta Marina Tsvetáieva: seus textos dramáticos, em especial o ciclo Romantika (1916-1917). Para tanto, apresenta Uma aventura (1917), peça integrante do ciclo mencionado, em tradução não definitiva. Uma tentativa, ainda que distante, de recriar a voz que a poeta achou para si nos palcos da Rússia recém-soviética. Ao buscar localizar a produção para teatro ao lado da obra poética de Tsvetáieva, o presente trabalho comenta todas as peças teatrais escritas por ela, mas se detém especialmente em Uma aventura, na qual busca as motivações para construções dramáticas tão díspares em relação à realidade que Marina Tsvetáieva encontrava na sua cidadenatal. Lança-se mão de um breve comentário sobre a teoria do individualismo e da paródia para elucidar uma possível interpretação de Uma aventura. / This study discusses an underexplored side of Marina Tsvetáieva\'s work: her dramatic creations, specially the Romantika (1916-1917) cycle. In order to do so, it presents a non settled translation of Uma aventura (1917), a play from that cycle. It\'s an intent to recreate the voice that the poet developed for herself on the stages in Russia, during the beginning of the soviet regime. When comparing side by side Tsvetáieva\'s dramatic and poetic oeuvre, this study offers commentary on all her plays, while focusing specifically on Uma aventura, in which it searches for the reasons that would lead her to create theatrical inventions that were very different to those she would find in her homeland. In order to develop a possible interpretation of Uma aventura, a brief theory of individualism and parody is sketched.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:54Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-02-13Bitstream added on 2014-06-13T18:55:30Z : No. of bitstreams: 1 sanches_cm_me_arafcl.pdf: 554227 bytes, checksum: adb639a09c224574f3b626faf59e4eff (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / O objeto de investigação deste trabalho é a tragédia Phoenissae, do autor romano Lucius Annaeus Seneca (4 a.C.? – 65 d.C.). Assim, é dividido fundamentalmente em duas partes: 1- estudo introdutório; 2- Tradução do referido drama, com notas de referência. No estudo introdutório, faz-se uma sucinta apresentação sobre o surgimento do teatro e sobre sua trajetória na Antiguidade. São feitas breves referências à vida e à obra de Sêneca. O mito de Édipo e sua expressão em diversos contextos históricos são abordados. Outros assuntos que compõem este trabalho são: a maneira como Sêneca e sua obra trágica foram mencionados pelos autores da Antiguidade e pelos estudiosos posteriores; a questão da datação e da cronologia de suas peças; as fontes do autor para a composição de seus textos (influências gregas e romanas); as influências que ele exerceu nas literaturas posteriores; os conceitos de imitação e de intertextualidade relacionados à sua obra; a métrica utilizada em seus textos trágicos. O estudo trata de características gerais da obra dramática senequiana, que vão desde a maneira como o autor aborda os mitos, até a polêmica sobre os textos terem sido escritos para leitura ou para encenação. Depois, foca-se na tragédia Phoenissae, e, a partir dela, discutem-se questões como: incertezas sobre o título, incompletude da obra, diferenças em relação às outras peças que abordaram o mesmo mito, caracterização da personagem Édipo. Para dar um foco mais preciso ao estudo dessa tragédia, é nela observada a presença do furor, elemento que transforma as personagens em monstro. O assunto é analisado com base em exemplos de que Édipo, na peça, está sendo consumido pelo furor. O furor, na tragédia, é comparado ao conceito de ira presente na obra filosófica de Sêneca, mais especificamente, no tratado De ira (Sobre a Ira) / The Phoenissae tragedy, by the Roman author Lucius Annaeus Seneca (c. 4 BC – 65 AC) is the object of study herein. It basically consists of two parts: 1 – initial study; 2 – translation of this tragedy, including reference notes. A brief explanation at the beginning of this study as to how theatre arose and its course in ancient times is presented. Brief references to Seneca‟s life and composition are quoted. The myth of Oedipus and its expression in sundry historical contexts are also tacked. Other matters herein are: the way Seneca and his dramatic composition was approached by the authors from ancient times and by subsequent scholars; the dating and chronology of his plays; the sources he has used to make his writings up (Greek, Roman influences); how he affected the later literatures; the concepts of imitation and intertextuality concerning his composition; the prosody in his tragic texts. This study addresses the major features of Seneca‟s dramatic composition, involving how the author deals with myths, the controversy over the texts for literature or staging and suchlike. Afterwards, the Phoenissae tragedy is stressed, and from it are considered: doubts about the title; incomplete composition, differences between other plays involving the same myth; describing the character Oedipus. For a sharper focus on this tragedy study, the furor is observed, an element that turns the characters into monsters. The subject is based on examples of Oedipus (within the play) being consumed by the furor. The furor within the tragedy is compared to the concept of ira in the Seneca‟s philosophical composition, particularly including De Ira (On anger)

Made available in DSpace on 2015-03-03T11:52:43Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-02-26Bitstream added on 2015-03-03T12:07:07Z : No. of bitstreams: 1 000805746.pdf: 978083 bytes, checksum: 58155560b869af3e34c8bb5139043359 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Dea Loher, dramaturga nascida no país de Bertolt Brecht, reinventa o teatro político nos anos 90 do século XX, buscando devolver ao teatro seu lugar social que estimula o debate. Com a ascensão do capitalismo e o surgimento dos meios de comunicação de massa, segundo alguns autores, o teatro perdeu espaço face às novas mídias baseadas no consumo de imagens. A proposta de Loher é discutir questões pós-modernas através da literatura, recorrendo a estéticas dramáticas tradicionais que dialogam com o teatro épico e os efeitos de distanciamento brechtianos, assim como alguns recursos da estética pós-dramática. Junto a esses conceitos teatrais, Loher adota da física quântica o Princípio da Incerteza, do físico Heisenberg e técnicas cinematográficas do grupo “Dogma-95”, dos dinamarqueses Lars Von Trier e Thomas Vinterberg, para mostrar no palco a política de forma desfocada com quebras e interrupções fílmicas a fim de proporcionar ao público a possibilidade de reflexão ao tirar do espectador uma visão privilegiada. Essa mistura de estilos pode ser denominada “teatro híbrido” em referência aos estudos de hibridismo cultural do professor Homi Bhabha. Em sua peça mais complexa, Inocência, Loher apresenta um drama com todas essas características revelando o retrato de uma sociedade onde as pessoas vivem em busca de sentido para as próprias vidas tendo que lidar com temas como morte, abandono, fé, Deus, dinheiro, preconceito e amor com o objetivo de refletir sobre os problemas da sociedade pós-moderna, a falência das metanarrativas e do projeto de emancipação humana e a ascensão dos simulacros. A dramaturga faz esta proposta ao seu leitor, optando por um drama cíclico de caráter episódico aparentemente cronológico, revelando no decorrer da história um colapso espácio-temporal. Esta retomada de elementos estéticos caracteriza-se por um hibridismo da forma teatral que afasta Loher do épico ... / Dea Loher, playwright born in Bertolt Brecht’s country, reinvents political theater in the 90s trying to give back to theater its social place that stimulates discussion. With the rising of capitalism and the appearance of mass media, according to some authors, theater lost its space to the media based on the consumption of images. Loher’s proposal is to discuss post-modern issues through literature resorting to traditional dramatic aesthetics that link to the epic theater and the Brechtian V-Effekte, as well as recourses found in the post-dramatic aesthetics. Together with these theatrical concepts, Loher adopts from quantum physics the Uncertainty Principle by the physicist Heisenberg and also some cinematographic techniques by the group “Dogma-95” created by the Danes Lars Von Trier e Thomas Vinterberg to show on stage politics in a blurred way with filmic breaks and interruptions in order to provide the audience with the possibility of reflection as she takes away from the spectator a privileged view. This mixture of styles can be named “hybrid theater” in reference to the studies of hybridism by the Professor Homi Bhabha. In Loher’s most complex play, Innocence, the playwright presents a kind of drama with all these characteristics revealing a portrait of a society where people live searching for a meaning for their own lives having to deal with themes such as death, abandonment, faith, God, money, prejudice and love with the objective of reflecting on the problems of the post-modern society, the falling of the metarratives and the project of human emancipation and the rising of simulacra. The playwright proposes this to her reader, opting for a cyclic and episodic drama that is apparently chronologic, but that reveals throughout the story a collapse of space and time. This resumption of aesthetics elements reveals a certain hybridism of the theatrical form, which deviates Loher from the epic and the post-dramatic and ...

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo / Banca: Lúcia Regina Vieira Romano / Banca: Joasé Paiani Spaniol / Banca: Rosa Gabriella de Castro Gonçalves / Banca: Alvaro Seixas / Resumo: O trabalho apresenta o processo de criação do texto dramatúrgico Auké - A Ilha Invisível e a produção pictórica criada especificamente para ele. O texto dramatúrgico discute os desdobramentos que a comunicação cria a partir do encontro entre personagens oriundos de mundos diferentes e os desentendimentos relacionais consequentes. O trabalho busca integrar a pintura com a dramaturgia teatral para compor uma nova sintaxe estética tanto visual quanto teatral a partir das afinidades e diferenças entre as duas linguagens. A tese aborda também a transformação da pintura ao estar nesse novo lugar que não é o espaço expositivo tradicional público e/ou privado. A pesquisa revela o processo de escrita do texto dramatúrgico e o resultado obtido dessa inter-relação com a pintura. Assim, a dramaturgia e a pintura ao se fundirem num propósito comum criam um campo conceitual e experimental que se desdobra em uma nova práxis artística. / The work presents the process of creation of the dramaturgic text Auké - A Ilha Invisível ( Auké - The Invisible Island) and the pictorial production specially created for it. The dramaturgic text discusses the unfolding ways that communication creates from the meeting of the characters coming from different worlds and the consequent quarrels in their relationship; The work aims at integrating the painting with theatrical dramaturgy to compose a new aesthetics syntax both visual as well as theatrical starting with the similarities and differences between the two languages. The thesis also approaches the transformation of picture by being in that new place which is not the private and or public traditional space for exhibition. The research reveals the process of writing the dramaturgic text and the result obtained out of that interrelation with the painting. Therefore, the dramaturgy and the painting when merging in a common purpose create a conceptual and experimental field that unfolds into a new artistic practice. / Doutor

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2015. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2016-01-19T15:06:07Z No. of bitstreams: 1 2015_LiviaZacariasRocha.pdf: 10414134 bytes, checksum: 474e7e3b6aec9401821bc58f6aed576c (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-01-26T20:29:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_LiviaZacariasRocha.pdf: 10414134 bytes, checksum: 474e7e3b6aec9401821bc58f6aed576c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-26T20:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_LiviaZacariasRocha.pdf: 10414134 bytes, checksum: 474e7e3b6aec9401821bc58f6aed576c (MD5) / O trabalho proposto nesta dissertação objetiva analisar as relações entre literatura, teatro e artes visuais, tendo como ponto de partida as versões sobre A Morte de Ofélia, do pintor francês Eugène Delacroix (1798-1863). Assim, a pesquisa abordará questões teóricas acerca dos estudos interartes e as contribuições que o pintor proporcionou para esse campo de trabalho. Por meio da explanação das transformações ocorridas no teatro francês entre os séculos XVII e XIX, esta investigação pretende, também, estabelecer conexões entre a mise en scène e o estilo de interpretação francês do século XIX com as escolhas feitas por Delacroix em relação ao gesto e à organização dos personagens em suas obras. / The work proposed in this dissertation intends to analyze the relationship among literature, theater and visual arts, taking as a starting point the versions of The Death of Ophelia by French painter Eugène Delacroix (1798-1863). Thus, theoretical questions about interart studies and the contributions that the painter gave to this field of work will be arguing. By the means of the explanation of the changes occurred in French theatre between the seventeenth and nineteenth centuries it is intended to create connections among the mise en scène and French acting style of nineteenth century with the choices made by Delacroix in relation to gesture and characters organization in his works.

Dissertação (Mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. / Made available in DSpace on 2012-10-17T05:01:20Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-08T23:15:44Z : No. of bitstreams: 1 139825.pdf: 15654468 bytes, checksum: 71e422d5cdda58bbb3956ec5327db155 (MD5)

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2010 / Made available in DSpace on 2012-10-25T03:24:44Z (GMT). No. of bitstreams: 0 / Este estudo trata da adaptação de peças de William Shakespeare à televisão. Abrange, em especial, duas produções da BBC Shakespeare Series, a saber, Antony and Cleopatra (1981), dirigida por Jonathan Miller, e Cymbeline (1983), dirigida por Elijah Moshinsky. Ambas foram filmadas numa época em que a maioria dos produtores e diretores da BBC concebiam a televisão como um meio no qual as produções tinham que parecer mais realísticas possíveis, como numa abordagem fílmica realística. Miller e Moshinsky, por outro lado, fizeram uso de estilização#uma abordagem não realística#em suas produções, tomando pinturas do final do século XVI e do século XVII como inspiração para a composição de cenários, figurinos, iluminação e organização do espaço. Este estudo busca fazer uma análise comparativa de elementos visuais das referidas produções, assim como verificar a presença e a eficácia de estilização como abordagem de se televisionar as peças de Shakespeare.

Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-02-25T16:17:08Z No. of bitstreams: 2 Yuri Brunello - Elementos textuais.pdf: 490502 bytes, checksum: 707fed720874a027c67333dc423e5b5f (MD5) Yuri Brunello - Elementos pré-textuais.pdf: 65701 bytes, checksum: d0b6c0eed2147b637b6b73d900fb4d42 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-02-25T16:29:54Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Yuri Brunello - Elementos textuais.pdf: 490502 bytes, checksum: 707fed720874a027c67333dc423e5b5f (MD5) Yuri Brunello - Elementos pré-textuais.pdf: 65701 bytes, checksum: d0b6c0eed2147b637b6b73d900fb4d42 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-02-25T16:29:54Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Yuri Brunello - Elementos textuais.pdf: 490502 bytes, checksum: 707fed720874a027c67333dc423e5b5f (MD5) Yuri Brunello - Elementos pré-textuais.pdf: 65701 bytes, checksum: d0b6c0eed2147b637b6b73d900fb4d42 (MD5) / O nosso trabalho responde a uma pergunta fundamental: por que Rodrigues, nos primeiros anos da sua produção, colhe das obras pirandellianas diferentes elementos? A nossa pesquisa considera as primeiras três peças rodrigueanas: A mulher sem pecado, Vestido de noiva e Álbum de família. Ao longo do trabalho, mostraremos que existem nestas três peças elementos intertextuais e interdiscursivos que Rodrigues tirou de Pirandello. A hipótese que embasa o presente estudo é a seguinte: de acordo com a sua postura ideológica, Rodrigues utiliza traços do estilo pirandelliano que lhe são mais congeniais. No começo da sua atividade teatral ele tenta fazer uma obra que agrade a elite cultural carioca. Não tem sucesso, porque esteticamente o seu trabalho não corresponde ao gosto dominante nos ambientes culturais do Rio de Janeiro. O que, na verdade, está na moda é a experimentalidade estetizante, ou seja, o que se encontra em Vestido de noiva, uma obra formalmente muito articulada e complexa que quer emocionar o publico através do experimentalismo: não é por acaso que Rodrigues, nessa fase, se aproxima mais d.o lado experimental da arte pirandelliana. Obtido o sucesso, Rodrigues foge da arte de sensação e do conformismo estético. Quando não quer mais falar a uma elite, mas ao contrário, concebe uma arte da subalternidade, olha a um outro Pirandello, o revolucionário. Nasce assim Álbum de família. As opções de estilo dependem das ideologias: ou seja, expressam visões do mundo de significado cultural e social. Por isso a escolha de inspirar-se em Pirandello não tem somente um valor estilístico, mas também social e cultural. / Universidade Federal da Bahia. Faculdade de Comunicação. Salvador-Ba, 2008

62 f.(Introdução) / Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-05-06T15:07:14Z No. of bitstreams: 3 Igor Nunes Dourado de Carvalho - Introdução.pdf: 352807 bytes, checksum: 8b9463cadb4ecfde91d2fe1d7c296907 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Ficha Catalográfica.pdf: 15703 bytes, checksum: ca872beb11866e04b8dab6dc77b2d9d7 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Pré-Textuais.pdf: 16368 bytes, checksum: a99fe9e41c9f1537d35fbce845fe2682 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-05-07T17:05:39Z (GMT) No. of bitstreams: 3 Igor Nunes Dourado de Carvalho - Introdução.pdf: 352807 bytes, checksum: 8b9463cadb4ecfde91d2fe1d7c296907 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Ficha Catalográfica.pdf: 15703 bytes, checksum: ca872beb11866e04b8dab6dc77b2d9d7 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Pré-Textuais.pdf: 16368 bytes, checksum: a99fe9e41c9f1537d35fbce845fe2682 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-07T17:05:39Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Igor Nunes Dourado de Carvalho - Introdução.pdf: 352807 bytes, checksum: 8b9463cadb4ecfde91d2fe1d7c296907 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Ficha Catalográfica.pdf: 15703 bytes, checksum: ca872beb11866e04b8dab6dc77b2d9d7 (MD5) Igor Nunes Dourado de Carvalho - Pré-Textuais.pdf: 16368 bytes, checksum: a99fe9e41c9f1537d35fbce845fe2682 (MD5) / A produção acadêmica de Cleise Mendes propõe uma releitura do conceito de catarse, especialmente quanto ao efeito da comédia. Partindo de expressivas referências teóricas, como Henri Bergson e Bertolt Brecht a proposta de Mendes é investigar a possibilidade de o gênero dramático ser mobilizador da integralidade do sujeito: razão e emoção, independentemente da modalidade de representação literária. Após a compreensão das concepções de catarse de Mendes, proponho uma leitura dialógica com sua própria produção ficcional dramática: a comédia Marmelada: uma comédia caseira e o drama Noivas. Suspeito, que uma melhor leitura das teorias de Mendes não decorre apenas dos textos acadêmicos, mas também que sua própria ficção pode dar pistas, suplementar o entendimento da catarse. Deste modo, a pesquisa ora apresentada tem o objetivo de confrontar e analisar conexões possíveis entre a teoria e dramaturgia de Cleise Mendes, sendo possível visualizar e compreender contaminações entre as instâncias de fala assumidas pela teórica. Com esta investigação, não pretendo defender que a ficção serve aos ideais teóricos, mas que a construção teórica de Mendes possibilita uma metodologia de leitura convergente e integrativa com a própria ficção. Portanto, este trabalho é a construção de uma leitura possível da ficção de Mendes, articulada e em diálogo com a produção teórico-acadêmcia da própria dramaturga. / Universidade Federal da Bahia. Instituto de Letras. Salvador-Ba, 2012.

Submitted by Reginaldo Soares de Freitas (reginaldo.freitas@ufv.br) on 2017-05-02T17:05:21Z No. of bitstreams: 1 texto completo.pdf: 1020908 bytes, checksum: d873a067d1c12e4ccbb8eda9b72f6a3e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-05-02T17:05:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 texto completo.pdf: 1020908 bytes, checksum: d873a067d1c12e4ccbb8eda9b72f6a3e (MD5) Previous issue date: 2016-11-25 / Este estudo discute o percurso intertextual das comédias A megera domada e Muito Barulho por nada, de William Shakespeare, adaptadas para os cordéis de Marco Haurélio e José Santos, respectivamente. A pesquisa busca mostrar como o texto fonte ganha novas feições cada vez que é reinterpretado e recriado. As mudanças ocorridas nesse processo de transculturação ocorrem desde o plano da linguagem à inserção de elementos da cultura popular nordestina ao texto adaptado. O principal objetivo dessa pesquisa é refletir sobre esse processo, classificado por Linda Hutcheon (2011) como indigenização, ocorrido na adaptação das peças para o cordel. Além disso, a recriação dramática feita pelos cordelistas assume importantes funções sociais no contexto da cultura, dentre elas o estabelecimento da relação entre uma arte erudita e uma arte popular brasileira, ou seja, a partir das raízes das manifestações artísticas populares, a arte erudita é recriada. Este processo de adaptação se mostra também pertinente no que se refere ao acesso à leitura de textos literários e à formação de leitores. Para alcançar tais objetivos, foram utilizadas as teorias da Adaptação de Linda Hutcheon e Robert Stam, além dos estudos de Bakhtin e Julia Kristeva e o debate sobre cultura pautado nos estudos de Raymond Wiliams, Terry Eagleton e Alfredo Bosi. Por fim, sobre o cordel, foram agregadas as pesquisa de Márcia Abreu e Sylvia Nemer. / This study discusses the intertextual path of the comedies The Taming of the Shrew and Much Ado About Nothing, by William Shakespeare, adapted to cordels by Marco Haurélio and José Santos, respectively. The research aims at showing how the source text gains new characteristics each time it is reinterpreted and recreated. The changes which occurred in this transculturation process occurred from the language plan to the insertion of Northeastern popular culture elements in the adapted text. This research’s main goal is to reflect upon this process, classified by Linda Hutcheon (2011) as indigenization, which occurred in the plays adaptation to cordel. Besides this, the drama recreation done by cordelists assume important social functions in culture context, such as the establishment of a relation between an erudite art and a popular Brazilian one, in other words, from the roots of popular artistic manifestations, the erudite art is recreated. This adaptation process also shows itself pertinent concerning the access to reading of literary texts and to readers’ formation. In order to achieve such goals, Linda Hutcheon’s and Robert Stam’s theories were used, besides the studies by Bakhtin and Julia Kristeva and the debate about culture lined by Raymond Williams, Terry Eagleton and Alfredo Bosi’s studies. Finally, about cordel, Márcia Abreu’s and Sylvia Nemer’s researches were aggregated to the research as well.