354871\u Les habiletés de vie permettent aux jeunes de faire face efficacement aux exigences et défis de la vie quotidienne (Organisation Mondiale de la Santé, OMS, 1999). Dans le domaine de la psychologie du sport, les habiletés de vie sont considérées comme des attributs mentaux, émotionnels et sociaux, des caractéristiques et comportements que les athlètes développent ou améliorent par la participation sportive et qui ont le potentiel d’être transférés dans d’autres contextes non sportifs (Danish et al., 2004). Malgré l’aspect fondamental de la notion de transfert au sein même de la définition des habiletés de vie, celle-ci n’est pas encore intégrée de façon concrète par les différents chercheurs qui étudient et contribuent au développement d’habiletés de vie des athlètes. Au cours des deux dernières années, un intérêt croissant pour le transfert des habiletés de vie a pu être observé dans les écrits scientifiques, illustré par la proposition de plusieurs modèles, ainsi que la publication de plusieurs études visant à explorer et expliquer ce processus. Dans cette perspective, cette thèse a pour objectif principal d’analyser le concept des habiletés de vie apprises en contexte sportif et transférées dans d’autres contextes de vie. Le premier article a pour but d’examiner les expériences des patineuses artistiques et de leur entraîneure en ce qui concerne le développement et le transfert d’habiletés de vie. Une étude de cas multiples a été réalisée auprès de quatre cas, chacun étant composé d’une entraîneure et de deux de leurs athlètes. Deux entretiens semi-structurés ont été menés avec chaque participante. Les résultats ont révélé que les patineuses acquéraient un large éventail d’habiletés de vie tels que la persévérance, la fixation d’objectifs, la régulation émotionnelle ainsi que le respect qui ont été développées principalement en raison des exigences du sport. En outre, le transfert des habiletés de vie s’est opéré implicitement à travers des changements dans la personnalité des patineuses renforcés par des discussions avec les entraîneurs, les parents et les consultants en préparation mentale. Ces résultats suggèrent que la complexité du développement et du transfert des habiletés de vie nécessite une approche intégrant les différents acteurs clés qui font partie du cadre sportif de l’athlète. Le deuxième article a pour but de procéder à une revue systématique de la littérature afin d’identifier les preuves empiriques concernant le transfert des habiletés de vie au sein la recherche en sport et en activité physique. Nos travaux ont été guidés par les méthodes standard applicables aux revues systématiques Cochrane (Higgins, 2011). Sur la base de l’interprétation des données, 126 habiletés de vie personnelles et interpersonnelles ont été décrites dans la littérature comme étant utilisées par les participants dans d’autres contextes de la vie tels que l’école, la maison et d’autres sports. De plus, les stratégies des entraîneurs et les caractéristiques des participants ont été identifiées comme facilitant le transfert des habiletés de vie, alors que le manque de temps pour comprendre pleinement une habileté de vie ainsi que les attitudes négatives des enseignants ont été citées comme l’entravant. Enfin, plusieurs caractéristiques de programmes d’enseignement des habiletés de vie ont été identifiées comme influençant le transfert des habiletés de vie en dehors des programmes. Ainsi, le fait que les programmes soient conçus pour favoriser le développement, mais aussi le transfert des habiletés de vie de façon explicite favorise ce dernier. Aussi, le transfert des habiletés de vie est facilité par le fait que l’instructeur offrant le programme soit formé à l’enseignement des habiletés de vie et qu’il soutienne les participants. Enfin, la manière dont les relations entre les participants ont été créées au sein du programme ont été présentés comme favorisant le transfert habiletés de vie. Globalement, cette thèse est, à notre connaissance, le premier projet de recherche à étudier la notion de transfert des habiletés de vie du point de vue d’athlètes féminins et de leur entraîneure au sein de la même étude. De plus, ce projet de recherche, grâce à une revue systématique, offre une vue d’ensemble des connaissances actuelles disponibles sur le transfert des habiletés de vie afin de mieux orienter les futures recherches. La contribution de ces deux articles est discutée dans la conclusion générale de la thèse et ouvre la voie à des avenues futures de recherche.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Cette thèse se propose d’étudier l’expression du mouvement dans la peinture grecque ancienne, ici la peinture de vases, source très riche concernant l’univers visuel des Grecs de l’antiquité, et plus particulièrement le lien qui unit les émotions aux mouvements corporels. Les théories anciennes à propos de la représentation figurée sont unanimes : l’objet de la peinture est l’être humain et le peintre, dès les mythes qui relatent la création de la peinture et plus généralement des arts plastiques (sculpture et modelage), se doit de représenter le vivant sous tous ses aspects, extérieur comme intérieur; autrement dit, le corps humain apparaît comme le moyen le plus efficace pour exprimer et transmettre les émotions qui l’animent, par les mouvements ou les attitudes que le corps adopte ou encore les expressions faciales. Ce constat s’applique à l’expression des états émotionnels intenses ou altérés comme par exemple : les modifications qu’entraînent la consommation de vin, une action divine comme la possession par un dieu ou encore l’imminence de la mort. Il faut, pour mieux comprendre ces phénomènes, se tourner vers la conception ancienne de l’âme (θυμός et/ou ψυχή), qui dès l’époque homérique est conçue comme le siège des sentiments mais aussi comme un souffle qui entre et sort du corps. C’est une notion primordiale pour saisir la nature des mouvements qui animent les personnages figurés en proie à l’ivresse, sous le joug d’une possession divine ou sur le point de mourir : dans chacun de ces cas, l’âme est sollicitée d’une manière ou d’une autre, soit que ses liens avec le corps se trouvent relâchés ou qu’elle quitte temporairement ou définitivement le corps. Il apparaît que l’expression de ces états particuliers, dans l’imagerie grecque ancienne, n’ignore pas de tels concepts que ce soit à propos du but fixé à l’art ou sur la relation que l’âme entretient avec le corps : les mouvements corporels expriment clairement un état qui sort de l’ordinaire par l’orientation des corps, les gestes, les actions et les expressions faciales et ne semblent pas se borner à la figuration d’une simple réaction physiologique. Il s’agira également d’établir un lien entre les images anciennes et les théories modernes développées à propos de la figuration des mouvements dans l’art : le but étant de montrer que les peintres de vases privilégiaient bien plus l’expressivité, dans le but d’illustrer un concept, une idée, plutôt que de rendre compte d’une parfaite réalité / This thesis proposes to study the expression and depiction of movement in ancient Greek painting, specifically vase painting. While illustrating the very rich and unique source of the visual world of ancient Greece, the emphasis is kept on the link which unites the emotions to the body movements, gesture or posture. Theories about ancient pictorial representations are unanimous on the subject of painting the human figure. From the myths concerning the creation of painting and visual arts (sculpture & modeling), the artist must portray and illustrate the living in all aspects, external and internal. Using the human figure and representation of the anatomy, appears to be the most effective way to convey the emotions and feelings that animate the body through the depiction of gesture, posture or facial expression. This portrayal applies to the expression of intense emotion or altered state of being such as: the over consumption of wine, being possessed by a god (divine action) or the imminence of death. For a better understanding of the portrayal of this phenomenon, it is necessary to turn to the origin of the ancient Greek idea of the soul (θυμός or/and ψυχή). From the Homeric age this concept can be understood as the basis of sentiment and emotion and can be seen as natural as a breath which enters and exits the body. This notion is of key importance, to understand the origin of movement that brings to life the characters depicted in the images, whether consumed by drunkenness, under the yoke of divine possession or about to die. In each case, the soul is solicited, in one way or another, whether in its temporary or permanent separation or dissociative state from the body. Whether the aim is set out in art or in the relationship that the soul maintains with the body, Ancient Greek imagery does not ignore such concepts as the expression of these intense emotional and altered states whatsoever. Bodily movements clearly articulate an out of the ordinary state by the orientation of the body, gestures, actions and facial expressions and does not seem to be limited to the representation of only a physiological reaction. A link will be established between ancient images and modern theories developed on the subject of representation of movement in art. The objective: To demonstrate that the artists who adorned ancient vases favored the illustration of a concept or an idea, by imagination and expressivity, above the reporting of a perfect reality

Les interventions artistiques dans le monde des entreprises soulèvent la question de leur capacité critique, et de leur posture politique. L’artiste peut-il contribuer par son intervention à humaniser l’organisation, et diminuer l’exercice de l’autorité arbitraire qui s’y exerce ? Mes propres expériences au moyen d’un dispositif de discussion particulier, basé sur le principe « on choisit qui on écoute, on ne choisit pas à qui on parle », tentent d’instaurer un partage de la parole plus égalitaire sur les scènes ordinaires de la vie organisationnelle. En m’appuyant sur les théories de Jacques Rancière au sujet d’une esthétique politique, j’analyse deux cas où l’introduction de mon dispositif, destiné à ouvrir plus de possibilités d’écoute égalitaire, a résulté en conflits et en renforcement de l’autorité et de la confiscation de la parole. La description des logiques internes à l’expérience sensible des acteurs mène à penser une forme de dialogisme fondé non pas tant sur l’opposition entre autorité et dissensus, mais sur la prise en compte de l’autoritarisme de l’écoute elle-même. La critique de mon dispositif et de la manière dont sont activées les dimensions contradictoires du sensible de la parole, telles que les perçoivent les acteurs, ouvre sur l’art comme éducation esthétique à une forme d’écoute « dissensuelle », qui sache discerner les voix dans le bruissant de la scène de parole, tout en sachant que tout discernement est arbitraire. J’en déduis le type de responsabilité éthique que doit assumer mon approche des organisations par l’art, pour que l’esthétique au sens de Rancière rejoigne le politique en pratique. / Artistic interventions within organizations meet the issue of their political stance and their critical ability. Can the art intervention foster a humanization of the organization and lower the arbitrary and authoritarian regime? My own experiments through the mean of a discussion device and a protocol based on the rule: “you choose who you listen to, you cannot choose who you talk to”, strive at opening a more egalitarian sharing of the speech on the organizational stage. Drawing on Rancière’s aesthetic and politic theories, I investigate two cases where my intervention resulted in an increased enforcement of power and a restriction of the freedom to speak. By describing the internal logics underlying the actors’ experience of the sensible, I outline a conception of a dialogism not so much concerned with the right to speak and the claim for acknowledgement, as with the inevitable authoritarian quality of listening. The critique of my intervention and my art device and the consideration of the manners in which the actors perceive the heterogeneous dimensions of speech delineate an art form of intervention as an aesthetic education. Training a dissensual listening would mean knowing how to discern any voice among the rustling others, and knowing how discernment is arbitrary. I conclude by circumscribing which ethic responsibility I need to assume in order for my art approach towards organizations to qualify as a true political aesthetics in the sense of Rancière.

Notre recherche en didactique des sciences, explore la potentialité des objets scientifiques contemporains à devenir des objets de patrimoine à travers un cas d'étude : l'accélérateur de particules Cockcroft-Walton (CW). Nous faisons l'hypothèse que la valorisation des objets scientifiques contemporains, étape importante du processus de patrimonialisation, est spécifique et nécessite une expertise particulière. Notre travail a été réalisé grâce au dispositif CIFRE, nous permettant de travailler aux côtés du musée des Confluences à Lyon, qui expose un accélérateur de particules CW dans Sociétés : le théâtre des hommes. L'Institut de Physique Nucléaire de Lyon (IPNL) possède également un appareil de ce type, qui est aujourd'hui au cœur d'un projet de valorisation. Notre analyse s'appuie sur une étude du contexte, historique, épistémologique et social, de « naissance » du premier accélérateur CW et d'une étude scientifique de l'objet. Nous avons également mené deux enquêtes, la première visant à retracer la trajectoire de l'accélérateur CW à Lyon, la seconde à retrouver l'ensemble des accélérateurs CW dans le monde. En nous appuyant sur différents travaux qui ont souligné les étapes du processus de patrimonialisation, nous avons caractérisé les spécificités du patrimoine scientifique contemporain, et recherché les traces laissées par ces caractéristiques dans la mise en exposition de l'objet. Nos résultats mettent en évidence le manque d'informations permettant l'interprétation et l'appropriation de l'accélérateur CW par un public, et nous invitent à interroger le contenu représentationnel de l'objet, véhiculé à travers d'autres contextes d'utilisation, formel ou fictionnel / Our thesis in science education explore the potentiality of contemporary scientific objects to become objects of heritage through a study case: the Cockcroft-Walton particle accelerator (CW). We call it “patrimonialisation” (the making of heritage) according to Information and Communication Sciences. We assume that the value of contemporary scientific objects, an important stage of the patrimonialisation, is specific and requires a particular expertise. Our work was realized thanks to a french financing facility, allowing us to work with Le musée des Confluences in Lyon (France), which exposes a particle accelerator CW in Societies: the human theater. The Institute of Lyon Nuclear physics (IPNL) also possesses a device of this type, who is the focus of a recognition project. sing a multidisciplinary approach, our analysis begin with a study of historical, epistemological, social and scientific context, of the first one CW. We also led two inquiries, the first one to redraw the accelerator CW trajectory in Lyon, the second to find all the accelerators CW in the world. Several studies have indeed highlighted the stages of the patrimonialisation. Relying on these studies we characterized the specificities of the contemporary scientific heritage, and looked for tracks left by these characteristics in the exhibition text (museography). Our results demonstrate the lack of information allowing the interpretation (lecture) and the appropriation of the accelerator CW by a public, and invite us to question the representational contents of the object, conveyed through other contexts of use, formal or fictional

No description available.

Mus par la volonté de découvrir et d’exploiter les ressources de l’Afrique, les Occidentaux y ont apporté leurs cultures, et notamment la langue française. En s’intégrant au quotidien des habitants, cette langue a exporté les différents éléments de sa culture, dont le théâtre qui se place désormais au coeur des rencontres entre les artistes de France et d’Afrique subsaharienne francophone.Par le prisme d’événements artistiques majeurs comme les festivals, les artistes ont trouvé des espaces centraux d’expression sur les deux continents. Ainsi, ils ont pu nouer des relations de travail avec leurs pairs du reste du monde. A certains niveaux, les échanges qui s’en sont suivi ont permis des rencontres fructueuses lors de manifestations comme le Festival des Francophonies en Limousin, mais aussi le FITMO/FAB au Burkina Faso et le FITHEB au Bénin, tous événements émanant de l’Afrique subsaharienne francophone.Avec la mondialisation, les rencontres entre dramaturges se soldent parfois par des échanges au sein même des textes produits. Elles conduisent à des relations de travail qui conduisent à des hybridations et à des métissages qui transforment sans doute la teneur des productions dramaturgiques. En nous appuyant sur un corpus de textes d’auteurs contemporains, nous formulons ici l’hypothèse que les échanges entre artistes transforment les conditions de production comme les esthétiques en vigueur, cette dynamique générant l’émergence d’une poétique de la relation. / Driven by the desire to discover and exploit the resources in Africa, the westerners brought their cultures there and in particular the French language. By integrating with the daily life of the inhabitants, this language has exported the different elements of its culture, including the theatre which is now at the heart of encounters between French and French-speaking sub-Saharan artists.By the prism of major events such as festivals, artists have found central spaces of expression on both continents. So, they were able to build working relationships with their peers in the world. At certain levels, the exchanges that followed made it possible to have fruitful meetings during events such as Festival of Francophone in Limousin, but also FITMO/FAB in Burkina Faso, and FITHEB in Benin, all events emanating from French-speaking sub-Saharan Africa.With globalisation, encounters between playwrights sometimes result in exchanges within the texts produced. They lead to working relationships that lead to hybridization and mixing which undoubtedly transform the contents of the dramaturgical productions. Based on a corpus of texts by contemporary authors, we formulate here the hypothesis that exchanges between artists transform the conditions of production as the aesthetics in force, this dynamics generating the emergency of a poetic of the relationship

La recherche porte sur l’écriture abondante de Hundertwasser et sa place dans le positionnement de cet acteur du renouveau artistique. On lui reconnaît une « œuvre-vie » singulière, puisque, visant à bouleverser la société, il a élargi son domaine, passant de la peinture à l’écologie, via l’architecture. Partant du contexte géohistorique, de l’arrière-plan pictural du début du XXème siècle, des théories des scientifiques et des « prophètes » allemands du XXème siècle ainsi que de l’émergence des mouvements écologistes, il s’agit d’étudier les nombreux poésies, récits, discours, manifestes, interventions dans les médias et commentaires, où Hundertwasser expose et développe ses convictions. L’objectif est de montrer que la dynamique créative de l’artiste s’enracine dans ses écrits. / The research focuses on the abundant writing of Hundertwasser and its place in the positioning of this actor of artistic renewal. He is recognized for his singular "work-life", since, aiming to upset society, he has expanded his field, from painting to ecology, via architecture. Starting from the geohistorical context, from the pictorial background of the beginning of the 20th century, the theories of 20th-century German scientists and "prophets" and the emergence of environmental movements, it is a question of studying the many poems, stories, speeches, manifestos, interventions in the media and comments, where Hundertwasser exposes and develops his convictions. The aim is to show that the creative dynamic of the artist is rooted in his writings.

Le présent travail porte sur les peintures de fleurs produites en Iran et en Inde entre le XVIe et le XVIIIe siècles et destinées à être montées dans des albums alliant peintures et calligraphies. Cette étude s'organise autour de trois axes de recherche. En premier lieu, l'étude de l'évolution des pratiques picturales au sein des ateliers de peinture, ainsi que la mise en évidence des différences formelles entre les centres de production. La taxonomie des peintures de fleurs a permis de mettre en évidence certains régionalismes, mais également des modes de représentation partagés entre l'Iran safavide (1501-1722), afshar (1736-1749) et zānd (1750-1794) d'un côté, et l'Inde moghole (1526-1857) et les cours provinciales de l'autre. Le second axe de recherche est consacré aux échanges entre l'Orient et l'Occident. Plusieurs peintures de fleurs persanes et indiennes sont issues d'herbiers et florilèges, imprimés en Europe à partir du XVe siècle. L'étude de l'apport européen dans ces productions de peintures permet de mettre en évidence les pratiques d'assimilation des formes exogènes par les artistes. Enfin, le troisième axe interroge le rôle tenu par les peintures de fleurs au sein des albums, ou muraqqaʻ. La compilation d'albums est attestée en Iran dès le XVe siècle, et passe vraisemblablement en Inde durant la première moitié du XVIe siècle. Les fleurs s'y déploient progressivement jusqu'à devenir omniprésentes, autant au centre des pages que dans les marges et sur les reliures. Les représentations florales revêtent des symboliques diverses qui sont à mettre en relation avec un abondant corpus poétique, mais également avec les patrons persans, indiens ou européens qui commandent ces précieux volumes. Parmi les conclusions, notons les attributions de dessins anonymes au peintre persan Shafīʻ ʻAbbāsī et une discussion sur les notions de copie et d'interprétation. / This dissertation focuses on flower paintings produced in Persia and India between the 16th and the 18th centuries to be mounted in albums, also called muraqqa'. This study is centered on three research axis. First, pictorial practices are analyzed, as well as the general evolution of floral forms on album pages. The taxonomic approach on flower paintings led to highlight regionalisms, but also depiction modes shared between Safavid (1501-1722), Afsharid (1736-1749) and Zand (1750-1794) Persia on one hand, and Mughal India (1526-1857) and Indian provincial courts on the other. The second line of research focuses on cultural and artistic exchanges between the East and the West. Many Persian and Indian flower paintings are copied from European printed herbaria and florilegia from the 15th century. The study of European input on these productions highlights assimilation practices of foreign forms. The third axis questions the role held by flower paintings in albums, or muraqqa'. From the 15th century, flowers gradually spread to become omnipresent in the center of the pages, in the margins and on the bindings. Floral representations take various symbolic values linked to an abundant poetic corpus, but also to Persian, Indian or European patrons who order these precious volumes. Among the conclusions, this thesis suggests new attributions of anonymous drawings to the Persian painter Shafīʻ ʻAbbāsī, and holds a discussion about concepts of copy and assimilation.

Esquisser le portrait de la commaunauté des peintres lyonnais, entre le début du règne de Louis XI (1461) et la crise de la fin des années 1520, a constitué le présupposé de cette recherche. Le recours aux sources (comptables, fiscales et ecclésiastiques) s’est révélé indispensable à l’étude prosopographique et à une démarche d’histoire sociale de l’art, permettant la localisation des peintres, de leurs ateliers, les quelques filiations, leur place enfin (fortune et position sociale) dans la cité. Mais au-delà de cette première approche, l’étude des commanditaires, personnages capitals de la production artistique, a permis de définir plus finement le visage de la pratique picturale lyonnaise. Entre notables, Consulat, ecclésiastiques et rois, les activités de commande dans la ville ont souligné l’absence de grands chantiers et de grandes commandes dans ces décennies de prospérité croissante. Ce sont donc les fêtes, au premier rang desquelles les entrées royales et solennelles, qui mobilisent les forces économiques, littéraires et évidemment artistiques. L’étude des protagonistes de ces cérémonies royales et urbaines comme des thèmes déployés permet de caractériser de façon plus précise l’articulation entre artistes, commanditaires et cité comme d’approfondir la connaissance sur la pratique des peintres, en effet mieux détaillée dans ce cadre. / To sketch the portrait of the painters’ community of Lyon, between the beginning of the reign of Louis XI (1461) and the crisis of the end of 1520s, was the presupposition of this research. The appeal to sources (accounts, taxes and from ecclesiastic origin) showed itself essential to the study of painters and to the approach of social history of the art, allowing the location of them, their workshops, the some filiations, their place finally (fortune and social position) in the city. But beyond this first approach, the study of the patrons, major characters of the artistic production, allowed to define more finely the face of the pictorial practice of Lyon. Between notables, consuls, Consulate, clerics and kings, the activities of command in the city underlined the absence of big construction sites and big orders in these decades of increasing prosperity. They are thus the festivals, in the front row of which the royal and solemn entries, which mobilize the economic, literary and obviously artistic strengths. The study of the protagonists of these royal and urban ceremonies as spread themes allows to characterize in a more precise way the articulation between artists, patrons and city as to deepen the knowledge on the practice of the painters, indeed better known by this way.