This task s purpose was to discuss the experiences of four female teachers, being teacher 1 a pedagogue of child education, teachers 2 and 3 pedagogues of initial years and teacher 4 a bachelor in art education. Monthly meetings were used to promote a dialog with their experiences and with contemporary art. It was a qualitative study, through the Education Cultural Studies theoretical-methodological approach. This research results from the need to think a formative process which may address contemporary questions about art and education. A conclusion is that despite their lack of profound experiences with contemporary art, there are inquietudes which lead to glimpses of such experience, allowing, then, discussions about it. / A proposta deste trabalho foi problematizar as experiências de quatro professoras, sendo a professora 1, pedagoga de educação infantil, a professora 2, pedagoga dos anos iniciais, a professora 3, pedagoga também dos anos iniciais e a professora 4, licenciada em educação artística. A partir de encontros mensais buscou-se um diálogo entre a experiência dessas professoras e a arte contemporânea. O estudo foi de cunho qualitativo, a partir da abordagem teórico-metodológica dos Estudos Culturais em Educação. Este estudo decorre da necessidade de se pensar um processo formativo que contemple as questões da contemporaneidade no que se refere à arte e à educação. Conclui-se que apesar de não existir uma experiência aprofundada com a arte contemporânea, há inquietações que vislumbram tal experiência, permitindo, assim, problematizá-las.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This search presents reflections on the female body as an object in the contemporary art and some enquiries within history that led to this denomination. Through this, it was noted the importance of the role of women in society that led the images of your body dressed result in social transformations and in Visual Arts. With these questionings, I put in question the symptoms that are present in contemporary art related to the female body and I exemplify with works of women artists that discuss their own body stripped within contemporary society. To address issues on the body alive in art, the artists make questions about body art, the trivialization of women's image, sharp and seductive objects, performance and technology, placing the female body in debate. / Esta pesquisa busca apresentar reflexões sobre o corpo feminino como objeto na arte contemporânea e alguns questionamentos dentro da história que levaram a esta denominação. Por meio disto, procurei ressaltar a importância do papel da mulher na sociedade, na qual teve as imagens de seu corpo vestido acarretar em transformações sociais e nas artes visuais. Com estes questionamentos, coloco em questão sintomas que estão presentes na arte contemporânea relacionados com o corpo feminino e exemplifico com obras de artistas mulheres que problematizam assim seu próprio corpo despido dentro da sociedade contemporânea. Ao tratar de questões sobre o corpo vivo na arte, as artistas tecem questões sobre a body art, a banalização da imagem da mulher, objetos cortantes e sedutores, performances e tecnologia, colocando assim o corpo feminino em debate.

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-04-18T18:19:48Z No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-04-18T18:24:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2016-04-18T18:50:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-18T18:50:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vanesa R Lopes.pdf: 50788138 bytes, checksum: 001797f78b9972acbe8d420150eddb16 (MD5) Previous issue date: 2014-02-25 / This research presents an investigation of some Design’s fields and Contemporary Art, as well, through a look at Infinitely Kusama collection – created by Louis Vuitton’s fashion designer Marc Jacobs, in collaboration with the artist Yayoi Kusama - focusing on her career, her poetics and her installation art. Approaches experience design, which emphasizes affective aspects, symbolic functions and subjective components to delineate appropriations of art forms practiced by Design. Our journey is permeated by the concept of aesthetics experience and leads joints concerning the aesthetics in life, the reproduction, the fetishism of objects and brands, and some of the paradoxes that pervade fashion, such as standardization and differentiation. / Esta pesquisa apresenta uma investigação acerca dos campos do Design e da Arte contemporâneos por meio de um olhar sobre a coleção Infinitely Kusama - projeto da marca Louis Vuitton desenvolvido pelo designer de moda Marc Jacobs em colaboração com a artista Yayoi Kusama - bem como sobre a obra desta artista, enfocando sua trajetória, sua poética e seu trabalho com instalações. Aborda a linha de ação denominada design experiencial, que privilegia aspectos afetivos, funções simbólicas e componentes subjetivos, no sentido de delinear apropriações de linguagens artísticas praticadas pelo Design. Nosso trajeto é permeado pela apresentação do conceito de experiência estética e conduz articulações atravessadas por questões relativas à estetização do cotidiano, à reprodutibilidade, à fetichização de objetos e marcas e alguns dos paradoxos que perpassam a moda, tais como padronização e diferenciação.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DEBORAH.pdf: 2054685 bytes, checksum: 86c1cfff0a2428d9de6939603fea9109 (MD5) Previous issue date: 2008-07-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The reappearing of the debate about allegory in the contemporary art may be faced as the return of a reiterated question, although already announced by Walter Benjamin, since then little advanced. In this sense, the artistic production of Caetano de Almeida, in dialogue with other artists` works and theoretical texts, allows that a problematic pertinent to Art History, Theory and Critics, modernizing it, especially in what refers to the nature of image in its relation to temporality. In the more conventional way, a definition of allegory comes such from the philosophy of Plato as from literature, being considered as a figure of speech where is possible to say one thing through another. In art, this is about a notion, attribute or possibility of the work to say another thing to beyond itself, it means, the allegory appears as a resource destined to surpass what presents as the most visible or immediate. To problematize this concept to beyond a simple definition is constituted in a way of proaching the artistic image, not only as what is looked, but also as something that looks and makes to think beyond its evident visibility. This about less proposing axioms and more discussing its reverberations and rebuts, especially onsidering three aspects: the anachrony, the duplication and the visuality. The first one discusses the assembly as procedure present in the works of the series Mundo Plano, considering the actions of fragmentation and juxtaposition, as well as allowing the resignification and constitution of an anachronical cartography of the modern painting history. The second aspect proposes the duplication as an operation that reveals the difference present in the series As Madames and Exposição de Quadros, in which both have as starting point the appropriation of images of the art history, which affirming the reduplication bounce the appraised principles of originality opposed to the ones of repetition as difference. In the last aspect, it is discussed the meat of the painting, it means, the very own constitution of the artistic visuality as an allegory. There are then the vestiges of the artist s search unveiled under the pictorial surface, present question in the exposition Borda, as well as in Adriana Varejão, Nuno Ramos and Dudi Maia Rosa s works. These three aspects allow considering that the work speaks in its own terms, being therefore, creation of a world that points always in two directions, where the allegory allows the speech, such as to an inside from an outside, as from an interior launched to beyond its limits / O reaparecimento do debate sobre a alegoria na arte contemporânea pode ser encarado como retorno de uma questão recalcada, que embora já anunciada por Walter Benjamin, desde então pouco avançou. Neste sentido, a produção artística de Caetano de Almeida, colocada em diálogo com trabalhos de outros artistas e textos teóricos, permite que se retome uma problemática pertinente à História, Teoria e Crítica de arte, atualizando-a, especialmente no que se refere à natureza da imagem e sua relação com a temporalidade. No sentido mais convencional, uma definição de alegoria advém tanto da filosofia de Platão como da literatura, sendo considerada como uma figura de linguagem onde é possível dizer uma coisa através da outra. Na arte, trata-se de uma noção, atributo ou possibilidade da obra dizer outra coisa para além dela mesma, ou seja, a alegoria comparece como recurso destinado a ultrapassar o que apresenta como mais visível ou imediato. Problematizar este conceito para além de uma mera definição, constitui-se num modo de abordar a imagem artística não somente como aquilo que é olhado, mas também como algo que olha e faz pensar para além de sua visibilidade evidente. Trata-se menos de propor axiomas e mais de discutir suas reverberações e rebatimentos, especialmente considerando três aspectos: a anacronia, a duplicação e a visualidade. O primeiro discute a montagem como procedimento presente nos trabalhos da série Mundo Plano, considerando as ações de fragmentação e justaposição, bem como possibilitando a ressignificação e constituição de uma cartografia anacrônica da história da pintura moderna. O segundo aspecto propõe a duplicação como uma operação que revela a diferença presente nas séries As Madames e Exposição de Quadros, sendo que ambas têm como ponto de partida a apropriação de imagens da história da arte, as quais afirmando a reduplicação colocam em xeque os princípios valorativos da originalidade contrapostos aos da repetição como diferença. No último aspecto, discute-se a carne da pintura, ou seja, a própria constituição da visualidade artística como uma alegoria. Têm-se então os vestígios da busca do artista desvelada sob a superfície pictórica, questão presente na exposição Borda, assim como nos trabalhos de Adriana Varejão, Nuno Ramos e Dudi Maia Rosa. Estes três aspectos permitem considerar que a obra fala nos seus próprios termos, sendo portanto, criação de um mundo que aponta sempre em duas direções, onde a alegoria possibilita a fala, tanto para um dentro a partir de um fora, como de um interior lançado para além de seus limites

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 luciane.pdf: 4851524 bytes, checksum: d9de10c33240b35f0db5d7c32fc32716 (MD5) Previous issue date: 2009-08-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research intended an analysis from the French plastic artist Hubert Duprat s work, his Cases. Aiming to study questions that could help to understand contemporary art and its peculiarities, and wishing understanding a little more about the use of gold as plastic material in art through time, this contemporary artist was chosen and this work of his, which are little cases made in gold and precious stones. The artist started this work with cocoons in 1983 and is developing it until today, raising questions that are anachronical in Art History, as the concepts of sacred, copy without original, strangeness, preciosity. However this artist also resignifies the work s making in contemporary art, once his artistic process is based in the object, the result, the finishing, more than just the concept or generating idea. Starting from these premises, other series of this artist s works followed, which are related to the gold cases through material or concept; and with the help of authors as Georges Didi-Huberman and Aby Warburg it was possible to look to these works from an assembling procedure, and with Gilles Deleuze it was allowed to develop a study based in his concept of repetition with difference. This theoretical luggage legitimated other relations of the Duprat s selected works to other artists and periods in art history, bringing to the research the matter that symptoms return in art, come back with differences, resignifying and withdrawing some works of oversight, but go as a reiteration that presents itself, and it is through art that it can be traced / Esta pesquisa pretendeu fazer uma análise partindo de uma obra do artista plástico francês Hubert Duprat, seus Casulos. Com o objetivo de estudar questões que ajudassem a compreender a arte contemporânea e suas peculiaridades, e com o desejo de entender um pouco mais sobre o uso do ouro como matéria plástica na arte ao longo dos tempos, foi escolhido este artista contemporâneo e este seu trabalho, que são pequenos casulos confeccionados em ouro e pedras preciosas. O artista iniciou este trabalho de casulos em 1983 e vem desenvolvendo até hoje, levantando questões que são anacrônicas na História da Arte, como os conceitos de sagrado, cópia sem original, estranhamento, preciosismo. Entretanto este artista também ressignifica a fatura da obra na arte contemporânea, posto que seu processo artístico é fundamentado no objeto, no resultado, no acabamento, mais do que simplesmente no conceito ou a idéia geradora da obra. Partindo destas premissas, seguiram-se outras séries deste artista, que matérica ou conceitualmente se relacionam aos casulos de ouro; e com a ajuda de teóricos como Georges Didi-Huberman e Aby Warburg foi possível olhar estes trabalhos partindo de um procedimento de montagem, e com Gilles Deleuze permitiu-se desenvolver um estudo baseado em seu conceito de repetição com diferença. Este arcabouço teórico legitimou que se fizessem relações das obras selecionadas de Duprat com outros artistas e outros períodos da história da arte, trazendo para a pesquisa a questão de que sintomas retornam na arte, voltam com diferenças, ressignificando e retirando certas obras do esquecimento, mas seguem como um recalque que se apresenta, e é através da arte que isto pode ser mapeado

Essa dissertação levanta um conjunto de questões relacionadas à reflexão do processo artístico. Focando em conceitos como poeira, melancolia, flânerie e memória, foi desenvolvido um diálogo entre Walter Benjamin, W.G. Sebald, Georges Perec, Susan Sontag, Georges Bataille e Giorgio Agamben e, também, foram pesquisados os trabalhos de Marcel Duchamp, Joseph Cornell e Robert Smithson. O texto é dividido em três momentos nos quais as principais questões são expandidas em fragmentos que consistem em proposições inseridas na arte contemporânea. Junto com o texto é apresentada uma série de imagens que pertencem ao conjunto de fotos que serão expostas durante a defesa / This dissertation raises a set of questions related to the reflection of the artistic process. Focusing on concepts like dust, melancholy, flânerie and memory, it was developed a dialogue among Walter Benjamin, W.G. Sebald, Georges Perec, Susan Sontag, Georges Bataille and Giorgio Agamben and also, the works from Marcel Duchamp, Joseph Cornell and Robert Smithson were researched. The text is divided in three moments, which the principal questions are expanded in fragments that consist in propositions inserted in the contemporary art. Along with the text is showed a series of images that belong to a set of photos that will be exposed during the presentation

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Constituir uma paisagem da arte contemporânea, a partir da qual seja possível tratar encenações fora do âmbito da disciplina cênica atribuindo-lhe, portanto, uma desejada extradisciplinaridade é a que este projeto se dispõe. O ato artístico, em suas deslimitadas configurações; as derivas em que se aventura; os intensos fluxos com que se faz atravessar pela vida, e, reciprocamente, com que a ela atravessa; a constituição de vontades de arte que ultrapassam um programa estritamente artístico: estes são alguns dos elementos na geografia dessa vasta e complexa paisagem sobre a qual o presente projeto, interessado, se detém. Considerações acerca das encenações extradisciplinares são, então, tecidas, levando-se em conta as poéticas suscitadas num deixar-se ir por esta paisagem recortada. Prática que se quer como multiplicidade, se alastrando sem rumos previamente definidos, as encenações extradisciplinares sonham algum lugar para dizer do mundo, como o mundo, para o mundo e de dentro dele; e compartilham, assim, de uma vontade para a arte tomar o mundo como matéria plástica para, daí, revelar as plasticidades do mundo / The goal of this project is to ground a landscape for contemporary art, from which it is possible to approach to enactements from an extradisciplinary perspective. The artistic act, on its dislimited features; the flux of intensities and crossings with life; the drifts it faces; the will to art that goes beyond a strictly artistic program: these are some of the elements in the geography of this vast and complex landscape on which the present project dwells. Considerations on extradisciplinary enactements are made, taking into account their poetics, as we picture this landscape. Practice that cruises with no previous route, extradisciplinray enactements render places to tell about the world, to the world, like the world, and from within it; thus, they share a wish for art, for taking the world as plastic matter, hence, for bringing up the plasticities of the world

Este texto reflete sobre os processos de comunicação constituidores da relação obra-espectador, tratando a mediação em sua forma ampliada. A recepção de uma obra se organiza por inúmeros canais comunicativos equivalentes aos vários modos possíveis de sua presença. Esses vetores são permeados por fatores que envolvem o público a partir do ponto de expectativa desse encontro, assim como a recepção se desenvolve como possibilidade de ação de intercâmbio com o artista em seu projeto de elaboração da obra. Os vetores ligam os dois pontos − produção e recepção − e, aí, apresentam-se também os mecanismos que institucionalizam a produção como obra de arte. Essa cadeia de ações mediadoras se estabelece como nosso objeto de estudo e pesquisa. A Bienal do Mercosul se caracterizou como campo privilegiado para este trabalho / This text thinks over the process of comunication that constitutes the work-viewer relation, treating the mediation in its larger form. The reception of a work works out through many comunicative channels that match several possible ways of its presence. These vectors are permeated by factors that involve the audience as from the expectation of this clash, as well as the reception improves itself as a possibility of trade with the artist in his work elaboration project. The vectors connect two spots − production and reception − and at theses spots are present the mechanisms that institutionalize the prodution as a work of art. This mediatorial actions chain is established as our study and research object. The Bienal do Mercosul was featured as a privileged field for this work

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Essa dissertação é uma escrita performática que procura entender a arte como elemento para enxergar melhor o cotidiano; é um conjunto de observações e reflexões sobre trabalhos que lidam com regras autoimpostas pelos artistas; uma explanação sobre jogos que mudam os caminhos do cotidiano, transformando o olhar e a sensibilidade. Ações de artistas como Sophie Calle, Tracey Emin, Marina Abramovic, Tania Bruguera, entre outros, são analisados, junto a uma descrição e exposição dos trabalhos desenvolvidos pela própria autora. O capítulo I é dedicado aos modos como a fotografia serve às ações performáticas, a partir da exposição do trabalho Lhôtel, de Sophie Calle. O capítulo II pensa o lugar dos afetos na arte, como eles fazem parte da composição de trabalhos artísticos. O terceiro é um olhar sobre a exposição Cuide de você, de Sophie Calle, para refletir sobre o livro no campo expandido do espaço de exposição. No capítulo final, trabalhos das artistas cariocas Caroline Valansi e Julia Debasse, próximas da autora, são analisados, instigando o pensamento sobre como a proximidade entre artistas pode gerar criações artísticas / This paper is a search about the importance of art beginning with the observation and discussion of works dealing with self-imposed rules by the artists. Games that change the ways of everyday life, transforming the look and sensibilty. Works by artists like Sophie Calle, Tracey Emin, Marina Abramovic, Tania Bruguera, among others, are discussed, with a description and exhibition of my work. Chapter I is devoted to ways in which photograph registrers performing actions. The work L'hôtel, by Sophie Calle is a starting point for this thought. Chapter II thinks the place of affection in art, how its important part of the artworks compositions. The third chapter is a glance at the exhibition Take care of yourself, by Sophie Calle, to consider the format book in the expanded field of an exhibition space. In the final chapter, works by artists from Rio, close to the author, are analyzed, provoking the idea of how the proximation between artists can generate artworks

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Esta dissertação focaliza o diálogo entre dança contemporânea e artes visuais a partir dos anos 1990 e as novas configurações e discussões presentes nos trabalhos de criadores que transitam entre esses dois campos. Procura pensar a dança como arte contemporânea, indagando a si mesma sobre sua condição: o que a constrói e define nesses termos. As relações entre dança contemporânea e o conceitualismo são traçadas observando obras que, abandonando o formalismo e o puro exercício da estética, propõem-se a acrescentar algo em termos de concepção da arte e questionar sua própria natureza. Repensar as convenções da própria dança, o modelo de espetáculo, os espaços e formas de visibilidade são as principais questões investigadas. Especificamente, são abordados os trabalhos de Tino Sehgal (Londres, 1976- ), Wagner Schwartz (Volta Redonda, 1972- ) e a própria produção artística da autora para pensar essas relações, reivindicando uma condição conceitual da dança contemporânea nas obras próprias e nas dos artistas estudados. As desestabiliza-ções e fissuras que essa condição provoca são as ferramentas para potencializar e ampliar a visão da dança como arte contemporânea / This study focusses on the dialogue between contemporary dance and visual arts from the 1990s on, discussing the new configurations and debates proposed in works by artists who move through these two fields. Dance is thought over as contemporary art, asking itself on its condition, on what constructs and defines it. Relationships between contemporary dance and conceptualism are sketched by observing works that, having cast aside formalism and the sheer exercise of aesthetics, propose to add something in terms of art conception and inquire on their own nature. Main issues addressed here include rethinking dances very conventions, models of show or presentations, spaces, and forms of visibility; they are discussed against the background of works by Tino Sehgal (born in Britain, 1976), Wagner Schwartz (born in Brazil, 1972) and the authors own production, pleading for a conceptual condition of their works in contemporary dance. The destabilization and fissures generated by such condition are taken as tools to strengthen and amplify the vision of dance as contemporary art