Tomando en cuenta el título completo de El nacimiento de la tragedia del espíritu de la música título que alude al problema filológico de los orígenes- puede comprenderse mejor la concepción nietzscheana del arte y su crítica de las teorías estéticas tradicionales. El planteamiento aristotélico que subyace a estas teorías parte de la separación entre obra, autor y público, es decir del principio artístico de lo apolíne.Tal separación no es válida en el caso de la tragedia. Nietzsche rompe con la tradición aristotélica que convierte a la tragedia en un drama para la lectura, poniendo énfasis en la totalidad del espectáculo dramático

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, 2013. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2013-11-22T20:08:35Z No. of bitstreams: 1 2013_AndersonCesarAlves.pdf: 650596 bytes, checksum: 4961d5ab968cd69d307a12e56ba8f18f (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-11-25T11:28:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AndersonCesarAlves.pdf: 650596 bytes, checksum: 4961d5ab968cd69d307a12e56ba8f18f (MD5) / Made available in DSpace on 2013-11-25T11:28:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AndersonCesarAlves.pdf: 650596 bytes, checksum: 4961d5ab968cd69d307a12e56ba8f18f (MD5) / Esta pesquisa de caráter qualitativo exploratório objetivou investigar a construção da expertise entre clarinetistas brasileiros. Teve como objetivos investigar os fatores determinantes para a construção da expertise na performance dos participantes, analisando as estratégias de gerenciamento, manutenção e regulação de suas performances. A revisão de literatura considerou quatro eixos de análise: 1) motivação, 2) autorregulação, 3) metacognição e 4) prática deliberada. Como estratégia metodológica utilizou-se a entrevista semiestruturada a partir das quais foram entrevistados quatro clarinetistas experts de orquestras sinfônicas brasileiras. Os resultados indicam que a performance expert pode ser construída por meio do refinamento dos processos cognitivos envolvidos na preparação da própria performance. As análises fora realizadas a partir do diálogo entre as falas dos participantes e a literatura que indicou estratégias específicas dos clarinetistas na construção da sua expertise musical. A performance de alto nível pode ser construída a partir de estratégias metacognitivas autorreguladas de preparação, sendo a motivação considerada um elemento fundamental para sustentar o estudo efetivo a longo prazo e auxiliar na construção da expertise na clarineta. ____________________________________________________________________________ ABSTRACT / This qualitative exploratory research investigates the process of developing music expertise among Brazilian clarinet players. It look at the determinant factors for the construction of the expertise like strategies management and maintenance of quality music performances. The literature indicates four areas of analysis: 1) motivation , 2) self-regulation, 3) metacognition, and 4) deliberated practice. The data was collected through semi-structured interviews with four professional clarinet players that work in major symphony orchestras in Brazil. The results indicate that expert performance could be constructed by refinement of individual strategies during the process of performance readiness. The analysis was realized based on the dialogue between the subjects’ ideas and the music cognition literature. It is possible to observe that Brazilian clarinetists developed a series of strategies to achieve musical expertise.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:07:16Z No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:16:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-17T15:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AnaCarolinaSouzaSilvaDantasMendes.pdf: 22928209 bytes, checksum: 431006767ff4337499865133a6f761f8 (MD5) / Esta tese investiga as formas de conexão da dança contemporânea com as tecnologias digitais e o jogo, e tem por objetivo propor uma metodologia de análise de tais conexões que favoreça a percepção de suas possibilidades de potencialização da autonomia da dança. Tem por motivação inicial os jogos eletrônicos de dança, em particular, a Máquina para Dança (MpD), considerando a dança produzida no modo estilo livre desse jogo como exemplo de conexão entre dança, jogo e tecnologia que é otencializadora da dança. Para a construção dessa metodologia de análise, esta pesquisa fundamenta-se na filosofia contemporânea, com ênfase no pensamento de Michel Serres e coteja-o com o fazer da própria dança, retirando dessa reflexão o ferramental analítico a ser usado na visita que faz ao jogo, à tecnologia digital e às conexões estabelecidas entre eles e a dança. Como resultado, são destacados da dança os conceitos de alongamento, pré-movimento e composição, e junto aos conceitos de impulsos fundamentais, modus operandi e finalidade, constituem a base metodológica da análise dos campos e das conexões. De posse desse referencial, retorna à MpD para exercitar a metodologia de análise desenvolvida, e identifica na dança alí feita uma conexão que tende ao híbrido entre jogo e dança, sem, contudo, hibridizar esteticamente com a tecnologia; essa é utilizada como instrumento a potencializar o jogo-dança. Finaliza estabelecendo um diálogo entre os resultados obtidos na análise da dança na máquina e a própria dança contemporânea, identificando pontos de reflexão potencializadores desse fazer. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis investigates the connection forms of contemporary dance with the fields of game and digital technologies, and aims to propose a methodology for analysis of such connections that favors the perception of their ability to potentiate dance autonomy. It is initially motivated by the dance electronic games, in particular, the Dancing Machine, considering the dance produced in freestyle mode of that game as an example of connection between dance, game and technology that is potentiator of dance. It is grounded in contemporary philosophy, with emphasis on the thought of Michel Serres, and collates it with the making of the dance itself. From this reflection, it gets the analytical tools, to be used during the visit that makes to game, to digital technology and to the connections between them and the dance. As a result, the following dance concepts are highlighted: stretching, pre-movement and composition, and along with the concepts of fundamental impulses, modus operandi and purpose, constitute the methodological basis of the analysis of fields and connections. Armed with this framework, this thesis returns to the Dancing Machine in orther to exercise the analysis methodology developed, and identifies the dance performed there as a connection that tends to hybrid between game and dance, without, however, aesthetically hybridize with technology. The technology is used as a tool to enhance the game-dance. Finishes establishing a dialogue between the results obtained in the analysis of the Dancing Machine and contemporary dance itself, identifying points of reflection enhancers of this dance.

Magíster en artes, con mención en teoría e historia del arte / La presente investigación tiene como motivo principal revisar y analizar la exposición titulada “De Cézanne a Miró”, presentada en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago a mediados del año 1968. Fue Una exposición itinerante enviada desde el Museo de Arte Moderno de Nueva York, como parte del programa internacional del museo. Fue la primera exposición realmente mediática de artes visuales en Chile, y fue gestionada bajo ciertas condiciones que relacionaremos con un contexto marcado por la Guerra Fría. Se presenta un marco teórico que pretende revisar el papel de la exposición artística en la Historia del Arte y en un concepto más amplio denominado Campo Artístico. Se revisa parte de la discusión entorno al Arte Moderno a nivel hemisférico y local, para determinar cómo la exposición, en cuanto productora de discurso, se involucra de manera subyacente con el contexto histórico.

Magíster en artes, mención teoría e historia del arte / Las crisis de representación actual no sólo dejan efectos en el campo político social, sino también en el campo del saber y la experimentación metodológica. En este contexto, donde como plantea Nigel Thrift, lo que más sobresale son grandes programas de pensamiento para explicar el mundo ante la incertidumbre. Proponemos en cambio, detenernos en el estudio de tipo no representacional, en tanto enfoque que no busca legitimar un saber, sino captar la realidad en clave sensible y heterogénea, en su posibilidad geográfica, corporal y material. Es así como pensando en una geografía de tipo archipiélago, una primera parte este trabajo, se hace cargo de conocer el enfoque no-representacional, así como explorar otras dimensiones de estudio en torno a la sensibilidad y la creación. En una segunda parte, se da cuenta de un trabajo empírico en una constelación de islas en el archipiélago de Quinchao, Chiloé. Donde en específico, se investigan las prácticas móviles y sensibles de los isleños, en un contexto geográfico-espacial, donde el movimiento es la condición del habitar archipelágico. Orientados por el enfoque propuesto, se ocupan técnicas y registros de tipo etnográfico “flotante”, “móvil” y “visual” para captar la experiencia y sensibilidad del movimiento insular.

O assunto principal do critico de arte inglês do século XIX John Ruskin foi uma teoria da percepção cujo objetivo era o ensino do desenho para a sociedade industrial. No século XIX o ensino do desenho era considerado uma politica industrial, e no Brasil não foi diferente. A vinda da família real ao país deflagrou o nosso primeiro projeto de industrialização com base no ensino do desenho. A Missão Francesa veio fundar aqui duas escolas, uma para as artes liberais e outra para as artes Mecânicas. O Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro foi fundado em 1886 pelo arquiteto Joaquim Bethencourt da Silva. Rui Barbosa foi sócio honorário do Liceu e leitor de John Ruskin. Muitas das idéias de Ruskin estão presentes no método de ensino do desenho no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. / John Ruskin wrote about painting, architecture, political economy, geology, religion and nature. His intention was to relate these subjects to a logic he assumed exists in nature. Different things constructing harmony, a natural order. He lived in the so called Industrial Revolution period and his writings were to propose a natural logic to modern society. In this mater, the teaching of design appeared as an industrial policy. These thoughts belonged to the Brazilian first industrial policy . Rui Barbosa used Ruskin´s logic to create the Teaching Reform Policy and to talk about the teaching of design in the Arts and Crafts School of Rio de Janeiro.

A presente pesquisa objetiva a análise e a reflexão do processo de criação de ensaios videográficos de imagem e(m) movimento, intitulados “A Coleção de Movimentos”, “Videomovimentos”, e “Hipermovimentos”, nos quais o movimento é abordado tanto como conceito operacional quanto como material de trabalho. Ao conceito de movimento articulam-se os conceitos de coleção e hipertexto, bem como procedimentos relacionados à linguagem coreográfica. São abordados teóricos que discutem os temas relevantes ao assunto, como José Gil, Arlindo Machado e Pierre Levy, bem como artistas e suas obras que se relacionam com a temática proposta: Helio Oiticica, Bruce Nauman, Fluxus, Abraham Palatnik, Alexander Calder, Julio le Parc e Anton Bragaglia. / This research aims analysis and reflection about the creation of videographics essays about image and(in) movement entitled "The Collection of Movements", "Videomovements" and "Hypermovements" in which the movement is treated both as an operational concept and as a working material. The concept of movement is articulated to the concepts of collection and hypertext, as well as to procedures related to the choreographic language. José Gil, Arlindo Machado and Pierre Lévy, scholars that dicuss issues concerning the matter, as well as Helio Oiticica, Bruce Nauman, Fluxus, Abraham Palatnik, Alexander Calder, Julio le Parc and Anton Bragaglia, artists and their works related to the proposed theme, are employed.

A presente pesquisa parte da análise dos procedimentos implicados na criação de obras em vídeo e videoinstalações produzidas entre 2004 e 2008. A valorização dos aspectos sensoriais da imagem - como as descrições do espaço e da paisagem que aparecem em vários vídeos desse período – transforma as relações entre espaço e tempo nessas narrativas, que vão se caracterizando pelo aparecimento de espaços vazios e por uma crescente autonomia das imagens e dos sons. Na montagem, os intervalos entre as imagens, a descontinuidade, a dissociação entre a imagem e o som, as repetições/recorrências, são procedimentos que constroem uma lógica disjuntiva (inclusiva), paratática e ligada a um pensamento paradoxal (não-causal e não-racional). Nas videoinstalações a disjunção se apresenta com o uso de múltiplos televisores/projetores, criando novas ressonâncias entre as imagens. As narrativas desses vídeos apresentam uma ambivalência entre imagens significantes e não-significantes e operam num regime sensório-temporal - marcado pelo tempo, pela montagem disjuntiva e pela potência pura das imagens. Além da análise de nossas obras buscamos referências na filosofia de Bergson para entender a imagem além da representação e as relações entre corpo e consciência além da fenomenologia. Com o conceito de imagem-movimento forjado por Deleuze (que caracteriza nossa experiência de mundo) podemos mostrar como as imagens cinematográficas (e também a imagem-vídeo), liberadas de suas conexões habituais (sensório-motoras) vão entrar em relação com o tempo e o pensamento. Aproximamos os procedimentos observados em nossa prática com a experiência do cinema moderno em relação à função do espaço, às descrições puras, à autonomia das imagens e dos signos e às transformações da montagem. Problematizamos também a questão da narrativa no âmbito da videoarte e na produção de filmes e vídeos experimentais, investigando as diferenças entre filmes narrativos e nãonarrativos e discutindo os conceitos de narrativa e acontecimento. Analisamos os procedimentos de filmagem e montagem no cinema de Vertov, no flicker-film, no filme estrutural e nos filmes de arquivo. Apontamos também a imbricação entre os conceitos de imanência e vidência, buscando ressonâncias entre a filosofia de Deleuze, a poesia de Fernando Pessoa (Alberto Caeiro) e o cinema, no qual afectos e perceptos puros podem ser observados nos filmes de Oscar Fischinger, Joris Ivens e Stan Brakhage. / The present research is the analysis of the procedures involved in creating video works and video installations produced between 2004 and 2008. The appreciation of sensory aspects of the image - the descriptions of space and landscape that appear in several videos of that period - transforms the relationships between space and time in these narratives, which is characterized by the appearance of empty spaces and a growing autonomy of the images and sounds. In the editing, intervals between the images, discontinuity, dissociation of the picture and sound, repetition / recurrence are procedures that build a logical disjunction (inclusive), paratactic and connected to a paradoxical thinking (non-causal and non- rational). In the installations video disjunction is presented with the use of multiple televisions / projectors, creating new resonances between the images. The narratives of these videos show an ambivalence between significant and nonsignificant images and operate in a sensory-temporal system - marked by time, by disjunctive montage and pure power of images. Besides the analysis of our work we seek references in Bergson's philosophy to understand the image beyond the representation and the relations between body and consciousness beyond phenomenology. With the concept of image-movement forged by Deleuze (which characterizes our experience of the world) we can show how cinematic images (and also image-video), freed from their usual connections (sensorimotor) will enter into a relationship with time and thought. We approach procedures observed in our practice with the experience of modern cinema in relation to the function of space, the pure descriptions, the autonomy of images and signs and to change the montage. We also problematize the question of narrative in the context of video art and production of films and experimental videos, investigating the differences between narrative films and non-narrative films and discussing the concepts of narrative and event. We analyze the procedures for shooting and editing in Vertov’s films, flicker-films, structural films and found-footage films. We also show the overlap between the concepts of immanence and clairvoyant function, seeking resonance between Deleuze's philosophy, the poetry of Fernando Pessoa (Alberto Caeiro) and film, in which pure affections and perceptions can be seen in the films of Oscar Fischinger, Joris Ivens and Stan Brakhage.

Este trabalho é o desenvolvimento e a concomitante incorporação de leituras e de apreensões poéticas, em busca de uma expressão pessoal. Estimulada por dez poéticas e por suas potencialidades, experimento a configuração de um discurso marcadamente oral, cujas referências estão impregnadas pelo mundo cotidianamente vivido, experimentado, sentido, percebido. E pela passagem do tempo. É a apresentação da conquista de uma voz, da minha voz e dos objetos com os quais aprendo a falar.

Esta dissertação apresenta uma proposta de processo de criação, que tem como produto imagens fotográficas produzidas no período de 1994 a 1996. Enfoca-se as transformações que ocorrem na linearidade do processo iniciado antes da materialização das imagens, com o olhar que percebe o mundo. Constata-se um olhar interessado e direcionado para o comportamento da luz, enquanto fenômeno natural. Na materialização das imagens, efetiva-se a Metamorfose da luz, ou seja, a luz transforma-se no branco da superfície sensível. Nesta etapa são impostos alguns limites técnicos como: distância mínima entre a objetiva e o referente; diafragmação máxima, resultando uma profundidade de campo mínima e medição/ consideração da luz no ponto de maior intensidade. Estes limites, associados a vontade de uma representação não analógica, reduzem ao essencial tanto a forma como a matéria, provocando a desidentificação do referente como ele é percebido pelo olhar humano. As reglexões teóricas, instituídas pelo trabalho prático, incluem discussões relacionadas a uma subjetividade do autor com a objetividade do processo de instauração de uma obra de arte. São consideradas as seguintes questões: atribuição ao olhar que percebe a luz, a relação mais indicial das imagens; a eleição da imagem reune num só instante o olhar humano e o olhar do aparelho; a desidentificação e a fragmentação. Entende-se, enfim, que as imagens celebram uma aliança entre o olho, o objeto contemplado e a luz que, enquanto faculta o encontro de ambos, conquista um lugar próprio. / This dissertation introduces a proposition of a creation process which has as a product photographic images produced in the period between 1994 and 1996. Is focuses on the transformations that take place in the linearity of the process begun before the materialization of the images with the look that perceives the world. It evidences a look interested in and directed to the behavior of light as a natural phenomenon. In the materialization of the images, the Metamorphosis of Light occurs, the light turns into the white color of the sensitive surface. At this stage, some technical limits are established as: minimal distance between the object lens and the referential; maximum diaphragmation bringing up a minimal field depth, and measurement/consideration of light in the point of greatest intensity. Those limits, associated to the purpose of a non-analogic representation, reduce both the shape and the matter to the essential, provoking the loss of identity of the referential as it is perceived by the human eye. The theoretical retlexions, set up by the practical work, include discussions related to a certain subjectiveness of the author with the objectiveness of the process of instauration of a masterpiece. The following issues are considered: it is attributed to the look that perceives the light the most evident relation of the images; the selection of the image joins at the same moment the human look and the look of the machine; the loss of identity and the fragmentation. We learn, in the end, that the images celebrate a connection with the eye, the object contemplated and the light, as a facilitator of the reunion of both, conquers its own place.