O presente trabalho analisa a obra completa de Orides Fontela, com um total de cinco livros publicados entre 1969 a 1996, observando os processos de continuidade e ruptura ao longo de seu percurso. Buscou-se compreender como se estabelecem os seus mais notórios procedimentos estéticos, a tensão entre a palavra e o silêncio, a fixação pela luz, a constituição de seu sujeito lírico oculto, a densa presença de elementos da natureza e o trabalho conciso a partir de um peculiar repertório simbólico-metafórico. A análise e a interpretação de tais procedimentos permitiram observar como a poética orideana oscila entre a sensação de potência e impossibilidade. Para tanto, investigou-se a organização das inter-relações figurativas entre os poemas e como o emprego de pares antitéticos e ideias paradoxais contribuem para a riqueza de significação alcançada. A contínua transposição poética, entre a água e o sangue, o voo e o pouso, o céu e o abismo, a vida e a morte, tende a produzir uma camada de sentido subterrânea, que para além da aparente transcendência e extemporaneidade da autora, comunica-se com a historicidade de seu tempo / The present work analyzes the collection of Orides Fontela, which result a total of five published books from 1969 to 1996, observing the processes of continuity and rupture all over this route. We were looking for a understandable search for their most important aesthetic procedures, about the tension between word and silence, the fixation by lucidity, the constitution of its occult lyrical subject, the dense presence of nature elements, and the concise employment from a peculiar repertoire symbolic and metaphorical. The analysis and interpretation of such procedures about this poetic allowed to observe the oscillation between the sense of power and impossibility. To this end, we investigated the figurative organization of interrelationships between poems and how they use the antithetical pairs and the ideas paradoxical that contribute to the richness of meanings reached. The continuous poetic transposition between water and blood, flight and landing, the sky and the abyss, life and death, tends to produce a layer of sense subterranean, that beyond the author´s apparent transcendence and extemporaneity, communicates with the historicity of her time

A tese propõe um percurso interpretativo pelo trabalho do escritor e artista visual Nuno Ramos (1960), abordando suas vertentes literária, plástica e ensaística. Seu foco principal incide sobre os diferentes modos de agenciamento da linguagem, no interior das práticas de escrita do artista e, sobretudo, no que diz respeito à produção de relações entre essa esfera e um campo expandido das artes visuais, que identifica no cerne de movimentos decisivos da poética do artista. Para tanto, articula seu movimento em torno do operador conceitual voz, delineado a partir de aportes provenientes de certas teorias da enunciação e da poesia, da psicanálise principalmente de extração lacaniana e de certa filosofia contemporânea, buscando, ainda, desenvolver algumas de suas consequências éticas, políticas e ontológicas, sempre em diálogo com o problema da subjetivação. As três primeiras partes da tese partem de uma organização básica de teor cronológico, bem como da discussão de trabalhos fundamentais para o recorte proposto, sempre buscando expandir as análises na direção das múltiplas frentes de investigação do artista e de aproximações e distanciamentos estruturais e históricos entre os campos literário e plástico e entre essa poética e seus outros. O corpus de base é composto pelos livros Cujo (1993), Ó (2008) e Sermões (2015) e, no domínio das artes visuais, 111 (1992), Vai, vai (2006) e Ensaio sobre a dádiva (2014/2016). Finalmente, na quarta parte da tese, essas discussões são ampliadas em contato com a sondagem de incursões do artista pelo âmbito do ensaio, sobretudo no que toca ao registro das interpretações do Brasil, e, desdobrando essa linha a partir da atividade do artista como letrista, pelo universo da canção. / The thesis proposes an interpretative trajectory through the work of the writer and visual artist Nuno Ramos (1960), approaching its literary and plastic realms, as well as the artists activity as essay-writer. It focuses, first of all, on the different modes of conception of language, regarding the artists writing practices and, most of all, the production of relations between this domain and an expanded field of the visual arts, identified in the core of a major part of Ramoss poetics. For doing so, its crossed perspective is structured by a notion of voice, grounded upon references from certain theories of utterance and poetry and psychoanalytical concepts, mostly from the Lacanian tradition, attempting to carry some of its ethical, political and ontological consequences, always in regard to the issue of the subject. Parts I, II and III begin with a basic chronological organization, and bring to the fore the analyses of works considered to be essential for the purposes of the thesis, always making an effort to expand these analyses towards the multiple realms of the artists activity, aiming at pointing out structural and historical comparisons between literature and the visual arts, as well as between Ramoss poetics and its others. Its basic corpus is composed by the books Cujo (1993), Ó (2008) and Sermões (2015), and by the visual art works 111 (1992), Vai, vai (2006) and Ensaio sobre a dádiva (2014/2016). In the last part of the thesis, these debates are expanded by means of a reading of some aspects of the artists essaywriting, mostly in regard to the theme of interpretation of Brazil, and attempting to unfold this line, in relation to the artist activity as song-writer, towards the universe of popular song.

O trabalho é uma leitura da obra de João Cabral de Melo Neto, de Pedra do Sono a Andando Sevilha, reavaliando algumas considerações de sua Fortuna Crítica. Promove-se a revisão de alguns estudos definidores da poética cabralina que postularam que sua lógica de composição está atrelada à segmentação de sua poesia em duas vertentes: as \"duas águas\". Considera-se que a maioria destes estudos, realizados durantes os anos 60 e 80, reforçaram alguns pressupostos, tais como o antilirismo de sua poesia, sem confrontar as categorias analíticas ao conjunto dos livros do poeta, escritos após A Educação Pela Pedra. Apresentase, portanto, a análise dos seis livros do poeta de Museu de Tudo a Andando Sevilha que conferem ao todo da poesia de João Cabral uma nova conformação. A partir da análise da tematização do lirismo-amoroso e do feminino e da inscrição do autobiográfico na obra, problematiza-se a divisão da poesia cabralina em duas vertentes e reconsideram-se os desdobramentos dela decorrentes. / This research is the reading about João Cabral de Melo Neto work, from Pedra do Sono (Sleep\'s Stone) to Andando Sevilha (Walking Sevilla) , re-evaluating some considerations from his Critical Fortune. It is promoted a revision of some studies which defined the Cabral\'s poetics and which postulated that his logic of composing is attached to the segmentation of his poetry in two ways: the \"two waters\". It is considered that most of those studies, which were accomplished during the 1960\'s and 1980\'s, reinforce some propositions, such as the antilyricism in his poetry, without confronting the analytical categories to all his books, written after A Educação Pela Pedra (Education by Stone). It is presented, therefore, the analysis about the six books written by the author from Museu de Tudo (Museum of Everything) to Andando Sevilha (Walking Sevilla) which give to João Cabral whole poetry a new configuration. Starting from the analysis about the themes of love-lyricism and feminine and the inscription of auto-biography in his work, it is discussed the problematic of the division of Cabral\'s poetry in two perspectives and the unrollings which are consequences of this division.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Aparecida de Macedo.pdf: 3670400 bytes, checksum: cf9a169c1f89d25926b11fbcbf5da351 (MD5) Previous issue date: 2009-04-28 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This work studies the poetic in Invention of Orfeu, Jorge de Lima, and looks for to trace a intersemiotical relation between parts of the poem and some pictorial productions of the author. Considering the workmanship a symbolic universe, it searchs to unmask the existing paradox around silence and of the words, in a metapoetics analysis, aiming at to the joint between word/silence and silence/painting. It tries to trace the passage of the poetical tradition, since Aristotle until works on the structure of modern lyrics, where Invenção de Orfeu if fits. For this, the workmanship of Hugo Friedrich was basic. In the studied text, the poet, such which Orfeu, god of music and the poetry, is launched in a trip to the search of the self-knowledge and the poetical inspiration. In an attempt to disclose sensible in a workmanship full of stylistic artifices, the presence of silence gained prominence. It was analysed like the area of the meaning, as the Emptiness of Mallarmé or the Nothing of Rimbaud, product of the metric one, of mimesis, metaphor, intertextual dialog among works, intersemiotics and a cosmogonical idea of the poem, as a synthesis of the human being literary trajectory. The ideas of Júlio Plaza had given base for the analysis of some excerpts of the poem in intersemiotical dialogue with screens of the author, evidencing that word, form and silence reverberate multiple meanings. Texts of Maurice Merleau-Ponty and Carlos Drummond de Andrade had also contributed for this dialogue. The result of the research was the briefing of important questions of literary praxis, showing that word and silence are also transforming and integrative forces in art / Este trabalho estuda a poeticidade em Invenção de Orfeu, de Jorge de Lima, e procura traçar uma relação intersemiótica entre partes do poema e algumas produções pictóricas do autor. Considerando a obra um universo simbólico, busca desvendar o paradoxo existente em torno do silêncio e das palavras, numa análise metapoética, visando à articulação entre palavra/silêncio e silêncio/pintura. Tenta traçar o percurso da tradição poética, desde Aristóteles até trabalhos sobre a estrutura da lírica moderna, em que Invenção de Orfeu se enquadra. Para isso, a obra de Hugo Friedrich foi fundamental. No texto estudado, o poeta, tal qual Orfeu, deus da música e da poesia, lança-se em uma viagem à procura do autoconhecimento e da inspiração poética. Numa tentativa de descortinar sentidos em uma obra repleta de artifícios estilísticos, a presença do silêncio ganhou destaque. Ele foi analisado como um vão da significação, como o Vazio de Mallarmé ou o Nada de Rimbaud, produto da métrica, da mimese, da metáfora, da intertextualidade, da intersemiótica e da idéia cosmogônica do poema, como uma síntese das trajetórias humana e literária. As idéias de Júlio Plaza deram base para a análise de vários excertos do poema em diálogo intersemiótico com telas do autor, evidenciando que palavra, forma e silêncio reverberam múltiplos significados. Textos de Maurice Merleau-Ponty e Carlos Drummond de Andrade também contribuíram para esse diálogo. O resultado da pesquisa foi a elucidação de questões importantes da prática literária, mostrando que tanto a palavra como o silêncio são forças ao mesmo tempo transformadoras e integradoras na arte

Este trabalho apresenta um estudo sobre o eu lírico oculto de uma seleção de poemas de Pau- Brasil, de Oswald de Andrade, sobre São Paulo e Minas Gerais. As análises tentam mostrar como a despersonalização e a extrema objetividade dos poemas se inserem em uma discussão acerca da perda do eu na lírica moderna europeia e como essa operação foi apreendida pela estética paubrasil, dentro do contexto de busca de uma identidade nacional encampada pelo Modernismo brasileiro. Ao mesmo tempo, as análises evidenciam a tentativa de elaboração mítica de São Paulo e Minas por meio desse sujeito oculto, que engendra objetivamente as paisagens paulista e mineira dos poemas. Percebe-se que o sujeito se denuncia segundo intensidades variadas de acordo com o grau de dificuldade de formulação do mito e que essa complexidade está relacionada aos momentos históricos das duas regiões: o auge do café e a decadência do ouro. / The present work is a research into the elliptical subject of selected poems regarding São Paulo and Minas Gerais, from the book Pau-Brasil, by Oswald de Andrade. The analysis attempts to demonstrate how the poems absence of subjectiveness and acute objectiveness inserts itself into the debate concerning the impersonality in the modern European poetry. It also studies how this procedure is apprehended by the pau-brasil aesthetic, taking into account Brazilian Modernisms search of a national identity. Simultaneously, the study verifies the absent selfs effort to elaborate São Paulos and Minas landscapes in the poems as myths. The subject reveals itself in a nuanced fashion that varies according to the difficulty that involves the myth creation, and the referred complexity refers to the historic moments of both regions in the 1920s: the increasing in the coffee exportation and the decadence of the gold mining.

Esta tese faz uma análise comparativa entre parte da obra de João Cabral de Melo Neto e João José Craveirinha levando em consideração aspectos como a recorrência da morte, da desumanização, dos discursos irônicos e, por fim, a defesa de territórios - para efeitos deste estudo, também chamada de resistência. São analisados os livros de João Cabral de Melo Neto: Dois parlamentos, Auto do Frade e um trecho do poema Morte e vida severina. Quanto à obra de José Craverinha, analisa-se Babalaze das hienas, Cela 1 e trechos da Ode a uma carga perdida em um barco incendiado chamado Save, do livro Xigubo. / This doctoral thesis makes a comparative analysis between part of the work of João Cabral de Melo Neto and João José Craveirinha taking into account aspects such as the recurrence of death, dehumanization, ironic discourses and, finally, the defense of territories - for the purposes of this study , Also called resistance. The books of João Cabral de Melo Neto are analyzed: Dois parlamentos, Auto do Frade and an excerpt from the poem \"Morte e vida severina\". As for the work of José Craverinha, Babalaze das hienas is analyzed, Cela 1 and excerpts from the Ode a uma carga perdida em um barco incendiado chamado Save, from the book Xigubo.

A saudade é um significante que condensa camadas semânticas que se aproximam dos sentidos da melancolia e da nostalgia, diferenciando-se por constituir a percepção humana da fugacidade do tempo e suas aspirações pela eternidade. Tais dimensões associam-se, mais frequentemente, à falta e ao desejo de presentificação das imagens da infância, dos amigos queridos, do (a) amado (a) ausente e do lugar de origem distante. Presente na lírica portuguesa desde os registros dos cantares medievais trovadorescos, a saudade associou-se a todos os movimentos estéticos literários, apresentando-se também como um tema prevalente na lírica brasileira, de forma incipiente no período colonial e intensificando-se a partir do movimento romântico. O presente trabalho optou pelo recorte axial da saudade do lugar de origem com o intuito de indagar as semelhanças e dessemelhanças entre seus sentidos nas matrizes portuguesas e na lírica brasileira. Para tanto, fez-se inicialmente um levantamento das origens da palavra, assim como alguns apontamentos sobre possíveis ancoragens psicológicas. Em outra seção, uma compilação do tema diacronicamente organizada a partir da lírica de poetas portugueses, a qual aponta a prevalência de sujeitos poéticos coletivos que têm saudades de uma pátria grandiosa, pathos que se sustentaria em relatos míticos e registros históricos. A partir da visada modernista, buscam-se os sentidos da saudade do lugar de origem em sua dicção brasileira, elegendo para análise os textos poéticos de três poetas representativos do período: Manuel Bandeira (Evocação do Recife, Recife e Vou-me embora pra Pasárgada), Vinicius de Moraes (Ilha do Governador, Saudades do Brasil em Portugal e Pátria Minha) e Torquato Neto (Tristeresina, A Rua e Três da Madrugada). Nesses textos, observaram-se aproximações e afastamentos da semântica portuguesa. Estes distanciamentos caracterizaram-se, principalmente, pelos acentos lúdicos, pela ênfase na intimidade dos sujeitos poéticos e pela predominância de uma sintaxe coloquial. À guisa de conclusão, destacou-se a importância desse tema para a lírica: a saudade constitui um índice que aponta para a procura do sujeito por si mesmo, de forma que ao escrever sobre lugares de origem queridos, o poeta afirma sujeitos poéticos no intuito de presentificá-los. / Longing is a signifier that condenses semantic layers which come close to the meanings of melancholy and nostalgia, but distinguishes itself (from them) by constituting the human perception of time fugacity and their aspirations for eternity. Such dimensions relate most of the time to the lack of and the wish to turn present childhood images, the memory of dear friends, of the loved ones and of the distant place of origin. Present in the Portuguese lyric poem since the records of medieval troubadours chants, longing was associated with all aesthetic literary movements, becoming a prevailing topic of the Brazilian lyric poem, firstly in an incipient way during the Colonial Period, and then more intensely from the Romantic Movement on. The following work has opted for the perspective of the longing for the place of origin, aiming to distinguish the similarities and dissimilarities of its meanings between the Portuguese matrices and the Brazilian lyric poem. In order to do so, at first a survey was done to identify the etymologies of the word, as well as remarks about possible psychological backgrounds. Next, it was made a diachronic compilation of the topic, starting with the lyric of Portuguese poets, which indicates the predominance of collective poetic subjects who long for a grandiose homeland, a pathos based upon mythical narrative and historical records. By means of a modernist perspective, the meanings of the longing for the place of origin were sought within a Brazilian utterance, in which the works of three distinctive poets of that period were chosen: Evocação do Recife, Recife and Vou-me embora pra Pasárgada, by Manuel Bandeira; Ilha do Governador, Saudades do Brasil em Portugal and Pátria Minha, by Vinicius de Moraes; and Tristeresina, A Rua and Três da Madrugada, by Torquato Neto. In these works, it will be observed to what extent the meaning of longing is close to or distant from the Portuguese semant ics. Whenever they prove to be distant from the Portuguese matrix, they are recognizable by their ludic accents, by the emphasis on the intimacy of the poetic subjects and by the predominance of a colloquial syntax. By way of conclusion, it has been highlighted the relevance of this topic for the lyric poem: longing constitutes an index that points out to the search of the subject for themselves, so that by writing about beloved places of origin, the poet establishes poetic subjects in order to make them present.

Esta dissertação procura interpretar a obra dos poetas contemporâneos brasileiros Roberto Piva e Claudio Willer tendo em vista a tradição que invocam em suas produções, a qual aponta para as matrizes teóricas do romantismo e se desenvolve na modernidade sendo radicalizada pelas vanguardas históricas, pelo surrealismo e pela geração beat. O texto se foca na relação entre poesia e práxis vital no intuito de ressaltar como os poetas aqui estudados elaboram uma poética ao mesmo tempo em que negam tal intento. / This dissertation seeks to interpret the work of the contemporary Brazilian poets Roberto Piva and Claudio Willer in view of the tradition that they invoke in their productions, which points to the theoretical frameworks of romanticism and it is developed throughout modernity being radicalized by historical avant-gardes, surrealism and beat generation. The text focuses on the relation between poetry and vital praxis to highlight how the poets studied here develop a poetic while at the same time deny such intent.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-07-18T12:04:53Z No. of bitstreams: 1 Gabriela Ribeiro Martins Neta.pdf: 19016907 bytes, checksum: 060d9d51d8698510d4b9400b2074550b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-18T12:04:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriela Ribeiro Martins Neta.pdf: 19016907 bytes, checksum: 060d9d51d8698510d4b9400b2074550b (MD5) Previous issue date: 2017-06-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study aims an analysis of the work of Ricardo Chacal considering the relationship between the poetic form and the representation of the city, established in the author’s poetry. This selection was imposed from the reading of Chacal’s complete poetry, a long-living work. One evidenced that the city and the relations with the urban space appear as a possible outliner of his search for an artistic expression. From this perception the hypothesis arose that the several faces of the city makes a promising interpretive entrance of his poetry, forming a trail of understanding of a work that begins in the decade of 1970 and continues until the current days. How that dialogue with the metropolis is built and in what measure it determines the linguistic materiality of the poetry of Chacal were the questions that propelled this study. The corpus of the research is composed of twelve poems: “Hóspede do planeta ” (1972), “Jazidas de titânio em Mato Grosso” (1975), “Na jaula do aparelho” (1983), “A coisa e o nome” (2002), “À rua” (2002), “Cidade” (2002), “Mameluco” (2002), “Ruas” (2002), “CEP 20.000” (2002), “SPO3MA” (2007), “New York” (2007) e “Edificações” (2012). To develop this work, we based ourselves on texts of Viktor Chklovski, Octavio Paz and Viviana Bosi about the poetics; Fernanda Medeiros concerning the Chacal’s critical fortune end poetics; and Renato Cordeiro Gomes about literature and city. This dissertation is divided into three chapters: the first one focuses on the relationship between poetry and city; the second brings artistic references that make up the aesthetic project of the poet; and the third is intended to analyze the corpus / Este estudo propõe uma análise da obra de Ricardo Chacal em torno da correspondência entre a forma poética e a representação da cidade, presente na poesia do autor. Tal recorte impôs-se a partir da leitura das poesias completas, obra intensa e longeva. Constatou-se que a cidade e as relações com o espaço urbano surgem como um possível delineador de sua busca por uma expressão artística. A partir dessa percepção, levantou-se a hipótese de que as várias faces da cidade constituem uma promissora entrada interpretativa de sua poesia, formando uma trilha de entendimento de uma obra que se inicia na década de 1970 e continua até os dias atuais. Como esse diálogo com a metrópole é construído e em que medida ele determina a materialidade poética da poesia de Chacal foram as questões que impulsionaram este estudo. O corpus da pesquisa está composto por doze poemas: “Hóspede do planeta ” (1972), “Jazidas de titânio em Mato Grosso” (1975), “Na jaula do aparelho” (1983), “A coisa e o nome” (2002), “À rua” (2002), “Cidade” (2002), “Mameluco” (2002), “Ruas” (2002), “CEP 20.000” (2002), “SPO3MA” (2007), “New York” (2007) e “Edificações” (2012). Para desenvolver este trabalho, nos apoiamos principalmente, mas não apenas, em textos de Viktor Chklowski, Octavio Paz e Viviana Bosi para discutir a poética; Fernanda Medeiros, no que diz respeito à fortuna crítica e à poética de Chacal; e Renato Cordeiro Gomes sobre literatura e cidade. A dissertação está dividida em três capítulos: o primeiro foca a relação entre poesia e cidade; o segundo traz referências artísticas que compõem o projeto estético do poeta; o terceiro é destinado à análise do corpus

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-08-30T12:56:15Z No. of bitstreams: 1 Isauber Maria Vieira Pinto.pdf: 664362 bytes, checksum: 9149470a1a76ff6dd71a86d6a757c79a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-30T12:56:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Isauber Maria Vieira Pinto.pdf: 664362 bytes, checksum: 9149470a1a76ff6dd71a86d6a757c79a (MD5) Previous issue date: 2017-08-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The present study aims to analyze the writing of Solano Trindade, highlighting how his poems point to the movements of black resistance, which is also evident in terms of poetic construction. As an intellectual and artist of the first half of the twentieth century, but still unknown in academic studies, Solano Trindade has a production that reconfigures the trajectory and memory of Afro-Brazilians, interfering in the ways of thinking of society and intervening in systems of production, especially in Brazilian cultural standards. Centered on his production, this research selects the poems "Sou Negro", "Conversa", "Quem tá gemendo?", "Negros", "Zumbi" and "Velho atabaque", which are part of the work O poeta do povo published in São Paulo by Ediouro and Editora Segmento, in 2008. This selection privileges in the poems the representation of the black identity, the poetic persona, the resistance and the desire for political and social change. It is considered the hypothesis that Solano Trindade's aesthetic is evidenced by the description of a "poetic persona" that identifies with the other, through the unveiling of black identity, and the aesthetic resistance. His poetry points to the importance of the interrelationship between black literature and African myth, singing, capoeira, maracatu and gestural memory, revealing the syncretism between poetry and popular culture. The research is structured in three chapters. In the first one, "Identity in the contemporary world, black literature: identity, memory and negritude", we present concepts such as identity, black literature and resistance, which are central to Solano Trindade's poetry approach. In this chapter, we focus mainly on the studies of Zilá Bend, Munaga and Jorge de Lima. In the second chapter – "A Poetry of Resistance" – we will approach the life and work of Solano Trindade, presenting not only his biographical data, but the aspects that directly interfered in the elaboration of his poetry. In the third one, "The strength of Afro-Brazilian poetry and the construction of identity", we present the analysis of Solano Trindade's poems, evidencing the interrelationship between the political-social and poetic aspects that permeate his poetry, marked by resistance and for the defense of black identity / O presente estudo objetiva analisar a escrita de Solano Trindade, destacando como seus poemas apontam para os movimentos de resistência negra, o que também se evidencia em termos de construção poética. Intelectual e artista da primeira metade do século XX, mas ainda pouco conhecido no âmbito dos estudos acadêmicos, Solano Trindade possui uma produção que reconfigurou a trajetória e a memória dos afro-brasileiros, e interferiu nas formas de pensar da sociedade e intervir nos sistemas de produção de valores, notadamente nos padrões culturais brasileiros. Centrada em sua produção, esta pesquisa elege como principais objetos de investigação os poemas “Sou Negro”, “Conversa”, “Quem tá gemendo?”, “Negros”, “Zumbi” e “Velho atabaque”, os quais fazem parte da obra O poeta do povo, publicada em São Paulo pela Ediouro e Editora Segmento, em 2008. Esse recorte privilegia, nos poemas, a representação da identidade negra, o eu lírico, a resistência e o desejo de mudança político-social. Partimos da hipótese de que se evidencia, na estética de Solano Trindade, a descrição de um “eu lírico” que se identifica com o outro, por meio do desvelamento da identidade negra, sob o viés estético de resistência. Sua poesia aponta para a importância da inter-relação da literatura negra com o mito africano, o canto, a capoeira, o maracatu e a memória gestual, revelando o sincretismo entre a poesia e a cultura popular. A pesquisa está estruturada em três capítulos. No primeiro, “A identidade na contemporaneidade, a literatura negra: identidade, memória e negritude”, apresentamos conceitos, como os de identidade, literatura negra e resistência, os quais se revelam centrais para a abordagem da poesia de Solano Trindade. Recorremos, nesse capítulo, principalmente, aos estudos de Zilá Bernd, Munaga e Jorge de Lima. No segundo capítulo – “Uma Poesia de Resistência” –, abordaremos a vida e a obra de Solano Trindade, apresentando não apenas seus dados biográficos, mas os aspectos que interferiram diretamente na elaboração de sua poesia. No terceiro – “A força da poesia afro-brasileira e a construção da identidade” –, apresentamos a análise dos poemas de Solano Trindade, privilegiando a inter-relação entre os aspectos político-sociais e poéticos que permeiam sua poesia, marcada pela resistência e pela defesa da identidade negra