A conduta criativa de João Cabral de Melo Neto é tradicionalmente caracterizada como uma atividade controlada por uma razão arquitetônica, que lucidamente projeta, e rigorosamente realiza a obra literária. A abordagem, aqui feita, de seu pensamento sobre a criação quer dizer, das representações do fazer em seus poemas metalinguísticos e também de sua prática criativa legível nos traços de seus manuscritos afasta-nos sensivelmente do paradigma da arquitetura. Em seu lugar, propomos considerar o fazer cabralino como uma atividade de reformulação constante, que produz, durante o processo de escrita, novos sentidos e estruturas não determinados a priori, integrando, dessa forma, a imprevisibilidade e a instabilidade na essência mesma da criação literária. / João Cabral de Melo Neto\'s creative conduct is traditionally characterized as an activity directed by an architectonic reasoning, which consciously projects and rigorously realizes the literary work. The approach taken here of his creative thinking that is, of the representations of the act of making in his metalinguistic poems and of his creative practice which is discernible on the glyphs of his manuscripts takes us sensibly away from an architectural paradigm. Instead, we propose to consider Cabral\'s making act as a constant reformulation activity, which produces, during the writing process, new meanings and structures not determined a priori, in this way integrating imprevisibility and instability to the very essence of literary creation.

A fortuna crítica de À la recherche du temps perdu sempre teve como um dos seus principais motes a relação da obra com outras artes, ou seja, uma construção estética baseada em uma relação de homologia estrutural com outros sistemas artísticos, dentre eles a música, a arquitetura, a própria literatura e a pintura. Essa construção faz com que a obra venha constantemente acompanhada do epíteto de museu imaginário. Especificamente, o nome do pintor holandês Johannes Ver Meer tem um lugar privilegiado na estética proustiana. Entretanto, nem todas as telas são mencionadas ao longo da narrativa. Somada a isso, a tessitura da escritura de Marcel Proust revela-se como um saber fortemente indiciário. Assim, a partir de índices que percorrem epístolas de Proust, textos críticos e a própria narrativa de À la recherche du temps perdu, esta tese cujo recorte de leitura é especificamente o episódio da lanterna mágica e seus desdobramentos defende que uma das telas de Ver Meer, a saber, A arte da pintura, é uma ausência epistêmica que, no entanto, faz-se presente, deixando inscritos na obra seus efeitos de significação. A fim de compreendermos essa presença-ausente, esta tese recorre ao conceito de letra, conforme o ensino de Jacques Lacan, os textos freudianos nos quais esse conceito estava em latência e os esclarecimentos e avanços feitos por Jacques Derrida, especificamente em seus textos da década de sessenta do século passado. Por efeitos de significação, concebe-se a ideia de que A arte da pintura realiza-se como uma ideia ausente, mas pungente no que tange aos efeitos estéticos de esmero do detalhe e dos processos descritivos, implicando uma relação de similitude entre o narrador em seu quarto, em lincipit de À la recherche du temps perdu e no episódio da lanterna mágica, e um artista em seu ateliê, presente na tela de Ver Meer, que incidirá em uma poética do detalhe. / The critical fortune of À la Recherche du Temps Perdu has always had, as one of its main threads, the relationship of work with other art forms, in other words, an aesthetic construction based on a relationship of structural homology with other Arts, including music, architecture, literature itself and painting. This ensures that the work is constantly accompanied by the epithet of the imaginary museum. Specifically, the name of the Dutch painter Johannes Ver Meer has a privileged place in the Proustian aesthetic. Nevertheless, not all canvases are mentioned during the narrative. Added to this, the tone of the Marcel Proust text reveals itself as a clear, evidentiary wisdom. Therefore, from indices that permeate the Proust missives, critical texts and the narrative of À la Recherche du Temps Perdu, this thesis, the scope of which is limited specifically to the episode of the Magic Lantern and its ramifications, argues that one of Ver Meers canvases, namely that of the Art of Painting, is epistemically absent, however it makes its presence felt through its effects of significance on the piece. In order to understand this absent-presence, this thesis uses the concept of the letter, according to the teachings of Jacques Lacan, Freudian texts in which this concept was latent, and in the clarifications and advances made by Jacques Derrida in his writings of the 1960s. For purpose of meaning, one has conceived the idea that The Art of Painting be like a missing yet poignant idea touching the aesthetic effects of minute detail and of the descriptive processes, implying an affinity in relationship between the narrator in his chamber, in l\'incipit of la Recherche du Temps Perdu and the episode of the Magic Lantern, and the artist in his studio, present on Ver Meers canvas, reflected in a poetic detail.

Dans le courant du XXe siècle, la scène littéraire de langue française s’est enrichie d’auteurs venus de Chine. Passeurs de langues, de frontières et de cultures, ils érigent, par leurs productions, des ponts singuliers illustrant les défis de la mondialisation. Du roman à la poésie en passant par le théâtre, l’objectif de notre étude est d’avancer une typologie de ce champ littéraire émergent. Englobant les vingt-quatre auteurs qui composent ce dernier, parmi lesquels François Cheng, Gao Xingjian, Dai Sijie, ou encore Ying Chen, l’analyse se fonde sur un concept-référent : la transidentité des auteurs. Par ailleurs, afin de saisir au mieux la complexité et la diversité des productions, la transdisciplinarité des approches – sociologique, littéraire et linguistique – s’avère éclairante. Par le prisme de l’identité culturelle, l’étude interne des œuvres se divise en deux volets : les représentations interculturelles et la poétique transculturelle. Dans une optique de comparaison constante entre les œuvres de chaque auteur, puis entre les différents auteurs, nous rendons compte des caractéristiques récurrentes et opérons des classifications. Ceci permet d’interroger le statut du champ au sein des littératures dites "francophones" et de soulever la question de l’étiquette. Ainsi, par le truchement des auteurs chinois, c’est le statut identitaire et théorique de tout écrivain périphérique dans l’espace francophone que nous cherchons à éclairer. / In the 20th century, French literary scene has been enriched by authors coming from China. Crossing languages, borders and cultures, they erected, through their productions, singular bridges that illustrate the challenges of globalization. Focused on novels, poetry, passing by theater, the purpose of this research is to advance a typology of this emerging literary field. Encompassing the twenty-four authors composing it, including François Cheng, Gao Xingjian, Dai Sijie, or Ying Chen, the study is based on a referent-concept: the authors’ transidentity. For a better understanding of complexity and diversity of productions, transdisciplinarity – sociological, literary, and linguistic approaches – is instructive. By the prism of cultural identity, the internal study of works is divided into two components: intercultural representations and transcultural (of cross-cultural) poetic. With a constant comparison between works of each author, and between the authors, we figure out recurring characteristics and operate classifications. This allows to question the status of the field in the so-called "Francophone" literature and to raise the issue of the label. Thus through Chinese authors, it is any peripheral writer theoretical status in the francophone space that we are trying to explore and enlighten.

Mental illness is not only the leading cause of disability among adults, but there is also an emerging public health crisis in childhood mental illness. A majority of parents do not recognize symptoms of psychological disorder in their children, and current policies and programs for mental health service delivery are not sufficiently responsive to the early help-seeking dynamics of families. Using a concurrent mixed methods design, this study explored how parents in the Pikes Peak region of Colorado learned to recognize their child's mental illness. Phenomenological interviews, augmented by poetic inquiry and quantitative measurements, were used to discover factors that inhibited or enhanced five mothers' recognitions. These factors were then evaluated using a frequency distribution analysis and a rank-order correlation. The phenomenon of recognition was, for these mothers, a process of waiting to hear that â??normalâ?? had stopped, wherein they miscategorized symptoms as normal behaviors in a passing developmental phase. Prior experience with mental illness appeared to significantly decrease both the length of time and the level of distress necessary for recognition. Ultimately, recognition did not occur until someone in their social network validated their concerns and provided explicit confirmation, which galvanized them to seek treatment. Governance network collaborations can facilitate positive social change by standardizing guidance on how to differentiate symptoms of a disorder from normal childhood development. Public policies and programs such as universal mental health screening, mental health literacy, and more supportive and responsive school policies can foster dialogue for parental recognition in Colorado and throughout the country.

Cette thèse s’intéresse à la lisibilité de la littérature — à la lisibilité d’une certaine littérature : française, contemporaine, une littérature qu’on classe plus souvent qu’autrement du côté du champ poétique. Au départ, un simple constat : certains livres sont difficiles à lire. Parfois, on va même jusqu’à dire qu’ils sont illisibles; si ce jugement ne saurait fournir un concept rigoureux pour décrire les textes, il soulève toutefois un certain nombre de questions qui, elles, sont au cœur de cette thèse. Car il n’y a rien d’illisible en soi : l’illisible n’est pas une propriété, mais un jugement qui traduit une impasse de lecture. Ainsi, les verdicts d’illisibilités ont des causes et des conséquences très variées. L’illisible est situé : on peut difficilement l’aborder hors de ses circonstances, puisqu’il renvoie moins à un contenu spécifique qu’à une expérience. Il ne s’agit donc pas, ici, de lever l’incompréhension que l’on peut ressentir devant certains textes, mais bien d’interroger la place qu’elle occupe dans nos façons de lire et dans notre rapport à la littérature. Cette thèse se propose de réfléchir à ces questions en abordant, sous le mode du dialogue, les œuvres de Jean-Michel Reynard, Christophe Tarkos, Denis Roche, Anne-Marie Albiach, Jean-Marie Gleize, Christian Prigent, Valère Novarina et Pierre Guyotat. Ces œuvres n’occupent pas toutes la même place dans cette thèse. En ce sens, l’objectif n’est pas de les épuiser mais de soulever un certain nombre de questions à travers elles. Des questions différentes selon les œuvres, selon les écrivains, mais qui sont traversées par un même fil conducteur : l’expérience littéraire. À partir de situations chaque fois singulières, il s’agit ainsi d’éclairer certains aspects, certaines modalités de l’expérience littéraire. Les deux pôles de cette expérience sont ici l’écriture et la lecture, auxquelles il faut associer les figures de l’écrivain et du lecteur, qui occupent dans cette thèse une place centrale. La perspective est donc généraliste, qui soulève des questions tantôt poïétiques, axées sur la façon dont les écrivains vivent la genèse de leurs œuvres, et tantôt plus poétiques, voire politiques, qui renvoient plutôt à la façon dont les lecteurs font à leur tour l’expérience de ces textes à la singularité parfois radicale. En somme, les objectifs de cette thèse sont : 1) d’éclairer sous un nouvel angle les œuvres étudiées; 2) à travers leur exemple problématique, de poser les bases d’une réflexion sur la lisibilité, qui accorde une large place à la posture des écrivains et à la façon dont ils vivent la genèse de leurs œuvres; et 3) de contribuer aux études sur la genèse, la réception et la médiation des œuvres littéraires en réfléchissant à nos façons de vivre (avec) la littérature. / This dissertation focuses on the readability of literature—on the readability of a certain literature: French, contemporary, a literature that is more often than not classified in the poetic field. At first, a simple observation: some books are difficult to read. Sometimes we even get so far as to say they are unreadable; if this judgment cannot provide a rigorous concept to describe the texts, it nevertheless raises a number of questions which are at the heart of this dissertation. For there is nothing unreadable in itself: the unreadable is not a property, but a judgment that translates an impasse in reading. Thus, the verdicts of unreadability have varied causes and consequences. The unreadable is situated: it is difficult to approach it outside of its circumstances, since it refers less to a specific content than to an experience. The objective here is not to alleviate the misunderstanding that can be felt in front of certain texts, but rather to question the place it occupies in our ways of reading and our relation to literature. This dissertation proposes to reflect on these questions by approaching the works of Jean-Michel Reynard, Christophe Tarkos, Denis Roche, Anne-Marie Albiach, Christian Prigent, Valère Novarina and Pierre Guyotat. These works do not all have the same place in this dissertation. In this sense, the aim is not to exhaust them but to raise a number of questions through them. Different questions according to the works, according to the writers, but which are crossed by a common thread: the literary experience. From singular situations, the goal is thus to understand certain aspects, certain modalities of the literary experience. The two poles of this experience are writing and reading—related to those are the figures of the writer and the reader, which occupy an important place in this dissertation. Therefore, the perspective is broad, which raises questions sometimes of poietic, centred on the way writers live the creation of their works, and sometimes more of poetic, even politic, which rather refer to the ways in which readers, on their side, experience these radically singular texts. In short, the objectives of this dissertation are: 1) to study these works from a new angle; 2) through their problematic example, to lay the foundations for a reflection on readability that gives a large place to the writers’ posture and the way they live the creation of their works; and 3) to contribute to studies on creation, reception and mediation of literary works by reflecting on our ways of living (with) literature.

L’œuvre de Michel Butor se singularise par la traversée des genres dont elle dévoile les limites. Se référant à la classification générique héritée du XIXème siècle, la critique littéraire divise souvent cette œuvre en poèmes, romans et textes inclassables, tout en affirmant l’idée d’un abandon de la forme romanesque après 1960. Pourtant, c’est le choix de la forme englobante d’un texte hybride, qui va désormais déterminer le genre.La première partie de la thèse étudie la mutation des formes littéraires dans l’œuvre de Michel Butor. Il s’agit d’examiner la question du choix du genre romanesque par l’écrivain. L’hybridisation générique sera un mode d’expression artistique privilégié, dans la mesure où la recherche de nouveaux aspects de la poétique butorienne montre qu’elle est contaminée par la métaphore théâtrale. Nous verrons donc l’interaction entre roman et théâtre radiophonique à travers la lecture de Mobile. Étude pour une représentation des États-Unis, Réseau aérien. Texte radiophonique et 6 810 000 litres d’eau par seconde. Étude stéréophonique.La deuxième partie traite de la dramaturgie et met en lumière les aspects radiophoniques de l’œuvre postromanesque à travers les différents niveaux de lecture dégagés par Patrice Pavis (Discursif, Narratif, Actantiel, Idéologique et Inconscient), et le système de la mise en scène en rapport avec le studio d’enregistrement. La notion d’ « effet romanesque » sera ainsi le résultat d’une hantise de la forme romanesque produite par la lecture.La troisième partie étudie la prose poétique du théâtre radiophonique et les structures inconscientes et idéologiques, en s’appuyant sur l’importance du discours oral qui dévoile l’ambiguïté entre la forme (le théâtre radiophonique) et l’attitude de l’individu et du groupe, marquée par l’incapacité de transmettre une perception cohérente du monde à cause de leurs préjugés. / Michel Butor’s work is different from the others by its crossing genres which it shows the limits of. Referring to the generic classification inherited from the nineteenth century, literary criticism often divides the work in poems, novels, and unclassifiable texts, while maintaining the idea that he had neglected the novelistic form after 1960. Still, the choice of the work that includes several forms of a hybrid text will now determine the genre.The first part deals with the mutation of the literary forms in the work of Michel Butor. We will examine the question of the choice of novelistic form by the author. Generic hybridization will be Butor’s favorite means of artistic expression, because the search of new aspects of Butor’s poetics reveals that it is corrupted by dramatic metaphor. So, we will see the interaction between the novel and radio drama through the reading of Mobile: study for a representation of the United States, Airline Network and Niagara.The second part is about the drama and shows radiophonic aspects of the postnovelistic work through different levels of reading set up by Patrice Pavis (Discursive, Narrative, Actantial, Ideological and Unconscious), and the production system in relation with the recording studio. The notion of “novelistic effect” will therefore be the result of an obsession of novelistic form produced by reading.The third part analyses poetic prose of radio drama and the unconscious and ideological structures of the work, based on the importance of oral discourse which reveals the ambiguity between the form (radio drama) and the individual attitude and the group, marked by the inability to pass on a coherent perception of the world because of their prejudices.

L'étude du geste dramatique dans le théâtre d'Euripide s'attache principalement à la dimension verbale du geste théâtral. Elle n'envisage pas seulement les mots qui disent le geste comme un moyen de reconstituer le geste de l'acteur mais cherche à éclairer grâce à eux l'art dramaturgique du poète. Une première partie est consacrée à l'étude stylistique des énoncés regroupés en « motifs gestuels » et montre l'importance des gestes pathétiques de la filiav dans les tragédies d'Euripide. Dans une seconde partie, une analyse comparée de gestes dans des séquences parallèles chez les trois grands Tragiques permet de mesurer les variations du rapport entre parole poétique et spectacle dramatique d'un poète à l'autre, afin de mettre en lumière la spécificité de l'expression euripidéenne du geste et le renouvellement du pathétiquedans son théâtre. Y sont interrogées les conséquences qu'ont pu avoir sur l'écriture du geste les modifications de la pratique théâtrale au cours du ve siècle avant J.-C., l'évolution des tendances artistiques et le poids de la sensibilité personnelle et de la vision tragique de chaque poète. Dans la troisième partie sont examinées les expérimentations théâtrales auxquelles s'est livré Euripide autour de l'expression du geste, notamment dans ses dernières pièces, et quiremettent en question la nature du tragique. / This study focuses on gestures as indicated by the words in Euripides' tragedies. Words are not only here a means to reconstruct the actor's gesture on stage, but are analysed in order to enlighten the specificity of the poet's dramatic art. The first chapter presents a stylistic study of the gesture formulas, grouped according to « gestural patterns », and reveals theimportance of the pathetic gestures of filiav in Euripides' theatre. In the second chapter, the comparison of gestures in parallel scenes by the three Tragic dramatists sheds light on the differences between them in the relationship between dramatic text and stage action and on the novelty of Euripidean gestural expression and pathos. This comparison is linked to the evolution of tragic performance in the fifth century, to the evolution of artistic tendencies and to the poet's own sensibility. The third chapter is an analysis of Euripides' theatrical experiments involving dramatic gestures, especially in his late plays, and leads to a new definition of the tragic nature of Euripidean theater.

J.R.R. Tolkien was not only an author of fantasy but also a philologist who theorized about myth. Theorists have employed various methods of analyzing myth, and this thesis integrates several analyses, including Tolkien’s. I address the roles of doctrine, ritual, cross-cultural patterns, mythic expressions in literature, the literary effect of myth, evolution of language and consciousness, and individual invention over inheritance and diffusion. Beyond Tolkien’s English and Catholic background, I argue for eclectic influence on Tolkien, including resonance with Buddhism. Tolkien views mythopoeia, literary mythmaking, in terms of sub-creation, human invention in the image of God as creator. Key mythopoetic tools include eucatastrophe, the happy ending’s sudden turn to poignant joy, and enchantment, the realization of imagined wonder, which is epitomized by the character of Tom Bombadil and contrasted with modernist techno-magic seeking to alter and dominate the world. I conclude by interpreting Tolkien’s mythmaking as a form of mysticism.

Le projet littéraire d’Hernán Ronsino (Chivilcoy, Argentine, 1975) présente actuellement une charnière spatiale et temporelle qui, sans laisser de côté sa poétique sur la langue, s’apprête à retrouver un nouvel élan. Cet auteur a commencé à publier dans les années 2000, moment où des nouvelles maisons d’édition ont ouvert leurs portes aux jeunes écrivains, peu connus. Dans ce contexte de renouveau, les questionnements sur la langue littéraire se sont multipliés. Le travail de Ronsino propose depuis cette époque une réflexion sur la langue et sur la condition linguistique des êtres humains. Il intègre dans la diégèse cet état d’esprit expérimental vis-à-vis de la langue littéraire. Lorsque le champ littéraire questionnait sa langue, cet écrivain a bâti son projet à partir de la poétisation de ces réflexions. Son rapport à la langue est pour nous l’aspect le plus important de sa poétique.L’étude que nous proposons dans cette thèse cherche à déterminer les piliers de son projet, ainsi qu’à formuler, à travers ses mots lorsqu’il s’exprime dans des entretiens à propos de son écriture, des catégories qui permettent d’analyser son travail créatif. Cette perspective méthodologique constitue, à notre sens, un point de départ conséquent dans notre démarche de croisement du texte fictionnel et de la parole de l’écrivain. Pour développer ces propos, nous présentons une thèse à deux parties.Dans la première partie, divisée en trois chapitres, nous menons une étude intégrale de la stylistique de ses quatre premiers livres. Nous analysons la manière dont Ronsino travaille la temporalité d’un point de vue transtextuel, s’appuyant sur la figure de la répétition. Les liens établis avec d’autres textes deviennent une caisse de résonance construisant une image du régime d’historicité. À cet égard, la répétition sert à élaborer une organisation temporelle à l’intérieur de son projet, ainsi qu’à insérer dans son propre discours la formulation d’autres écrivains. Ronsino cherche surtout à faire de la phrase la face visible d’une « poétique de l’accent ». En effet, nous trouvons au sein de son projet le désir d’écrire l’oralité de son village natal.Dans la deuxième partie nous abordons deux notions dérivées de la poétique de l’accent: l’espace et le corps. La matérialité du livre est au centre d’un intérêt pour une écriture historiquement dense. Cette matérialité participe à la poétisation de l’espace réel et met en avant une approche de la littérature en tant qu’art graphique. Dans ces circonstances, le corps joue un rôle déterminant à l’heure de penser l’écriture dans la dimension gestuelle et corporelle. Il s’agit, après tout, d’une pratique qui engage pleinement le corps. Ainsi, la littérature peut entraîner une pensée du corps qui permet une approche biopoétique des textes. / Hernán Ronsino's literary project (Chivilcoy, Argentina, 1975) presents a spatial and temporal hinge that, without leaving aside its poetics on the language, is about to regain a new momentum. This author began publishing in the 2000s, when new publishing houses opened their doors to young lesser-known writers. In this context of renewal, questions about the literary language have multiplied. Since then, Ronsino's work has been a reflection on language and the linguistic condition of human beings. In his diegesis, he integrates this experimental state of mind vis-à-vis the literary language. When the literary field questioned his language, this writer built his project from the poetization of these reflections. His relation to language is for us the most important aspect of his poetics.The study that we propose in this thesis seeks to determine the pillars of his project, as well as to formulate, through his words when he expresses himself in interviews about his writing, categories that make it possible to analyze his creative work. This methodological perspective is, in our opinion, a starting point in our approach to cross the fictional text and the writer's words. To develop these words, we present a two-part thesis.In the first part, divided into three chapters, we conduct an integral study of the stylistics of his first four books. We analyze the way in which Ronsino works temporality from a transtextual point of view, based on the figure of repetition. Links established with other texts become a box of resonance building an image of the regime of historicity. In this respect, repetition serves to elaborate a temporal organization within one's project, as well as to insert in one's speech the formulation of other writers. Ronsino seeks, above all, to make the sentence the visible face of a "poetics of the accent". Indeed, in his project we find the desire to write the orality of his native village.In the second part, we address two notions derived from the poetics of the accent: space and the body. The materiality of the book is at the center of an interest in historically dense writing. This materiality contributes to the poetization of real space and puts forward an approach to literature as a graphic art. In these circumstances, the body plays a decisive role when it comes to thinking about writing in the gestural and corporal dimension. It is, after all, a practice that fully engages the body. Thus, literature can lead to a body thinking that allows a biopoetique approach to texts.

Il aura fallu plus de dix ans à Mark Z. Danielewski pour publier la version finale de son roman House of Leaves. Dix ans de réflexion, de recherche, de remise en question, d’écriture et de réécriture… Très vite devenu un best-seller international, House of Leaves fait sensation dans le domaine littéraire, suscitant à la fois émerveillement, inquiétude et réflexion. Alors que le roman met en scène un récit relativement simple et déjà exploité à maintes reprises en littérature - à savoir l’histoire d’une famille américaine emménageant dans une maison cauchemardesque aux proportions variables - il surprend de par sa forme et son contenu. Multiplicité de typographies, notes de bas de pages infinies, textes sens dessus dessous, pages blanches suivies de passages chaotiques et illisibles, mots en couleurs ou rayés, pluralité de langues et langages, photographies, dessins, maquettes, etc. : Danielewski transcende totalement les lois de la littérature dans son ensemble. Véritable oeuvre d’art, unique en son genre, House of Leaves se distingue de par sa présentation innovante et son originalité excessive. Dans le cadre de ce mémoire, j’étudie trois aspects principaux de l’oeuvre : la structure architecturale du livre, l’intertextualité et l’intermédialité présentes dans le texte et la notion des genres. Tout d’abord, je m’intéresse à la structure externe et interne du roman et je cherche à comprendre pourquoi Danielewski déconstruit totalement les règles architecturales et leurs limites. De plus, j’analyse le lien entre l’évolution de la maison de la Famille Navidson et la psychologie des personnages. Ensuite, j’étudie le rôle des mythes fondateurs et des divers langages au sein du roman. Pourquoi Danielewski, qui remet en question les règles structurelles mises en place dans notre monde, attache-t-il autant d’importance aux mythes ? Dans un second temps, je mets en perspective les aspects intertextuels et intermédiales dont le roman regorge. Pour finir, je m’interroge sur les notions de genres et gender. Quel est le genre littéraire de House of Leaves ? Est-ce un roman ? Une nouvelle ? Une pièce de théâtre ? Un script cinématographique ? Un recueil de poèmes ? Ou, est-ce un ensemble de genres? De plus, comment définir le gender et pourquoi Danielewski, si innovant d’un point de vue littéraire, se montre-t-il tellement traditionnel dans la présentation hiérarchique du genre masculin et féminin dans son oeuvre ? / It took Mark Z. Danielewski over ten years to publish the final version of his novel House of Leaves. Ten years of reflection, research, questioning, writing and rewriting. Quickly becoming a bestseller, House of Leaves also caused a sensation in the literary field, arousing together wonder, concern and cogitation. While the novel features a relatively simple story that has been used repeatedly in the literature – the adventure of an American family moving into a nightmarish house with varying proportions – it surprises with regards to both its text formatting and its content. A multiplicity of typographies, an infinite number of footnotes, upside-down texts, blank pages followed by chaotic and illegible sections, coloured or striped words, a plurality of languages, photographs, drawings, models etc. : Danielewski ultimately transcends the rules of literature. A true and unique masterpiece, House of Leaves is an artwork in its own field of literature and stands out for its innovative presentation and extreme originality. In the context of this thesis, I study three main aspects: the architectural structure of the book, the intertextuality and intermediality in the manuscript and the notions of genres and gender. I firstly analyze the external and internal structure of the book and attempt to understand why Danielewski totally deconstructs the basic rules of architecture. Besides, I examine the link between the evolution of the Navidson family’s house and the psychology of the characters. Then, I evaluate the role of the founding myths and the various use of languages within the novel. Why does the author attach so much importance to myths? Secondly, I put into perspective the intertextual and intermedial aspects of the novel. Finally, I try to apprehend which literary genre does the novel belongs to, and I reflect upon the role of gender in the narrative. Is it a novel? A play? A movie script? Is it a poem? Or a combination of genres? Furthermore, how to define gender and why Danielewski, normally so innovative, is traditional in the hierarchical presentation of the masculine and feminine gender in his work?