Quoi de plus inné que les concepts d’oblique, d’horizontal ou de vertical ? Pour nous, moderne, ces concepts fondamentaux sont la base de tout notre système de pensée, tant mathématique qu’artistique. Tout porterait à croire que ces principes soient présents dans la civilisation grecque, dont nous nous réclamons les héritiers. Ce n’est pourtant pas une évidence au vu des textes qui nous ont été rapportés. Homère n’a pas connu le concept d’oblique – aucun mot ne saurait le traduire dans la langue de son époque. Et même plus tard. Les Grecs ont cinq adjectifs pour signifier approximativement l’oblique : λοξός, πλάγιος, λέχριος, σκολιός et δόχμιος. Chaque discipline (cosmologie, optique, géographie, artistique, etc.) a sa façon d’appréhender ces cinq termes, qui ne recouvrent à chaque fois que partiellement notre notion d’oblique. Paradoxalement, ce que le langage écrit n’a pas synthétisé se retrouve en abondance dans l’imagerie. Plus surprenant encore, l’oblique dans l’image, que nous considérons comme signe du mouvement dans notre langage iconographique, se retrouve aussi bien pour signifier le mouvement que le repos. Deux monuments de l’art grec attirent notre attention sur ce nouveau paradoxe : la frise du Mausolée d’Halicarnasse et l’Athéna Pensive. A chaque fois l’oblique est présente, à chaque fois elle porte deux sens bien distincts. Ces deux formes de langage, écrit et imagé, apportent un éclairage différent, et pour le moins complémentaire, sur la façon dont les Grecs de l’Antiquité ont appréhendé (ou non) le concept d’oblique. / What could be more innate than the concepts of oblique, horizontal or vertical ? For us, modern, these three concepts are the basis of our whole system of thought, both mathematical and artistic. It would appear to be obvious that these principles are present in the Greek civilization, whose we claim the heirs. However that isn't so obvious in view of the texts that have survived. Homer didn’t know the concept of oblique - no words can translate it into the language of his time. And even later. The Greeks have five adjectives to mean approximately oblique : λοξός, πλάγιος, λέχριος, σκολιός and δόχμιος. Each discipline (cosmology, optic, geography, art, etc.) has its own way of looking at these five words, which cover partially our notion of oblique. Paradoxically, what the written language has not synthesized, can be found in many images. Even more surprising, the oblique in the image, which we consider as a sign of movement in our iconographic language, is found both here to signify the movement than the rest. Two monuments of Greek art call our attention to this new paradox : the frieze of the Mausoleum of Halicarnassus and the Mourning Athena. In each of them the oblique ligne is present, and wears two distinct senses. These two forms of language, written and pictorial, bring a different perspective, furthermore complementary, on how the ancient Greeks apprehended (or not) the concept of oblique.

Le travail présenté dans cette thèse s’inscrit dans le contexte des études transculturelles. Il a pour objectif d’étudier du point de vue anthropologique et artistique le sens culturel profond du croisement et de la transposition des identités humaines multiples et des objets sur le marché en prenant le marché artistique au bord de la Saône comme site principal de l’enquête de terrain, le marché à Barbizon comme site supplémentaire et les hommes et les objets présents sur ces deux marchés comme objets de recherche. Nous allons essayer de discuter des liens entre l’art et le marché, entre la création et la vente, entre l’achat et l’appréciation des œuvres artistiques, entre l’art et la vie, entre les particularités des œuvres et les expériences personnelles de leurs auteurs. L’originalité de notre travail, étude de cas anthropologique artistique à l’étranger, réside non seulement dans la définition de rôle et dans les angles de considération, mais aussi dans les objets et les méthodes de recherche, tous différents des recherches antérieures sur le marché de l’art du point de vue de l’histoire, des théories de l’art, de l’économie, de la sociologie et des recherches culturelles.Grâce à ces trois parties principales dans lesquelles nous montrerons et discuterons les documents de nos enquêtes de terrain, nous examinerons de nouveau les conceptions sur le marché et la valeur utilisées dans le domaine des sciences économiques dans la première partie, nous approfondirons le sens discuté dans cette thèse et nous conclurons par les dialogues entre différentes disciplines, notamment en ce qui concerne les recherches sur la valeur du point de vue économique et anthropologique. Traiter la valeur de l’art sous l'angle de l’anthropologie, c’est être sensible au sens culturel de la valeur de l’art qui a un lien étroit avec l’homme et chercher les différents sens de la valeur de l’art dans la vie réelle de l’homme dans le marché de l’art, terrain concret des enquêtes de ce thème. / From the point of view of Anthropology of art, based on the background of transcultural study, taking the Art market by the riverside of Saône in Lyon as the main researching field and the Barbizon village of painters near Paris as the secondery one, both of which in France, this dissertation aimes to topic on art, artists and art works, and the cultural sense caused by the changement of identity of people and objects in the art market in different context. It discusses the art market, the creation and marketing of art, the aesthetics and consumption of art, art and life, the connection between the characteristics of art work and the artist’s personal life, experience and social relationships. As an oversea case study of Anthropology of art, this research is innovative compared with the former researches on art market by art history, art theory, economics, sociology, anthropology and cultural study, either from the role played by the author and the perspective of the observation, or from the object and method of the research.The content of the dissertation is mainly composed by “Value”, “Life” and “Imagination”. In the part of “Value”, it tries to discover the different meaning of “Value” in modern society, in the art market, in the concrete fieldwork of this research than of in traditional study of economics. It finally returns the discussion of “Value” to the perspective of anthropology.In the part of “Life”, through the interviews of the artists and consummers in the art market, by recording their views on art, art works and art market, their understanding of life, it searches for the connections between the characteristics of art and the artist’s personal life, experience and social relationships, including their opinons of the aesthetic, consumption and collection of the art works.In the part of “Imagination”, with the concern of the anthropological and transcultural study in theories on Other, immagination and the Society of the Spectacle it focuses on the imagination from “Other”――the people in the market, who is the object of this research, including their recognition of their own art and culture, their immaginary of an oriental world with China in it, their opinions on different trends of art and the standard of the definition and so on.After the presentation, analysis and discussion of the fieldwork in the former 3 main chapters, responding to the first part, which refers a lot to the definition and analysis of market and value, it develops the main sense of the whole essay and makes further reflection in the last part, especially sums up the connection and difference between the researches of both economics and anthropology on the topic of value, which results a conversation between the two subjects.

Cette thèse présente l'exploration humaine du monde microscopique de règle de la beauté formelle, afin de révéler la loi inhérente de l’univers dans lequel tous les êtres sont connectés et communiqués. La thèse encourage les hommes à découvrir le charme unique de l’univers via les médias d’art, et à découvrir la signification essentielle de l'humanité qui apportera plus de l’esprit d’innovation. Tirer et appliquer de nombreuses formes de beauté des cellules biologiques sous le microscope dans la création de l’art contemporain est un travail totalement innovant et magique, comme les petites cellules contiennent l’essence de l’univers. La loi de l’univers joue un rôle primordial dans la formation de la beauté du monde microscopique. Cette thèse a également étudié comment l’esprit humain participe au processus de l’esthétique microscopique qui améliore la théorie de l’esthétique dans son ensemble. Tout cela enrichit la pensée et la forme de la création des artistes contemporains. Cette thèse vise à promouvoir la construction et la communication de l’esprit du monde microscopique, et à retrouver les inspirations et les natures. C’est un sujet spirituel qui mérite l’attention des artistes contemporains. / This thesis presents the human exploration of the rule of beauty, of forms in the microscopic world, to reveal the inherent law of the universe in which all beings are connected and communicated. The thesis encouraged men to experience the unique charm of the universe via the media of the arts, and to discover the essential meaning of humanity that will bring more spirits of innovation. Learning and applying the beauty of many forms of biological cells under the microscope in the creation of contemporary art is a completely innovative and magical work, since the small cells contain the essence of the universe. The law of the universe plays a crucial role in the formation of the beauty of the microscopic world. This thesis also studied how the human mind involved in the process of microscopic aesthetic that enhances the theory of aesthetics as a whole. All this enriched the thought and the form of the creation of contemporary artists.This thesis aims to promote the construction and communication of the spirit of the microscopic world, and to find the inspirations and natures. It is a spiritual subject that deserves the attention of contemporary artists.

Cette thèse retrace l’histoire des expositions temporaires à caractère artistique organisées aux Galeries nationales du Grand Palais (GNGP) entre 1966 et 2005. Les analyses sur le contexte historique, politique et social et sur la politique artistique internationale en France révèlent que le pouvoir publique contribue à cette histoire des expositions dès l’origine : il soutient et institutionnalise des expositions temporaires en tant qu’action culturelle de l’État. La mise en oeuvre des expositions est coordonnée principalement par trois organismes publiques : la Réunion des Musées nationaux (RMN), l’Association française d’Action artistique, et les administrations pour l’art contemporain. Sous le titre de grande exposition prestigieuse, chacune de ces expositions a été un moyen pour illustrer une célébration commémorative, une belle relation diplomatique avec l’étranger et une présentation de recherches scientifiques et de politique de patrimoine. De la volonté d’échanges artistiques avec des musées étrangers a résulté l’internationalisation des expositions temporaires, la professionnalisation de la RMN en la matière. Le développement des recherches en histoire de l’art en collaboration avec ces musées étrangers est une conséquence évidente. Toutes ces orientations apparentent les Galeries nationales du Grand Palais à une institution culturelle phare au centre de la capitale en affirmant leur place parmi les grands musées parisiens. Ce travail se focalise également sur la gestion organisatrice, introduite dans la pratique de l’organisation d’expositions aux GNGP notamment pour : l’entretien et la muséographie des collections, le financement des expositions et l’accueil des publics. On constate aussi une professionnalisation des métiers concernant l’organisation d’expositions, pendant ces années. Cette thèse présente le développement de grandes expositions organisées dans un cadre institutionnel, le goût des grands publics pour des expositions artistiques. Elle nous permet également de comprendre l’évolution des expositions temporaires muséales dans la seconde moitié du XXème siècle. / This thesis presents an investigation on the history of temporary art exhibitions at the Galeries nationales du Grand Palais (GNGP) between 1966 and 2005. The analysis of the historical, political and socialistic background and the international artistic policy of France show that the government has played a central role in the development of art exhibitions at the GNGP : the government has encouraged and institutionalized art exhibitions as one of its cultural policy. These exhibitions were mostly planned by three public institutions; Réunion des Musées Nationaux (RMN), Association française d’Action artistique, and the institution for contemporary arts. Each exhibition named as a major representation has been taken place for the commemoration and the presentation of friendly diplomatic relations with foreign countries. Some exhibitions announced academic achievements in art history and outcomes of museum and cultural heritage policies. The enhancement policy of the cultural exchange with foreign museums has led to the internationalization of artexhibitions, and the development of the RMN specialized for the planning of international art exhibitions. This policyalso contributes to the art history research development through the academic collaboration with foreign museums. These grand exhibitions that took place at the GNGP have contributed to make the GNGP as a major cultural institution in the centre of capital city, comparable to other main museums of Paris. This works also discusses the introduction of management for running exhibitions at the GNGP. First, this management included the systematic care and presentationof collections, then the funding of exhibitions and even more the reception of visitors. Moreover, during these years, there has arisen a professionalization of jobs related to art exhibition planning and operation. This thesis presents the development of grand art exhibitions organised in the frame of the public administrations, public audiences for fine arts exhibition, and also allows the understanding of the development of the temporary museum exhibitions held in thesecond half of the twentieth century.

La réflexion autour des correspondances entre les arts a traversé bien des milieux dans le Paris de la fin du XIXe. Il s’est tissé ainsi un réseau discursif lié à la synesthésie, dans lequel de multiples courants de pensée se sont retrouvés, certains aux origines lointaines, comme les présupposés occultistes, ainsi que tant d’autres qui se sont progressivement ajoutés au cours du XIXe siècle. C’est par exemple le cas des discours héritiers de la Naturphilosophie, des théories symbolistes dérivées de l’idéalisme, des postulats wagnériens ou encore des découvertes scientifiques et physiologiques liées au phénomène de la synesthésie. À travers l’étude de différents théoriciens attachés à la synesthésie – Wyzewa, Favre, Mauclair – et créateurs – Verlaine et Mallarmé en ce qui concerne la poésie, Chausson et Debussy pour la musique, Redon et Denis pour les arts plastiques – et par le biais d’une approche interdisciplinaire, nous étudions les mécanismes qui ont rendu possible la formulation de ce discours synesthésique, dans lequel on peut décerner des aspects de type esthétique, théorique, idéologique, sociologique et scientifique. / The reflection on the correspondences among the arts made a remarkable impact on the cultural scene of late nineteenth-century Paris. This gave rise to a whole discursive framework linked to synaesthesia around which several lines of thought converged. Some had remote origins, such as the occultist approach; others were gradually incorporated during the nineteenth century, as in the case of the principles derived from the Naturphilosophie, the theoretical symbolist assumptions linked to the idealistic tradition, the inheritance of Wagnerian’s postulates or the scientific and physiological discoveries regarding the phenomenon of synaesthesia. Based on the work of both theoreticians –such as Wyzewa, Favre, Mauclair- and artists -the poets Verlaine and Mallarmé, the musicians Chausson and Debussy and the painters Redon and Denis– linked to synaesthesia, and following an interdisciplinary approach, this Ph.D. research analyses the mechanisms that gave rise to the synaesthesic discourse, taking into account its aesthetical, ideological, sociological and scientific aspects. / La reflexión en torno a las correspondencias entre las artes tiñó los diversos ámbitos del panorama cultural del París de finales del siglo XIX. Ello generó un entramado discursivo ligado a la sinestesia en el que se dieron cita diversas corrientes de pensamiento, algunas con orígenes remotos, como las propuestas ocultistas, y otras que se habían ido incorporando progresivamente a lo largo del siglo XIX, como los discursos herederos de la Naturphilosophie, los supuestos teóricos simbolistas ligados al legado idealista, la herencia de los postulados wagnerianos o los descubrimientos científicos y fisiológicos en relación con el fenómeno de la sinestesia. A través del estudio de diferentes teóricos –Wyzewa, Favre, Mauclair– y creadores –Verlaine y Mallarmé desde la poesía; Chausson y Debussy desde la música; Redon y Denis desde la plástica– ligados a la sinestesia y mediante un enfoque interdisciplinar, se han estudiado los mecanismos que posibilitaron este discurso sinestésico, en los que entran en juego aspectos de tipo estético, teórico, ideológico, sociológico y científico.

[pt] Esta tese constrói uma perspectiva teórica que considera a miniatura como dispositivo de criação em práticas artísticas e literárias, em articulação com o pensamento de Walter Benjamin (1892-1940) e de seu projeto de escrever um comentário sobre o tema da miniaturização (Verkleinerung), a partir do conto de fadas A nova Melusina (Die neue Melusine), de Goethe. Esse desejo de escrita é o ponto de partida deste estudo, que investiga a imagem do escritor judeu-alemão como colecionador, com uma atenção especial por sua coleção de pequenos objetos (miniaturas, velhos brinquedos, globos de neve, livros infantis, selos e cartões postais) e por seu interesse crítico, no contexto do exílio, pela infância, ao redor da qual constelam conceitos (mônada, coleção, técnica) e figuras-chave de seu pensamento (criança, colecionador, trapeiro). Tais conceitos e figuras operam como ferramentas metodológicas da pesquisa, que pensa a miniatura como uma forma estética vinculada à infância e a miniaturização como uma técnica de reprodução. Sob a forma de um caderno de leitura e escrita, a investigação apresenta anotações e comentários sobre a miniatura e a miniaturização como dispositivos de criação no campo da literatura e das artes, elegendo como corpus tanto trabalhos de artistas que compõem séries com miniaturas, quanto ficções literárias que tematizam a miniatura como signo do pequeno. / [en] This thesis explores Walter Benjamin s work and, more specifically, his ideas for a commentary on miniaturization (Verkleinerung) that would be inspired by Goethe s The New Melusine (Die neue Melusine), to elaborate a theoretical perspective that envisions the process of miniaturization and the miniature itself as creative apparatuses for artistic and literary practices. This study also investigates Benjamin as a collector, focusing on his collection of small objects -such as miniatures, old toys, snow globes, children s books, stamps, and postal cards- and his interest on the topic of childhood, which emerged during his time in exile. This later interest would also allow the Jewish-German writer to develop not only the key concepts of monad, collection, and technique, but also the imagery that would become crucial to his work -namely, the child, the collector, and the ragman. This constellation of concepts and imagery will act as a methodological device in this thesis, which understands the miniaturization process as a reproduction technique and the miniature as an aesthetic form that is itself connected to the notion of childhood. By adopting the format of a journal composed of notations and critical comments that position both the miniaturization process and the miniature as creative apparatuses for literature and the arts, this study also investigates not only literary writings that adopt the idea of the miniature as a symbol, but the works of artists that touch on the topic of miniaturization as well. / [fr] Cette thèse propose une perspective théorique qui considère la miniature comme un dispositif de création dans des pratiques artistiques et littéraires, en articulation avec la pensée de Walter Benjamin (1892-1940) et son projet d écrire un commentaire sur le thème de la miniaturisation (Verkleinerung), à partir du conte de fées La nouvelle Mélusine (Die neue Melusine) de Goethe. Ce désir d écriture constitue le point de départ de cette étude, qui explore l image de l écrivain juif-allemand en tant que collectionneur, avec une attention particulière portée à la fois à sa collection de petits objets (miniatures, jouets anciens, boules à neige, livres pour enfants, timbres et cartes postales) et à son intérêt critique, dans le contexte de l exil, pour l enfance, autour de laquelle se retrouvent des concepts (monade, collection, technique) et des figures clés de sa pensée (enfant, collectionneur, chiffonnier). Ces concepts et ces figures procèdent dans la thèse comme des outils de recherche méthodologique, afin de donner à voir la miniature comme une forme esthétique liée à l enfance et la miniaturisation comme une technique de reproduction. Le travail de recherche présente, sous forme d un cahier de lecture et d écriture, des annotations et des commentaires sur la miniature et la miniaturisation comme dispositifs de création dans le domaine de la littérature et des arts, choisissant comme corpus des oeuvres d artistes composant des séries de miniatures que des fictions littéraires qui thématisent la miniature comme signe du petit.

Notre étude veut apporter des précisions historiques sur la scène artistique des années 1990 à partir d’un travail de critique d’art. Nous interrogeant sur la place de ce type d’écriture dans un contexte qui médiatise largement une crise de l’art contemporain dans l’espace public, nous examinons comment la remise en question de la modernité est propice à la création de trois nouvelles revues Documents sur l’art contemporain, Blocnotes et Purple Prose. La recherche nous porte à examiner les structures existantes dans lesquelles évoluent les différents acteurs du monde de l’art qui vont accueillir une nouvelle génération de critiques et d’artistes, - des centres d’art mais aussi de nouvelles galeries d’art symptomatiques d’un héritage culturel de décentralisation. Nous dégageons la spécificité de Blocnotes : le rejet des années 1980 et les repères historiques conceptuels des années 1960-1970, les rapports de l’art et du féminisme, la collaboration centrale des artistes, la réflexion sur l’exposition, l’objet fini, l’in situ et l’installation, le cinéma comme modèle. Loin d’une vision univoque de la décennie, nous redéployons des pratiques artistiques et leurs enjeux en nous plongeant dans les textes des nombreux contributeurs de Blocnotes tout en prolongeant par des entretiens des échanges entre critiques et artistes. / The study we are developing here wants to provide historical precisions about 90's artistic scene from an art critic's point of view. By questioning ourselves about the place of this type of writing in a context which widely mediates a contemporary art crisis in the public space, we would like to analyze how the questioning of modernity will be propitious for the creation of three new periodicals : Documents sur l'art contemporain, Blocnotes and Purple Prose. Our research leads us to study the existing structures that will welcome a new generation of critics and artists in which evolve various protagonists working in the field of art – art centers but also new art galleries symptomatic of a decentralized cultural heritage. We particularly enhance the specificities of Blocnotes : the rejection of the 80's and historico-conceptual markers of 60's and 70's, the relationships between art and feminism, the central collaboration of artists, the reflection about exhibition, finished object, the in situ and the installation, the cinema as a model.Remaining far off an unequivocal vision of the decade, we redeploy artistic practices and their issues by plunging ourselves in the texts of Blocnotes' numerous contributors while extending by interviews and exchanges between critics and artists.

Cette thèse porte sur les représentations de l’Indien présentées dans les Salons parisiens et dans les sections des Beaux-Arts des Expositions universelles françaises. Elle débute avec la première apparition du thème au Salon, en 1781, et s’achève à sa disparition progressive, au commencement de la Première Guerre Mondiale. Le corpus rassemble des œuvres hétérogènes dont l’étude s’articule autour de trois grandes campagnes de représentation marquées par l’histoire des relations entre les Blancs et les Amérindiens. L’iconographie amérindienne dévoile une figure à la fois attractive et répulsive ; à l’esthétique de la disparition du «bon sauvage» répondent des mises en scène dégradantes. Notre étude rend ainsi compte des sources des imaginaires collectifs et des stéréotypes raciaux assignés à la représentation de l’Indien. Mais l’iconographie amérindienne survient également des impressions d’artistes ayant été à la rencontre de leur sujet. Pour ce groupe de quelques Français et Américains, la question de la représentation de l’«Autre» ne se joue pas exclusivement à travers les schèmes esthétiques abordés auparavant. Les déplacements répétés sur le continent nord-américain et l’attention portée à l’art amérindien favorisent un élargissement des horizons artistiques. Cette thèse est enfin l’occasion d’étudier l’image de l’«Autre» dans le cadre compétitif des Expositions universelles, où la figure de l’Indien tergiverse entre recherche de vraisemblance et sujet d’art. Il en ressort la constitution d’un discours visant à encourager la construction d’une identité esthétique nationale américaine au contact de l’art français. / This Ph. D. dissertation investigates images of Native Americans displayed at the Paris Salons and in the Fine Art sections of the Great Exhibitions of 1855, 1868, 1878, 1889 and 1900. My analysis starts with the first outbreak of the theme at the 1781 Salon and ends following its gradual dismissal at the beginning of the First World War. The body of artworks I analyze documents three main campaigns of representation marked by the history of Native Americans and Whites relations. These representations reveal an artistic figure both attractive and repulsive at the same time. The rhetoric of the disappearance of the “Noble Indian” alternates with degrading images of the “Savage Indians”. Our study reveals the origins of collective imagination and racial stereotypes that originate representations of “Indians”. But this iconography is also based on artists’ itinerancies and their migration to the West in order to meet their models. The artistic production of this small group of French and American artists can not be reduced exclusively to the two aesthetic patterns previously discussed. Their travels on the North American territory and their attention to Native American Art encourage new artistic horizons at the Paris venues. This thesis is also an opportunity to study the image of the Native American “Others” displayed in the competitive Fine Art sections of the Great Exhibitions. It brings out a discourse promoting the figure of the “Indian” to build an American art with its own aesthetic in response to French artistic influences.

Les États latins d’Orient ont vu la création d’une société en Terre sainte développant un art syncrétique au carrefour des mondes latin, byzantin et arabe. Outre l’architecture religieuse et militaire, les manuscrits sont également les témoignages d’une culture levantine aux multiples influences. L’étude des œuvres croisées nous a montré une très nette augmentation de la production de manuscrits après le séjour de Louis IX au Proche Orient, ainsi qu’un changement dans la nature même des textes copiés. Les manuscrits liturgiques sont ainsi délaissés au profit de la littérature historique, telle l’Histoire Ancienne jusqu’à César. À partir d’un texte venu de Flandre, les nobles francs de Terre sainte et les enlumineurs à leur service ont recréé un cycle de miniatures pour inscrire leurs images dans la tradition multiculturelle croisée. Des partis-pris artistiques ont ainsi été mis au jour et définis comme des choix conscients visant à personnaliser les copies levantines et les inscrire dans une tradition de près de deux siècles : l’emprunt à différentes traditions artistiques, occidentales et orientales, pour la création des miniatures, la mise en lumière de héros liés à la Terre sainte ou aux Francs, et parfois la figuration de leur environnement oriental. Ces processus de personnalisation des images, replacés dans le contexte de la vie culturelle de Saint Jean d’Acre de la fin du XIIIe siècle, nous amènent à dépasser la constatation de phénomènes d’acculturation à leur milieu oriental pour évoquer, de la part des nobles francs de Terre sainte, une volonté d’affirmer visiblement leur identité sociale collective et leur double culture, entre Orient et Occident. / The Crusader States have created a society in the Holy Land developing a syncretic art at the crossroads of Latin, Byzantine and Arabic worlds. In addition to religious and military architecture, manuscripts are also evidences of a cosmopolitan Levantine culture. The study of Crusader Art has shown that the painting of manuscripts was revived at Acre in the early 1250’s, after Louis XI’s stay in the Middle East. Secular manuscripts written mostly in Old French became popular, as well as new historical literature. The most popular examples were the Histoire d’Outremer by William of Tyre and the Histoire Ancienne jusqu’à César. This illustrated text was first composed in France for Roger de Lille and brought to the Crusader East in the mid-thirteenth century. Frankish aristocracy and crusader illuminators have created a cycle of miniatures in order to integrate their images in the cosmopolitan Crusader Art. Artistic choices have then come to light and been defined as conscious choices to offer works that represent the best of the Frankish culture of Acre and integrate them in an almost two centuries old artistic tradition : the borrowing from Western and Oriental artistic traditions in order to create their miniatures, the revelation of heroes linked to the Holy Land and the Franks, and sometimes the representation of their Oriental environment. This process of personalization and multicultural content, set within the context of the cultural society of Saint Jean d’Acre at the end of the thirteenth century, are the evidences of the remarkable artistic acculturation of Frankish society in the Holy Land, at the crossroads of the West and the Near East.

Avec d’une part les bouleversements de l’ordre mondial après la chute du système bipolaire, avec d’autre part et de manière corrélative l’extension considérable des échanges internationaux, le développement sans précédent des moyens de communications et la mondialisation économique (touchant évidemment aussi le domaine culturel), la fin du XXe siècle a inauguré une nouvelle donne dans les relations culturelles internationales qui revêtent désormais une signification capitale et, jusque-là, inédite. Dans le nouveau contexte mondial les relations culturelles internationales se sont attribué de nouveaux enjeux : elles ont pour objet non seulement la diffusion de la culture nationale en direction de la communauté internationale, mais aussi une impérative, voire vitale résistance aux dangereuses conséquences de la mondialisation, grâce au développement du dialogue interculturel et à l'affirmation des différentes cultures. Sous l'influence de ces nouveaux enjeux, les États du monde ont été obligés de réviser leur conception de la politique culturelle internationale et de perfectionner leur diplomatie culturelle nationale.Cette thèse de doctorat a pour objet la politique culturelle internationale de la France et de la Russie, que l’auteur étudie à travers le prisme des relations culturelles intergouvernementales franco-russes de 1991 à 2004. L’étude du renouveau du système des relations culturelles bilatérales après l’effondrement de l’Union soviétique tend à répondre à trois séries de questions, sur le plan national, mais aussi sur le plan des relations bilatérales et multilatérales (russo-européennes) :• quelle place la politique culturelle internationale a-t-elle prise dans la nouvelle conception nationale de la politique étrangère en France et en Russie ? quels sont les objectifs et les priorités de la France et la Russie concernant les relations culturelles internationales ? et quels sont les instruments dont la France et la Russie se sont dotées pour leur réalisation dans le contexte actuel de la mondialisation ?• quelle place les relations culturelles bilatérales ont-t-elles prise respectivement dans la conception de la politique culturelle internationale des deux pays ? quels sont les objectifs et les moyens de coopération culturelle bilatérale ? quels sont les résultats du renouveau des relations culturelles bilatérales ? et, finalement, comment peut-on caractériser les relations culturelles contemporaines franco-russes ?• quels sont les enjeux des relations culturelles franco-russes en vue de l’évolution de la relation Russie/Union européenne élargie ? et quelles sont les éventuelles perspectives de leur développement ? / On the one hand, together with the global disruptions following the end of the bi-polar political system and on the other hand and in close correlation with the considerable extension of the international exchanges, the unprecedented development of the means of communication and the economic globalization (obviously with regard to the cultural field), the end of the 20th century has launched a new deal in international cultural relations which now take on a major meaning which has remained unprecedented. In this new global context, the international cultural relations have set themselves new goals: they now not only aim at the circulation of the national culture towards the international community but also appear as an urgent even vital resistance to the dangerous impact of globalization, thanks to the development of intercultural dialogue and the affirmation of the different cultures.Under the influence of these new objectives, the world states have been forced to review their conception of international cultural policies and improve their national cultural diplomacy.This thesis mainly deals with the international cultural policies of France and Russia and its author focuses on Franco-Russian intergovernmental cultural relations from 1991 until 2004. The study of the renewal of the bilateral cultural relations after the collapse of the Soviet Union aims at answering three sets of questions, from a national perspective but also on bilateral and multilateral relations (Russo-European that is)• What place have the international cultural policies of France and Russia held in the new national conception of foreign affairs in France and Russia? What are the objectives and priorities of France and Russia as regards to international cultural relations? And what are the instruments used by France and Russia for their achievement in the current global context?• What place have cultural bilateral relations taken respectively in the conception of the international cultural policies of both countries? What are the goals and means used in the cultural bilateral cooperation? What are the results of the renewal of bilateral cultural relations? And finally, how can we characterize the contemporary Franco-Russian cultural relations?• What is at stake in the Franco-Russian cultural relations with a view to the evolution of the relation between Russia and the extended European Union? And what are the potential perspectives in their development?