A partir de uma análise das práticas desenvolvidas nas aulas de artes, este trabalho apresenta uma proposta de fundamentação para o ensino de artes articulada à arte contemporânea. Objetiva-se configurar uma prática escolar em artes mais reflexiva e investigativa, que valorize a experiência, a abertura, a complexidade e o aprofundamento no processo produtivo e cognitivo dos alunos. É com origem no reconhecimento e na análise das mudanças, das características e das questões da arte contemporânea, da cultura contemporânea e do ensino de artes que se formula a proposta na qual a pluralidade de processos, de poéticas e de experimentações são concepções que permeiam tanto a discussão sobre arte quanto a produção dos alunos e para a qual são necessárias novas posturas, objetivos e metodologias mais atentos ao momento contemporâneo. / Starting from an analysis of practices developed in art school classes, this work presents a proposal of a foundation for art teaching articulated with contemporary art. It objects to create an artistic scholar practice more reflexive and investigative, which valorizes experience, openness, complexity and deepness in the students cognitive and productive process. Its from the recognition and analysis of the changes, characteristics and questions of contemporary art that its formulated the proposal where plurality of processes, poetics and experimentations are conceptions that permeate both the discussion about art and the students production, for which are necessary new postures, objectives and methodologies more aware with the contemporarys time

A presente dissertação propõe a abordagem do contemporâneo modelo de desfiles das escolas de samba (entendido dos anos 1970 em diante) como atualização da Gesamtkunstwerk (obra de arte total ou obra de arte comum), conceito desenvolvido por Richard Wagner, no século XIX. A proposição de aproximar a presente forma do carnaval das escolas de samba dos princípios estruturais da ópera wagneriana é estimulada pela já prosaica apreensão desses desfiles carnavalescos como ópera popular de rua e pela forma dos desfiles remeter-nos à ideia de obra de arte completa, por reunir múltiplas linguagens artísticas (o que evoca, em particular, a obra de arte total wagneriana). A intensificação de conceitos (como o de Wagner), noções, técnicas e profissionais das mais variadas áreas artísticas e tecnológicas na Avenida aproximam a manifestação carnavalesca abordada de práticas da arte contemporânea. Mas também revela uma apropriação particular desses elementos pelas escolas de samba. Por isso, encarar os desfiles das escolas de samba como obra de arte total contemporânea ajuda a perceber de modo mais profundo a estrutura específica de tal modalidade carnavalesca / This present text proposes the approach of the contemporary shape of samba schools parades (from 1970 on) as an actualized version of Wagners Gesamtkunstwerk developed by the composer in the nineteenth century. We propose that the approach of the current form of samba schools carnival to structural elements of the Wagner opera is stimulated by common comprehension of these carnival parades as popular street opera stressing the relation of the carnival parades to the idea of a complete art work. The rise of concepts (like Wagners), notions and techniques from various artistic and technology fields at Sambódromo approaches the carnival to the practices of the contemporary art, but also reveals a particular appropriation of these elements by samba schools. Based en those premises, to consider the samba schools parades as a form of contemporary total art work help us to see more deeply the particular structure of this carnival form

Notas sobre o deserto: extensão e transbordamento como articuladores espaço-temporais é uma refl exão que trata de uma pesquisa em poéticas visuais, investigando principalmente alguns trabalhos realizados a partir de 2011, nas linguagens de vídeo, performance, objeto, fotografi a e instalação. Esta tese articula-se a partir da percepção de um contexto que se coloca diante das escolhas plásticas, em aspectos recorrentes que ressignifi cam o corpo e a casa, principalmente a partir do que é estabelecido como limite ou apropriado. Três autores são fundamentais para este trabalho, criando situações de diálogo e espelhamento. Vitor Ramil e a percepção de uma paisagem que permite a experiência do vazio, bem como aspectos de impregnação revelados quase sempre por uma atmosfera úmida, onde os contornos podem ser desfeitos. Samuel Beckett e um sujeito que se apresenta também enquanto coisa, aguçando a compreensão de aspectos estruturais do corpo, suas atividades ou imobilidades. E ainda, Nuno Ramos, em sua abundância plástica, redefi nindo o tempo todo a materialidade do mundo a partir de sua produção literária e visual. O texto foi escrito e organizado tendo como base os próprios trabalhos, que defi niram em seu número a quantidade de Notas (textos curtos ao invés de capítulos) a serem discutidas. Estes pensadores aparecem nas Notas brevemente e entrecortando-as enquanto Recuos, como textos um pouco maiores, que amparam a refl exão aqui construída. As Notas e os Recuos foram propostos como textos articuláveis que, apesar da ordenação indicada pelo sumário, podem ser remanejados em sua individualidade. / Notes on the desert: extension and overfl ow as spatiotemporal articulators is a refl ection upon a visual poetics research, mainly investigating some works done starting on 2011, concerning the video, performance, object, photography and installation languages. This thesis is structured from the perception of a context that is placed on the plastic choices, on recurring aspects that resignify the body and the house, mainly over what’s stablished as a limit or appropriate. Three authors are critic to this work, creating dialog and mirroring situations. Vitor Ramil and the perception of a ladscape that allows the experience of emptiness, as well as aspects of impregnation revealed almost always from a moist atmosphere, where the contours can be undone. Samuel Beckett and a man who presents himself also as a thing, sharpening the understanding of structural aspects of the body, its activities or imobilities. And yet, Nuno Ramos, in its plastic abundancy, resetting the whole time the materiality of the world from his literary and visual production. The text was written and organized based on the works that defi ned the amount of Notes (short texts instead of chapters) to be discussed. These thinkers appear in Notes briefl y and also intersected as Setbacks, slightly larger texts which give support to the refl ection built here. The Notes and Setbacks have been proposed as articulated texts that, despite its indicated order in the summary, can be relocated in their individuality.

O artista Paulo Nazareth (Governador Valadares/MG, 1971) desenvolve uma poética em que caminhadas representam importantes práticas, nas quais são estabelecidos diálogos vinculados às suas raízes étnicas, negra e indígena. Transita entre espaços periféricos e centrais, provocando fluxos diferenciados. Essas ações tornam-se significativas no atual contexto geopolítico de globalização, o que provoca, na esfera da arte, tensões entre espaços hegemônicos e periféricos. A partir deste cenário, a pesquisa busca compreender de que forma as ações do artista, em circulações internacionais, discutem sua posição no campo globalizado da arte. Para tanto, optou-se por um estudo de caso a respeito das ações do artista nas Bienais de Veneza de 2013 e 2015 e nas Bienais de Veneza / Neves, eventos concomitantes à mostra italiana, ocorridos na periferia da cidade de Ribeirão das Neves / MG. ( Continuação ) Através de pesquisa de campo, pode-se estudar a constituição destes eventos, bem como ao coletar dados junto ao artista e à galeria representante. Como marcos teóricos da pesquisa, são destacadas as teorias sobre a deriva, elaboradas pelo Internacional Situacionismo, bem como autores que analisam estas práticas na arte. Também são importantes marcos os estudos pós-coloniais e decoloniais, através das suas relações com a arte contemporânea. Compreende-se, por fim, que as ações de Paulo Nazareth nas exposições analisadas provocam uma importante alteração nos fluxos entre centros e periferias, ao superarem muitas das intervenções institucionais. / The artist Paulo Nazareth (Governador Valadares/MG, 1971) develops a poetic in which walkings represent important actions that set dialogs linked to his ethnical origins, black and indigenous. He transits between peripheral and central spaces, resulting in differentiated flows. These actions become meaningful in the present geopolitical context of globalization, what sets, in art domain, tensions between hegemonic and peripheral spaces. From this scene, the research seeks to understand in which way the artist’s actions, in international circulations, discuss his position in global art field. For this purpose, had choose a case analysis about the artist’s actions in the 2013 and 2015 Venice Biennales and in the Venice Biennales / Neves, simultaneous shows to the italian event, occurred in Ribeirão das Neves / MG city’s periphery. Through the field research, it’s possible to study this event’s constitutions, as well as in collecting data with the artist and his representing gallery.As theorical marks of this research, the theory of the dérive (drift) created by Situationist International, are emphasized, as well as authors who analyze this practices in art. The post-colonial and decolonial studies are also important marks, through its relations with contemporary art. Finally it is understood that Paulo Nazareth’s actions at analyzed expositions set important changes at flows between centers and peripheries, overcoming much of institutional interventions.

A presente pesquisa investiga coletivos de arte contemporânea que trabalham com fotografia, considerando seus modos de produção e o tipo de atuação que desenvolvem nos cruzamentos entre os campos da arte, da fotografia documental e do fotojornalismo. Para isso, procura compreender os motivos que levam, em um contexto marcado pela afirmação da fotografia digital e da comunicação em rede, um número crescente de fotógrafos a investir em formas compartilhadas de autoria. A partir da opção por estudar a produção de três grupos formados entre 2003 e 2013 na cidade de São Paulo − Cia de Foto, Garapa e Trëma −, a pesquisa investiga como a atuação desses coletivos contribui para as discussões sobre fotografia, arte e autoria e para um tensionamento das fronteiras entre documento e ficção. Propõe-se, também, estabelecer relações entre os grupos que atualmente se dedicam à fotografia e outras práticas coletivas observadas no campo da arte ao longo do século XX. Se, devido à sua gênese automática, a fotografia foi por muito tempo vista como uma simples reprodução do real, a atuação desses coletivos evidencia que a imagem fotográfica é resultado de um processo de construção, que pode ser pensado, discutido e compartilhado por diferentes autores. / This research investigates contemporary art collectives dedicated to photography, considering their work processes and activities developed in the intersections of art, documentary photography and photojournalism. In a context characterized by the expansion of digital photography and online communication, it analyzes the reasons why an increasing number of photographers is investing on shared forms of authorship. By focusing on three collectives formed between 2003 and 2013 in the city of São Paulo, the present thesis investigates how the activities of these groups contribute to the discussions about photography, visual arts and authorship, as well as to revise the boundaries between document and fiction. It also proposes to establish connections between groups that currently work with photography and other collective practices observed in the fields of art and photography over the 20th century. If, due to its automatic genesis, photography was considered for a long time as a mere reproduction of the real, the production of these collectives indicates that the photographic image is the result of a construction process, which can be conceived, discussed and shared by different authors.

Estas pesquisa em poéticas visuais orienta-se para o campo de estudos Arte e Natureza relacionando desenho, gravura, fotografia e elementos naturais organizados em instalações efêmeras. Os tabalhos poéticos realizados estão relacionados à observação de formas orgânicas presentes na natureza, à coleta de elementos vegetais e especialmente ao surpreendente encontro com casas e lugares que brotam. A investigação detém-se sobre conceitos como a organicidade, a efemeridade, a fragilidade e a lentidão, propondo a delicadeza como resistência a um entorno acelerado e por vezes pouco sensível. Os trabalhos são abordados da perspectiva de seus processos, ao considerar os cadernos e outros documentos manuscritos como registros fundamentais para a elaboração do pensamento poético que norteou toda a pesquisa. Assim proponho com o volume impresso de tese a apresentação de uma investigação em fluxo. Em minha escrita estabeleço diálogos com a botânica, com a literatura, com o cinema e com a filosofia. / This research in Visual Art explores the Art and Nature field of study, combining drawing, printmaking, photography and natural elements to build ephemeral installations. The artworks produced are related to the observation of organic forms present in nature, with the collection of plant specimens, and especially with the surprising encounter with growing houses and places that sprout. The investigation focuses on concepts such as organicity, ephemerality, fragility and slowness of time, proposing delicacy as resistance to accelerated and sometimes insensitive surroundings. The artworks are approached from the perspective of their processes, considering the notebooks and other manuscript documents as fundamental records for the construction of the poetic thinking that guided the entire research. Thus, I propose with the printed volume of the thesis, an investigation that is in flux. In my writing I establish dialogues with botany, literature, cinema and philosophy.

Esta pesquisa inscreve-se no cenário da formação inicial com alunas de Curso Normal com idade de 14 a 18 anos, de uma escola de internato situada no município de Estrela, interior do estado do Rio Grande do Sul. O principal objetivo da pesquisa foi propor um experimento com essas alunas, fazendo uso da escrita de cartas e da arte contemporânea, a partir de experiências minhas, na vida escolar e profissional. Para tanto, ofereci oficinas sobre escrita como uma maneira de convidar as alunas a pensar sobre os processos de formação, na escola e na vida. Utilizei-me das discussões a respeito do cuidado de si estudado por Foucault, as relacionando em alguns momentos com as teorizações trazidas por Nietzsche. Foram realizados 11 encontros entre 2010 e 2011, organizados a partir de exercícios de escrita, como também da recepção de obras de artistas contemporâneos que trabalham com a escrita, tais como León Ferrari, Mira Schendel, Elida Tessler e Jorge Macchi. Estes encontros tornaram-se um espaço de conversa e pensamento sobre si mesmo e de intensificação das relações sociais no âmbito da formação inicial docente. O corpo empírico do trabalho compõe-se das cartas produzidas pelas alunas (cartas-vontade a partir da história “A bolsa amarela”, cartas a partir de obras dos artistas contemporâneos analisados e cartas-avaliações produzidas no último encontro), como de anotações em um diário de campo e as escritas de um diário coletivo, realizadas a cada encontro por uma aluna diferente. A análise dos materiais aconteceu a partir de relações tecidas a partir das potencialidades das escritas produzidas, a saber: (Re)pensar alguns modos de ser e olhar pelas misturas em arte e escrita (artescrita), possibilidade de deslocamentos e recomposições de si. Neste trabalho, situa-se a prática de escrita na proximidade do cuidado de si e as oficinas como espaço de experimentação que pretende problematizar algumas verdades sobre os modos de ser professor, aluno e adolescente buscando transformar estas verdades, em princípio racional, criando um estilo próprio de vida. Convida-se a pensar, na arte contemporânea como uma técnica do cuidado de si, aprender com os artistas a (de)compor a composição da escrita utilizada normalmente na escola, deslocar algumas naturalidades nos modos de pensar, e pensar outras maneiras para se compor reinventar-se, ainda que sem garantias, favorecendo o pensar sobre si, sobre os outros numa tentativa incansável de desfocar o olhar, a fim de empreender um projeto ético de estar atento as próprias ações. Uma maneira de constituir-se sujeito e professor, com a possibilidade de inúmeras composições. / This research is part of the stage of initial training in the Teaching Profession Course students aged 14-18 years in a boarding school located in the city of Estrela, the state of Rio Grande do Sul . The main objective of this research was to propose an experiment with these students, making use of letter writing and contemporary art, from my experiences in school and professional life. To this It was offered workshops on writing as a way to invite the students to think about the processes of formation, in school and in life. I drew the discussions about the care of oneself, studied by Foucault, relating them in some moments with the theories brought by Nietzsche. Eleven meetings were held between 2010 and 2011, arranged from writing exercises, as well as the reception of works by contemporary artists who work with writing, such as León Ferrari, Mira Schendel, Elida Tessler and Jorge Macchi, in an area of talking and thought about yourself and intensification of social relations in the context of initial teacher training. The empirical body of work consists of the letters produced by the students (letters-will from the story "The yellow bag," Letters from the works of contemporary artists analyzed and letters-assessments produced at the last meeting), as notes in a diary and writings of a collective diary, held every other meeting by a different student. The analysis of the materials came from relationships made regarding the potential of the records produced, namely: (Re) thinking in some ways of being and look for mixes art and writing (written art), possibility of dislocation and shifts yourself. In this paper, stands out the practice of writing in the proximity of self-care and workshops as a space of experimentation that intend to discuss some truths about the ways of being a teacher, student, youth, seeking to turn these truths in rational principle, creating an own life style. You are invited to think, in contemporary art as a technique of self-care, learning from the artists (de) compose a written composition normally used in school, to dislocate some naturalities in ways of thinking, and thinking about other ways to compose reinvent itself, even without guarantees, favoring the think about yourself, about others in a restless attempt to blur the gaze in order to undertake an ethical project to be aware to the own actions. One way to constitute subject and teacher, with the possibility of numerous compositions.

Este estudo tem como objetivo analisar a coluna de jornal denominada ...umas, assinada pela artista Lenora de Barros no Jornal da Tarde, de São Paulo, entre 1993 e 1996. Nesta coluna foram veiculadas imagens de suas obras e de outros artistas, bem como poemas visuais e experimentações gráficas, extrapolando o caráter informativo do jornalismo impresso. A pesquisa se deu através da análise de edições de ...umas, mantidas por Lenora de Barros como arquivo em seu ateliê, e de outras obras suas. A artista retomou diversas proposições publicadas em ...umas em seu processo de criação atual, desdobrando assim a coluna ...umas em novas obras. Desta forma, são abordados os deslocamentos entre a coluna de jornal e outros espaços legitimados do sistema das artes. A coluna ...umas é considerada neste estudo sob três principais aspectos: como coluna de jornal, como proposição artística e como arquivo. Evidencia-se, nesta análise, que a mesma traz uma concepção singular de apresentação da arte, pois inseriu-se em um veículo de comunicação e não em uma instituição museológica. / This study’s goal is to analyze the newspaper column titled …umas, by the artist Lenora de Barros, published in the Jornal da Tarde, from São Paulo, between 1993 and 1996. In this column were published images of works by Lenora de Barros’ and of other artists, as well as visual poems and graphic experiments, extrapolating the informative features of the newspaper media. This research occurred through the analysis of works by Lenora de Barros and of different editions of …umas, kept as an archive in the artist’s studio. Taking into account that de Barros has resumed several propositions originally published in …umas in her current creative process, unfolding this column into new works, the displacements between newspaper column and other legitimized spaces in the art system are discussed in this study. Therefore, …umas is considered under three main features: as a newspaper column, as an artistic proposition and as an archive. This analysis points to the fact that …umas has a particular conception of the artwork’s appearance, for it was inserted in a communication vehicle and not in a museum institution.

O presente estudo investiga de que modo a experiência com a arte contemporânea pode contribuir para a formação e, desse modo, enriquecer o processo educativo da pequena infância. É sustentado por um referencial multidisciplinar, baseando-se na sociologia da infância (Corsaro, Sarmento), filosofia (Nietzsche, Larrosa), estudos sobre arte contemporânea (Archer, Millet, Loponte) e formação ético-estética (Hermann, Pereira). Como objetivo busca-se interpretar quais as potencialidades para a formação que emergem da experiência de crianças, entre 4 e 5 anos, com a arte contemporânea e o seu significado para a educação da pequena infância. Trata-se de uma investigação de abordagem qualitativa com metodologia voltada a investigação com crianças pequenas fundamentando-se nas perspectivas da sociologia e antropologia da infância. Como métodos, foram utilizados a observação, registros audiovisuais e fotográficos, além de um diário de campo. Para o estudo, foram realizados 20 encontros, entre abril e agosto de 2012, com crianças de uma escola de educação infantil localizada na zona urbana de Porto Alegre. Os encontros foram realizados na escola, sendo um deles voltado à visitação de exposição de arte contemporânea no Museu de Arte do Rio Grande do Sul (MARGS). As crianças conversavam sobre criações de artistas contemporâneos como Laura Lima, Vik Muniz, Regina Silveira entre outros conhecidos por meio da visita ao museu. O estudo destaca que o encontro com a arte contemporânea, ao manifestar o não habitual, o estranho e o diferente, pode acionar modos de ler, pensar, imaginar, sentir e de ver a si e o mundo. Além disso, apresenta as potencialidades para a formação no que diz respeito à ampliação do espectro imaginativo, a mobilização de sensibilidades, da criação e possibilidades de ampliação de visões de mundo, assim como aponta para a relação de receptividade das crianças frente às criações contemporâneas. Ao demonstrar as possibilidades observadas na investigação, o estudo dá forças às discussões acerca da articulação entre arte e educação e pode mobilizar educadores a proporcionar experiências mais significativas potencializadas pelo encontro com a arte contemporânea na educação infantil. / This current study investigates how the experience with contemporary art could contribute to the education, in ways to improve the education process throughout childhood. It’s sustained by a multidisciplinary referential, based on childhood sociology (Corsaro, Sarmento), philosophy (Nietzsche, Larrosa) studies about contemporary art (Archer, Millet, Loponte) and ethic-aesthetics formation (Hermann, Pereira). From this point of view, it is conducted an analysis of the data with the intention to acknowledge which potentialities can arouse from the experience with contemporary art, and its meaning for the education of children between the ages of 4 and 5 years old. This investigation is a qualitative method of approach that targets toddlers with a perspective based on sociology and anthropology of childhood. As primary methods, it was used observation, audio-visual and photographic images, in addition to a field diary. The study held 20 meetings in 2012, between the months of April through August, with children from a daycare located in an urban area of Porto Alegre. The meetings were mostly held on site, except for one that was dedicated to the visitation of the contemporary art exposition at the Museum of Art of Rio Grande do Sul (MARGS). The children talked about the creations of contemporary artists such as Laura Lima, Vik Muniz, Regina Silveira, amongst other artists learned in the visit to the museum. The study highlights that the contemporary art encounter is to manifest the unusual, the strange and the peculiar, which may trigger different ways of reading, thinking, feeling and maybe even ways of seeing oneself and the world. Furthermore, it presents the potentialities to the education process, as far as the amplification of the imaginary spectrum, broadening sensitivities, awakening of creation and the possibilities of different visions of the world, as well as it points to the children’s receptivity in front of the contemporary creations. The demonstration of the possibilities observed in the investigation, shows that this study will power up debates between the connection of art and education, in fact mobilizing educators to open doors to significant experiences with contemporary art, recognizing the positive influence it may represent during the toddler years.

Esta dissertação pretende analisar as estratégias de trabalho utilizadas na série Tacet, produzida pelo autor. Através de uma performance de improvisação musical livre onde se utiliza instrumentos preparados, são gerados uma série de registros gráficos. Busco, ao analisar processos e documentos de trabalho, encontrar intenções, referências e estratégias recorrentes na minha produção, a fim de mapear suas questões fundamentais. A desoneração do gesto autográfico por uso de procedimentos ou próteses busca um modo não-representacional do desenho de referir-se a um evento. A performance é analisada através de conceitos de espaço sagrado e de xamanismo, conforme o pensamento de Mircea Eliade e Ronald Hutton, tendo também como referência a obra de Joseph Beuys. O desenho é pensado como experiência e como imagem-despojo, pela forma como os registros gráficos indiciam a performance na série Tacet, e suas relações com o tempo são abordadas através do pensamento de Santo Agostinho e John Berger, e colocados em perspectiva com a obra de Bruce Nauman e Robert Rauschenberg. / This dissertation intends to analyze the work strategies used in the Tacet series, produced by the author. Through a free musical improvisation performance, which uses prepared instruments, a series of graphic records are generated. By analyzing work processes and working documents, I seek to find intentions, references and recurrent strategies in my production, in order to map their key issues. The exoneration of the autographic gesture by using specific procedures or prostheses seeks a non-representational way for the drawing to refer to an event. The performance is analyzed through the concepts of sacred space and shamanism, according to Mircea Eliade’s and Ronald Hutton’s thought, and also taking the work of Joseph Beuys as reference. Drawing is thought of as experience and as image-debris, by the way the records indicate the performance’s traces in the series Tacet, and their relationships with time are covered through the thought of St. Augustine and John Berger, and put in perspective with the work of Bruce Nauman and Robert Rauschenberg.