Mapamundi (du latin mappa mundi, « carte du monde », représentation de toute la superficie de la planète.)La Mapamundi, que je présente dans le cadre de cette thèse doctorale, est un essai de configuration poétique de l’étendue du « plurivers » artistique de Mapa Teatro pendant ses trente ans d’existence (1984-2014). Elle est imprimée sur papier et en même temps sur ma peau, inscrite dans la mémoire du corps. Trace physique d’une histoire, marque géographique d’un affect : à la fois pensée du corps et corps d’une pensée.Les cartes qui représentent la superficie de la Terre utilisent une « projection », une manière de traduire la superficie réelle tridimensionnelle d’un géoïde en un dessin bidimensionnel. Une Mapamundi « projetée » en une forme sensible, réflexive, pluriaxiale, qui se distinguerait d’un type d’analyse taxonomique purement « extérieur », mais aussi de tout catalogue intimiste, exclusivement « intérieur », et même de toute archive supposée intégrale, tel est le défi que je tenterai à présent dans la forme Atlas, « projection » conceptuelle et affective, théorique et poétique, de la Mapamundi de Mapa Teatro.L’Atlas est une forme visuelle du savoir, une forme savante du voir (Didi-Huberman).Une cartographie autant chronographique que chronogénétique, parce qu’elle trace un devenir, parce qu’elle ouvre des possibles. La carte (un espace, un dispositif), le témoin (un point de vue, une subjectivité) et le triptyque (un temps, un événement) constituent les trois axes de projection et d’analyse réflexive choisis pour la configuration de cet Atlas : carte (chapitre I), témoin (chapitre II) et triptyque (chapitre III) réunissent et problématisent un ensemble de figures qui traversent la cartographie poïétique de Mapa Teatro depuis sa création jusqu’à ce jour. Une forme de pensée-montage. / Mapamundi (from latin mappa mundi, « world’s map» a representation (a map) of the entire surface of the planet). The Mapamundi, that I here present, under the frame of this doctoral research, is an attempt to draw a poetical configuration of Mapa Teatro’s artistic «plurivers», built up during its thirty years of existence (1984-2014). It is printed on paper, and at the same time on my skin, engraved in my body’s memory. Physical trace of a history, geographical affectionate token: both the thinking of a body and a body of thought. Maps that represent the surface of the earth make use of a « projection », as a way of translating the real three-dimensional surface of a geoids into a two-dimensional basin. This is a «projected» Mapamundi in a sensible, reflective, pluriaxial form, that distinguishes itself not only from a taxonomic analysis, but also from any type of intimate catalogue, exclusively interior, or of any kind of a presumably overall archive. This is the challenge that I have risked in this Atlas form, a conceptual and affective « projection », both theoretical and poetic, of Mapa Teatro’s Mapamundi. An Atlas is a visual form of knowledge, a savant form of seeing (Didi-Huberman).A cartography in as much as it is both chronographic and chronogenetic, because it draws a becoming, because it opens to the possibles. The map (a space, a device), the witness ( a point of view, a subjectivity ) and the triptych ( a time, an event ) have been the three axis of projection and of reflective analysis chosen to shape this Atlas. Map (Chapter I), Witness (Chapter II) and Tryptique (Chapter III) gather and problematize a group of figures that traverse Mapa Teatro’s since its creation to our days. A form of montage-thought.

La ritualité funéraire est en France depuis le tournant du 21ème siècle en profonde transformation, ce qui interroge fortement la relation entre la ville et la mort. Un certain rejet du cimetière standardisé et de ses contraintes s’exprime par le recours toujours plus fréquent à la crémation et à la dispersion. La matérialité de la cendre amène à une dématérialisation et une localisation plus diffuse des morts. Celles-ci sont renforcées par l’usage croissant de supports numériques (page memorial, réseaux sociaux, cimetières virtuels) qui ouvrent de nouveaux espaces-temps pour l’entretien de la relation aux morts et participent à redéfinir la spatialité du deuil. En outre, les considérations écologiques se révèlent aujourd’hui structurantes et bouleversent le domaine du funéraire tant au niveau pratique qu’au niveau des représentations. Nous faisons l’hypothèse que le tissage de notre relation aux morts passe par le corps, par ses mouvements et ses gestes qui matérialisent et donnent une ambiance à cette relation. Ainsi, à partir de cette approche sensible des ambiances, les dispositifs construits et paysagers sont appréhendés comme des mises en condition spatiales, temporelles, mais aussi corporelles, qui participent à la construction de la relation à la mort et aux morts et façonnent en partie le vécu intime du deuil. Les seuils, les rythmes et les gestes en jeu dans l’espace urbain sont des leviers pour la connaissance et la conception des relations entre l’urbain et la mort. En ce sens, nous identifions des intentionnalités particulièrement relevantes dans l’expérience du deuil (accompagner, entretenir, se recueillir, cheminer), qui sont mises en rapport avec les possibilités d’actions liées à l’espace construit et paysager. Ce travail permet de révéler des manques et des ressources, et ainsi, d’envisager le renouvellement des critères sur lesquels s’appuie la conception des espaces de la mort à l’échelle architecturale et urbaine. / Since the turn of the 21st century, the funeral rituality in France undergoes a profound transformation that strongly questions the relationship between death and the city. The more frequent practices of cremation and ashes scattering express a rejection of cemeteries standardisation and constraints. The materiality of the ash leads to dematerialisation and more diffuse localisation of the dead. These are reinforced by the increasing use of digital media (memorial pages, social networks, virtual cemeteries) that open a new space-time framework for sustaining the relationship to the dead and participate in redefining the spatiality of grief. In addition, environmental considerations reveal today a new deviation in the field of funerary both in practice and at the level of representation.We assume that weaving our relationship to the dead passes across the body, its movements and gestures that materialise that relationship while creating a special ambiance. Therefore, from this sensory approach dealing with urban ambiances, constructed and landscaped arrangements are perceived as a way for setting the conditions on spatial, temporal and bodily levels, that participate in establishing the relationship to death and the dead, and partly shape the intimate experience of mourning. Thresholds, rhythms and gestures captured in urban spaces are levers for understanding and designing the relationship between death and the city.In this sense, we identify certain intentionalities that are particularly relevant for the experience of mourning (accompany/support, maintain/sustain, reflect/meditate, travel/progress), which are seen in the light of action possibilities related to the built and landscaped environment. This work helps to highlight the different gaps and resources, and to consider renewing the criteria upon which the design processes of spaces related to death on architectural and urban scales is based.

Très peu d'études ont analysé comment le travail intellectuel affecte notre incorporation (embodiment). Mon cas, une intervention de danse dans une banque faisant participer les salariés, est une occasion inédite d'étudier les corps en action. Lors de leur travail avec les artistes, les salariés se tenaient sur un seuil, hésitant entre une attitude professionnelle ou plus personnelle. Des observations, des entretiens sur le corps et une analyse de leurs gestes s'appuyant sur des données visuelles (photographies, vidéo) donnent une description complète de leur incorporation dans cette situation de non-routine. Les corps restent souvent dans la retenue, la fermeture et la distance, mais certains d'entre eux s'ouvrent au jeu, proposant parfois des gestes rares, voire risqués. Mes résultats suggèrent que les frontières du corps sont plus instables qu'on ne le croit, l'expérimentation artistique étant un moyen de comprendre "ce que peut un corps" au travail. Le jeu corporel (embodied play) n'est pas seulement une expérience individuelle ; il est aussi un moyen de critiquer les normes corporelles existant au sein d'une organisation. Certaines manières de s'incarner proposent ainsi une sortie hors de l'organisation, ce qui se matérialise par une non-organisation du corps. / As only very few studies have investigated how intellectual (and hence mainly digital) work affects our embodiment, my case, a dance intervention in a bank involving employees, was a good way to study bodies in action. During their work with the artist, employees were standing on the boundary between work and leisure, hesitating between professional and personal embodiment. Observations, interviews and an analysis of their gestures relying on various visual data give a complete description of their embodiment process in this specific moment. On the one hand, bodies remain very constrained, distant and closed, but on the other hand, some employees open up to play, displaying rare and sometimes risky gestures. My findings suggest that the body’s boundaries are much more unstable than we think and that artistic experimentation is one way to understand what a body can do at work. Embodied play is not only an individual experience; it also has the potential to criticize dominating bodily norms existing in an organisation. Alternative embodiments thus propose a way out of organisation.

Un aspect fascinant de l’expressivité musicale porte sur les relations entre le corps du musicien et les caractéristiques du signal acoustique produites par son instrument. De nombreuses études ont démontré cette connexion, en rapport avec le concept d’incarnation musicale, non seulement au niveau des gestes instrumentaux directement responsables de la production du son, mais aussi au travers de l’usage de mouvements ancillaires subtils et moins évidents. Notre recherche a pour objectif de mieux comprendre l’influence de ces ajustements posturaux sur l’interprétation musicale expressive dans le contexte des violoncellistes. A cette fin, nous avons mené une expérience soumettant plusieurs violoncellistes professionnels à divers types de contraintes posturales, et analysé l’influence de ces contraintes sur les caractéristiques rythmiques et timbrales du son par rapport à la situation de jeu naturelle. Les résultats des analyses ont révélé que les mouvements corporels des violoncellistes jouaient un rôle important pendant la performance. En fait, le tronc et particulièrement les mouvements de tête semblent garantir la cohérence métrique du geste d’archet de même qu’un phrasé musical expressif et des variations riches de timbre. Nous avons aussi exploré en détail les notes décharnées fréquemment produites en situation d’immobilisation physique par le buste et la tête, et effectué des corrélations entre ces dégradations du timbre et les caractéristiques de posture et de geste instrumental d’archet. Cette dernière analyse peut déboucher sur l’implémentation d’un nouvel outil pédagogique de correction de la qualité sonore pour les violoncellistes débutants. / A particularly fascinating aspect of musical expressivity concerns the relationships between the musician’s body and acoustical signal features of the sounds produced by the instrument. Numerous studies have demonstrated this connection, referring to embodied musical cognition, not only through well-studied instrumental gestures directly responsible for the sound production, but also through the use of more indirect and ingrained ancillary movements. Our actual project aims to better understand the influence of these postural adjustments on the expressive musical interpretation for the cello instrument. To this aim, we conducted an experiment involving several professional cellists subjected to various kinds of postural constraints, and analysed the influence of these constraints on sound signal features by comparing constrained and natural playing situations. The results reveal that the cellists’ body movements play an important role during performance. In fact, the torso and especially the head movements appear to insure the metric coherence with the bowing gesture as well as an expressive musical phrasing and rich timbre variations. Finally, we explored more in depth the harsh notes frequently occurring in the most constrained condition, and drew correlations between this timbral degradation and bowing and postural features, with the aim of proposing new pedagogical tools for beginners.

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Depuis une trentaine d'années la recherche et la littérature scientifique en éducation ont mis en évidence l'importance de l'analyse des pratiques dans la formation des enseignants et des formateurs. La question des gestes professionnels est aujourd'hui une des problématiques de la formation des enseignants. En prenant appui sur des approches théoriques variées et complémentaires, comme l'anthropologie, la sémiotique et l'ergonomie cognitive notre recherche et notre objet d'étude se concentrent sur l'identification de « microgestes professionnels » qui sont « en (je) eux » dans la mise en pratique et la dynamique de gestes professionnels. Elle tente de mesurer et d'évaluer l'importance d'une prise de conscience réflexive incarnée - l'introspection gestuée - de ces micro gestes dans l'appropriation et/ou la mise en oeuvre des gestes professionnels par des novices et des experts dans des disciplines et des ordres d'enseignement (1er- 2e degré) différents. Une bonne part des difficultés rencontrées par les enseignants résident dans la nonmaîtrise de certains « micro-gestes d'action » vécus dans leur communication didactique et pédagogique. A partir de deux gestes professionnels celui de (S') observer et celui de « (Se) mettre en scène » (Alin, 2010), nous avons mis en évidence cinq micro-gestes qui interagissent constamment entre les protagonistes de la scène du cours. Ce sont : la posture gestuée, la voix, le regard, l'usage du mot, et le positionnement tactique (le placement/déplacement). Sur le plan méthodologique notre protocole de recueil de données s'appuie sur la captation vidéo de situations professionnelles suivie d'entretiens d'auto confrontation. Cette approche qualitative relève à la fois de l'analyse du travail et de l'analyse du discours (langage verbal et non verbal). Les traces enregistrées sont exploitées et analysées avec comme cadre théorique principal, l'approche sémiotique de Ch. S. Peirce. C'est notre expérience de direction de chef de choeur et de chef d'orchestre qui nous a interrogé sur le sens des actes posés, dans ce qu'ils ont de plus infime et signifiant. L'enseignant comme concepteur crée et innove mais il est aussi un interprète. Comme le musicien, il doit savoir interpréter la partition qu'il a créée ou bien qu'il a empruntée, grâce à l'usage de micro-gestes précis, incarnés dans des actions gestuées et situées. La prise de conscience et la prise en compte des gestes professionnels et des micro-gestes qui en constituent la dynamique nous apparaît comme pouvant être un des appuis forts de la formation initiale et continue dans la construction de l'expertise pédagogique des enseignants et/ou des formateurs / For the last thirty years research and scientific literature on education have focused the importance of analysing best practises in teacher training, from the point of view of both teachers and trainers. Today the subject of professional gestures has become one of the most important issues in effective teacher training. This study used data from varied theoretical and complementary approaches such as anthropology, semiotics, cognitive ergonomics and our research aims at identifying vibrant “professional micro gestures” which are to be put into practise. It tries to measure and assess the importance of the awareness of these micro gestures referred to as -introspection on gestures- in the appropriation and the implementation of professional gestures by both novice teachers and experts in different subjects and teaching primary and secondary levels. Most of the difficulties that teachers have to deal with are due to the fact that they don’t control certain “action micro gestures” experienced in their communication both didactic and educational. From two professional gestures: ‘Observing’ and ‘Acting’, we have highlighted 5 micro-gestures constantly interacting with the protagonists of the classroom. They are posture, voice, eye contact, speech and use of space and moving. The method that we used to collect data for our research is based on recordings of professional situations followed by self assessment interviews and feedback. This qualitative approach deals with the analysis of both the work and the speech (verbal and non verbal

Cette thèse de doctorat en arts du spectacle propose une approche des pratiques, des discours et des représentations autour de la notion de virtuosité en danse. Elle explore des formes en mutation sur la scène chorégraphique et interdisciplinaire contemporaine en s’intéressant à l’incorporation d’un geste virtuose chez plusieurs performers, au passage entre le vingtième et le vingt-et-unième siècle. Observant les transferts d’une discipline ou d’un art à l’autre, ce travail s’est construit à partir d’un corpus de douze interprètes danseurs, breakeurs et acrobates. La première approche choisie a été de les interroger sur leurs parcours, leurs habitudes de travail, leur perception du geste virtuose, puis d’observer les représentations auxquelles ils participent. L’analyse ainsi proposée se construit à partir un corpus d’œuvres (danse contemporaine, cirque contemporain, hip hop) et d’entretiens présentés en annexe de ce travail. La virtuosité est donc envisagée du point de vue de l’interprète, considérée dans un système complexe et présent comme une forme d’indiscipline. A partir de certains constats et grâce à des méthodologies propres à l’analyse du mouvement et à l’analyse esthétique, cette recherche propose une exploration du geste virtuose à l’aune de certaines migrations disciplinaires et s’interroge sur la présence et l’importance de nouvelles formes de virtuosité sur la scène contemporaine, tentant d’en redéfinir les termes et les pratiques. / This doctoral thesis in performing arts offers an approach to practice, discourse and representations around the notion of virtuosity in dancing. It looks into forms currently mutating on today’s choreographic and interdisciplinary stage, focusing on the way various performers incorporate virtuosic movement into their interpretation, at the juncture between the 20th and the 21st centuries. Observing the transfers taking place between disciplines, this research is built on a corpus of twelve performers: dancers, breakers and acrobats. The first stage of the approach was to make them describe the path they had followed, their working habits, their perception of a virtuosic move, and to make observations about the shows they take part in. This analysis is based on a corpus of productions (contemporary dance, contemporary circus, breakdance) and interviews presented in the appendix. Virtuosity is thus investigated from the point of view of the performer, considered inside a complex system and presented as a form of indiscipline. Based on a number of observations and methodologies specific to movement analysis and aesthetic analysis, this research proposes an exploration of the virtuosic movement with respect to certain transdisciplinary migrations and examines the questions of the presence and significance of new forms of virtuosity on the contemporary stage, in an attempt to redefine its terms and practices.

Ce travail se propose d’étudier la réception des musiques traditionnelles orales en tant que processus dynamique et plus particulièrement comme un acte de construction temporelle mis en œuvre pour l’essentiel lors de la performance vivante, « champ » privilégié d’expérience musicale orale. Dans cette perspective, en nous centrant sur le cas de la musique crétoise, musique par excellence orale, nous tentons de démontrer comment les auditeurs appréhendent et mémorisent des structures musicales lors et grâce à des moments d’interaction participative et des rythmes partagés. À partir du concept ethnomusicologique du modèle, envisagé dans le cadre de ce travail non seulement comme une « structure minimale, invariante » mais aussi en tant qu’une grammaire gestuelle, nous analysons les comportements des auditeurs lors des trois expériences mnémoniques. Nous y mettons en évidence comment les gestes temporels qui associent ici musique et danse, schématisés et codés dans un modèle, peuvent diriger la segmentation d’une pièce et son identification. À cet égard l’objectif fondamental de cette thèse est de montrer à travers le « paradigme oral » que la communication d’émotion par le biais des expériences dynamiques, est à la base même de la cognition musicale. / This work proposes to study the reception of traditional oral music as a dynamic process and particularly as an act of time construction developed essentially during live performance, a privileged place of oral musical experience. In this regard, by focusing on the case of Cretan music, oral par excellence, we attempt to indicate how the listeners understand and memorize musical structures during and thanks to moments of participative interaction and shared rhythms. Based on the ethnomusicological concept of model, considered in this work not only as an “invariable, minimal structure” but also as a gestural grammar, we analyze the behavior of listeners at three memory experiments. We can see how the gestures of time witch join here music and dance, schematized and coded in a model, can direct the segmentation and the identification of a piece. In this regard, the fundamental aim of this thesis is to demonstrate through the “oral paradigm” that the communication of emotion using dynamic experiences is fundamental to the musical cognition.

Quel est le sens de ce geste, finalement assez étrange, qui consiste à vouloir (s') improviser en musique, jusqu'à vouloir se montrer improvisant ? C'est en résonnant de grand air que ses significations raisonnent, et qui s'abordent aussi en sabordant. Ici, le complexe d'identité dans son entier est bouleversé, comme mis à vif dans un amour du son délesté de musique : l'urgence s'éprouve au plus fin, sur la crête d'un temps prêt à tout moment à s'évaporer en une immédiateté aussi foncièrement nouvelle qu'ancestrale. Le spectacle d'improvisation apparaît dès lors comme une sorte de lieu de jonction entre la fête sacrée et l'intimité d'un art brut. À la rencontre de l'autre pourtant dénié, le rapport à soi de l'improvisateur en jeu retrouve sa mondanéité propre et son originalité souveraine. / Why does someone want to improvise (by) music, and even show himself improvising ? Meanings of improvisation appear by resounding to wild life, and need destruction to be sensed. Here, the overall identity is shattered, sublimed in a love for sound without music. Improviser feels the urge, when time is ready to disappear in a new and ancestral immediacy. In this way, improvisation's show is like a confluence of sacred celebration and naive art. At the encounter of the one yet denied, the improviser's self-appreciation finds its own worldhood and its sovereign originality.

Corpographies en Danse est une recherche complexe et « indisciplinée ». Développée entre les domaines de la Science de l'information et des Sciences du langage,l'investigation se lie fortement aussi au terrain de la Danse et s'appuie, principalement,pour des fondements philosophiques, débordant et conjuguant donc, différentes frontières disciplinaires. Cette trame théorique est développée afin de rendre visible la présupposition qui déplace notre quête, que ce soit: l'hypothèse que le corps éprouve,sensiblement, l'information et qu’à travers la gestualité nous pouvons mettre en évidence cette relation sous-jacente. Ainsi le début de notre argumentation est orienté par une réflexion philosophique sur le corps, en vue de souligner la complexité de notre objet principal et également, de proposer une approche qui réfléchit ce corps en communion constante avec le monde. Nous nous référons à l´ontologie de la chair chez Merleau-Ponty, que nous plaçons à l’arrière-plan du jeu entre les éléments que nous avons mis en lumière afin d’intégrer et composer le tracé souhaité. Parmi ces éléments,l’information est le premier à être déployé, révélant ses aspects sensibles et qualitatifs qui seront appelés infosignes. Dans cette direction, l’information trouve son devant et son envers, son visible et son invisible, et avant tout elle devient puissance, qui doit être actualisée devant un corps qui est son dispositif. Ensuite, le geste est révisé dans une revue de littérature qui va de l’anthropologie et la philosophie à la perspective somatique et la danse. Face à ce qui est présenté, le geste est saisi en tant que médialité pure, ayant dans la gestualité son côté le plus apparent. Quant à l’approche sur le terrain de la danse, nous proposons un bref panorama historique qui inclut l’émergence de la danse moderne au tournant du XXe siècle. Partant du schéma de François Delsarte qui cherchait à indiquer les associations entre les gestes et les émotions humaines, nous avons examiné quelques réflexions artistiques parmi lesquelles on peut souligner les systèmes élaborés par Rudolf Laban, qui nous serviront partiellement dans les analyses.De ce point de vue nous appréhendons l’improvisation en danse comme un exercice créatif capable de provoquer l’agencement des altérités imaginaires qui peuvent pointer le caractère sensoriel et émotif de l’information. De là nous nous questionnons les spatialités, ici centrées sur le corps. Intervient alors la notion de corpographie, à partir du point de vue de Britto et Jacques, d’où est avancée une conception du lieu, de l’espace et de l’ambiance - à des fins analytiques – comme des temps distincts de l’expérience corporelle dans l’entité physique. A partir de cette cartographie théorique nous passons à l’analyse des corpographies en danse, qui constituent notre objet empirique. Pour cela nous avons créé une méthodologie de recherche dans laquelle desdanseurs volontaires de plusieurs parties de l’Amérique du Sud et de l’Europe ontenregistré des vidéos d’improvisation en danse, dans des espaces publics, avec des consignes données en préalable. Le travail développé comprend l’information, le geste et l’espace comme des éléments d’une seule chair qui opèrent en synergie et pour lesquels il faut déterminer un méta-point de vue, qui permet de les déployer et de les conjuguer.L’apport de notre recherche apparaît dans le traçage d’une ligne invisible de sens entre l’information et la gestualité, qui suscite déjà son désassemblage dans le corps, toujours en mouvement continu. / Bodygraphies in Dancing is a complex and “undisciplined” investigation. It has been developed in between the fields of Information Sciences and Language Sciences, and it hasbeen deeply rooted to the Dance Field and is essencially fundamented by philosophical grounds, conjugating therefore distinct disciplinary boundaries. Such theoretical weave isdeveloped in order to make visible the presumptions that move our issues, which are: the hypothesis that the body experiments information quite much, and that gestures make thissubjacent relation evident. The principle of our argumentation goes somewhat around the philosophical reflection about the body so as to point out the complexity of our main research object and to equally suggest an approach which considers it in constant communion with the world. This way we investigate the onthology of the flesh by Merleau-Ponty to make it the background for the game among the elements we point out to integrate and shape up the desired design. Among such elements, information is the fisrt one to be unfolded, unraveling its sensitive and qualitative aspects which will be named infosigns. In such verticalization, information gets its right side and its inside out, its visible and its invisible sides, and above all, it becomes potency, to be updated before a body which is its trigger. Further on, the gesture comes to be revised with views of a literature that ranges from antropology and philosophy to the somatic perspective and the dance. Due to what is presented, it is taken as pure mediality and has in gesturing its most aparent side. Concerning the dance field approach, we promote brief retrospective which compromises the urge of modern dance at the turn of the 19th to the 20th century. Having François Delsarte’s schematic as a starting point, who attempted to show associations between gestures and human emotions, we glide through some artistic reflections such as the systems elaborated by Rudolf Laban, the most outstanding ones, which are important references ground to our analysis demands. From that being done we could consolidate our understanding of improvisation in the dance, as a creative exercise able to provoke the acting of imaginary alterities which may point to the sensorial and emotional character of information. We have therefore dedicated ourselves to the debate over the spacialities which are here focused in the body. In such scope, the notion of bodygraphy has been included – under Jacques and Britto’s points of view – and from this notion, our conceptions of place, space and ambience – elaborated for analytical ends - have also been included, as distinct times of the bodily experience in the physical entity. Up to this point, we conclude our research cartography and go towards the analysis of our bodygraphs in dancing, which conform with our empiric objective. With that in mind, a research methodology was developed in which volunteer dancers from various parts of America and Europe made videos of dance improvisation in public spaces according to previous orientation. That way the elaborated work encompasses the information, the body, the gesture and the space as elements of the same flesh which operate in sinergy and demand a complex point of view that can unfold, tighten and conjugate them. Such efforts and contributions of this research design an invisible thread of sense between information and gesturing which untangles as it is built since the body is an ever moving (meaningful) entity.