Fundação de Amparo a Pesquisa no Estado do Rio Grande do Sul / The presented dissertation reflects upon artistc proposals wich confronted the artist with his practice, making him think about it over two different perspectives: the practice of the "street artist" and the "artist IN the street". It's about thinking the artistic practice related to the work "Portraits $1" (Retratos $1), made in the public context of the city streets, making portrait-drawings with a sfereographic pen on paper and duplicated-portrait with carbon paper on paper.The street is where the portrait-drawing takes place and is exchanged for R$1,00 (UM Real) while the duplicated-portrait created with the carbon paper is archived by the artist. This artistic project brings up "Key" questions to think about art today: where is the artists place, the production of art and the public? The research focuses on the artistic production wich takes place with the contact of the public, when acting like a street artist, the work blurs the value codes and legitimation towards what is produced, to both art context and street context. / A presente dissertação reflete sobre as propostas artísticas que confrontaram o artista com a sua prática, fazendo-o pensar como essa se dá sob os diferentes enfoques: a prática do artista DE rua e a prática do artista NA rua. Trata-se de pensar a prática artística a partir do trabalho Retratos $1 , realizada no contexto público das ruas da cidade, produzindo retratos desenhos com caneta esferográfica sobre papel e retratos-duplicata de papel carbono sobre papel. A rua é o lugar onde o retrato-desenho é trocado com o transeunte retratado por R$ 1,00 (Um Real) enquanto o retrato-duplicata gerado com o papel carbono é arquivado pelo artista. Este projeto de artista ressalta questões chaves para se pensar a arte hoje: qual o lugar do artista, da produção da arte e do público? A pesquisa foca na produção artística que se dá no contato direto com o público, quando atuando como um artista de rua, o trabalho borra os códigos de valor e legitimação para o que é produzido, tanto no contexto da arte, quanto no contexto das ruas.

[pt] A pesquisa investiga as relações entre percurso, escrita e entropologia presentes na obra do artista visual norte-americano Robert Smithson. Considerando sua proposição de entropia, que postula o desgaste inevitável da matéria e a busca de suas evidências in situ, o corpus do estudo será constituído especialmente por dois trabalhos de texto e fotografias produzidos em movimento: A tour of the monuments of Passaic (1967), em que Smithson visita o subúrbio de Nova Iorque onde cresceu rodeado por terrenos em construção em torno do conceito de non-site como ruína ao reverso; e Mirror displacements in the Yucatán (1969), quando o artista visita o território mexicano, posiciona espelhos na floresta tropical e estabelece um diálogo especulativo com as divindades maias e astecas. Em ambos, o artista sai em busca de sinais de ruína, acúmulo e desgaste na paisagem, em um exercício de entropologia – isto é, uma abordagem artística dos efeitos da entropia na paisagem e na cultura, um desdobramento da prática proposta por Claude Lévi-Strauss no final de Tristes Trópicos e levada à cabo por Smithson através de suas obras em deslocamento. Com olhar atento às camadas de produção textual do artista, a pesquisa examina, de maneira especulativa, as anotações de Smithson sobre a construção conceitual do non-site e como ele pode ser constituído através de uma escrita desdobrada em mapas, cartografias e rascunhos que acompanham seus textos, propondo uma leitura atualizada de determinadas questões estéticas e políticas levantadas pelo artista nos anos 60, tais como o enantiomorfismo, a cristalografia, a cultura como acúmulo e desgaste e o pensamento científico como ficção. / [en] The research investigates the connections between travelling, writing, and entropy present in the work of the American visual artist Robert Smithson. Considering his proposition of entropy, which posits the inevitable wasting away of matter and the search for its evidence in situ, the corpus of the study will consist especially of two works of text and photographs produced in movement: A tour of the monuments of Passaic (1967), in which Smithson visits the New York suburb where he grew up surrounded by building sites revolving around the concept of non-site as ruin in reverse; and Mirror displacements in the Yucatán (1969), when the artist visits the Mexican territory, places mirrors in the rainforest and establishes a speculative dialogue with Mayan and Aztec deities. In both, the artist travels in search of signs of ruin, accumulation, and decay in the landscape, in an active exercise of entropology - that is, an artistic approach to the effects of entropy on landscape and culture, a development of the practice proposed by Claude Lévi-Strauss at the end of A World on the Wane and carried on by Smithson through his works in displacement. With an attentive eye on the layers of the artist s textual production, the research examines, in a speculative way, Smithson s notes on the conceptual construction of the non-site and how it can be constituted through an unfolded writing in maps, cartographies, and drafts that accompany his texts, proposing an updated reading of certain aesthetic and political issues raised by the artist in the 1960s, such as enantiomorphism, crystallography, culture as accumulation and decay, and scientific thought as fiction.

[ES] El interés de conjugar dos lenguajes -la palabra y la imagen- en un libro xilográfico nos ha conducido a emprender la presente tesis doctoral, en la que abordamos diversos caminos de interpretación y relectura de la novela Der Steppenwolf (El lobo estepario) de Hermann Hesse a partir de un libro de artista. Una narración xilográfica en la que nos hemos servido del método de plancha perdida, y que recibe el título de El libro no leído. Nuestra investigación doctoral se dirige, en primer lugar, a establecer una panorámica de más de dos milenios de historia del libro, desde sus orígenes hasta la aparición del fenómeno del libro de artista, del que participa nuestro El libro no leído. Del mismo modo, hemos abordado una contextualización histórica, social y literaria del género Bildugsroman (la novela de formación) dentro de la tradición literaria alemana, así como del particular universo creador de Hermann Hesse, autor de El lobo estepario (1927), y máximo epígono del género de la novela de formación por su abismal reflexión en torno a la crisis del yo como respuesta a los calamitosos tiempos que tocó vivir al escritor. Si bien la novela de Hermann Hesse puede ser interpretada desde otras disciplinas artísticas, hemos elegido el libro xilográfico porque, en primer lugar, al constituirse la propia novela de Hesse en una suerte de cuaderno de anotaciones, nuestro procedimiento técnico se configura de modo explícito como una evolución del códex. Esta circunstancia no solo comprende el devenir histórico del libro como objeto, sino que, asimismo, explicita su evolución, que enlaza con la cultura, la lectura, el aprendizaje y la formación (Bildung), así como con el devenir lógico de una lengua y de una literatura: la alemana. En segundo lugar, la relación que cabe establecer entre El lobo estepario y El libro no leído estriba en el hecho de que la madera, la materia-matriz sobre la que se realizan las xilografías, se identifica, asimismo, como -convertida en papel- en el recurso ancestral del objeto libro, tan intrínsecamente relacionado con la historia de la cultura y de la ciencia. La madera, transformada en papel y, por ende, en libro, ha acompañado la evolución de la humanidad a lo largo de los siglos. La madera es un espacio y un tiempo detenido en una imagen, y es vínculo con la palabra y con la tradición oral, con las palabras que han hecho posible decir y decirnos. En síntesis, nuestro El libro no leído, a cuya intelección artística y estética se encamina la presente tesis doctoral, en tanto evolución del códex, pretende conjurar la historia, la palabra y la imagen, constituyéndose en nuestra más ambiciosa, personal y abisal creación hasta la fecha. / [CA] L'interés de conjugar dos llenguatges -la paraula i la imatge- en un llibre xilogràfic ens ha conduït a emprendre la present tesi doctoral, en la qual abordem diversos camins d'interpretació i relectura de la novel·la Der Steppenwolf (El llop estepari) d'Hermann Hesse, a partir d'un llibre d'artista. Una narració xilogràfica en la qual ens hem servit del mètode de planxa perduda, i que rep el títol de El llibre no llegit. La nostra investigació doctoral es dirigeix, en primer lloc, a establir una panoràmica de més de dos mil·lennis d'història del llibre, des dels seus orígens fins a l'aparició del fenomen del llibre d'artista, del qual participa nostre El llibre no llegit. De la mateixa manera, hem abordat una contextualització històrica, social i literària del gènere Bildugsroman (la novel·la de formació) dins de la tradició literària alemanya, així com del particular univers creador d'Hermann Hesse, autor de El llop estepari (1927), i màxim epígon del gènere de la novel·la de formació per la seua abismal reflexió entorn de la crisi del jo com a resposta als calamitosos temps que li va tocar viure a l'escriptor. Si bé la novel·la d'Hermann Hesse pot ser interpretada des d'altres disciplines artístiques, hem triat el llibre xilogràfic perquè, en primer lloc, en constituir-se la pròpia novel·la de Hesse en una sort de quadern d'anotacions, el nostre procediment tècnic es configura de manera explícita com una evolució del códex. Aquesta circumstància no sols comprén l'esdevenir històric del llibre com a objecte, sinó que, així mateix, explicita la seua evolució, que enllaça amb la cultura, la lectura, l'aprenentatge i la formació (Bildung), així com amb l'esdevenir lògic d'una llengua i d'una literatura: l'alemanya. En segon lloc, la relació que cal establir entre El llop estepari i El llibre no llegit consisteix en el fet de que la fusta, la matèria-matriu sobre la qual es realitzen les xilografies, s'identifica, així mateix, com -convertida en paper- el recurs ancestral de l'objecte lliure, tan intrínsecament relacionat amb la història de la cultura i de la ciència. La fusta, transformada en paper i, per tant, en llibre, ha acompanyat l'evolució de la humanitat al llarg dels segles. La fusta és un espai i un temps detingut en una imatge, i és vincle amb la paraula i amb la tradició oral, amb les paraules que han fet possible dir i dir-nos. En síntesi, nostre El llibre no llegit, a la intel·lecció artística i estètica a la qual s'encamina la present tesi doctoral, en tant evolució del códex, pretén conjurar la història, la paraula i la imatge, constituint-se en nostra més ambiciosa, personal i abissal creació fins hui. / [EN] The interest in combining two languages - the word and the image - in a woodblock book has led us to undertake this doctoral thesis, in which we address various ways of interpretating and re-reading the novel Der Steppenwolf (The Steppenwolf) by Hermann Hesse, starting with an artist's book. It is a woodblock narrative in which we have applied the «lost iron method», and which we called The Unread Book. Our doctoral research, in the first place, aims at establishing an overview of more than two millennia of book history, from its origins to the appearance of the phenomenon of the artist's book, which our Unread Book is an example of. In the same way, we have addressed a historical, social and literary contextualization of the genre Bildungsroman (Novel of Formation) within the German literary tradition, as well as the particular creative universe of Hermann Hesse, author of The Steppenwolf (1927) and maximum epigone of the Novel of Formation genre, for his abysmal reflection on the crisis of the self as a response to the calamitous times that the writer had to live in. Although Hermann Hesse's novel can be interpreted starting from different artistic disciplines, we have chosen the woodblock book; firstly because, being Hesse's novel itself a kind of notebook, our technical procedure is explicitly configured as an evolution of the codex. This circumstance not only includes the historical evolution of the book as an object, but also explains its evolution, which is linked to culture, to reading, to learning and to training (Bildung), as well as with the logical evolution of a language and a literature: the German ones. Secondly, the relationship which can be established between The Steppenwolf and The Unread Book lies in the fact that wood, the matrix material on which woodcuts are made, is also identified as - converted into paper - the ancestral resource of the book object, so intrinsically related to the history of culture and science. Wood, transformed into paper, and then into a book, has accompanied the evolution of humanity over the centuries. Wood is a space and a time stopped in an image, and it is a link with the word and with oral tradition, with the words that we have been able to say and to say to each other. In short, our The Unread Book, to whose artistic and aesthetic understanding is directed this doctoral thesis, is an evolution of the codex and it aims at combining history, word and image, constituting our most ambitious, personal and abysmal creation to date. / Bastidas Castillo, RV. (2023). El libro no leído. Proceso de interpretación y relectura del Bildungsroman El lobo estepario de Hermann Hesse a partir de un libro xilográfico [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/200174

O processo de criação fundamenta esta pesquisa. A vivência entre a paisagem da Praia da Daniela em Florianópolis, Santa Catarina, e o ateliê com a gravura em metal, suas especificidades e possibilidades gráficas, levaram à elaboração deste livro de artista. O que procuro são aproximações entre o estuário vivo e em constante movimento transformador da paisagem da Praia da Daniela com o meu estuário fictício, que segue na busca de um contínuo formar, desafiando o metal, provocando reações e transformações que acontecem em sua materialidade. / This is a practice-based research in which the creative process is at it\'s core. The construction of this artist\'s book is a fruit of the lived experience between two places: the landscape at the Daniela Beach, in Florianopolis, Santa Catarina, Brazil, and the printmaking studio, considering the specificities and graphic possibilities of the Etching technique. What I seek is to interweave the living and transforming estuary in constant movement of the landscape at Daniela Beach, and my own fictitious estuary, which continuously seeks to give form, defying the nature of the metal, provoking reactions and transformations that happen in its materiality.

Uma parada - Antonio Manuel - Entre os artistas contemporâneos no Brasil nos anos 60 e 70, acreditamos que Antonio Manuel foi o que guardou um profundo mistério na sua produção. Mesmo ao ser censurado, trilhou sua trajetória e, aos poucos, ocupou um espaço suficiente para causar uma inversão da representação e encontrar um caminho errático que o fizesse, dinamicamente, atuar. Pela tomada do corpo, como gesto de liberdade, expandiu sua arte. Sua atitude de pensamento se transformou em fotografia. Quando falamos em \"uma parada\", queremos enfatizar a importância da pose pausada no auto-retrato do artista, para justificar a tese de que Antonio Manuel também expandiu a arte contemporânea pela fotografia. Essa ampliação doa to criativo se deu graças à presença constante das imagens fotográficas do corpo nos seus trabalhos, que, inquietos, iniciaram esse percurso, de modo a podermos afirmar que, hoje, a fotografia tem importante significado no conjunto de suas séries. Para corrigir a realidade imposta tão violentamente pela ditadura militar, timidamente, Antonio Manuel abandonou o desenho sobre jornais para se apropriar das fotografias da imprensa, como também transgredir, corajosamente, a gramática dos veículos de comunicação de massa. Interessa-nos apontar para a importância dessa atitude e, para isso, desenvolvemos algumas possibilidades de compreensão. Consideramos as estratégias propostas pelos críticos Mário Pedrosa e Frederico de Morais e, ainda, os diversos teóricos que estudamos para tornar o debate da época, sobre as estratégias da arte contemporânea no Brasil dos anos 60 e 70, plausível. A arte fotográfica de Antonio Manuel, particularmente as imagens fotográficas do corpo, tiveram uma incrível ressonância na crítica de arte nacional e internacional. Porém, não vem sendo exibida como uma das poucas manifestações visuais que soube estar em sintonia com as diferentes tendências da arte fotográfica das últimas duas décadas. Para confirmar sua importância conceitual, delimitamos sua produção entre os anos de 1967 e 1977. A estrutura dos capítulos não segue à risca uma ordem cronológica, mas principalmente, a relação do ato criativo com o conjunto das séries. Destacamos as análises dos auto-retratos e dos retratos, bem como dos filmes do artista, em que a arte da desaparição de Jean Baudrillard sustenta a noção de \"parada\" fotográfica. Uma Parada tem ênfase no retrato, nos objetos inquietantes e nas imagens perturbadoras, que gestaram a relação do artista com o mundo durante um período de crise da arte. Porém, a crise do sujeito em Antonio Manuel é desafiadora, porque subverteu os modelos e desarticulou as referências, por enfrentar o processo de trabalho com luta e criatividade. Da sua liberdade, o espectador-participador se torna cúmplice. / A paused pose - Antonio Manuel - Among the Brazilian contemporary artists of the 60s and 70s we believe that Antonio Manuel has been the one who has kept a profound mystery in his production. Even when he was banned, he managed to make his way and, little by little, take enough place to cause an inversion of representation, finding an erratic path that made him act dynamically. By taking the body as a gesture of freedom, he has expanded art. His way of thinking has turned into photography. When we say a pause, we want to emphasize the importance of the paused pose in the artists self portrait so as to justify the thesis that Antonio Manuel has also expanded contemporary art through photography. This enlargement of the creative act was due to the constant presence of photographic body images in his works, which, in a restless way, started this journey, enabling our statement that, today, photography has a meaning in the complex oh his series. In order to correct the reality so violently imposed by the military dictatorship, Antonio Manuel abandoned drawing over newspapers timidly to appropriated in pointing out the importance of this attitude and, for that purpose, we have developed some possibilities of comprehension. We have considered the strategies suggested by critics Mario Pedrosa and Frederico de Morais, as well as many other theorists we have studied, so as to make plausible the debate on the strategies of Brazilian contemporary art in the 60s and 70s at that time. The photography art of Antonio Manuel, particularly his photographic body images, has had an incredible resonance among the national and international art critic. However, it has not been exhibited as one of the few visual manifestations which knew how to be tuned with the different tendencies of photographic art in the last couple of decades. In order to confirm his conceptual importance, we have delimited his production between the years of 1967 and 1977. The structure of the chapters does not necessarily follow a chronological order, but rather the relationship between the creative act and the complex of series. We have highlighted the analysis oh his self portraits and portraits, as well as the film, where the art of disappearance by Jean Baudrillard supports the concept of photographic pause. A Paused Pose emphasizes the portrait, the disturbing objects and the alarming images which conceived the relationship between the artist and the world during a period of art crisis. However, the crisis of the subject in Antonio Manuel is challenging, for it has subverted the models and disarticulated the references by facing the work process with struggle and creativity. The spectator participant becomes an accomplice of this freedom.

A presente dissertação objetiva investigar, relatar e analisar as ações culturais e artísticas promovidas pelo grupo de teatro Dolores Boca Aberta Mecatrônica De Artes. A pesquisa mostra, por meio do relato pessoal de um dos integrantes do grupo, como o coletivo organiza sua estrutura de funcionamento. Aqui são apontados conceitos estruturantes para a filosofia do grupo, como as ideias de Teatro Mutirão e Trabalhador-Artista, além de um levantamento pedagógico de como se deram a construção e apresentação da terceira encenação do grupo, Sombras Dançam Neste Incêndio - Peça Curta em Dois Atos. Dentro das análises, destaca-se a experiência da construção de um teatro feito de árvores, preparado coletivamente pelos próprios espectadores junto com os atores do grupo, o qual chamamos de Arena Arbórea. A perspectiva do trabalho do grupo Dolores Boca Aberta aponta para questões acerca de organização social, debate político, arte e resistência, agitação e propaganda e discussão de modos de produção. / This thesis aims to investigate, report and analyze the cultural or artistic activities promoted by the Dolores Boca Aberta Mecatrônica de Artes Theater Group. The research shows, through the personal report of one of the members, how the group organizes its own operating structure. Some of the structuring concepts of the group\'s philosophy are described and discussed, as well as the ideas of the Task Force theater artistic-workers and a pedagogical survey of the construction and presentation of the third production of the group, \"Shadows dance within this fire - a short play in two acts\". Within the analysis we highlight the experience of the construction of a theatrical space surrounded by trees and called Arboreal Arena, which is collectively prepared by spectators and by the actors of the group. The perspective of the group\'s work points out to questions about social organization, political debate, art and resistance, agitation and propaganda, and the discussion about the means of production.

A presente dissertação objetiva investigar, relatar e analisar as ações culturais e artísticas promovidas pelo grupo de teatro Dolores Boca Aberta Mecatrônica De Artes. A pesquisa mostra, por meio do relato pessoal de um dos integrantes do grupo, como o coletivo organiza sua estrutura de funcionamento. Aqui são apontados conceitos estruturantes para a filosofia do grupo, como as ideias de Teatro Mutirão e Trabalhador-Artista, além de um levantamento pedagógico de como se deram a construção e apresentação da terceira encenação do grupo, Sombras Dançam Neste Incêndio - Peça Curta em Dois Atos. Dentro das análises, destaca-se a experiência da construção de um teatro feito de árvores, preparado coletivamente pelos próprios espectadores junto com os atores do grupo, o qual chamamos de Arena Arbórea. A perspectiva do trabalho do grupo Dolores Boca Aberta aponta para questões acerca de organização social, debate político, arte e resistência, agitação e propaganda e discussão de modos de produção. / This thesis aims to investigate, report and analyze the cultural or artistic activities promoted by the Dolores Boca Aberta Mecatrônica de Artes Theater Group. The research shows, through the personal report of one of the members, how the group organizes its own operating structure. Some of the structuring concepts of the group\'s philosophy are described and discussed, as well as the ideas of the Task Force theater artistic-workers and a pedagogical survey of the construction and presentation of the third production of the group, \"Shadows dance within this fire - a short play in two acts\". Within the analysis we highlight the experience of the construction of a theatrical space surrounded by trees and called Arboreal Arena, which is collectively prepared by spectators and by the actors of the group. The perspective of the group\'s work points out to questions about social organization, political debate, art and resistance, agitation and propaganda, and the discussion about the means of production.

Made available in DSpace on 2016-04-04T18:29:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Regina Lara Silveira Mello.pdf: 1410113 bytes, checksum: c67fbc8b540a6639a5a284b3635ea0bd (MD5) Previous issue date: 2008-02-28 / This study aims to investigate the creative process and dynamics of art production from the point of view of visual artists. The subjects were eight renowned Brazilian male and female visual artists between the ages of 44 and 62, with a solid career of at least 20 years in the art system. Each artist selected one of his works to analyze the process of creation. The interviews were semi-structured, and were video recorded in the artists' ateliers, at art exhibits, in galleries or museums where the artist was next to the artwork chosen for this study. The results show that the visual artist enters into a state of flow of ideas, and maintains his involvement focused on the artistic creation. He organizes his time in a manner compatible with his personal life, intrinsically motivated by the theme of the work and by his research of formo The artist notebook was shown to be an instrument that enables the creative process, and contributes to insight, not only for perceiving images but also as a way to record unexpected occurrences, the choice of materials, techniques, and working partnerships. As to the art system, the interviewees stated that artists have a role in broadening cultural horizons in spite of the art critics' opinions of their work. In conclusion, the creative process is put into motion by perceptual as well as affective aspects, which in turn influence creative production in varied intensities. / O trabalho visa investigar o processo criativo e sua din?mica segundo a percep??o de artistas visuais. Entrevistamos oito artistas visuais brasileiros renomados, ambos os sexos, faixa et?ria de 44 a 62 anos, com experi?ncia m?nima de 20 anos de carreira consolidada no sistema da arte. Foram realizadas entrevistas livres, filmadas nos ateli?s, exposi??es de arte, galerias ou museus onde estivessem juntos o artista e sua obra, que escolhemos para esta pesquisa. Os resultados demonstram que o artista visual entra no estado de fluir de id?ias correntes, mantendo o envolvimento focado na cria??o art?stica, organizando o tempo de maneira compat?vel com a vida pessoal, intrinsecamente motivado pelo tema da obra e pela pesquisa da forma. Foi observado que o caderno de anota??es do artista ? um elemento facilitador no processo criativo, contribuindo para o insight, tanto na percep??o de imagens como no registro de acasos, escolha de materiais, t?cnicas e parcerias de trabalho. Quanto ao sistema da arte, foi afirmado que o artista trabalha ampliando os horizontes da cultura, por?m a despeito da cr?tica. Conclui-se que o processo criativo ? animado por aspectos perceptuais e afetivos que por sua vez influenciam na cria??o em diferentes intensidades.

O Antarctica artes com a Folha foi uma exposição de arte contemporânea realizada no Pavilhão Manoel da Nóbrega, em São Paulo, em 1996. Ao reunir 62 artistas naturais de onze estados brasileiros e com até 32 anos de idade, a coletiva construiu um enunciado forte e bastante disseminado do que seria, dentro da perspectiva de sua equipe, a \"geração 90\" do país. O objetivo desta tese é realizar um estudo de caso da mostra, atentando para o seu vínculo com práticas sociais de valoração do \"capital juventude\" (DEBORD, 1997, p.108) e, por conseguinte, para o seu papel na definição de critérios e discursos, sempre relativos, de uma arte \"jovem\" e \"brasileira\" em 1996. Isso envolve, em primeira instância, organizar uma narrativa histórica que articule as perspectivas dos diferentes agentes que fizeram o projeto, a partir de documentos de época, uma vasta cobertura jornalística e entrevistas concedidas por artistas, curadores, organizadores, jornalistas, críticos, arquitetos e galeristas. Em segunda instância, mas de forma intercalada ao exercício narrativo, coube examinar as categorias dos discursos do Antarctica para entender por que e como priorizaram a temporalidade do evento, com edição única, e nele produziram ideias de geração e região. / Antarctica artes com a Folha (Antarctica arts with Folha [de São Paulo newspaper]) was a contemporary art exhibition held at the Pavilhão Manoel da Nóbrega (Manoel da Nóbrega Pavillion) in São Paulo in 1996. By bringing together 62 artists up to 32 years of age from 11 Brazilian states, the exhibition team formulated a powerful and widely disseminated exhibition statement of what, from their specific standpoint, would become the country\'s \'90s Generation. The aim of this thesis is to carry out a case study of the group show, emphasizing its link to social practices of valorisation of the \"capital of youth\" (Debord, 1997: 108), thus noting its role in establishing the always relative criteria and discourses of a \"young\" and \"Brazilian\" art in 1996. This involves firstly organizing a historical narrative that articulates the perspectives of the different agents who organized and produced the project, based on documents from that time, on wide media coverage and interviews granted by artists, curators, organizers, journalists, art critics, architects, and gallerists. And secondly, proceeding to examine the categories of discourses of the Antarctica, though in a way that is interspersed with the narrative exercise, in order to understand why and how the event\'s temporality was prioritized, namely as a one-time event, wherein ideas about generation and region were produced.

Que potencialidade ainda mantém a poesia concreta? O que pode permitir que essa poética continue intervindo no presente? Restabelecendo o vínculo com as tendências construtivas que surgem no Brasil da metade do século XX e tomando a poesia concreta como referência multidimensional, evidenciamos alguns conflitos inscritos nas políticas estéticas e no seu projeto político para propor outra genealogia que não se baseia somente na sua análise formal, mas que busca entender como essa estética radical penetra no social, na rua, no cotidiano, nos meios de comunicação e reverbera nas redes artísticas alternativas. Indicamos também algumas discussões que tentaram constituir e delimitar a poesia concreta, contrapostas às suas derivas, que subvertem definições e enquadres temporais designados pela historiografia literária. Assim, a primeira parte apresenta um panorama macropolítico no qual esta e outras produções se inscrevem para, nos capítulos seguintes, apontar formas de resistência micropolíticas. / What potentiality still remains concrete poetry? What can allow it to continue to intervene in the present? By re-establishing their link with constructive art tendencies emerged in Brazil since 1950s, and taking concrete poetry as a multidimensional experience, we expose some of the conflicts inscribed in the politics of aesthetics of concrete poetry political project to put forward a different genealogy which is not based on its formal analysis only. Rather, how those radical aesthetics pervades the social structure, the public sphere, the common and the mass communication medium, echoing through the alternative artistic networks. We also point out some discussions that have been attempting to constitute or demarcate concrete poetry in an opposite way of its motives that subvert definitions and bring down the temporal frame of literary historiography. In this way, the first section proposes a macro-political panorama of this poetry production, in the following sections, some different ways of micropolitical resistance are emphasized.