Depuis les années 1980-1990, au moment où on assiste, dans le monde de l’art contemporain globalisé, à une prolifération des biennales internationales d’art contemporain, le climat de compétition s’intensifie et l’univers des biennales se phénoménalise et s’homogénéise. Ce mémoire a pour but d’historiciser et de définir les biennales sous leur nature phénoménale afin d’identifier, parmi leur hétérogénéité, un dénominateur commun sous lequel il est possible de comparer ces institutions artistiques en toute légitimité. Le projet étudie ce point de comparaison défini selon les trois critères d’autoévaluation des biennales identifiés dans cette recherche : la globalisation, l’industrie culturelle et touristique, ainsi que l’événementiel et le spectaculaire. Ce mémoire présente comme étude de cas la Biennale de Montréal et son récent renouvèlement. Il fait le point sur la controverse y étant reliée à travers une analyse comparée de la nouvelle Biennale de Montréal et les grandes biennales internationales. / Since the 1980s and 1990s, back when Contemporary Art Biennials were quickly spreading in the Global Artworld, the climate of competition has been intensifying. The world of biennials is becoming more homogenous and more of a phenomenon each year. The current study’s purpose is to historicize and define the biennials according to their phenomenal nature in order to go beyond their heterogeneity and find a common denominator which would allow the comparison of such artistic institutions in a legitimate way. The project will study this point of comparison according to three areas of self-assessment identified for this purpose: globalization, the cultural and touristic industries as well as the entertainment industry. The case study for this research is Montreal’s biennial and its recent renewal. It will explore the controversy related to the subject by analysing and comparing the new Montreal Biennial to the great international biennials.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Le chansonnier breton Théodore Botrel est connu pour être le père du mouvement de propagande de la Bonne Chanson. Ce mouvement naît dans le contexte montmartrois, alors qu’en 1900, les chansonniers se réunissent en Congrès pour discuter de l’avenir de leur art, malmené par le flot infatigable des chansons de café-concert. Ce combat pour la « saine » culture, c’est aussi celui de la IIIe République au nom de la moralité. C’est dans ce contexte que Botrel, débutant dans les cabarets artistiques parisiens, choisit de ne chanter que sa Bretagne dans un répertoire exempt de grivoiseries. Il s’inscrit alors dans un courant qui embrasse la Belle Époque : le régionalisme. Soucieuse de préserver le particularisme des « petites patries » et face au pouvoir centralisateur parisien, l’élite culturelle régionale entreprend un vaste travail de valorisation des régions. La Bretagne occupe une place particulière dans ce courant en tant que conservatoire de la tradition et principale victime des réformes d’Émile Combes qui s’attaquent aux ferments de son identité : sa langue et sa religion. Ce mouvement trouve écho au Canada français où l’idéologie dominante brandit l’étendard du nationalisme politico-culturel. Parce qu’ils défendent l’idée de la « vocation française » en Amérique et le maintien des « bonnes mœurs », l’élite traditionnelle et les journaux saluent les venues de Botrel au Québec en 1903 et 1922. Patriotique, catholique et conservateur, le chansonnier bénéficie de la conjoncture historico-culturelle québéco-bretonne. De Paris à la Bretagne, puis au Canada, Botrel connaît un succès sans égal. / The Breton cabaret singer Théodore Botrel is known as the father of the propagandist movement of La Bonne Chanson. In the context of Montmartre's culture, the year 1900 sees the creation of this movement during a Congress uniting cabaret artists to discuss the future of their art, scoffed by the tireless torrent of café-concert songs. This fight for “sane” culture is also the one of the Third Republic in the name of morality. It is in this context that Botrel, who makes his debut in the Parisian artistic cabarets, chooses to sing only about Brittany and without bawdy talk. Therefore, he is part of a trend which embraces the Belle Époque : regionalism. Concerned about protecting the distinctive identity of “small homelands” and in the face of Parisian centralizing power, the regional cultural elite begins greatly promoting regions. Brittany occupies a particular place in this trend as conservatory of traditions and as the main victim of the reforms of Émiles Combes which attack the ferments of its identity : language and religion. This movement finds echo in French Canada where the dominant ideology brandishes the banner of politico-cultural nationalism. Because they defend the idea of the “French vocation” in America and seek to preserve “good customs”, the traditional elite and newspapers welcome Botrels’ visits in Quebec in 1903 and 1922. Patriotic, catholic and conservative, the cabaret singer benefits from the historico-cultural circumstances in Quebec and in Brittany. From Paris to Brittany, then in Canada, Botrel knows an unequalled success.

Depuis longtemps déjà, les arts visuels se démarquent par leurs rapports proches quoique créatifs avec les développements technologiques des sociétés modernes. Pour les musées, Internet constitue une opportunité de rejoindre des publics qui s’avèrent de prime abord moins accessibles. Ce nouvel acteur dans le monde de l'art occupe une place croissante dans la présentation des oeuvres tout en jouant un rôle déterminant dans la diffusion et donc dans le retentissement qu'elles ont auprès de publics aux attentes changeantes. Alors que le musée diffusait autrefois ses collections et connaissances par les expositions et les catalogues, le cyberespace est aujourd’hui un nouveau lieu public qu’il lui convient d’investir. L’internaute est souvent isolé dans sa quête d’une « trouvaille » parmi la diversité de l’offre technologique. Nous proposons l’image alternative du flâneur comme métaphore opérationnelle afin d’analyser la relation entre l’internaute et l’exposition. Les oeuvres sont transposées dans le virtuel par le médium numérique, le même langage qui sous-tend l’exposition dans son ensemble, un transfert dont les implications sont nombreuses. La reproduction, par sa nature désacralisée, autorise la manipulation virtuelle. C’est une nouvelle forme de participation qui est exigée des spectateurs, non pas en termes d’acquisition rationnelle de connaissances, mais de manière ludoéducative, par cette même manipulation de l’image. Dans le but de souligner l’authenticité de l’oeuvre originale par la présentation de son équivalent numérique, l’exposition virtuelle est souvent médiatrice et documentaire avant tout, privilégiant l’observation technologique didactique. / Art and technology have long developed close relationships allowing both to be inspired by the other. Today, the Internet constitutes an opportunity for art museums to reach to publics previously unattainable. It is determining ways in which works of art or their numerical representation thereof are presented, transmitted, and perceived. Since their founding, museums have broadcasted their collections and knowledge in the public sphere by means of exhibitions and catalogues, but the Internet is now a space they have to inaugurate. In the perspective of cyberspace being both vast and varied, the internet user is often isolated in his search of a “find” or “discovery” amongst the array of virtual exhibitions available. It is necessary to offer an alternative to the often unique image of the internet user as “searcher” to propose the image of the flâneur as an operational metaphor for the analysis of the relationship between user and exhibition in cyberspace. The representation – by means of the digital language underlying both exhibition and image – allows virtual manipulation of the work of art. This entails new forms of participation on the part of exhibition viewers who are now also internet users. Often undertaking to highlight the authentic nature of the original work of art by displaying its digital representation, the virtual exhibition is often presented as a didactic counterpart to a “real” exhibition, thus avoiding the delicate question of the work of art experience in favor of a technological observation aimed at acquiring knowledge.

Notre étude porte sur le programme d’appui à la création en arts visuels contemporains du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ). La question soulevé habituellement ce type de programme qui s’appuie sur l’évaluation par les pairs est la suivante : les décisions sont-elles « biaisées »? Mais derrière cette question, il y a en a une autre, plus fondamentale : sur quels critères se base l’évaluation? Nous nous intéressons à comprendre le rapport entre l’évaluation de la qualité artistique et l’attribution de bourses. Plus spécifiquement, nous cherchons à analyser comment sont déterminées la qualité et la valeur d’une candidature en arts visuels, sur quels types d’arguments et de critères s’appuie l’évaluation artistique et par quels moyens cette dernière pourra créer une iniquité entre les candidats. Il s’agit donc d’une recherche qui relève de la sociologie de l’art, mais d’une sociologie qui prend en compte le contexte institutionnel et dont l’objet sont les valeurs qui sous-tendent l’évaluation artistique, dans le cadre d’une organisation autonome de subvention des arts. Dans cette perspective, les valeurs artistiques ne se définissent pas ex nihilo mais in situ, dans des situations (ex. comités d’évaluation) et dans un contexte institutionnel précis (le CALQ). L’évaluation de la qualité artistique s’inscrit donc dans des dynamiques sociales concrètes et particulières qu’il nous revient d’observer et d’analyser minutieusement. Notre attention portera spécialement sur les mécanismes de prise de décision et à la construction collective des jugements. / Our study focuses on the Conseil des Arts et des Lettres du Québec (CALQ) program to support the creation of contemporary visual arts. The question that usually rises about this type of programs, which are based on peer review, is: are the decisions "biased"? But behind this question, there is another more fundamental: what criteria the evaluations are based on? We are interested in understanding the relationship between the artistic quality assessment and the fellowships. More specifically, we seek to analyze how are determined the quality and value of an application in visual arts, what types of arguments and criteria sustain an artistic assessment and by which means the latter may create inequity between candidates. Therefore our research is related to the sociology of arts; nonetheless we take into account the institutional framework and the values that underlie the artistic assessment in the context of an autonomous arts’ funding organization. In this perspective, artistic values are not defined ex nihilo but in situ, in concrete situations, such as the evaluation committees, and in a specific institutional context, the CALQ. The artistic quality assessment is built into concrete and particular social dynamics, which compel us to observe and analyze them carefully. In this sense, our attention will particularly address the mechanisms of decision-making and the collective judgments.

Quel rôle le Concours international Marguerite Long joue-t-il dans le contexte de la Guerre Froide, en tant que vecteur culturel où s’affrontent deux écoles opposées d’un point de vue esthétique, à savoir les Écoles de piano française et soviétique ? L’objectif de cette thèse est de comprendre les mécanismes du concours Marguerite Long et leur impact sur le jeu pianistique qui, depuis les années cinquante jusqu’à la fin des années soixante-dix, évolue considérablement sous l’impulsion des succès de l’École russo-soviétique. Le lien apparent entre concours et politique internationale est déconstruit pour laisser place aux enjeux esthétiques et culturels qui seuls influencent le palmarès. Le deuxième volet de notre étude nous amène à envisager les particularités de chacune des écoles de piano, puis à les comparer pour établir dans quelle mesure elles s’influencent mutuellement et se distancient. Des facteurs cruciaux des échanges franco-soviétiques sont pris en considération, comme l’essor de la vie culturelle souterraine en U.R.S.S. à partir du milieu des années soixante. Notre étude se fonde sur le dépouillement de six fonds d’archives, notamment le Fonds Long de la Bibliothèque Mahler, les archives de la Fondation Long-Thibaud-Crespin, celles du Centre des archives diplomatiques de la Courneuve ainsi que celles de l’A.L.A.P. / What role does the Marguerite Long International Music Competition play in the context of Cold War? In other words, how important is this culture transmission vector, where two piano traditions so contrasted as the French and Soviet piano schools confront each other on the basis of aesthetic matters? The aim of this thesis is to understand the mechanism of the Marguerite Long competition and its impact on piano playing, which significantly evolves from the 1950s until the late 1970s, influenced by the successes achieved by the Soviet-Russian piano school. The apparent link between music competitions and international politics is deconstructed to put an emphasis on cultural issues, which solely determine the list of award winners. The second part of this thesis consists in examining the particularity of both piano schools, comparing them to ascertain to what extent they mutually influence each other or distance themselves. Crucial aspects of Franco-Soviet cultural exchanges are taken into account, such as the full development of underground culture in the USSR from the mid-1960s. This study was conducted on a systematic analysis of six archival holdings, notably those kept by the Fonds Long of the Bibliothèque Mahler, the Long-Thibaud-Crespin Foundation, the Center of diplomatic archives in la Courneuve and archival sources regarding the A.L.A.P. (Parisian Literary and Artistic Agency).

Peintre bruxellois aujourd’hui méconnu, Léon Frederic (1856-1940), surnommé le « gothique moderne », tint un rôle important au tournant du XXe siècle comme l’un des représentants de la modernité picturale belge, tant sur la scène artistique nationale qu’internationale. S’appuyant sur un examen rigoureux d’un fonds d’atelier de plusieurs milliers de pièces, d’archives et de correspondances inédites, ainsi que sur l’établissement du catalogue raisonné de l’œuvre, cette étude souhaite reconstituer la trajectoire d’un peintre omniprésent, oublié face à la « mythologie de rupture » des avant-gardes. Si l’histoire de l’art a retenu l’image d’un peintre mystique reclus à la campagne, l’appréhension de sa carrière a permis de reconstituer le portrait d’un faux-naïf conscient des enjeux promotionnels, appartenant à une nouvelle élite belge qui fut à l’origine de l’intense vie culturelle bruxelloise. Frederic a su élaborer une mise en image inédite du « peuple », ouvrier et paysan, aussi bien comme point de convergence de l’image utile et morale, souhaitée par les tenants de l’art social, que comme projection d’un imaginaire culturel issu de la tradition et propre à une élite en quête d’un avenir meilleur pour les classes défavorisées. Stylistiquement, son art, se rapprochant de l’« archaïsme moderne » cher à Emile Verhaeren, l’impose dans le nouveau champ moderniste des sécessions comme l’ethnotype idéal et recherché de l’artiste « flamand ». Peintre bourgeois et marginal, élitaire et social, national et cosmopolite, Frederic est apparu comme l’un des hérauts adoubés de la modernité du temps et nous invite à remettre en question la binarité de la conception de l’art à la fin du XIXe siècle. / The Belgian painter Léon Frederic (1856-1940), nicknamed the “gothique moderne”, played a key role at the turn of the 20th century as one of the main actors of Belgian modern art, both on the national and international artistic scene. Based on a rigorous examination of a studio collection of several thousand pieces, archives and unpublished correspondence, as well as on the realization of the catalogue raisonné of the work, this study aims to reconstruct the trajectory of an omnipresent painter, forgotten faced with the "mythology of rupture" of the avant-garde. If the history of art has retained the image of a mystical painter recluse in the countryside, the comprehension of his career enabled to reconstruct the portrait of a “faux-naïf” aware of the promotional stakes. Frederic belongs to a new Belgian elite who was at the origin of the intense cultural life in Brussels. Throughout his career, he has developed a new image of the "people", worker and peasant, both as a point of convergence of the necessary and moral image, wanted by the supporters of the social art, and as a projection of a cultural imagination, specific to an elite in search of a better future for the underprivileged classes. Stylistically, his art, approaching the "archaïsme moderne" theorized by Emile Verhaeren, imposes it in the new international and modernist field of the Secessions as the ideal and sought-after ethnotype of the "Flemish" artist. A bourgeois and marginal painter, elite and social, national and cosmopolitan, Frederic appeared as one of the heralds of the modernity and invites us to question the binarity of the conception of art at the end of the 19th century.

Submitted by JOSIANE SANTOS DE OLIVEIRA (josianeso) on 2019-03-20T14:16:37Z No. of bitstreams: 1 Mávis Dill Kaipper_.pdf: 12720057 bytes, checksum: 9af1ef1951be569ca95ef2298812a387 (MD5) / Made available in DSpace on 2019-03-20T14:16:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mávis Dill Kaipper_.pdf: 12720057 bytes, checksum: 9af1ef1951be569ca95ef2298812a387 (MD5) Previous issue date: 2018-09-05 / Nenhuma / La présente recherche a comme objectif présenter l’Araguaksã - fête annuelle de la reconnaissance du territoire indigène Pataxó - et d’analyser les manifestations culturelles et historiques dans le contexte de cette célébration qui a débuté le 1er aout 1998 et que cette année de 2018 célébrera sa 20ème édition. La composition textuelle décrit le processus historique de formation et de dispersion territoriale du peuple Pataxó provoqué par la discrimination et la persécution, tandis que le texte d’imagerie montre les aspects artistiques-culturels et enregistre leurs manifestations traditionnelles, dans sa représentation photographique, dans laquelle sont présents les matériaux, les couleurs et les significations du profond symbolisme ethnique. Dans cette étude nous avons adopté une méthodologie de type qualitatif fondée sur une approche ethnographique. Comme méthodes de recueil de données nous avons utilisé l’observation participante, l’entretien semi-structuré, des enregistrements iconographiques, sonores et des images en mouvement. Pour l’analyse de données, nous avons choisi les principes d’analyse de contenu, afin de procéder à l’articulation théorique avec les rapports oraux, les photos du peuple Pataxó et leur mode de vie. La conclusion met en évidence les points importants de la culture autochtone Pataxó, tout en invoquant les droits constitutionnels de demander la reconnaissance civile des mariages réalisés dans les tribu dans les normes et la pratique juridique. / A presente pesquisa tem como objetivo apresentar o ARAGWAKSÃ, festa anual em comemoração ao reconhecimento do território indígena Pataxó, e analisar as manifestações culturais e históricas no contexto dessa celebração, que se iniciou em 1º de agosto de 1998 e, neste ano de 2018, estará comemorando a sua 20ª edição. A composição textual descreve o processo histórico da formação e dispersão territorial do povo Pataxó, provocada por discriminação e perseguição; enquanto o texto imagético mostra os aspectos artístico-culturais e registra as suas manifestações tradicionais em sua representação fotográfica, nas quais estão presentes materiais, cores e significados de profundo simbolismo étnico. Nesta pesquisa, adotou-se a metodologia qualitativa de princípios etnográficos, sendo que, para a coleta e a produção de dados, utilizaram-se a observação participante, a entrevista semiestruturada, os registros iconográficos e sonoros e as imagens em movimento. Para analisar os dados, foram escolhidos os pressupostos da análise de conteúdo, a fim de proceder à articulação teórica entre relatos orais, as imagens do povo Pataxó e seu modo de vida. As considerações destacam os pontos importantes da Cultura indígena Pataxó, ao tempo em que invocam os direitos constitucionais para requerer o reconhecimento civil dos casamentos realizados nas aldeias, dentro das normas e da praxe jurídica brasileira. / The present research aims to present ARAGWAKSÃ, an annual celebration to commemorate the recognition of the Pataxó indigenous territory, and to analyze the cultural and historical manifestations in the context of this celebration, which began on August 1, 1998 and in this year of 2018 will be celebrating its 20th edition. The textual composition describes the historical process of the territorial formation and dispersion of the Pataxó people, provoked by discrimination and persecution; while the imagery shows the artistic-cultural aspects and registers their traditional manifestations, in its photographic representation, in which are presented materials, colors and meanings of deep symbolism ethnic. In this research, the qualitative methodology of ethnographic principles was adopted. The participant observation, the semi-structured interview, the iconographic and sound records and the moving images were used for the collection and production of data. In order to analyze the data, the assumptions of the content analysis, were chosen in order to proceed with the theoretical articulation with the oral reports, photos of the Pataxó people and their way of life. The conclusion is to highlight the important points of the Pataxó Indigenous Culture, while invoking the constitutional rights to request the civil recognition of marriages in the villages, within the norms and legal practice in Brazil. / La presente investigación tiene como objetivo presentar el Araguaksán, fiesta anual en conmemoración al reconocimiento del territorio indígena Pataxó, y analizar las manifestaciones culturales e históricas en el contexto de esa celebración, que se inició el 1 de agosto de 1998 y, en este año de 2018, celebrará su 20ª edición. La composición textual describe el proceso histórico de la formación y dispersión territorial del pueblo Pataxó, provocada por discriminación y persecución; mientras que el texto imagético muestra los aspectos artístico-culturales y registra sus manifestaciones tradicionales, en su representación fotográfica, en las que están presentes materiales, colores y significados de profundo simbolismo étnico. En esta investigación, se adoptó la metodología cualitativa de principios etnográficos, siendo que para la recolección y la producción de datos, se utilizaron la observación participante, la entrevista semiestructurada, los registros iconográficos y sonoros y las imágenes en movimiento. Para analizar los datos, fueron escogidos los presupuestos del análisis de contenido, a fin de proceder a la articulación teórica entre los relatos orales, las fotos del pueblo Pataxó y su modo de vida. Las consideraciones finales destácan los puntos importantes de la Cultura indígena Pataxó, al tiempo que invocan los derechos constitucionales para requerir el reconocimiento civil de los matrimonios realizados en las aldeas, dentro de las normas y de la praxis jurídica en Brazil.

Longtemps figé dans l'immobilité, le portrait peint de la Renaissance va s'animer grâce à une gestuelle qui fit l'objet d'une construction progressive. Très précoce, l'idée du geste: est présente dès 1440 chez Filippo Lippi dans les portraits féminins, à partir de 1450 chez Andrea del Castagno pour une effigie masculine et, en 1470, chez Antonello da Messina pour les mimiques. Mais la norme est au portrait en buste et d'autres freins, imposés par les commanditaires, perdureront jusqu'à la fin du XVIe siècle. En dépit des tentatives dissidentes d'Antonello da Messina, de Léonard de Vinci, ou, plus tard, de Bartolomeo Passerotti, c’est le modèle princier qui va s'imposer.Trois types d'écrits de l'Antiquité se préoccupent de l'apparence du corps et de la civilisation des mœurs : les préceptes éducatifs, souvent intégrés à des thèmes plus vastes, les traités de physiognomonie qui tentent de lire sur le visage les intentions ou la destinée de l'autre, et la rhétorique, qui s'intéresse plus particulièrement à l'ethos, au pathos mais aussi à la gestuelle de l'orateur. Ces textes seront reçus à la Renaissance dans divers domaines qui traitent tous, à un moment ou un autre, du geste. Les traités des éducateurs du Quattrocento, qui jalonnent la mise en œuvre d’une véritable réforme, cèderont la place aux manuels de savoir-vivre du XVIe siècle. A partir de 1455, les maîtres à danser lombards posèrent par écrit les premiers éléments d'une théorie de la danse. Les traités artistiques s'intéressèrent au decorum dans lequel s'inscrit le geste. Au tout début du XVIIe siècle, un certain nombre de conventions furent enregistrées dans des recueils illustrés de chironomie. Loin de considérer le doigt, la main ou les membres comme des détails sémantiques, cette thèse montre que la gestuelle est un signal social à replacer dans son environnement. Elle s’est ouverte sur l’histoire de l’éducation, centrale dans celle du geste, ainsi que sur celle du genre, ou encore de la place de l’enfant et de la parentalité. Une place importante a été consacrée à l’histoire du costume, celui que l’on a choisi pour ces images. Au terme de ce travail, il devient évident que le Moyen Âge n’est pas la seule période à avoir vu se développer une "civilisation du geste". L'analyse des textes, de l’Antiquité comme de la Renaissance, révèle une remarquable continuité dans la conception et les théories relatives à la gestuelle, sous-tendue par l'Institution Oratoire, particulièrement la partie traitant de l'actio. Quintilien eut une réception de longue durée dans les arts de la prédication et, de manière plus subtile, ses qualités d’éducateur et d’observateur de l'enfance ont également favorisé sa transmission dans le cadre pédagogique. Cet auteur enseignait l’utilisation programmée du geste pour appuyer le discours, pointant comme un défaut la négligence dans "la toge, la chaussure et le cheveu". Déjà pour lui, ce soin devait être imperceptible, l’éducation et l’apprêt physique devenant comme une seconde nature, la sprezzatura avant l'heure. Parcourant nos images, la référence à l'actio qui s'est imposée depuis l'Antiquité dans l'éducation, l'expression, la représentation imagée ou théâtrale, rend compte de la précocité de cette civilisation et de sa pérennité dans le temps. Le geste s’impose comme un patrimoine vivant, transmis le plus souvent de manière inconsciente de siècle en siècle, par le biais d’une multitude de canaux et de disciplines, parmi lesquels on compte le portrait, à la fois récepteur et vecteur. / The portrait, long considered as a rigid pictorial genre, became increasingly lively through the progressive introduction of gestural expression. This idea appeared as early as 1440 in Filippo Lippi’s female portraits, in 1450 in Andrea del Castagno’s painting of a man and in 1470, in Antonello da Messina’s mimes. But the standard surrounding is bust-length portraiture and other restrictions on movement, imposed by the commissions, lasted until the 16th century. Despite various dissenting works, such as those of Antonello da Messina, Leonardo Da Vinci, or later, Bartolomeo Passerotti, the Princely model held sway.In Antiquity, three literary categories, each with a different approach, addressed the appearance of the body and civilization of the customs : educational precepts often contained within vaster literary works, physiognomic treatises — which attempt to read from faces an individual’s intentions and destiny — and rhetorical studies which, in particular, concern the ethos and the pathos, but equally the orator’s gestures. During the Renaissance these three disciplines all influenced various domains, which are interested, at one point or another, in the gesture. The Quattocento’s didactic treatises, which paved the way for a true reform, were replaced by manuals of etiquette in the 16th century. From 1455, the Lombard dancing masters wrote the initial elements of a theory of dance. Artistic treatises on painting and sculpture insist on the decorum which included gesture. At the very beginning of the 17th century, a certain number of modern conventions were recorded in illustrated collections of chironomy.Far from considering the finger, the hand or the members as semantic details, this thesis shows that body movement is a social signal to be placed back in its environment. It open on the history of education, central in that of gesture, as well as on that of the genre, or still the place of children and the parenthood. An important place was dedicated to the history of the garment, the one that was chose for these pictures.Through this work, it becomes obvious that the Middle Ages are not the only period to have seen developing a "civilization of the gesture". The analysis of texts, of Antiquity as of Renaissance, reveals a remarkable continuity in the conception and the theories relative to the body movements, underlain by the Oratorical Institution, particularly the part dealing with the actio. Quintilien had a long-term reception in the arts of preaching and, in a more subtle way, his qualities of educator and observer of the childhood also favoured his transmission in the educational frame. This author taught the use scheduled of the gesture to support the speech, considering a defect the carelessness in "the toga, the shoe and the hair". Already for him, this care was to be imperceptible, the education and the body care becoming as a second nature, the sprezzatura before time. Browsing our images, the reference to the actio that got established since Antiquity in education, expression, and both pictorial and theatrical imagery, acknowledges how precocious that civilization was and how perennial it has been.The gesture is asserted as a living heritage, transmitted more or less consciously through time, through a myriad of conduits and disciplines, including the portrait, both as recipient and vector.

Faisant émerger de nouveaux objets et de nouveaux acteurs, les pratiques spatiales des artistes sont une entrée féconde pour repenser les dynamiques rurales actuelles. En les considérant comme partie prenante des rapports sociaux et bien sûr des espaces géographiques qu’elles contribuent à produire, notre thèse analyse la place des artistes en milieu rural sur un fond de mutation sociale et institutionnelle caractéristique des espaces ruraux contemporains. Car si la culture y apparaît comme un argument de distinction dans un contexte de compétition territoriale, elle croise une logique résidentielle et d’ouverture de la part des acteurs ruraux, susceptibles de favoriser l’installation d’artistes et de divers professionnels. Ceux-ci sont à la recherche de nouveaux espaces de vie et de travail et croisent en retour les nombreuses pratiques associatives et amateurs qui irriguent l’espace rural. Aussi, à l’inverse d’une approche sectorielle, nous abordons ce sujet par la question de la pratique des lieux, afin de comprendre comment les artistes distinguent les espaces dans leur argumentaire et comment en retour ils contribuent à un renouvellement des espaces vécus. Afin de dépasser les frontières habituelles du développement local, ce travail considère les ancrages et les circulations individuelles qui articulent différentes échelles de ruralité. L’approche biographique permet en effet de penser le local dans ses interfaces, ses réseaux et ses mobilités ; et ce retour aux lieux montre les incidences que les artistes peuvent avoir sur la définition de la ruralité, engageant par là une réflexion plus large sur le statut de l’espace rural dans la société. Ainsi, l’originalité de cette thèse consiste à utiliser une méthode qualitative centrée sur les parcours d’artistes pour analyser leur positionnement et leur stratégie, en s’intéressant aux transformations contemporaines des savoirs, des espaces et des pratiques créatives en milieu rural. Grâce à une approche qui croise les échelles d’analyse, cette thèse montre le rôle des espaces de l’art dans la fabrique du rural, et la manière dont les artistes contribuent à l’émergence de nouvelles articulations entre l’espace rural et la ville métropolisée. / By drawing attention to new objects and actors, artistic practices are a fruitful entry point for rethinking current dynamics of French rural life. This thesis interrogates cultural development in relation to recent social and institutional changes in rural areas, without isolating such areas from social relations or the geographical spaces that underlie them. If culture appears as a distinction argument in a context of territorial competition, it intersects with a residential logic and an openness of rural actors to the cultural field. This, in turn, can initiate dynamic interactions with artists and various professionals. Such “creatives,” always on the search for new living and working spaces, are increasingly moving to rural areas, where they cooperate with the latter’s respective associations and amateur practices. Thus, contrary to a sectoral methodology, we consider this topic with a multipolar approach of culture, in order to understand how artistic actors distinguish territories, and how these territories become, in return, renewed living spaces. To overcome the usual boundaries of local development, we have chosen to put forward the multiple scales of rurality by considering artists as actors in motion, who play with various territorial resources. The microsocial approach makes here possible to think the local in its interfaces, its networks and its mobilities. And this return to the site shows the impact that artists can have on the definition of rurality itself, thus engaging to a broader reflection on the status of rural space in society. One of the originalities of this thesis is to use a qualitative method centered on artists’ analyses of their own positioning and strategies, vis- à-vis contemporary transformations of knowledge, spaces and creative practices in rural areas. Through an approach that correlates rural contexts and scales of analysis, this thesis shows the role of art spaces in the rural fabric and the way they contribute to the emergence of new articulations between rural areas and metropoles.

Alors que le principe d’une alternance entre les différentes temporalités de la formation professionnelle initiale des enseignants est relevé comme une nécessité, de nombreux travaux soulignent une « cassure » entre les expériences vécues par les enseignants novices (EN) en centre universitaire et les expériences professionnelles vécues dans l’établissement scolaire (Chaliès, Cartaut, Escalié et Durand, 2009). Pour y répondre, deux orientations en matière d’aménagements des dispositifs de formation par alternance sont proposées. La première consiste à « déplacer le centre de gravité » (Zeichner, 2006) de la formation vers l’établissement scolaire. La seconde consiste, à l’inverse, à déplacer le centre de gravité de la formation vers le centre universitaire et proposer aux EN des dispositifs qui placent la professionnalisation au centre des apports. Paradoxalement, la pratique des activités physiques, sportives et artistiques (APSA) dans la formation professionnelle initiale des enseignants d’éducation physique et sportive (EPS) n’est jamais interrogée dans le cadre de cette deuxième orientation. Rares sont en effet les travaux ayant étudié comment aménager les enseignements théorico-pratiques relatifs aux APSA afin qu’ils contribuent effectivement à la professionnalisation des EN. Cette étude a été réalisée à partir d’un dispositif usuel de formation des EN d’EPS. En prenant appui sur un programme de recherche mené en anthropologie culturaliste (Chaliès et Bertone, 2017), un premier dispositif transformatif a été mis en œuvre afin de permettre aux EN d’EPS d’exploiter leurs expériences de pratique d’APSA lors de leur enseignement de cette APSA à des étudiants-élèves. A partir des résultats obtenus, une seconde transformation a été menée. Elle était pensée pour permettre aux EN d’EPS d’exploiter des expériences liées à l’enseignement dans lesquelles étaient intégrées leurs expériences de pratique d’APSA pour être en capacité d’enseigner cette APSA à des élèves. Cette double transformation devait permettre d’ (in)valider deux hypothèses auxiliaires relatives à la formation à l’enseignement des EN d’EPS à partir d’expériences de pratiquant dans les APSA. Les résultats obtenus montrent que les transformations engagées ont permis aux EN de s’engager dans une activité d’enseignement chargée d’expériences normatives situées (ENS) suivies en tant que pratiquant. Plus précisément, ils montrent la nécessité pour les EN d’apprendre des ENS constitutives de l’enseignement et d’être accompagnés par un formateur dans le processus de « susbtrafication » d’ENS suivies en tant que pratiquant au sein d’ENS suivies en tant qu’enseignant. Finalement, une proposition de conception d’un dispositif de formation professionnelle des EN d’EPS est réalisée. / While the principle of an alternation between the different temporalities of initial teacher training is noted as a necessity, many studies point to a "break" between the experiences experienced by novice teachers (NT) in the university center and the experiments the school (Chaliès, Cartaut, Escalié and Durand, 2009). In order to answer this question, two guidelines for the development of alternance training schemes are proposed. The first is to "shift the center of gravity" (Zeichner, 2006) from the training to the school. The second is to move the center of gravity of the training towards the university center and propose to the NT devices that place professionalization at the center of the contributions. Paradoxically, the practice of physical, sports and artistic activities (PSAA) in the initial professional training of physical education and sports (PES) teachers is never questioned in this second orientation. Few studies have studied how to organize the theoretical-practical lessons of PSAA so that they effectively contribute to the professionalization of NT.This study was carried out on the basis of a usual training system for PES NT. Based on a research program carried out in cultural anthropology (Chaliès and Bertone, 2017), a first transformative device was implemented in order to enable the PES NT to exploit their experiences of PSAA practice during their teaching of this PSAA to students of university. From the results obtained, a second transformation was carried out. It was designed to enable PES NT to use teaching-related experiences in which their PSAA practice experiences were integrated to be able to teach PSAA to students. This twofold transformation was intended to (in)validate two auxiliary hypotheses related to the teaching of PES NT from practitioner experiences in PSAA.The results obtained show that the transformations initiated enabled the NT to engage in a teaching activity in charge of normative experiments located (NEL) followed as a practitioner. More specifically, they demonstrate the need for NT to learn NEL about teaching and to be accompanied by a trainer in the NEL "susbtrafication" process followed as practitioners in NEL followed by as a teacher. Finally, a proposal for the design of a vocational training system for PES NT is carried out.