[pt] Se a tensão entre o fazer artístico e a lógica do mercado assombrou a arte em geral, desde o surgimento da cultura de massa no século XIX, ela esteve presente no cinema já no seu nascimento: para além de sua dimensão de obra de arte, a invenção do espetáculo da projeção fez do filme um bem de consumo coletivo, impondo-lhe métodos de produção industriais e finalidades comerciais. Na contemporaneidade, o declínio das grandes utopias e a expansão do papel do mercado como grande mediador cultural tem, cada vez mais, colocado em xeque o paradigma estético da modernidade, incluindo seu ideal de autonomia. Distanciada das posturas radicais que, outrora, advogavam o confrontamento com o massivo, a arte contemporânea desenvolve sutis formas de resistência que negociam a possibilidade de expressão com sua inevitável condição de mercadoria. Nosso objetivo, nesta dissertação, foi analisar como a tensão entre um ideal de liberdade artística e o filme como produto comercializável se manifesta no cinema contemporâneo. Para isso, buscamos selecionar, como objeto de estudo, filmes que nos permitissem destacar estratégias de negociação entre criação artística e instâncias da produção. A escolha recaiu sobre Quero Ser John Malkovich (1999), Adaptação (2002), A Natureza Quase Humana (2002) e Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (2004). Os dois primeiros foram dirigidos por Spike Jonze, os dois últimos por Michel Gondry e todos tiveram Charles Kaufman como roteirista. / [en] If the tension between artistic work and the market`s logic hunted art in general, since the beginning of mass culture in mid nineteen century, it became present in films since its birth: beyond the dimension of work of art, with the invention of the spectacle of projection, films became a largely consumed product which imposed industry production methods and commercial goals. In contemporary days, the decay of utopia and the expansion of the market`s hole as a cultural mediator have put the modern esthetic paradigm in question, including its ideal of autonomy. Far from the radical postures that used to proclaim the confrontation with the massive, contemporary art develops ways of resistance that negotiate the possibility of expression with its undeniable condition of merchandise. Our goal, in this research, is to analyze how the tension between the ideal of artistic freedom and the film as a product happens in contemporary cinema. Therefore, we sought to select, as our object of study, films that allow us to perceive negotiation strategies between artistic creation and production methods. We chose Being John Malkovich (1999), Adaptation (2002), Human Nature (2001) and Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004). The first two had been directed by Spike Jonze, the last two had been directed by Michel Gondry and all of them had been written by Charlie Kaufman.

Este trabalho pretende compreender como os conceitos de Intermídia (HIGGINS, 1966) e Tradução Intersemiótica (PLAZA, 1987) têm interferido e modificado os processos de criação no cinema contemporâneo, principalmente o cinema experimental. Valendo-se da semiótica peirciana, busca-se compreender como cada uma das funções da linguagem atua na linguagem cinematográfica e permite chegar a diferentes arranjos ao colocar em jogo uma extensa rede de linguagens e mídias fundadas, sobretudo, na transformação como qualidade. Levando em consideração a mudança dos paradigmas em relação aos processos criativos das imagens em movimento ao longo do século XX, e, principalmente, a partir dos anos 1960, buscou-se refletir como estas mudanças possibilitaram o surgimento de um estado da arte mais fluido e participativo, e que aponta para a necessidade de se fazer uma revisão da noção de autor. As obras de Alain Resnais (1922-) e Peter Greenaway (1942-) foram somadas à pesquisa a fim de permitir compreender e identificar, dentro de seus respectivos processos criativos, as questões que tocam a produção artística fundada no pensamento inter-artes e nas poéticas da transformação. / This paper aims at understanding how the Intermedia (HIGGINS, 1966) and Intersemiotic Translation (PLAZA, 1987) concepts have interfered and modified the creation processes in the contemporaneous cinema, mainly the experimental one. Using Peirce\'s semiotic, we pursue to understand how each of the functions of language works in cinematographic language and allow us to come to different arrangements, putting in evidence an extensive language and media net that are mostly grounded in transformation as a definition of quality. Having in mind the paradigm shift in relation to the creative processes of images in motion during the XX century and mainly from the 1960s on, we consider how these changes made it possible the emerging of a state-of-the-art more participative that made necessary a review on the author\'s participation. Alain Resnais (1922-) and Peter Greenaway\'s (1942-) works were added to this research to allow us to understand as well as identify the issues that are related to the artistic production in inter-arts and the transformation of poetries.

Estudo, no plano das poéticas visuais (multimeios), sobre um ser em devir quando perde uma de suas potências constitutivas. A partir da apropriação de uma película cinematográfica de 35 mm, de origem desconhecida, comprada pela internet, foram realizados 6 experimentos poéticos em composição contínua. Esta experiência foi operada em diferentes meios expressivos e problematiza o estatuto da imagem na passagem de um meio a outro - imagem cinematográfica, fotograma, fotografia, vídeo, gravura, imagem instalada no espaço e jogo de mesa. / This research in the area of visual poetics (multimedia) studies the becoming of a being losing one of his/its constituent potencies. Starting with the appropriation of a 35 mm strip of cinematographic film, from an unknown source, bought through the Internet, six poetic experiments were realized in a continuous composition. This experiment was carried out through different expressive mediums and questions the status of image during the passage from one medium to another: cinematographic image, frame, photography, video, print, installation art, board game.

Cette thèse s’efforce de penser le remploi d’archives comme un acte de création qui signale une possibilité fondamentale du medium filmique, à même d’exercer un retour à sa propre matérialité. Pour ce faire, elle s’appuie sur l’analyse de trois films contemporains - X+ (2010) de Marylène Negro, The Uprising (2012) de Peter Snowdon et Pays barbare (2013) de Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi. L’hypothèse que cette recherche entend vérifier est qu’il n’y a de cinéma que de seconde main. A partir d’une lecture des thèses de Benjamin sur le langage et la traduction, la reprise et la répétition au principe de toute expression filmique sont étudiées comme les conditions requises pour que puissent émerger des formes radicalement neuves. Les propositions filmiques analysées, en travaillant des formes fragmentaires ou en explorant la dimension polyrythmique du remploi d’images, invitent à envisager l’écran et au-delà l’archive elle-même comme des opérateurs de l’événement. Reposant sur une dimension dialogique et relationnelle de l’image filmique, le montage d’archive est indissociablement poétique et politique. Les formes qu’en proposent les artistes étudiés invitent à considérer d’un même tenant pratique filmique, archéologie des techniques et histoire des peuples. Le remploi d’archives opère un acte duel : manifester ce que le monde a été et dire dans le même temps ce qu’il peut devenir. Le montage d’archives se comprend alors comme un geste exécuté au présent, pour le présent, à travers lequel pointe l’image d’un monde ouvert. / Based on the analysis of three contemporary films (X+ by Marylène Negro, Pays barbare by Yervant Gianikian and Angela Ricci Lucchi, The Uprising by Peter Snowdon), this PhD aims to reconsider the found footage practice as a creative act that points to a fundamental potential of cinematographic media to perform a feedback on its own materiality. This PhD states as an initial hypothesis that all cinema is a second hand cinema. Using as a starting point Walter Benjamin’s works on language and translation, the reemployment and the repetition as principle of every filmic expression are considered as essential conditions for the rise of radically new forms. The topic follows three main lines : forms, rhythm and events. Theses issues are tackled in order to highlight that the cinematographic works analysed in this PhD – combining fragmentary forms or exploring the polyrhythmic dimension of found footage - allow to consider the screen and further more, the archive itself, as agents of the event. Based on the dialogic and relational dimension of moving image, the archive editing is inextricably poetic and political. Hence cinematographic practice, archaeology of techniques and political history are considered as fundamental materials by the filmmakers studied in this PhD. The reemployment as used by these artists operate a dual act : show the world as it has been and in the mean time say what this world could become. The archive editing can thus be understood as a gesture performed in the present time, for the present, a gesture that reveals the image of a world full of possibilities.

Submitted by Mariana Dornelles Vargas (marianadv) on 2015-03-20T17:45:17Z No. of bitstreams: 1 acontecimentos_cinema.pdf: 11549078 bytes, checksum: 72a6c9850f3a619ad1069417c3e54fec (MD5) / Made available in DSpace on 2015-03-20T17:45:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 acontecimentos_cinema.pdf: 11549078 bytes, checksum: 72a6c9850f3a619ad1069417c3e54fec (MD5) Previous issue date: 2011-03-21 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa tem como premissa que todos os objetos engendrados em meios audiovisuais são construções; criações de uma mente que os imagina e os faz nascer a partir de um conjunto de procedimentos técnicos. Em nossa perspectiva teórico-metodológica, chamamos esses objetos de ethicidades audiovisuais. O Cinema nacional, em seu amplo território de significações, oferta uma multiplicidade de sentidos identitários, que comparecem para formar a moldura?ethicidade Cinema Brasileiro. Ao trazer filmes do cinema nacional para o campo das análises, busquei demonstrar como foram agenciados certos sentidos a partir das molduras e molduracões praticadas pelos diretores. O corpus da pesquisa é constituído por três obras contemporâneas: Amarelo Manga (Cláudio Assis/2003), Carandiru (Hector Babenco/2003), e Última Parada 174 (Bruno Barreto/2008). Estes filmes, para além de classificações, introduzem sentidos no mundo, comunicam pensamentos inseparáveis da ambiência em que são produzidos, e alimentam o imaginário através da realidade conceituada. Assumo a perspectiva de pensar estes sentidos como o próprio acontecimento cinematográfico. / It is assumed in this research the principal that all objects situated within the audiovisual are manufactured; they are imaginary creations in which are formed from an aggregation of technical procedures. These objects are called, in this research, of audiovisual ethicities. Considering its vast territory, the national cinema presents a variety of identities, which are merged to form the Brazilian Cinema. While analyzing the national cinema, I hoped to demonstrate how certain senses were framed from practices executed by the directors. The research's empirical object is constituted of three contemporary pieces: Amarelo Manga (Cláudio Assis/2003), Carandiru (Hector Babenco/2003), and Última Parada 174 (Bruno Barreto/2008). These films, independently of classifications, introduce senses to the world, are able to communicate indivisible thoughts about the ambience in which they were produced, and nourish the imaginary through its conceptual reality. I recognize such senses as the cinematographic events.

Submitted by JOSIANE SANTOS DE OLIVEIRA (josianeso) on 2018-05-07T13:11:48Z No. of bitstreams: 1 Vanessa Ramos Furtado da Silva_.pdf: 9773216 bytes, checksum: 81c29054fccdaaf668635fbbc2f034e3 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-05-07T13:11:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vanessa Ramos Furtado da Silva_.pdf: 9773216 bytes, checksum: 81c29054fccdaaf668635fbbc2f034e3 (MD5) Previous issue date: 2018-03-20 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este estudo tem por objetivo analisar a construção da narrativa seriada Hannibal, que traz a história do personagem já conhecido da literatura e do cinema ainda em ação – antes de ser preso. Partimos de conceitos tanto relacionados à construção de narrativa quanto à construção cinematográfica para entendermos a complexidade processual como um todo. Para tal, fomos passando por aspectos que vão desde o processo criativo com Brett Martin, questões narrativas com Mittell e de gêneros com Carroll, Wood e Todorov. Compreendendo, também, a forma do crime trocado utilizado por Hitchcock a partir de Chabrol e Rhomer e Truffaut, da qual a série se apropria, bem como pela forma sinestésica do cinema com Eisenstein, Deleuze e Aumont, até o estilo utilizado no período do expressionismo alemão, com Lotte Eisner e Kracauer, que deixou alguma herança nesse objeto. Somente após todo esse aporte pudemos dissecar e desmembrar Hannibal, identificando como se compuseram seus arcos e cenários, como funcionaram suas inspirações e propósitos. Para isso, dividimos a análise em três vias de dissecação: dos crimes aleatórios e suas construções estéticas visuais e cinematográficas; da narrativa e a análise dos arcos que culminam em um crime trocado; e a via da análise do Hannibal design, em que analisamos como a série constrói sua metodologia assassina durante os episódios, de forma desconexa e cuidadosa. Desse modo, fazendo uma analogia à própria série e sua temática investigativa, nós seguimos as evidências e pontas soltas da forma com que a obra se apresenta, de modo a descobrir quais foram os seus passos – esse é o nosso método. / This study aims to analyze the construction of the serial narrative Hannibal, which brings the story of the already known character of literature and movie still in action - before being arrested. We start from concepts related to narrative construction and to the cinematographic construction in order to understand procedural complexity as a whole. For that, we have gone through aspects ranging from the creative process with Brett Martin, narrative issues with Mittell and genres with Carroll, Wood and Todorov. Understanding also the form of the exchanged crime used by Hitchcock from Chabrol and Rhomer and Truffaut from which the series appropriates, as well as by the synesthetic form of cinema with Eisenstein, Deleuze and Aumont, to the style used in the period of German expressionism with Lotte Eisner and Kracauer that left some inheritance in this object. Only after all this contribution we were able to dissect and dismember Hannibal, identifying how his arcs and scenarios were composed, how his inspirations and purposes worked. For this, we divided the analysis into three dissecting avenues: random crimes and their aesthetic visual and cinematographic constructions; of the narrative and the analysis of the arcs that culminate in a changed crime; and the life of the analysis of Hannibal design, in which we analyze how the series constructs its killer methodology during the series, in a disconnected and careful way. In this way, by analogy with the series itself and its investigative theme, we follow the evidence and loose ends of the visceral way in which the series presents itself in order to discover its steps - this is our design.

Estudo, no plano das poéticas visuais (multimeios), sobre um ser em devir quando perde uma de suas potências constitutivas. A partir da apropriação de uma película cinematográfica de 35 mm, de origem desconhecida, comprada pela internet, foram realizados 6 experimentos poéticos em composição contínua. Esta experiência foi operada em diferentes meios expressivos e problematiza o estatuto da imagem na passagem de um meio a outro - imagem cinematográfica, fotograma, fotografia, vídeo, gravura, imagem instalada no espaço e jogo de mesa. / This research in the area of visual poetics (multimedia) studies the becoming of a being losing one of his/its constituent potencies. Starting with the appropriation of a 35 mm strip of cinematographic film, from an unknown source, bought through the Internet, six poetic experiments were realized in a continuous composition. This experiment was carried out through different expressive mediums and questions the status of image during the passage from one medium to another: cinematographic image, frame, photography, video, print, installation art, board game.

Este trabalho pretende compreender como os conceitos de Intermídia (HIGGINS, 1966) e Tradução Intersemiótica (PLAZA, 1987) têm interferido e modificado os processos de criação no cinema contemporâneo, principalmente o cinema experimental. Valendo-se da semiótica peirciana, busca-se compreender como cada uma das funções da linguagem atua na linguagem cinematográfica e permite chegar a diferentes arranjos ao colocar em jogo uma extensa rede de linguagens e mídias fundadas, sobretudo, na transformação como qualidade. Levando em consideração a mudança dos paradigmas em relação aos processos criativos das imagens em movimento ao longo do século XX, e, principalmente, a partir dos anos 1960, buscou-se refletir como estas mudanças possibilitaram o surgimento de um estado da arte mais fluido e participativo, e que aponta para a necessidade de se fazer uma revisão da noção de autor. As obras de Alain Resnais (1922-) e Peter Greenaway (1942-) foram somadas à pesquisa a fim de permitir compreender e identificar, dentro de seus respectivos processos criativos, as questões que tocam a produção artística fundada no pensamento inter-artes e nas poéticas da transformação. / This paper aims at understanding how the Intermedia (HIGGINS, 1966) and Intersemiotic Translation (PLAZA, 1987) concepts have interfered and modified the creation processes in the contemporaneous cinema, mainly the experimental one. Using Peirce\'s semiotic, we pursue to understand how each of the functions of language works in cinematographic language and allow us to come to different arrangements, putting in evidence an extensive language and media net that are mostly grounded in transformation as a definition of quality. Having in mind the paradigm shift in relation to the creative processes of images in motion during the XX century and mainly from the 1960s on, we consider how these changes made it possible the emerging of a state-of-the-art more participative that made necessary a review on the author\'s participation. Alain Resnais (1922-) and Peter Greenaway\'s (1942-) works were added to this research to allow us to understand as well as identify the issues that are related to the artistic production in inter-arts and the transformation of poetries.

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Omar Khoury / Banca: Simonetta Persichetti / Resumo: Com esta pesquisa a minha intenção foi a de realizar uma investigação do filme/documentário russo Anna dos 6 aos 18 e como ele expõe os momentos históricos do fim dos anos 1980 e começo dos 1990, com a queda da União Soviética e o surgimento da Perestroika. Tentei aqui apresentar uma análise de como esta obra, enquanto objeto de arte e documento histórico, se relaciona com as transformações e o discurso oficial do final da URSS. Foram analisadas as diferentes formas de articulação entre os elementos verbais e sonoros, mas com foco nos elementos estético-visuais (signos, ícones, sinais, movimentos de câmera, composições cênicas) e principalmente a montagem. O trabalho aqui aprestado é um estudo sobre o papel da montagem, do filme documentário enquanto documento histórico e do papel do diretor enquanto ―escultor do tempo‖. Para a realização deste trabalho foram realizadas entrevistas com profissionais desta área, bem como pesquisa e observação de diferentes obras cinematográficas e de artes plásticas que abordam a montagem. Também realizo a minha análise sobre algumas imagens escolhidas pelo diretor Nikita Mikhalkov que contam uma visão sobre este período da história russa vivenciada por ele juntamente com o crescimento de sua filha Anna, a heroína do filme objeto do nosso estudo / Abstract: With this research the intention was to investigate the russian documentary film called Anna from 6 to 18 and how he exposes historic moments in the late 1980s and beggining of 1990s among the Soviet Union fall and the emergence of Perestroyka. We try to present how this work, as art object and historic document, relates itself with the changes and the official version about the end of URSS. We analyzed the different forms of articulation between the verbal elements and sound, but with a focus on aesthetic and visual elements (signs, icons, signs, camera movements, scenic compositions) and especially the assembly. The study presented here is a study on the role of the assembly, the documentary film as a historical document and the role of director as "sculptor of the time." For this study, interviews were conducted with experts in this area as well as research and observation of different films and visual arts that address the assembly. Also realize my analysis on some images chosen by director Nikita Mikhalkov who have a vision about this period of Russian history experienced by him along with the growth of his daughter Anna, the heroine of the film object of our study / Mestre

Le présent mémoire se penche sur trois questions liées à la distribution d'oeuvres cinématographiques par Internet au Canada. Ces questions sont le reflet des principales préoccupations d'une industrie en pleine expansion et sont abordées sous un aspect pratique. La première question concerne l'applicabilité de la loi canadienne sur le droit d'auteur. L'aspect mondial du réseau Internet soulève en effet d'importantes questions de droit international privé. Il s'agit donc de connaître, à travers l'analyse de différentes hypothèses, les circonstances d'application et la portée de la loi canadienne. La deuxième question s'intéresse à la portée de la protection offerte. Les différents droits dévolus aux auteurs en vertu de la loi sont effectivement issus d'un environnement technique différent de celui proposé par Internet. Il s'agit donc d'analyser l'application de ces différents droits à la distribution d'oeuvres par Internet. Enfin, la troisième question se penche sur l'identité du titulaire des droits d'auteur sur une oeuvre cinématographique. La loi n'apporte en effet aucune réponse définitive à cette question et le processus de création particulier à la production d'une oeuvre cinématographique rend d'autant plus complexe la détermination du titulaire. Encore une fois, le présent mémoire tente de répondre à la question de la titularité par l'analyse successive de différentes hypothèses. / This work addresses three questions related to the distribution of cinematographic works by Internet in Canada. Those questions reflects the fundamental concerns of a budding industry and are examined under a practical angle. The first question deals with the applicability of the Canadian law regarding copyright. Indeed, the global aspect of Internet raises important issues related to international private law. We examine different scenarios in order to determine the scope and the circumstances under which the Canadian law applies. The second question examines the scope of the protection provided for under the Canadian law. The different rights provided to authors under the Canadian law were adopted before the Internet era and it is important to verify the applicability of those rights to the specifie technical environment of Internet. Finally, the third question addresses the issue of the ownership of a copyright related to a cinematographic work. The Canadian law doe not provide for an express answer to that question. Moreover, it is complicated by the specifie creation process leading to the production of a cinematographic work. This work undertakes to answer the question by examining different scenarios. / "Mémoire présenté à la Faculté des études supérieures en vue de l'obtention du grade de maîtrise en droit des technologies de l'information"