This thesis investigates what types of teaching approaches and methods can be used when teaching idiomatic expressions to learners of English. The method used is a small-scale research synthesis where studies are summarized, compared and discussed. An overview of the teaching approaches and methods provide an outline of the strengths and weaknesses of each approach/method in connection to the purpose of teaching idioms to language learners of English. Several different descriptions of idioms are merged into one that is used in this research synthesis. The results indicate that even though teaching procedures appealing to Multiple Intelligences are most common in the articles used for this thesis, there are several different ways to improve learners’ idiom comprehension. Every teacher should have in mind that all students are unique and learn in different ways but some generalizations can be helpful when planning lessons. Keywords: idioms, figurative language, teaching method, teaching approach

This thesis is an exploration of various issues concerning composition in painting. In it I take a step by step approach to advancing the compositional thought process. Within that exploration the central issues of painting are confronted and expanded upon.

This document is a supportive paper for the M.F.A. Graduate Exhibition "Marking Time" held at the B. Carroll Reece Museum, East Tennessee State University, in fulfillment of the Master of Fine Arts degree. Within this paper, I discuss the subjective nature of my drawings and claim my role as a figurative humanist. Through drawing, I explore the emotive qualities of my own form. Rather than depicting actual spaces, I place myself in psychological spaces that reflect specific moods. Chiaroscuro creates an altered reality where visual tension is implicated through the physicality of my movements. This paper also briefly discusses the history of figurative expression, the figurative artists whose works embody this concept, and their influence on my work. An explanation of the individual drawings in the public exhibition is included in the paper. This document concludes with a personal reflection on my growth as an artist.

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Diese Dissertation untersucht das Verstehen figurativer Sprache, im Besonderen die zeitliche Verarbeitung von verbaler Ironie. In sechs Experimenten wurde mittels ereignis-korrelierter Potentiale (EKP) die Gehirnaktivität beim Verstehen ironischer Äußerungen im Vergleich zu entsprechenden nicht-ironischen Äußerungen gemessen und analysiert. Darüberhinaus wurde der Einfluss verschiedener sprachbegleitender Hinweisreize, z.B. von Prosodie oder der Verwendung von Satzzeichen, sowie außersprachlicher Hinweisreize, wie bspw. pragmatischen Wissens, auf das Ironieverstehen untersucht. Auf Grundlage dieser Ergebnisse werden verschiedene psycholinguistische Modelle figurativer Sprachverarbeitung, d.h. 'standard pragmatic model', 'graded salience hypothesis', sowie 'direct access view', diskutiert. / This dissertation investigates the comprehension of figurative language, in particular the temporal processing of verbal irony. In six experiments using event-related potentials(ERP) brain activity during the comprehension of ironic utterances in relation to equivalent non-ironic utterances was measured and analyzed. Moreover, the impact of various language-accompanying cues, e.g., prosody or the use of punctuation marks, as well as non-verbal cues such as pragmatic knowledge has been examined with respect to the processing of irony. On the basis of these findings different models on figurative language comprehension, i.e., the 'standard pragmatic model', the 'graded salience hypothesis', and the 'direct access view', are discussed.

Ma recherche porte sur l'iconographie de la Nativité du Christ dans la peinture italienne médiévale, avec un corpus de 300 images incluant les petits retables destinés à la dévotion privée comme les grands cycles de fresques. L'enquête commence autour de 1250 par la production des peintres qui précédèrent Giotto et Duccio, et s'achève autour de 1450, avec les oeuvres de Beato Angelico et Filippo Lippi. L'objectif est d'étudier l'évolution de chacune des figures constitutives de la scène (Marie, Jésus, Joseph, l'âne et le boeuf, les bergers, les sages-femmes, etc.) et surtout de la scène comme ensemble, à partir du motif figuratif du personnage agenouillé en adoration, motif toujours plus fréquent dans la Nativité au cours de la période et symptomatique des usages dévotionnels de l'image dans l'Italie médiévale. / My research scrutinizes the iconography of Christ's Nativity in italian medieval painting, dealing with 300 images, ranging from small altarpieces for private devotion to major fresco cycles. It starts around 1250, with the generation of painters who were teachers to Giotto and Duccio, and it ends around 1450, with the works of Beato Angelico and Filippo Lippi. My aim is to provide a complete study of each figure's evolution (Mary, Jesus, Joseph, the ox and ass, the shepherds, the midwives, etc.) and of the scene as a whole. The increasing proportion of kneeling figures – the adoratio flexis genibus – in the scene testifies the evolution of devotional practices and the use of images for praying.

Ce travail part d’une double intuition de Georges Bataille. D’une part, une loi qu’il énonce au Collège de Sociologie : « Les êtres humains ne sont jamais unis entre eux que par des déchirures ou des blessures ». D’autre part, l’idée que les œuvres d’art sont, depuis Lascaux, les traces d’une archéologie de la vie communautaire des hommes, le chiffre d’un non-savoir sur la sphère du sacré qui fait tenir les hommes ensemble, à travers quelques figures-limites (le cadavre, les larmes, l’orgie, le sacrifice). Ces deux intuitions me permettent de définir l’anthropologie figurative comme la discipline qui cherche dans les images une pensée figurale de la communauté, et le partage de la douleur dans le cinéma contemporain comme l’un de ses objets privilégiés. Les pensées contemporaines de la communauté (Jean-Luc Nancy, Giorgio Agamben, Roberto Esposito) m’autorisent cette hypothèse : le cinéma contemporain a désormais moins affaire à la construction politique d’un peuple qu’à la figuration de communautés trouvant dans l’événement du partage leur seule fin. Or, seul un travail figural peut contrevenir à la solitude du corps souffrant et défaire sa clôture pour l’inclure dans un groupe pathétique qui synchronise des gestes ou assemble des chairs. Le corpus international de films que je constitue autour de la survivance de figures de la communion (Joao Pedro Rodrigues, Pedro Costa, Béla Tarr, Steve McQueen, Bruno Dumont) ou d’une figuration chorégraphique du soin (Tsai Ming-liang, Apichatpong Weerasehtakul, Vincent Gallo, Gus Van Sant) relève d’un réalisme figuratif qui demande à être étudié non pas sous l’angle d’une politique de l’esthétique (Jacques Rancière), mais d’une impolitique de la beauté. Soit l’idée que l’art est ce lieu où la puissance du pâtir et la puissance du partage, sans faire une politique, autorisent l’espoir d’une communauté prochaine. / This work started with two crucial insights from Georges Bataille’s œuvre. On the one hand, Bataille formulated a law on the constitution of community in the Collège de Sociologie: “Human beings are only linked together by wrenches or wounds”. On the second hand, he elaborated the idea that works of art are, since Lascaux, the traces of an archaeology of men’s community life, the code of a “non-savoir” about the sacred sphere which ties men together thanks to some borderline figures (the corpse, the tears, the orgy, the sacrifice). These two ideas allow me to define figurative anthropology as the discipline that seeks a figural thought of community in images, and the sharing of pain as one of its privileged objects. Contemporary thoughts of community (Jean-Luc Nancy, Giorgio Agamben, Roberto Esposito) allow me to state this hypothesis: contemporary cinema is not pertaining to the political construction of a people but to the figuration of communities which find in this very sharing their sole purpose. Only a figural work can contravene to the loneliness of a suffering body and break its closed isolation into include it in a pathetic group that synchronises gestures and assembles fleshes. The international corpus of films that I put together about the survival of figures of communion (Joao Pedro Rodrigues, Pedro Costa, Béla Tarr, Steve McQueen, Bruno Dumont) or the choreographic figuration of care (Tsai Ming-liang, Apichatpong Weerasehtakul, Vincent Gallo, Gus Van Sant) comes under a figurative realism which has not to be studied from the point of view of the politics of aesthetics (Jacques Rancière), but of the impolitics of beauty: that is to say that art is the place where the capacity for suffering and sharing, without leading to a political construction, allows the hope of an imminent community.

Au lendemain de la défaite de 1967 appelée la naksa, une génération d’intellectuels syriens, égyptiens et libanais s’engagent dans l’écriture et l’illustration pour les enfants. Ce faisant ils se racontent et dessinent leur avenir idéalisé. La création arabe en littérature pour la jeunesse qui se développe dans les années 1970 est profondément animée par le souffle idéologique de son temps. Elle pose les jalons structurels, thématiques et graphiques qui inspirent la production contemporaine. Les auteurs, illustrateurs et éditeurs entendent parler à l’enfant arabe du monde dans lequel il grandit. Ils mènent une réflexion sur les thématiques, sur les niveaux de langue arabe, sur l’image figurative, ses héritages, sa structure et ses codes. Leur quête est littéraire, artistique et identitaire : ils sont les initiateurs d’une renaissance, une nahda pour les enfants. Ces questionnements sont les pierres d’angle de notre recherche. Celle-ci se concentre sur le mouvement avant-gardiste de création arabe en littérature pour la jeunesse des années 1970 à nos jours, elle ambitionne d’en étudier les rouages et les ouvrages, d’observer l’articulation entre l’œuvre, son intention, son mode de production et son message. Il s’agit d’une part d’archiver les mémoires et les histoires collectives et individuelles, d’élucider les héritages et les filiations de ces créateurs, de suivre l’évolution de leurs motivations idéologiques, artistiques, économiques. Il s’agit d’autre part de faire une lecture au plus prés de notre corpus, une étude de l’évolution des thématiques au fil du temps mais aussi une analyse des albums eux-mêmes, dans leur structure linguistique et graphique. / After the defeat of 1967, known as the naksa, a generation of Syrian, Egyptian and Lebanese intellectuals began writing and illustrating children's books. In doing so they gave form to an idealized future. Children's literature that developed in the Arab world during the 1970s was greatly influenced by the ideological climate of the time. It laid the structural, thematic and graphical foundations on which today's work is based. The goal of authors, illustrators and publishers was to produce works for Arab children which described the world in which they were growing up. Their work was centered on themes, on the different levels of Arabic, on the figurative image, its heritage, its structure and its codes and conventions. Their objective was literary, artistic, and a quest for cultural identity. They were the vanguard of a renaissance, a nahda for children.These questions form the basis of this research. It concentrates on the avant-guard movement in children's literature from the 1970s to the present day. It attempts to study the way it worked and what was published, to observe the connections between the work itself, its aims, the way it was produced and its message. The research involves, on the one hand, documenting recollections and stories, both collective and individual, tracing the heritage and interconnections among of those involved, to follow the development of their ideological, artistic and economic motivation. It will also involve a detailed study of illustrated books for children, an examination of the thematic evolution over time, as well as a semiological reading of the books themselves, with reference to their linguistic and graphic structure.

This diploma thesis deals with the issue of intermediation of abstract art in gallery education programs for primary school students. Its theoretical part outlines the process from figurative to non-figurative imaging through the theory and history of art. The term of abstraction is further expounded by general and developmental psychology. The final theoretical part deals with the intermediation of art and all its connections, including potential difficulties which can occur. The empirical part contains a research with gallery lecturers, which brings and analyzes their attitude to the process of gallery-educational programs providing intermediation of non-figurative art to pupils of younger school age.

La réminiscence et l’apparition des images par des facteurs affectifs déclencheurs font partie inhérente du processus de création picturale qui est issue d’une nécessité intérieure. Les affects inscrits dans les souvenirs alimentent la force créatrice en s’actualisant par l’acte de réminiscence. C’est dans cette dynamique de l’intériorité que le langage pictural se forme en engageant la mémoire où le surgissement des images est soumis à l’affect. La métaphore de la nuit nous a permis d’interroger davantage l’incertitude de la mémoire et de l’état après le rêve, où les images d’intimité sont enfouies. La revalorisation de la subjectivité, de l’intime et du désir témoigne de l’intention d’une archéologie émotionnelle qui ramène la peinture à ses origines premières. Travaillant à partir des images d’images, les artistes contemporains explorent l’articulation du souvenir au présent. Nourrie de cet usage qui repose sur une interaction de l’ordre du « toucher » avec l’image, la « durée » picturale correspond à la réminiscence.La peinture, comme une forme intériorisée du réel, se déploie dans une mise en scène des multiples temporalités par une stratification de la matière picturale. Dans cet espace, le souvenir s’actualise dans la sensation de la couleur. En tant que qualité affective, la couleur permet d’exprimer le climat émotionnel attaché à un souvenir et de rendre visible l’affect. La surface du tableau est un tissu chaotique, mais également génératrice d’ « accidents proustiens », de retrouvailles et d’énigmes. Ici, la mémoire est la source d’où émane l’imagination. / The reminiscence and the appearance of images triggered by the emotional factors are inherited in the process of pictorial creation that comes from the inner necessity. By becoming actualized by the act of reminiscence, the affects inscribed in the memories nourish the creative force. In these dynamics of interiority, pictorial language is formed by the engagement of the memory. The emergence of images is subject to affect in the memory. The metaphor of the night has allowed us to question further the uncertainty of the memory and the after-dream state, where the images of intimacy are buried.The increase of subjectivity, the intimacy and desire reflect the intention of an emotional archaeology that brings the painting back to its origins. The use of images of the images in the contemporary artist’s works explores the connection of remembrance with the present. The pictorial time length, nurtured by this use based on an interaction between the emotional “touch” and the image, corresponds to the reminiscence.Painting, as an internalized form of the real, spreads out in a staging of multiple temporalities by a stratification of pictorial matter. In this space, memory refreshes itself in the sensation of the colour. As an affective quality, the colour enables the expression of the emotional climate attached to a remembrance and makes the affect visible. The surface of the painting is a chaotic material, but also source of "Proustian accidents," reunions and enigmas. Here, memory is the origin from which emanates the imagination.