Comoumsótrabalho - sobre os projetos de escala geográfica de Nelson Felix investiga um conjunto específico de obras do artista, precisamente aquelas cuja construção envolve deslocamentos geográficos extremos, uma experiência dilatada de temporalidade e a premissa do entrelaçamento contínuo entre os trabalhos. Marcada pelo rigor construtivo e por uma série de determinações simbólicas, a produção de Felix recorre a formas orgânicas, a ciclos planetários, à música, à poesia escrita, em um jogo de equivalências e rebatimentos que se manifesta em uma forma constelar, simultaneamente atenta e insubordinada aos paradigmas estéticos contemporâneos. Assim, partindo de reflexões que problematizam a relação ambivalente da obra de Nelson Felix com a tradição da escultura a pesquisa encontra, nos processos de construção dos projetos do artista, os conceitos que irão nortear a discussão em pauta. Essas reflexões se atêm, basicamente, à contiguidade entre os trabalhos, à temporalidade supra-humana a que são submetidos e à monumental invisibilidade da obra. / Comoumsótrabalho (Asasinglejob) - about the geographic scale works of Nelson Felix - investigates a specific set of works by the artist, precisely those whose construction involves extreme geographic dislocation, a dilated temporal experience and the premise of continuous interconnection between all of the artist\'s works. Marked by the constructive rigor and by a series of symbolic determinations, Felix\'s production turns to organic forms, planetary cycles, music and written poetry, in a game of equivalences and reverberation that presents itself in a stellar way, simultaneously aware of and unsubordinated to the contemporary aesthetic paradigms. Thus, starting from reflections that problematize the ambivalent relations between the work of Nelson Felix and the tradition of sculpture, the research finds, in the processes of construction of projects by the artist, the concepts that will guide this discussion. These reflexes basically rely on continuation of works, on the super-human temporality to which they are submitted and on the monumental invisibility of the work.

Campos de invisibilidade é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre noções do invisível na arte contemporânea a partir, principalmente, de produções artísticas realizadas entre a segunda metade do século XX e os dias atuais. São tomadas como ponto de partida, as práticas conceituais desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito nacional e internacional, bem como suas influências anteriores. Tais práticas conduzem às reflexões sobre a desmaterialização do objeto artístico, a problematização da arte como apreensão estritamente visual e a inclusão do participador nas obras. Outros artistas e também arquitetos são analisados com o intuito de verificar o invisível nas relações entre corpo, arquitetura e tecnologia. Esses assuntos são discutidos em conjunto com uma série de projetos artísticos realizados pelo autor da tese, funcionando como chaves de abertura para os estudos. Já pela perspectiva teórica, são realizados diálogos com o filósofo M. Merleau-Ponty em O visível e o invisível (2012) e com a artista e filósofa Anne Cauquelin em Frequentar os incorporais (2008). Para tanto, esta tese é dividida em quatro capítulos: O invisível como campo, Sempre algo entre nós, Arquiteturas invisíveis e \"Uma luz ilumina tudo/Mas deve haver mais\". Por esse viés, o invisível é explorado como campo relacional, poético, crítico, sensível, político e social. Diante das referências estudadas, esses campos emergem como algo que modula as relações entre as pessoas e os espaços. / Invisibility Fields is a theoretical and practical study addressing notions of the invisible in contemporary art mainly based on artistic productions made between the second half of the 20th century and the present day. The conceptual practices developed in the 1960s and 1970s, at the national and international levels, as well as their earlier influences, are taken as a starting point. These practices lead to reflections on the dematerialization of the art object, the discussion of art as strictly visual apprehension, and the inclusion of the participant in the works. Other artists and architects are also analyzed with the aim of verifying the invisible in the relationships between body, architecture and technology. These issues are discussed in conjunction with a series of artistic projects carried out by the author of the thesis, serving as opening keys for the studies. As for the theoretical perspective, dialogues are held with philosopher Merleau-Ponty in The Visible and the Invisible (2012) and artist and philosopher Anne Cauquelin in Attending the Incorporeal (2008). This thesis is thus divided into four chapters: The Invisible as a Field, Always Something between Us, Invisible Architectures and \"A Light Illuminates Everything/ But There Must Be More\". From this angle, the invisible is explored as a relational, poetic, critical, sensitive, political and social field. Given the references studied, these fields emerge as something that modulates the relationship between people and spaces.

Made available in DSpace on 2015-03-04T20:05:59Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 7 / Nenhuma / A arte contemporânea é apresentada neste texto como um meio potente na construção de singulares sentidos para o aprendizado que se efetua na vida. O foco da pesquisa está na análise de algumas obras de arte que, a partir de seus efeitos de superfície, promovem essas perspectivas diferenciadas que se dão a ver em alguns elementos específicos da arte contemporânea. As análises das obras “O Grande Vidro ou A noiva despida por seus celibatários, mesmo”, de Marcel Duchamp (1887 – 1968), “Corpo de Passagem”, de Vânia Mombach, “O Nascimento de Afrodite – sobre a origem e criação” de Dione Veiga Vieira, e “Carrinho de Boneca”, de Lia Menna Barreto, foram realizadas buscando-se uma aproximação com as filosofias da diferença, utilizando-se como aportes teóricos alguns conceitos filosóficos de Friedrich Nietzsche, Gilles Deleuze, Felix Guattari e Maurice Blanchot e teorias de arte de autores diversos desse campo. Com as análises, realizadas sem um traçado uniforme relativamente ao método, é reconhecida uma série de sent

O objeto desta tese enfatiza a minha prática artística desenvolvida durante 2010 e 2012, período que freqüentei o mestrado de Poéticas Visuais da Universidade de São Paulo. A produção escrita aqui apresentada acompanhada de imagens, permite uma descrição crítica e contextualizada dos trabalhos em questão. A narração da sua linha de construção e a concepção justificada através de associações. O evento como objeto de trabalho, e ponto de partida. A vivência de algumas situações como prática, para a representação de objetos, criando intersecções de acontecimentos, períodos históricos, ou mesmo ficções (A), através de um processo de tradução em esculturas (B). Este processo de transferência de A para B contém uma série de conexões invisíveis: como réplicas de objetos, articulações de sentidos, associações, para a construção de escultura, ou de imagem. Estas peças surgiram da possibilidade de tornar material uma relação. A relação que tenho estabelecido entre dois lugares: Portugal e Brasil, os dois países onde tenho vivido nos últimos quatro anos. / a period that I attended the Master of Visual Poetics, University of Sao Paulo. The written production accompanied by images presented here, allows a contextualized and critical description of the work in question. The narration of its time line of construction and design justified through associations. The event as an object of work and starting point. Direct experience as a practice for the representation of objects, for the intersection of events, historical periods or even fictions (A), translated into sculptures (B). This transference process from A to B holds some invisible connections, such as replicas, different meanings in articulation and associations for the construction of a sculpture or image. These pieces came from the possibility of making material a relation. The relation I have established between these two places: Portugal and Brazil, the two countries I\'ve been living in for the past four years.

Para compreender a relação entre cor e fotografia, investiguei seus aspectos técnicos e poéticos. Aprofundando-me na pesquisa de importantes fotógrafos que trabalham com a cor, realizando uma série de entrevistas com os artistas estudados e especialistas na área e construindo uma prática artística pessoal, procuro mostrar nesta dissertação como a cor adquire autonomia, tornando-se elemento estrutural da obra. / To understand the relationship between color and photography, I investigated the technical and poetical aspects. Deepening in the researches about important photographers that work with color, making a series of interviews with the artists that had been studied and professionals from the area and building an artistic personal practice, I try to show in this dissertation how the color acquires autonomy becoming a structural element of the work.

Esta dissertação tem como objeto de estudo a minha produção de pintura entre os anos de 2006 e 2008 e as relações que esta estabelece com as séries produzidas anteriormente durante minha permanência na Alemanha. O vínculo entre estes trabalhos dá-se principalmente através do uso da fotografia - da sua manipulação e posterior releitura através da pintura - que tem como tema as relações com o cotidiano tanto através da Internet como do contato direto com pessoas e coisas. A montagem destas pinturas no espaço é outro elemento importante dentro do processo de trabalho que enfatiza as relações com o espectador e com a lógica interna da própria pintura. / This paper has as a study purpose my painting production between the years of 2006 and 2008 and the relations that it established with the series previously produced, during my time in Germany. The link between these works occurs mainly through the use of photograph of its manipulation and the subsequent reinterpretation through painting -, which has as subject the relations with the everyday life, whether through the Internet or through the direct contact with people and things. The montage of these paintings in space is another important element within the work process, which emphasizes the relations with the audience and the internal logic of painting itself.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-01-12T17:49:48Z No. of bitstreams: 1 José Almir Valente Costa Filho.pdf: 10593880 bytes, checksum: b3528041080ffb70ad53adbd0b35b92e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-12T17:49:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 José Almir Valente Costa Filho.pdf: 10593880 bytes, checksum: b3528041080ffb70ad53adbd0b35b92e (MD5) Previous issue date: 2017-12-19 / This work investigates some contemporary artistic manifestations which bring in their aesthetic experiences objects made from items of everyday life that, through various operations, are transformed into contemporary visual poetics. It analyses aesthetic changes in the status of art which have occurred from modern and contemporary art with the emergence of Duchamp's ready-mades, going through Arman's assemblages, performances and happenings of Fluxus artists until the contemporary installations of El Anatsui. The strategies of the processes of production, assembly/exhibition and apprehension of those works are also brought into appreciation. As a corpus of analysis, three works were selected: Manto da apresentação (Mantle of Presentation) (1985) by Arthur Bispo do Rosário, Arqueologia poética (Poetic Archeology) (2011) by Luiz Antônio Rodrigues - Chiquitão and Marat (Sebastião) (2009) by Vik Muniz. Fundamentally, the choice of these works was based on their original aspect. Their singularity comes from the fact that those artists use materials and objects of daily use as one of the elements that constitute the materiality of the aesthetic arrangement of their works, in relation to other art materials. The theoretical and methodological basis of this work is found in the French semiotics of Algirdas Julien Greimas, with its developments in Plastic semiotics, in the researches of Jean-Marie Floch and Ana Claudia de Oliveira, as well as in the works of Eric Landowski about the “sense felt" in constituting acts produced from interaction regimes. Throughout the analysis of the corpus, it can be noticed how is produced the construction of meaning concerning these different discourses, as well as of the interactions coming from the relationship between enunciator and enunciatee. Thus, it is demonstrated, at this point, how matter and materials mean in the aesthetic discursive construction of the works and in the aesthesia condition of the production of the sense that gives meaning to it. The focus of the semiotic on the sensitive matter of art, makes it possible to establish a more in-depth study of the issues listed here. It can be better realized that the formants of matter have a special "force" - during the creation of high impact discourses towards the art spectators and, in their context, being able to engage them in the works that promote aesthesia and which materiality is the outlet that affects them. This sensitizes the artists to the new uses of matter and materials, re-signifying their use in everyday life, an achievement of the art produced in Brazil in dialogue with other international artistic trends / Investigação das manifestações artísticas na contemporaneidade, que trazem em suas experiências estéticas objetos construídos a partir de objetos da cotidianidade que, por operações várias, são transformados em poéticas visuais contemporâneas. Reflete-se sobre as mudanças estéticas no estatuto da arte que ocorreram a partir da arte moderna e contemporânea, com o surgimento dos ready-mades de Duchamp, passando pelas assemblages de Arman, performances e happenings do Grupo Fluxus, até as instalações contemporâneas de El Anatsui, apreciando as estratégias dos processos de produção, montagem/exposição e apreensão das obras analisadas. Como corpus de análise, selecionamos Manto da apresentação (1985) de Arthur Bispo do Rosário, Arqueologia poética (2011) de Luiz Antônio Rodrigues – Chiquitão e Marat (Sebastião) (2009) de Vik Muniz. As obras escolhidas se justificam, a princípio, por se destacarem pelo aspecto da originalidade. Essa singularidade advém do fato de os artistas utilizarem materiais e objetos do uso cotidiano como um dos elementos que formam a materialidade do arranjo plástico das obras, em relação com outros materiais artísticos. A base teórica e metodológica utilizada encontra-se na semiótica francesa de Algirdas Julien Greimas, com os seus desdobramentos na semiótica plástica, nas pesquisas de Jean-Marie Floch e Ana Claudia de Oliveira, e no trabalho sobre o “sentido sentido” em ato constituído a partir dos regimes de interação teorizados por Eric Landowski. Na análise do corpus, percebe-se como se dá a construção de sentido desses diferentes discursos, assim como das interações provenientes das relações entre enunciador e enunciatário. Assim, chega-se a: como as matérias e os materiais significam na construção discursiva estética das obras e na condição estésica da produção do sentido que a significa. Com essa visada semiótica sobre a matéria sensível da arte, consigamos constituir um estudo mais aprofundado sobre as questões aqui elencadas, percebendo que os formantes matéricos têm uma “força” especial – na criação de discursos impactantes no destinatário e em seu contexto, engajando-os nas obras que promovem estesias nas quais a materialidade é o desembocador que afeta, sensibilizando o artista para os novos usos dos materiais e matérias, e ressignificando seu uso na cotidianidade, um feito da arte produzida no Brasil em diálogo com outras tendências da arte internacional

Resumo não disponível

Notas sobre o deserto: extensão e transbordamento como articuladores espaço-temporais é uma refl exão que trata de uma pesquisa em poéticas visuais, investigando principalmente alguns trabalhos realizados a partir de 2011, nas linguagens de vídeo, performance, objeto, fotografi a e instalação. Esta tese articula-se a partir da percepção de um contexto que se coloca diante das escolhas plásticas, em aspectos recorrentes que ressignifi cam o corpo e a casa, principalmente a partir do que é estabelecido como limite ou apropriado. Três autores são fundamentais para este trabalho, criando situações de diálogo e espelhamento. Vitor Ramil e a percepção de uma paisagem que permite a experiência do vazio, bem como aspectos de impregnação revelados quase sempre por uma atmosfera úmida, onde os contornos podem ser desfeitos. Samuel Beckett e um sujeito que se apresenta também enquanto coisa, aguçando a compreensão de aspectos estruturais do corpo, suas atividades ou imobilidades. E ainda, Nuno Ramos, em sua abundância plástica, redefi nindo o tempo todo a materialidade do mundo a partir de sua produção literária e visual. O texto foi escrito e organizado tendo como base os próprios trabalhos, que defi niram em seu número a quantidade de Notas (textos curtos ao invés de capítulos) a serem discutidas. Estes pensadores aparecem nas Notas brevemente e entrecortando-as enquanto Recuos, como textos um pouco maiores, que amparam a refl exão aqui construída. As Notas e os Recuos foram propostos como textos articuláveis que, apesar da ordenação indicada pelo sumário, podem ser remanejados em sua individualidade. / Notes on the desert: extension and overfl ow as spatiotemporal articulators is a refl ection upon a visual poetics research, mainly investigating some works done starting on 2011, concerning the video, performance, object, photography and installation languages. This thesis is structured from the perception of a context that is placed on the plastic choices, on recurring aspects that resignify the body and the house, mainly over what’s stablished as a limit or appropriate. Three authors are critic to this work, creating dialog and mirroring situations. Vitor Ramil and the perception of a ladscape that allows the experience of emptiness, as well as aspects of impregnation revealed almost always from a moist atmosphere, where the contours can be undone. Samuel Beckett and a man who presents himself also as a thing, sharpening the understanding of structural aspects of the body, its activities or imobilities. And yet, Nuno Ramos, in its plastic abundancy, resetting the whole time the materiality of the world from his literary and visual production. The text was written and organized based on the works that defi ned the amount of Notes (short texts instead of chapters) to be discussed. These thinkers appear in Notes briefl y and also intersected as Setbacks, slightly larger texts which give support to the refl ection built here. The Notes and Setbacks have been proposed as articulated texts that, despite its indicated order in the summary, can be relocated in their individuality.

Este trabalho estuda a presença da ironia em um conjunto de trabalhos de Carlos Pasquetti em fotografia e em Super-8, realizados desde o final da década de 1960 até o presente, nos quais o artista apresenta seu próprio corpo em ações performáticas. Pretendo questionar a presença da ironia na indefinição de um limite entre suas autoimagens performatizadas e o próprio artista. O emprego da ironia, segundo a indicação de Carvalho, não visa menosprezar a inteligência do observador, mas solicitar deste uma participação ativa na formulação de interpretações individualizadas. A ironia, que participa na construção do trabalho do artista, é interpelada pela pesquisa sobre a sua função, a sua ação de, por sua vez, interpelar o espectador, provocando nele a confluência, a geração e o descobrimento de uma verdade própria sobre a arte. / This work studies the presence of irony in a set of works by Carlos Pasquetti in photography and in Super-8, made from the late 1960s to the present, in which the artist presents his own body in performance actions. I want to question the presence of irony in the indefiniteness of a boundary between his performatized self-images and the artist himself. The use of irony, according to Carvalho's indication, is not intended to underestimate the observer's intelligence, but rather to solicit an active participation in the formulation of individualized interpretations. The irony, which participates in the construction of the artist's work, is Interpellated by the research on its function, its action in turn, to Interpellate the viewer, provoking in him the confluence, the generation and the discovery of one's own truth about art.