La Seconde Guerre mondiale a profondément perturbé les sociétés européennes. À son issue, le champ est laissé libre à des dynamiques de recomposition passant par des rapprochements ou, au contraire, par des clivages puissants. Les populations françaises et allemandes ont été affectées au premier chef par ces évolutions. Or, comme les organisations syndicales de travailleurs constituent les principales organisations de masses, elles offrent un angle d’approche particulièrement intéressant pour appréhender le dialogue développé dans un contexte marqué par la partition de l’Allemagne, par la Guerre Froide, et par la construction européenne dont l’interpénétration des économies est un des principaux aspects. Cette thèse considère, à la croisée de la question de la réconciliation et de celle d’une coopération à venir, la mise en place des échanges syndicaux entre la France et les deux Allemagnes, examine la pratique des échanges et éclaire les phénomènes de convergence et de crispation. / The Second World War profoundly disrupted European societies. When the war came to an end, a dynamic of recomposition, based either on reconciliation or on sharp divisions, took hold of the continent. The French and German populations were the first to bear the brunt of these evolutions. Because of their numerous adherents, trade unions constituted the most important mass organizations of their time, and consequently offer a particularly interesting perspective on the Franco-German dialogue, especially against the backdrop of the division of Germany into two states, the Cold War, and the construction of Europe, of which economic interpenetration was a main aspect. This thesis considers, at the crossroads of a process of reconciliation and of future cooperation, the establishment and structuring of trade unions exchanges between France and Germany, examines exchange practices, and highlights adjoining convergence and tension phenomena.

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L’Europe du XXe siècle voit la création de compagnies et centres de recherche qui se consacrent à la redécouverte des modules de la Commedia dell’Arte, véritable forme de théâtre traditionnel en Occident qui a décliné après la ‘réforme’ de Goldoni. Giovanni Poli représente l'exemple le plus significatif de ce processus de réinvention que nous appelons, avec un néologisme, néo-Commedia dell'Arte. Ayant eu accès à ses archives privées et après les avoir retranscrites et proposées en annexe, nous avons pu entrer dans tous les méandres de son activité polymorphe et voir comment elles répondaient à nos questionnements. La présente thèse est structurée en trois parties allant de la pensée à la pratique et vice-versa. La première interroge la formation de la pensée de Poli autour de la Commedia dell'Arte afin de comprendre quelle était la démarche qui l'a conduit à concevoir son spectacle le plus célèbre La Commedia degli Zanni (1958). La deuxième est dédiée à sa pratique artistique, corrélée à la fois à la dramaturgie et aux mises en scène inspirées du phénomène historique, attachant une importance particulière à la technique du montage anthologique, l'une des caractéristiques principales de son écriture ‘postdramatique’. La dernière partie analyse les processus de transmission de cette réinvention, qui advient à travers son activité pédagogique et les ‘voyages’ au sens propre et au sens figuré entrepris avec sa néo-Commedia dell'Arte. Puisant à la fois dans la tradition théâtrale italienne et dans l’avant-garde, il réinvente un système référentiel, se révélant une cheville indispensable à la reconstruction du panorama européen et mondial de la néo-Commedia dell'Arte. / Europe of the XXth century sees the creation of companies and research centers which dedicate themselves to the rediscovery of the modules of Commedia dell'Arte, the real shape of western traditional theater, which declined after the 'reform' of Goldoni. Giovanni Poli represents the most significant example of this process of reinvention that we call, with a neologism, néo-Commedia dell'Arte. Having had access to his private archives and having transcribed and proposed them in appendix, we were able to enter all the meanders of his polymorphic activity and to see how they answered our questionings.This thesis is structured in three parts, moving from the thought to the practice and vice versa. The first one, questions the formation of Poli’s thought around Commedia dell'Arte to understand what was the approach which led him to conceive his most famous play La Commedia degli Zanni (1958). The second part is dedicated to his artistic practice correlated, at the same time, with dramatic art and with directions inspired by the historical phenomenon, setting a particular importance to the technique of anthological editing, one of the main features of his 'postdramatic' writing. The last part analyzes the processes of transmission of this reinvention, which happens through his educational activity and the 'journeys' literally and figuratively undertaken with his néo-Commedia dell'Arte. Drawing at the same time on Italian theatrical tradition and on the avant-garde, he reinvents a reference system, showing itself an essential core to the reconstruction of European and world panorama of néo-Commedia dell'Arte.

L’errance est thématiquement présente dans le théâtre irlandais du début du XXe siècle. Le personnage errant est tout d’abord un moyen pour le dramaturge d’explorer et de dénoncer la perte ressentie par le peuple irlandais. Les vagabonds mis en scène expriment également le questionnement métaphysique de l’homme sur terre. Dans la Seconde moitié du siècle, l’errance infiltre la structure de la pièce, qu’il s’agisse de pièces irlandaises ou anglaises. Elle demeure, à travers le siècle, un thème de prédilection pour explorer les traumatismes, qu’ils soient économiques, politiques ou éthiques. La crise de valeurs du XXe siècle trouve écho sur des scènes théâtrales qui n’ont de cesse de questionner les certitudes, et qui mettent au jour la « déroute » du sens. L’ampleur et l’évolution de l’errance, à la fois thématique et structurelle, à travers des œuvres dramatiques étalées sur tout le XXe siècle, permettent de confirmer l’existence d’une dramaturgie de l’errance. Forte d’un siècle de remise en cause des certitudes, celle-ci se dessine à travers de nombreux exemples tirés des scènes anglaises et irlandaises du XXe siècle. / Thematically speaking, wandering and erring are particularly noticeable in early XXth century Irish drama. Playwrights stage vagrants, tramps, and Tinkers as a means to explore the loss felt by a large part of the Irish population throughout history. These characters also express metaphysical questions which will be echoed in the second half of the century. From being rather important themes, wandering and errancy gradually invade the very structure of the plays, be they Irish or British. Wandering has remained a major way of exploring trauma-related situations, be they economical, political or ethical. As the stage keeps questioning certainties, directions and sense are played with. The thematical and structural roles of wandering onstage highlight the widespread existence of a skeptical dramaturgy debunking trust and conviction.

Cette thèse est consacrée à la réception de la figure et de l’œuvre de Béla Bartók (1881-1945) en Italie, dans la première moitié du XXe siècle. Opérée depuis un point de vue musicologique, l’analyse de l’influence bartókienne dans les œuvres de nombreux compositeurs italiens (d’Alfredo Casella à Bruno Maderna) invite à reconsidérer l’évolution du modernisme artistique en Italie, ainsi que les fondements de la poétique du musicien hongrois – informée par le nationalisme magyar, la « pureté » du folklore paysan et l’utopie de la « musique nocturne ». Par ailleurs, l’étude des formes de transmission et de critique de l’un des compositeurs canoniques du siècle dernier soulève des enjeux plus généraux, qui relèvent de l’histoire culturelle : la continuité entre modernisme artistique et totalitarisme, les formes et les significations de la résistance culturelle, les rapports entre musique et diplomatie, la construction du mythe antifasciste de Bartók. À bien des égards, la « vague bartókienne » qui s’affirma en Italie pendant la période de la guerre froide fut l’aboutissement de la fusion entre le mythe de Bartók – ce « musicien de la liberté » dont parlait le critique Massimo Mila – et le mythe de la renaissance nationale. Une fusion qui avait ses origines dans le paysage sonore de la dictature fasciste et de la Resistenza. / This thesis focuses on the reception of Béla Bartók’s music and figure in Italy during the first half of the twentieth century. From a musicological standpoint, the analysis of Bartók’s influence on the works of several Italian composers (from Alfredo Casella to Bruno Maderna) invites us to reconsider the evolution of artistic modernism in Italy, as well as the foundations of Bartók’s poetics – which is informed by Hungarian nationalism, the “purity” of peasant folklore, and the utopia of “night music”. Furthermore, the study of the forms of transmission and criticism of one of the canonical composers of the last century raises broader issues concerning cultural history, such as: the continuity between artistic modernism and totalitarianism, the forms and meanings of cultural resistance, the relation between music and diplomacy, and the construction of the antifascist myth of Bartók.This thesis argues that the Bartókian Wave, which emerged in Italy during the early Cold War period, was the result of the fusion between the Bartók myth – i.e. the “musician of freedom” celebrated by the critic Massimo Mila – and the myth of national regeneration: a fusion that had its origins in the soundscape of Fascist dictatorship and the Resistenza.

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Allant d’une autobiographie où la fictionnalisation du vécu confine à l’invraisemblable, à des biographies imaginaires où des personae de l’auteur construisent librement la figure de leurs « biographiés », Anthony Burgess jongle avec les pactes de vérité et la fabulation-affabulation. Les vertiges cognitifs des métabiographies postmodernes affleurent en filigrane, mais à la mélancolie de l’impossible résurrection textuelle du sujet biographique, les biofictions érudites de Burgess substituent la prolifération d’existences virtuelles, de mythes, fantasmes et simulacres, pour mieux mettre en question les formes institutionnelles du genre, savantes et commerciales. Au cœur de l’entreprise [auto]biofictionnelle de Burgess, se dessine une tension contradictoire entre un désir de restituer ces « vies » dans leur réalité charnelle, individuelle, démythifiée, et l’inclination mytho-poétique du romancier qui leur impose le filtre de sa vision du monde catholique et manichéenne. Le Marlowe, le Shakespeare, le Mozart, le Napoléon, le Keats de Burgess ne sont-il que des spectres romanesques, dont les référents historiques ont été vampirisés par le romancier-biographe ? Les biofictions de Burgess, où se rencontrent, en même temps que plusieurs subjectivités artistiques, divers modes d’appréhension de l’écriture et de la vie [essai critique, chronotope biographique, flux de conscience moderniste, citation intertextuelle], réaffirment le caractère indissociable de la vie, de la création et de l’oeuvre. Sa quête romantique-humaniste qui cherche à restaurer la singularité existentielle de ses prédécesseurs conteste de l’intérieur la textualité thanatographique moderne. / In his autobiography, where his fictionalizing his « real life » borders on the unbelievable, as well as in his fictional biographies, where authorial personae freely create the figures of their biographees, Anthony Burgess juggles his way between authorial truth commitments and blatant invention. The epistemological void revealed by postmodernist metabiographies is not thoroughly absent, but Burgess’s erudite « biofictions » eschew such melancholy brooding on the impossibility to resurrect the biographee, and, instead, celebrate virtual possibilities of existence, myths, fantasies and simulacra – and, doing so, deflate the naïve seriousness of academic or popular versions of the genre. At the core of Burgess’s literary experiments in the [auto]biographical mode lies a contradictory tension between his desire to fully convey the bodily, individual, de-mythified reality of these lives, and the novelist’s mytho-poetical tendency to filter them through the lens of his Catholic and Manichean worldview. Are his Marlowe, Shakespeare, Mozart, Napoleon and Keats but spectral fictional figures, whose historic real selves have been cannibalized by the idiosyncrasy of the novelist-biographer ? Burgess’s « biofictions » are a confluence of several artistic selves, but also of several ways to comprehend the relationship between life and writing [critical essay, biographical chronotope, modernist flow of consciousness, intertextual quotation], thus reasserting the organic connection between life, creation, and the work of art. His romantic-humanist quest for the singular existential selves of his artist predecessors challenges, from within the text, modern thanatographic textuality.

Dans l’univers fictionnel, à la fois sombre et comique, de Henry Green, les personnages sont isolés, coupés des autres et d’eux-mêmes, enfermés dans leur propre corps et leur conscience, mais aspirent malgré tout à fonder une famille et appartenir à une communauté. De son côté, la communauté existe essentiellement sous forme de fantasme ou dans les discours publics, mais son pouvoir normatif n’en reste pas moins dangereux, car le groupe détruit l’individualité et exige que l’on se conforme à ses règles, que l’on adopte ses valeurs et que l’on accomplisse ses rituels dépourvus, chez Green, de sens. Pendant la Deuxième guerre mondiale, moment où Green écrit ses romans les plus aboutis, l’impératif d’appartenir à une communauté nationale réduit au silence les voix personnelles et substitue à l’expérience privée un récit collectif issu des presses de la propagande. Entrer dans l’histoire revient à se renier en tant qu’individu, à se taire : la destruction de l’intimité, le silence, l’oubli menacent les personnages greeniens. Le conflit entre une volonté de s’affirmer en tant qu’individu et un désir de se fondre dans la masse se reflète dans l’esthétique atypique de Green, qui se nourrit des topoi littéraires de son époque tout en se démarquant du traitement qu’en font ses contemporains. L’écriture se fait intertextuelle, plurielle, idiosyncratique, alors que le romancier mêle accents régionaux et langue archaïque, emprunte des idiomes à des langues vernaculaires et littéraires, divisée et fragmentée, lorsqu’il décrit les effets de la guerre sur la psyché. / In the dark and comical fictional world of Henry Green, the characters are isolated, cut off from themselves and from others, locked into their own body and mind, but they nevertheless yearn to build a family and to belong to a community. As far as communities are concerned, they exist solely in the characters’ fantasms or in public discourses, but their normative power remains dangerous: groups destroy individuality and demand that members conform to collective rules and adopt the same values. They require that one participate in rituals that are, in Green’s novels, deprived of any meaning. During the Second World War, when Green writes his best novels, belonging to a national community becomes compulsory. This silences personal voices and substitutes a collective narration written by British propaganda to private experience. Entering history means that individuals should not contradict the official version and have to deny themselves: the destruction of intimacy, silence and forgetting therefore threaten Green’s characters. The conflict between a will to establish oneself as an individual and the desire to melt into masses is reflected in Green’s atypical esthetic, which feeds on literary commonplaces of the times while setting itself apart from the meanings normally attached to them. The writing is characterized by intertextuality. It is plural, idiosyncratic, as the author mingles regional accents and an archaic speech, and borrows idioms from vernacular and literary languages, divided and fragmented, when he records the effects of the war on the psyche.

La question de l’identité est au cœur de l’œuvre de Denis Johnston. Son théâtre revient de manière insistante sur l’histoire irlandaise, en particulier sur le processus de fabrication des mythes républicains qui transforment les meneurs des insurrections en héros de la nation, et dévoile l’écart entre les aspirations de ces grandes figures romantiques et les préoccupations fort terre-à-terre de ses contemporains au lendemain de la création de l’Etat Libre d’Irlande. La nation, telle qu’il la met en scène, semble s’être érigée sur les ruines de l’« identité irlandaise » telle que l’exaltaient les artisans de la Renaissance littéraire. Par ailleurs, Johnston met en crise la notion d’identité à l’échelle individuelle en interrogeant, par de nombreuses expérimentations dramaturgiques, le personnage de théâtre traditionnel : recours à l’allégorie, démultiplication des rôles pour un même personnage, sollicitation constante des jeux de rôles et de la métathéâtralité, le théâtre de Johnston fait la part belle à cette « crise du personnage » en laquelle Robert Abirached voit la marque du théâtre moderne. Notre hypothèse est que ces deux aspects de la dramaturgie johnstonienne sont les deux volets complémentaires d’une même critique du paradigme identitaire, dont il conviendra de définir les enjeux et les modalités. Nous analyserons conjointement les stratégies idéologiques et esthétiques que Johnston met en œuvre dans l'ensemble de ses pièces pour la scène, et montrerons qu'en démantelant les représentations figées d’une hypothétique « irlandité » pour mieux rendre à l’Irlande une identité multiple et mouvante, le dramaturge est peut-être, paradoxalement, l’un de ceux qui auront le mieux servi le projet des fondateurs du théâtre national irlandais. / Denis Johnston 's dramatic works question the notion of identity. They all focus on the history of Ireland and more especially on the way Irish rebels have been turned into national icons, although the materialistic culture developing in the young Irish Free State is at odds with the ideals of those Romantic figures. In his view, national identity has fossilized into clichés that jeer at the Irish Literary Revival. At the same time, his plays destabilize the notion of identity on an individual level, unsetting conventional stage characters. He stages the "crisis of the character" which, according to Robert Abirached, modern drama is concerned with. I argue that those two aspects of Johnston's work are the two sides of one and the same critique of the failure of conventional drama to convey identity on the stage. Studying the ideology that underpins Johnston's aesthetic experiments, I intend to show that the dramatist turns out to have paradoxically served the purpose of the founders of Irish national drama : he disfigures the clichés which supposedly embody Irishness, and thus allows the nation to imagine again its multifaceted identity.