Cette thèse porte sur l’émergence d’une industrie musicale à Miami, spécialisée dans la production, la promotion et la distribution de la musique dite latino. Elle montre comment la ville floridienne s’est progressivement établie, à partir du début des années 1980, en un lieu central d’élaboration d’une catégorie musicale réifiée, co-construite par les industries culturelles, les médias et les musiciens. Cette recherche en sciences de l’information et de la communication s’inscrit dans une démarche au croisement de l’économie politique critique de la communication, de la socioéconomie des industries culturelles et des Latino studies. Elle a pour objectif de décrypter les mécanismes à l’œuvre dans la création de nouvelles formes musicales au sein d’environnements politiques et économiques spécifiques, la réappropriation et intégration de ces nouvelles esthétiques dans le circuit des industries culturelles, et, enfin, leur exploitation transmédiatique à des échelles multiples. / This thesis focuses on the emergence of a Miami music industry specializing in the Latin music production, promotion and distribution. It shows how the Floridian city has progressively been established as a central location for a reified musical category, co-constructed by cultural industries, media and musicians in the early 1980s. This research in information and communication sciences is at the crossroads of critical political economy and Latino studies approaches. It aims at describing the mechanisms that are at work in the creation of new musical forms, within specific political and economic contexts; the re-appropriation and integration of these new aesthetics in the cultural industries processes; and their transmedia exploitation on multiple scales.

Les difficultés dans la mobilité des personnes et des biens constituent l’un des obstacles majeurs à l’amélioration des conditions de vie des populations des pays sous-développés en général et celles de l’Afrique en particulier. Cette situation est particulièrement vraie pour la république du Niger. En observant la carte de l’Afrique on peut déjà imaginer les contraintes que peuvent induire la position géographique du pays pour ses échanges avec l’extérieur. Aussi, autant son isolement externe est criant, autant à l’intérieur du territoire national, l’enclavement est réel et pose un véritable problème de développement. L’étendue du territoire, son enclavement et une situation de fragilité économique constituent les éléments fondamentaux du contexte dans lequel évolue le secteur des transports au Niger. À l’échelle du territoire nigérien, le département de Téra permet d’appréhender les difficultés que pose le dysfonctionnement d’un système de transport et de voir comment la mobilité s’inscrit dans le processus du développement local. La faiblesse de l’offre des services de transport, la vétusté des infrastructures et le difficile accès aux moyens de transport sont des problèmes récurrents pour les populations. Les stratégies des acteurs n’ont eu qu’un impact limité sur l’amélioration de la mobilité dans l’espace départemental. Cet important dysfonctionnement dans la mobilité des personnes et des biens devra être résolu. / Difficulties in people’s mobility and in the flow of goods are one of the major obstacles to better the living conditions of populations in less-developed countries generally speaking, and particularly in Africa. That is true indeed for the Republic of Niger. As far as foreign trade is concerned, one can easily notice the constraints linked to the geographical location of the country, just by looking at the map of Africa. Not only its striking external isolation, but also its land-locked situation focuses a serious development issue. The size of this land-locked state and its economic weakness are the basic context for transportation in Niger. The department of Téra, which represents Niger well, allows understanding malfunctions in the transportation system and how mobility is part of the local development process. The low level of the services of transportation, the ageing infrastructures and the difficult access to means of transport are recurring problems for populations. The different stakeholders’ strategies have had limited impact on the improvement of mobility within the department. Those important malfunctions concerning people’s mobility and the flow of goods must be solved.

Nous proposons, dans la lignée des études culturelles et des études de genre, de mettre en corrélation genres littéraires et genre (gender) à partir de l’analyse de l’œuvre narrative d’Angélica Gorodischer (1928), une auteure argentine contemporaine. Le positionnement de cette auteure féministe dans le champ littéraire repose sur la déconstruction des modèles normatifs pour interroger la logique même de catégorisation, tant au niveau des genres littéraires que des représentations sociales hétéronormatives, et donc genrées. En effet, le canon littéraire, en interaction avec le champ social, se structure à partir de rapports de domination, rendus invisibles et ahistoriques par un processus de naturalisation, dont la logique taxinomique renforce l’aspect hiérarchisant. Nous analysons les champs social et littéraire dans lesquels évolue cette auteure qui se caractérise par la rupture et assume une position périphérique par rapport à de multiples centres dont elle interroge, par son écriture, la légitimité. Ensuite, nous observons plus précisément son rapport à la norme et aux genres littéraires en étudiant les modulations génériques qu’elle opère vis-à-vis d’un cadre générique précis, puis les processus inter- ou transgénériques que les textes de l’auteure mettent en œuvre pour déconstruire, dans une logique postmoderne, taxinomies et hiérarchies. Les écarts ainsi générés par rapport au canon, qui participent à des processus anamorphotiques, mettent en tension les genres et perturbent le lecteur par rapport à ses horizons d’attente, tout en renouvelant ledit canon. / We intend, as it is traditionally done in cultural and gender studies, to connect literary genres and gender by analyzing Angelica Gorodischer’s narrative work (1928), an Argentinian contemporary female writer.This feminist female writer undoes normative models in order to question the very logic of categorization, in literary genres as well as in heteronormative social representations. Indeed, the social field and the literary canon are defined by the naturalization of a domination scheme. Indeed, the literary canon, linked with the social field, is built from domination schenes, which become invisible and out of history thanks to a naturalization process. The categorization logic of this process thus strengthens the feeling of a hierarchical organization. We analyse the social and literary fields in which this female writer evolves. She represents a rupture and questions the legitimacy of multiple centres while keeping a peripheral position. Then, we study more precisely the way she considers norm and literary genres by analyzing the generic modulations she uses in her writing, starting from a specific generic background. We then focus on the inter or transgeneric process the feminist female writer’s texts implement to undo, in a post-modern logic, categories and hierarchies. By doing so, she deviates from the canon, creating anamorphosis process which bring out the limits of genres and disturb the reader’s expectations, renewing this canon.

Depuis maintenant près de trois décennies, les parcs des villes chinoise constituent des lieux de rassemblement pour les retraités qui, collectivement, s'adonnent à diverses activités :taiji quan, chorales de « chant rouge », danses, opéra de Pékin, traditionnel et révolutionnaire, pratique collective d'instruments de musique, récitation. Appartenant aux générations qui ont grandi durant la période maoïste, ces individus ont en commun d'avoir vécu la Révolution culturelle (1966-1976) et le passage à la Réforme (1978), avec les transformations qui en ont découlé. A partir d'une ethnographie conduite dans les parcs de Pékin entre 2011 et 2014, cette thèse analyse ces formes de présence en public qui prennent souvent la forme de performances culturelles. A travers des descriptions fines des situations observées, elle montre que les rassemblements dans les parcs peuvent être vus comme des espaces-temps interstitiels, des événements publics à la fois distincts du quotidien et ancrés dans celui-ci, faisant la part belle à des comportements théâtraux, parfois excentriques. Si ces modes de surexposition de soi en public s'inscrivent dans la continuité d'une « politique de la présence », caractéristique de l'époque maoïste, ils font aussi l'objet d'une réappropriation à d'autres fins, dans d'autres espaces-temps. Cette question des transformations du cadre de la performance publique et, par conséquent, de l'expérience que celui-ci implique, figure au centre de ma réflexion. La possibilité de « s'amuser » en prenant part à des activités qui, pour certaines, sont structurées autour de l'expression de messages politiques ne constitue pas seulement un attrait important de ces situations pour les habitués des parcs, elle peut être vue comme un accomplissement. Cette thèse contribue notamment aux travaux portants sur l'appropriation des espaces publics urbains, mais aussi à l'anthropologie de la performance et aux études sur la nostalgie post-communiste. Discutant les interprétations avancées par d'autres chercheurs sur la performance publique de chants révolutionnaires, elle apporte une analyse plus nuancée de la dimension (non) politique de ces pratiques, en insistant sur leurs aspects sensoriels et affectifs plutôt que sémiotiques et discursifs. / Doctorat en Sciences politiques et sociales / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Cette thèse se propose d’analyser les processus de représentation de l’identité culturelle britannique en prenant comme objet d’étude une sélection des productions musicales du musicien anglais Damon Albarn. Avec le groupe Blur, Albarn émerge sur la scène britannique dans les années 1990. Le groupe est l’un des fers de lance du mouvement Britpop qui se caractérise par une imagerie et un propos associés à l’identité britannique. Cette dernière est symbolisée par la grande majorité des groupes du mouvement qui sont anglais, blancs, masculins et appartiennent au paradigme pop/rock.Cette thèse s’intéresse à l’évolution des représentations de l’identité dans la musique d’Albarn à partir des années 2000 et jusqu’aux Jeux Olympiques de Londres en 2012, dans un contexte marqué par la remise en cause du modèle multiculturaliste, la poursuite de l’élargissement de l’Union Européenne et le début des discussions sur un référendum portant sur l’éventuelle indépendance de l’Écosse. Cette période se caractérise également par une diversification des genres musicaux abordés dans les projets d’Albarn qui s’éloigne lui-même du discours identitaire exclusif de la Britpop. La thèse propose une analyse critique des productions d’Albarn qui opèrent ce glissement d’une identité Britpop exclusive à une identité inclusive et multiculturelle. Ce faisant, le travail permettra de dégager la spécificité de la musique, conçue comme un espace d’observation et d’élaboration d’une identité culturelle britannique en perpétuelle mutation. / This study analyses representations of British cultural identity in Damon Albarn's music. Albarn became a household name with Blur, an English band that was associated with the Britpop movement in the 1990s. Britpop openly articulated popular music and the question of Britishness which was defined in exclusive terms as most Britpop artists were white, male, guitar-based, English bands.By focusing on Albarn’s various musical projects after the end of Britpop, the aim is to understand how its aesthetics and politics are de-constructed. At the turn of the century, Albarn distanced himself with the exclusive rhetoric of Britpop as he started to express a more inclusive, multicultural understanding of British identity. Through three different case studies, it is contended that Albarn’s understanding of British cultural identity is predicated on specific music genres and their own sets of discourse. The study spans over a period of twelve years marked by a renewed interest in Britishness as the multicultural model in British politics is questioned, new countries join the European Union and more devolution for Scotland is discussed. The last part of the study focuses on Albarn’s involvement in the Cultural Olympiad in 2012 and serves to show how music works as a medium that allows the articulation of contrasted, and at times, contradictory representations of British cultural identity.

De la Librairie Hachette à Lagardère, le groupe s’est profondément transformé. Le conglomérat issu de rapprochement d’Hachette avec Matra a abandonné toutes les activités des industries des hautes technologies, du transport et de l’automobile. Ce travail vise à déceler les traces des étapes successives de transformation du groupe pour éclairer les racines de ses choix stratégiques et son positionnement actuel au sein des industries culturelles. Il vise aussi à analyser les conditions de sa financiarisation et de ses mutations technologiques, puis ses stratégies vis-à-vis des industries de la communication. Les activités et les mutations de chacune des quatre branches actuelles du groupe, Lagardère Publishing (livre), Lagardère Active (presse, radio, télévision, production audiovisuelle, numérique et publicité), Lagardère Services (distribution et commerce de détail en zones de transport) et Lagardère Unlimited (gestion de droits sportifs et divertissement) font l’objet d’un examen séparé, analysant leurs spécificités et leurs stratégies, comparées à celles de leurs concurrents respectifs. Ce travail étudie enfin comment les stratégies de Lagardère interrogent les théories des industries culturelles. / The Lagardère group has undergone dramatic changes from the days of the ‘Librairie Hachette’ to those of the Lagardère group. The conglomerate born from the merger* between Hachette and Matra has now given up all its high-tech, transport and automotive activities. This thesis aims at uncovering the evidence of the successive steps in the transformation of the group in order to highlight the roots of its strategic choices and to shed light on its current position among cultural industries. It also aims at analysing the conditions of the financialisation of the group, its technological development and its strategies regarding the communication industries. The activities of and changes undergone by each of the current branches of the group -namely Lagardère Publishing (book publishing), Lagardère Active (press, radio, television, audio-visual production, digital media and advertising), Lagardère Services (distribution and retail networks in transport areas) and Lagardère Unlimited (entertainment and sports rights marketing)- are studied separately here, thus allowing to analyse their specificities and strategies, compared to each of their respective competitors. Finally, this thesis analyses how the various Lagardère strategies question the theories about the cultural industries.

Cette thèse étudie la phase d’évaluation de la créativité, ses antécédents et ses effets. Dans le premier article, j’étudie l’impact de la culture sur le processus d’évaluation de la créativité, posant la question de la manière dont la créativité est évaluée dans différentes cultures. L’étude inductive des versions française et américaine de Top Chef, un concours destiné aux cuisiniers professionnels, révèle des différences culturelles frappantes à la fois dans les processus d'évaluation et dans la fréquence et la valence des critères. Dans le deuxième chapitre de cette thèse, je tente d'expliquer le mécanisme derrière l'un des prismes majeurs par lequel les évaluateurs forment leur jugement concernant la créativité, à savoir le statut du créateur. Je soutiens que l’effet du statut du créateur sur l’évaluation de sa créativité diffère en fonction de son identité de spécialiste ou de généraliste. J’émets l'hypothèse et obtiens confirmation par une étude empirique longitudinale du contexte de la haute cuisine américaine que le statut du créateur n'est bénéfique à son évaluation de la créativité que lorsque le créateur a une identité de spécialiste. Enfin, dans la troisième partie de cette thèse, je me focalise sur la créativité en équipe et développe un modèle théorique où le processus d'évaluation explique pourquoi les équipes ne sont pas toujours un terrain propice à la créativité. Je propose de distinguer conceptuellement les différents processus d'évaluation et d'étudier leur impact respectif sur la capacité de l'équipe à sélectionner son idée la plus créative en vue de son application. / The objective of the present dissertation is to gain a better understanding of how people assess creativity, and of the antecedents and outcomes of this creativity assessment process. In the first essay, I address the question of how people in different cultures assess creativity. In an inductive study of the French and US versions of Top Chef, a professional chefs’ competition, striking cultural differences emerge both in the moves used at each step of the assessment process and in the frequency and valence of the criteria. In the second part of this dissertation, I focus on the cues upon which evaluators rely to assess creativity. In particular, I disentangle the mechanism underlying the relationship between the creator’s status and the evaluation of his or her creativity. I develop the role of a specialist identity and argue for a complementary effect with the creator’s status. I hypothesize and find evidence that the creator’s status is only beneficial for his creativity evaluation when he has a specialist identity. Finally, in the third part of the dissertation, I focus on team creativity and develop a theoretical model where the assessment process provides an explanation as for why teams are not always the breeding ground for creativity. I propose to conceptually distinguish between different team assessment processes and to explore their respective impact on team’s ability to select its most creative idea for further implementation.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

La métaréflexion porte sur la phase la plus obscure de la construction d'une œuvre : la période d'antériorité du faire. Loin en amont de cette étape de concrétisation, le créateur est assailli par un foisonnement intérieur : flux et émergences se succèdent, s'oblitèrent ou se contrecarrent. La fulgurance de l'image-utopie amorce ce parcours intime. Forte et prégnante, elle impulse le désir de créer. Comme une gangue, elle contient, encore crypté, tout le devenir de l'œuvre. L'image-utopie loge dans le préconscient, en zone protolangagière, et résiste aux conditions de la discursivité. Voilée, mais ponctuée de survenues conscientes, la protostructure de l'œuvre à venir y incube. Au fil de voyagements intérieurs immobiles, l'artiste s'imprègne de cette latence. Aucun observateur extérieur n'a accès à ce moment inaugural de l'expérience de création. Par mûrissement, l'image-utopie se transforme en intention de création. Une fois énoncée, elle marque le seuil de la phase programmatique du faire. Ce segment du parcours de création est notoirement imbriqué dans la morphogénèse de la subjectivation. L'artiste parfait son identité en établissant dans son œuvre des mises en relation inédites. De ce travail de création émane une connaissance intuitive directe, originelle, un savoir issu de l'expérience qui cadre avec l'épistémologie constructiviste. Praticienne, je m'ouvre sur ce vécu impénétrable. Ma réflexion, autodirigée, sous-tend mon effort de conceptualisation. L'œuvre [Archipels], matériau-témoin, est née au fil de résidences en immersion au Mexique. Cette expérience interculturelle et interdisciplinaire a singularisé ma démarche de création. Malgré la persistance de mes interrogations, malgré l'incertitude, je compose avec l'indéfinition et l'inexpliqué qui marquent ma relation au monde. En construisant et en partageant sa vision unique, l'artiste rallie l'humanisme inclusif de la philosophie de la complexité. Cette pensée globalisante accorde toute sa valeur au savoir expérientiel et l'associe dument au renouvèlement, à l'élargissement et à la réunification de la connaissance. / This metareflection addresses the most obscure stage of creating a work of art: what comes before doing. Long before the creation stage, creators are besieged with an inner profusion-a succession of flows and elements all emerging, clashing into and obliterating one another. This very personal journey is begun by a powerful, meaningful utopian image that impels the desire to create. Like veinstone, this image harbours the entire future work, in scrambled form. The utopian image resides in the preconscious mind, in the protolanguage zone, and resists discursivity. This is where the work's protostructure incubates, veiled, yet sparking moments of conscious insight. In the course of inner journeys, the artist is steeped in this latency. No outside observer can access this inaugurating moment of the creation experience. As it matures, the utopian image morphs into an intention to create. Once articulated, it has crossed into the programmatic stage of doing. This stretch of the creation journey is unquestionably enmeshed with the morphogenesis of subjectivization. The artist crafts an identity by creating novel relationships in their work. In turn, this creation produces a direct, original, experience-based, intuitive knowledge that connects with constructivist epistemology. As a practitioner, I open myself to this inscrutable experience. My self-directed reflection is the springboard for my conceptualization process. My work of art [Archipels], a material witness of this process, is the result of my immersion residency in Mexico. This intercultural and interdisciplinary experience gave my creation process its unique form. In spite of persistent questioning and uncertainty, I contend with the lack of definition and explanation characterizing my relationship to the world. By building and sharing a unique vision, artists mobilize the inclusive humanism of the philosophy of complexity. This global thinking recognizes the value of experiential knowing and rightfully associates it with the renewal, expansion and reunification of knowledge.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2024 / Depuis les années 90, les organismes du secteur des arts qui reposent sur le modèle associatif font face à un nouveau mode de gouvernance entrepreneurial qui bouleverse leur fonctionnement. Il est désormais bien documenté que ce mode de gestion s'immisce au sein des organes gouvernementaux et qu'il affecte l'autonomie décisionnelle des travailleurs d'organismes des milieux communautaires (Depelteau, Fortier et al., 2013), mais aussi de la santé et de l'éducation (Hurteau, 2019). Peu de chercheurs québécois se sont toutefois intéressés au milieu des arts, lui aussi affecté à plusieurs égards par près de 30 ans de politiques néolibérales favorisant la dérégulation, la marchandisation et la responsabilisation des organismes à but non lucratif (OBNL). Ce mémoire porte sur l'évolution des modalités de financement et leur impact sur les pratiques de gouvernance des artistes et travailleurs culturels du milieu des arts. Notre enquête a fait appel tant à la littérature gouvernementale, scientifique et artistique qu'à une étude de terrain dont le mémoire présente les analyses. À partir du cas des centres d'artistes autogérés (CAA) du Québec et de leur *institutionnalisation* progressive et instable, nous souhaitons plus spécifiquement comprendre comment ces structures d'abord élaborées en fonction de valeurs et d'idéaux axés sur l'expérimentation , la prise de risque et la participation collective ont évoluées, mais aussi au nom de quels principes elles furent considérées « malades » par les bailleurs de fonds à partir des années 2000. Notre étude montre que les impératifs de rentabilité et de profit sous le signe de la « santé financière », sollicités afin de mener une guerre au déficit à l'échelle de la société, semblent avoir contribué à fissurer les manières de faire, de penser et de sentir au cœur de ces organismes. Cette guerre est en cela aussi culturelle. / Since the 1990s, arts organizations based on the associative model have been faced with a new entrepreneurial mode of governance that is disrupting their operations. It is now well documented that this mode of management is infiltrating government bodies and affecting the decision-making autonomy of workers in community-based organizations (Depelteau, Fortier et al., 2013), but also in the health and education sectors (Hurteau, 2019). However, few Quebec researchers have focused on the arts milieu, which has also been affected in many ways by nearly 30 years of neoliberal policies favoring deregulation, marketization and the accountability of nonprofit organizations (NPOs). This memoir examines the evolution of funding modalities and their impact on the governance practices of artists and cultural workers in the arts. Our research drew on government, academic, and artistic literature, as well as on a field survey, the analyses of which are presented in this dissertation. Using the case of artist-run centers in Quebec and their gradual, unstable *institutionalization*, we seek to understand how these structures, built with values centered on experimentation, risk-taking and collective participation, have evolved, but also in the name of which principles they have been deemed "sick" by funding bodies from the 2000s onwards. Our study shows that the imperatives of profitability and profit under the banner of "financial health", called upon to wage a society-wide war on the deficit, seem to have contributed to cracking the ways of doing, thinking and feeling at the heart of these organizations. This war is also a cultural one.