Aujourd'hui, diverses propositions artistiques se fondent sur la rencontre entre l'artiste et le spectateur. Mettant en relation réflexion et création, cette thèse vise à étudier le contact en tant que geste créateur-générateur d'œuvre avec l'autre. Grâce aux liens qui se tissent entre le toucher, le corps, le tact, l'accueil, l'étranger, la famille et aussi grâce à l'apport des philosophies traditionnelles (amérindiennes et orientales), on découvre que, à rebours d'une société qui encourage l'individualisme et la consommation, revenir au geste du contact offre une manière différente d'expérimenter l'art -et la vie- dans un respect de l'autre et de soi-même. L'interdépendance apparaît alors comme une règle de vie commune et le contact comme un « moyen-remède » pour combler, améliorer ou guérir la dysharmonie dans nos rapports au monde extérieur. Mon projet Con-facto privilégie ainsi une expérience du corps et du toucher (tactile ou relationnel) conscient, laissant surgir une nouvelle esthétique fondée sur une idée de beauté, d'harmonie et d'équilibre dans« l'être avec». / Many recent artistic projects explore the encounter between the artist and his audience. Interconnecting creation and analysis, this thesis studies contact as a gesture of creation-workmanship with another. Thanks to the ties that bind touch, body, tact, strangers and family, with support from (Asian and Native American) traditional philosophies, we realize that, while our society promotes individualism and consumerism, coming back to the gesture of contact offers a different way of experimenting art -and life- white respecting both the other and oneself. Therefore, interdependency can be viewed as a rule of life in community, and contact as a "mean/cure" to alleviate, improve or heal disharmony in our interactions with the outside world. Through experience of the body and of conscious touch (tactile or relational), my project, Con-facto, unveils a new esthetic based upon the idea of beauty, harmony and balance in "being with".

Mémoire en recherche-création / Dérive(s) cinématographique(s) est une recherche pratique et théorique de la dérive au cinéma. Elle concerne à la fois des œuvres et des pratiques déjà existantes aussi bien qu’une expérimentation esthétique, formelle et structurelle que je mène personnellement. L’identification d’un cinéma de la dérive a pour but de dégager les motifs, les mouvements et les dynamiques principalement engagés dans ce geste. Il s’agit alors de concevoir la dérive comme un potentiel de fuite qui agit, transforme, et déterritorialise l’espace filmique. / Cinematic drifting(s) is a theoretical and practical research project that explores drifting (la dérive) in cinema. It involves both looking at existing works and practices, as well as aesthetic, formal and structural experimentation in which I am personally embarking. The aim of identifying a cinema of the drift (cinéma de la dérive) is to extract the main patterns, movements and dynamics engaged in this gesture. Drifting is thus conceived in its potential of flight as a force that acts, transforms and deterritorializes the cinematic space.

La question de l’ontologie s’est cristallisée en philosophie de la musique autour de la notion d’œuvre, mais il est possible de centrer le raisonnement sur d’autres objets, tels que la formation instrumentale ou le genre musical. Il est ainsi possible de construire une ontologie du quatuor à cordes. Le quatuor est à la fois une formation, un genre né à l’époque classique et un ensemble de quatre musiciens, ces trois niveaux sémantiques constituent les éléments fondamentaux de ce système. La formation est une instrumentation cristallisée, plus techniquement, elle est une structure des moyens d’exécution devenue autonome, potentiellement séparable de la structure sonore pure qui lui était adjointe dans les premières œuvres pour ces instruments. Il s’est formé, au fil des ans et des œuvres, une réalité quatuor à cordes ontologiquement dense. Cette densité ontologique s’explique en partie parce qu’un genre a découlé de cette formation. Le genre « quatuor à cordes » a un fonctionnement historique qui peut être comparé à celui des autres grands genres de la musique savante occidentale, grâce à deux concepts : la cristallisation et la plasticité. Tout genre oscille en effet entre ces deux tendances antagonistes : la cristallisation qui transforme l’inédit, le nouveau et l’occasionnel en norme, règle et tradition et la plasticité qui, elle, pousse à l’innovation, à l’exploration et à la recherche compositionnelle. Le quatuor à cordes n’est pas un genre paradigmatique, il est exceptionnel, puisque son histoire montre un équilibre spécifique entre une forte plasticité et une forte cristallisation. Si la formation peut être définie en termes d’autonomisation d’une structure des moyens d’exécution, le genre, lui, gagne à être pensé comme une réunion d’archi-structures. Une dernière partie est consacrée au corps et au geste musicien. Il s’agit alors de voir si les outils conceptuels platonistes permettent de penser les réalités plus concrètes, physiques et matérielles, du quatuor. Tout comme l’équilibre dialogique des quatre voix est une caractéristique essentielle du quatuor à cordes, le dialogue entre les analyses conceptuelles, les développements historiques, les observations esthétiques et les études musicologiques constitue la spécificité de ce travail. / The aim of this thesis is to build an ontology of the string quartet. The designation ‘string quartet’ can refer to three different meanings: a group of four musical instruments (formation), a genre, or a group of four musicians who play together. In musicology, a string quartet is distinguished by the homogeneity of the timbres, the individuality of voices, the quaternity and the specific dialogism of the voices. This work proposes to describe these three semantic levels and their essential characteristics, hence a wide selected corpus: Haydn, Mozart, Beethoven, Reicha, Bartók, Schönberg, Feldman, F.Baschet amongst others. The first part consists of an ontology of the instrument formation and shows that a quartet is a “structure of performing means” which became autonomous with regard to the “pure structure” as defined by Jerrold Levinson. From that point of view, the string quartet is a reliable paradigm to think of the birth of other formations and their historical developments. The second part consists in constructing an ontology of the genre and demonstrates that the historical evolution of the string quartet is not paradigmatic but exemplary; and that its development is determined by a balance between plasticity and crystallisation. The final part examines the ontological limits of the string quartet: on the one hand, the timbre, and on the other, the musicians’ bodies through specific physical gestures. This thesis, therefore, aims to develop an ontological system that is characterised by its different essential elements, its specific rules (plasticity versus crystallisation), and its limits. These philosophical analyses not only relate to existing musicological research, but also involve a consideration of dance performance, film and various other artistic works.

La Vengeance Nostre Seigneur est une chanson de geste écrite vers 1200 qui raconte la destruction de Jérusalem en 70 de notre ère par Vespasien et Titus comme une vengeance pour la Crucifixion. Elle nous est parvenue dans dix manuscrits, tous des recueils, étant donné sa relative brièveté (1200 à 3400 vers, selon les rédactions). Or, ce texte adopte un comportement particulier dans certains des manuscrits qui le conservent : le récit de la vengeance du Christ bourgeonne dans d’autres textes où l’on n’attendrait pas sa manifestation. L’objectif de cette étude est double : comprendre comment est pensé, conçu et construit le recueil médiéval d’une part, à partir du recueil de Paris, BnF, fr. 1553 ; d’autre part, il s’agira d’évaluer le rôle que la Vengeance Nostre Seigneur peut jouer dans la composition des manuscrits qui l’hébergent. Après l’analyse du recueil du Moyen Âge central en général et du recueil de Paris, BnF, fr. 1553 en particulier, l’étude se concentrera sur la Vengeance Nostre Seigneur afin de la situer dans le paysage littéraire médiéval (étude des sources, analyse générique, contexte de circulation). Il s’agira de comprendre la place qu’elle occupe dans le manuscrit de Paris, BnF, fr. 1553 et de saisir le phénomène de rayonnement qui surgit dans ce recueil. Le rôle de la Vengeance dans deux autres manuscrits qui, bien que fort différents, occupent une place importante dans la tradition, le recueil de Paris, BnF, fr. 1374 et le recueil de Turin, BNU, L.II.14, sera ensuite étudié, notamment en ce qui a trait au rayonnement de la légende. Enfin, les trois copies du texte seront comparées afin de déterminer dans quelle mesure ces trois rédactions représentent précisément le même récit. / The Vengeance Nostre Seigneur is an epic poem written around 1200 which depicts Jerusalem’s destruction in 70 AD by Vespasian and Titus as a vengeance for the Crucifixion. It is now known in ten manuscripts, all of them miscellanies, given its relative brevity (1200 to 3400 verses, depending on the redaction). This text has a peculiar behavior in some of the manuscripts where it is kept: the story of Christ’s vengeance appears in other texts in which we would not expect its manifestation. The purpose of this study is twofold: on one hand, to understand how the medieval collection is thought, built and conceived, from the manuscript of Paris, BnF, fr. 1553; and on the other hand, to evaluate the role the Vengeance Nostre Seigneur played in the composition of the manuscripts that hosts it. After analysing the medieval miscellany in general, and more specifically the Paris, BnF, fr. 1553 collection, the study will focus on the Vengeance Nostre Seigneur to position it on the medieval literary scene (study of the sources, generic analysis, circulation context). The goal will be to demonstrate the role it played in the Paris, BnF, fr. 1553 manuscript and to understand the phenomenon of unexpected presence of the legend in other texts of this collection. There will then be a study of the same phenomenon in two very different manuscripts that both occupy an important place in the tradition; the manuscripts of Paris, BnF, fr. 1374 and Turin, BNU, L.II.14. Finally, the three copies of the text will be compared to determine if these three redactions represent precisely the same story.

L'étude consacrée à Daurel et Beton consiste à décrire une forme poétique singulière, celle de la chanson de geste en langue d'oc du XIIe siècle. La recherche porte ainsi sur les ressources de la langue pour créer le matériau épique. Dans Daurel et Beton, en effet, la langue lyrique, la langue des troubadours, des poètes du Sud, devient la langue épique. Il nous faut donc saisir la vocation de notre poème : offrir le vécu immédiat de l'incantation sonore au public mis en présence de la langue poétique des origines, celle de la chanson de geste en langue d'oc qui naît à la littérature. De plus, dans Daurel et Beton, le jongleur, ordinairement cantonné aux motifs culturels et extradiégétiques, devient un personnage de premier plan dans le récit. L'analyse se place également sur le terrain de l'anthropologie et tente de saisir la dimension culturelle de l'oeuvre dans tous ses aspects, c'est-à-dire le fonctionnement de la société féodale perceptible au travers des situations du récit, la conception des rapports sociaux et plus généralement la vision de la sociabilité aristocratique, des rituels qui définissent les échanges humains au Moyen Âge. / Daurel et Beton is a chanson de geste written in old provencal, and a particular poetic form from the twelfth century. What are the resources to create the epic material ? Surely the lyric language : the forms are loud-sounding, full of matter, highly musical, and the chanson. quite different from those of Northern France, returns to the primary source of epics. Moreover, in Daurel et Beton, noteworthy is the fact that the jongleur exceeds the cultural and metalinguistic functions he fulfils usually in the genre and becomes a character of primary interest in the plot. Besides, this text deserves en anthropology investigation. i.e. how the feudal suciety is showned in tbe narratives situations, and which are the interactions between individuals in the Middle Ages society depicted in South Old French epics. Thus, it is possible to tackle the status of the epic imaginary bound to the poetic form, and to observe how genre and its style evolved int the South of France.

La thèse examine la relation entre geste et écriture dans les 32 Pièces pour piano (1940) de Skalkottas. Après identification des nombreuses influences perceptibles dans le corpus, une étude approfondie de la notation pianistique particulière du compositeur est proposée. Pourquoi les 32 Pièces pour piano sont-elles peu jouées ? La réponse argumentée repose sur la difficulté technique. L’interrogation sur le geste pianistique approprié est ainsi rendue légitime. Le terme procédé compositionnel est proposé pour rendre compte d’habitudes d’écriture dont le compositeur hérite des grands maitres du passé ; ces procédés ne sont pas en eux-mêmes notables, mais le deviennent quand ils sont combinés au geste pianistique pour l’articulation formelle des pièces. La problématique que nous proposons d’élucider, à travers l’analyse combinée des gestes pianistiques et des procédés compositionnels, est sous-tendue par l'évolution de la relation entre l’aspect physique et l’écriture, l'une ou l'autre dimension prenant le dessus. Les symboles proposés par Sandor, dans sa méthode, sont récupérés et complétés par d’autres symboles, afin de permettre une analyse gestuelle des 32 Pièces. Ils sont ensuite combinés à des symboles proposés par l’auteure, rendant compte des procédés compositionnels relevés. L’analyse d’un choix de pièces culmine à la proposition du terme distillation, mettant l’accent sur l’assimilation organique des influences de la part de Skalkottas. La question d'une éventuelle organisation cyclique de l’œuvre est aussi traitée. Le Vol. II propose une édition critique complète des 32 Pièces, fondée sur la comparaison détaillée des deux manuscrits existants. Des entretiens avec des pianistes ayant interprété les pièces complètent le travail. / The thesis examines the relationship between gesture and composition in the 32 Piano Pièces (1940) by Skalkottas. Following the identification of the various influences perceptible in the corpus, a thorough study of the pianistic notation of the composer is undertaken. Why are the 32 Piano Pièces not often performed? The answer is their technical difficulty. The legitimacy of an in-depth study of the appropriate pianistic gesture for their interpretation is thus confirmed. The term compositional procedure is proposed to describe composing techniques in Skalkottas’s work, which can be traced back to great masters of the past. These are not noteworthy per se, but become so when they are combined with pianistic gestures for the formal articulation of the pieces. The research question we propose to examine, through the combined analysis of pianistic gestures and compositional procedures, is supported by the evolution of the relationship between the two dimensions, the physical and the written aspect. The symbols in Sandor’s pianistic method are retrieved, completed by other symbols and applied in a gestural analysis of the 32 Piano Pieces. They are then combined with new symbols proposed by the author, designating compositional procedures. A selection of pieces is analyzed, culminating in the suggestion of the term distillation, to highlight how Skalkottas organically assimilated various influences. The question of whether the corpus constitutes a pianistic cycle or not, is also examined. Vol. II contains a complete critical edition of the 32 Piano Pieces, based on the detailed comparison of the two existing autograph manuscripts. The thesis is accompanied by interviews with pianists who have performed the pieces.

De plus en plus, les membres des organisations sont en situation de mobilité permanente. Ils téléphonent en marchant, font des réunions à distance, ou sont présents dans des espaces de travail partagés pour un temps limité. Les lieux de travail sont davantage traversés qu’ils sont occupés. La gare illustre parfaitement ces tendances autant spatiales que temporelles. La question empirique au cœur de cette thèse a émergée dans le contexte actuel de la SNCF qui refond largement l’espace de ses gares et repense en profondeur le rôle de ses agents. Elle le fait sur fond de digitalisation de ses activités historiques. Dans ce contexte, le cas des agents commerciaux représente un changement de paradigme, avec des pratiques de travail de plus en plus mobiles et « dé-fixées ». Cette mise en mouvement des agents se heurte à une conception historique qui envisage la gare comme un ensemble d’espaces fermés, fixes et stables dans leurs fonctions et leurs usages. Notre constat empirique rejoint un vide conceptuel : si la théorisation des espaces « entre-deux » s’est développée en théories des organisations, on en sait peu sur la manière dont la transition émerge dans les pratiques de travail. En effet, on connaît surtout le point de vue de ceux qui traversent ces espaces. On cherchera donc ici à éclairer le point de vue de ceux qui organisent ces transitions par leurs pratiques de travail. Dans notre thèse, nous pensons le caractère transitionnel de l’espace comme une expérience et un processus indissociables des pratiques de travail. Notre ethnographie porte sur plusieurs grandes gares en France. Elle est complétée par une longue observation-participante des directions centrales chez SNCF sur une durée de trois ans. Cette phase empirique nous a permis de mieux comprendre les métiers et les logiques d’aménagement des espaces. Nous avons analysé l’espace-temps au travers de trois pratiques-clés des agents commerciaux (la vente, l’information et l’embarquement). Nous centrons notre analyse sur les pratiques, en particulier leurs modes d’expressions corporelles, en adoptant une posture phénoménologique. Notre recherche démontre comment les pratiques sont performatives d’un espace-temps de transition. Pour que l’espace soit traversé, il nécessite des gestes qui sont autant de points de rencontres pour diriger, orienter, conseiller ou rassurer les voyageurs. Nous contribuons à la littérature en théories des organisations sur l’espace organisationnel et les pratiques corporelles en conceptualisant le rôle des gestes-frontières dans ces expériences comprenant des dimensions spatiales, temporelles, matérielles et corporelles. Nous proposons également des contributions stratégiques et managériales en insistant sur une logique de fluidité, recherchée dans les parcours des voyageurs en gare. / Organisations’ members are increasingly permanently moving. They talk on the phone while walking, they attend meeting remotely and they share coworking space for a limited period of time. People are increasingly navigating their workspace rather than settling in it. The train station is a perfect example of this spatial and temporal trend. Our empirical question emerged from our fieldwork at the SNCF, which is currently reshaping space within its stations, and deeply re-thinking the role of its field agents. This reorganisation takes place in a context of digitalisation of the organisation’s historic activities. In that regard, we are seeing a paradigm shift in the role of commercial agents, who now become increasingly mobile. Moving agents contrast with a common historical perception of train stations as an aggregation of areas which functions and uses are closed, fixed and stable. This empirical observation converges with a theoretical gap: despite an awareness for “in-between” spaces in organization studies, the literature has paid little attention to how these spaces are enacted through work practices. Indeed, this literature is still more focused on the experience of users and travellers in these spaces, rather than the laboring bodies which are producing space in their everyday work. In this doctoral work, we approach the transitional aspect of space as an experience and a process closely related to work practices. We conducted an ethnography around several French train stations and undertook participant observation of central management for three years at SNCF. This empirical work allows a better understanding of professions and space planning processes. We analyse space and time through commercial agents’ three key practices: sales, information and boarding. We focus on embodied practices, by adopting a phenomenological approach. This study sheds light on the ways practices create a transitional spacetime. In order to the space to be crossed, movements are needed. Those movements are like meeting points which direct, orient, advise or reassure travellers. We contribute to organization theories literature about organizational space and embodied practices by conceptualizing the role of boundaries-gestures in those experiences which encompass spatial, temporal, material and embodied dimensions. We also offer strategic and management contributions by enhancing our understanding of flow and logic required in traveller’s journey.

De quelle manière un enseignant de discipline dite non linguistique (DdNL) prend-il en charge la situation exolingue de sa classe ? En d’autres termes, quelle place pour la L2 dans les pratiques des enseignants de DdNL ? Cette question de recherche a été posée à 60 acteurs éducatifs variés de trois écoles religieuses bilingues français-arabe en Egypte. Le corpus est constitué de séquences filmées de cours de sciences et de mathématiques en français, d’entretiens audios des différents acteurs et de matériel pédagogique. Cela a permis de procéder à une analyse quantitative et qualitative, contextualisée, des pratiques observées. Les résultats montrent que les enseignants mettent tous en œuvre des gestes de médiation et des gestes discursifs en cours de DdNL, qu’il existe des gestes de médiation plus spécifiquement disciplinaires, que l’alternance codique est utilisée par tous, et que les enseignants utilisent la dimension métalangagière et métalinguistique pour expliquer le fonctionnement de la L2 tout en constituant un registre discursif disciplinaire. Ceci permet de conclure que les enseignants de DdNL ont aussi pour objet d’enseignement certaines dimensions de la L2. Toutefois, l’existence de ces pratiques ne suffit pas à les légitimer, ni auprès des enseignants de DdNL, ni auprès des autres acteurs éducatifs. Ce paradoxe entre pratiques et représentations induit une zone d’incertitude sur ce que doivent être les gestes de métiers des enseignants de DdNL. La finalité de notre étude tente de lever cette ambiguïté en observant, en relevant, en définissant et en catégorisant les gestes professionnels traitant de la L2 en cours de DdNL et en convoquant l’état de la recherche dans le domaine de la didactique des DdNL. / How teachers of non-linguistic subjects take in charge the exolingual situation of their classroom ? What space is made for L2 within the practices of these teachers ? This question was asked to 60 educational actors from three religious bilingual French-Arabic schools in Egypt. The corpus is made of sequences of footage during science and mathematics classes, of recorded interviews of various actors and of teaching material. This allows to move forward with a quantitative and qualitative analysis of the practices observed. The results show that all the teachers use mediation and discursive gestures in their lessons. Some mediation gestures are more specific to some subjects, all teachers use code switching, and metalinguistic and « metalangagière » dimension for L2 explanation, which is helping for developing discursive register for each discipline. In conclusion, non-linguistic subject teachers consider L2 as a teaching target. Nevertheless, the existence of these practices doesn’t allow legitimation by teachers themselves or by other educational actors. This paradox between practices and representations produces doubt about what should be a professional gesture for the sample of teachers in our corpus. The outcome of our study is precisely to remove this ambiguity by observing, pointing out, defining and categorizing professional gestures concerning L2 during a non- linguistic subject lesson and supporting by present research on immersion and integration, in a didactic field.

Cette thèse porte un regard sur les musiques improvisées et leur rapport à la scène à travers mon expérience et celle de treize personnalités du milieu des arts avec qui j’ai eu des entretiens privilégiés. L’essence de cette démarche est d’observer comment les créateurs utilisent l’improvisation en situation de concert ou simplement comme méthode de recherche grâce aux outils numériques ou analogiques. Ce panorama me permet de mettre en perspective mon travail de composition et de recherche à une époque où, comme créateur, j’ai bifurqué vers les musiques numériques après de longues années d’écriture et de performance scénique dans le milieu du jazz et des musiques d’improvisation. Au passage se problématise la causalité du geste lors de la performance avec des outils numériques. La thèse retrace tout d’abord un parcours sommaire de la musique improvisée – plus particulièrement celle que l’on appelle la musique actuelle au Québec ou encore lafree improvisation. À travers ce survol seront soulevées quelques questions de nomenclature et d’esthétique afin de mieux cerner les enjeux propres à cette pratique. La réflexion se poursuit avec des entretiens à travers lesquels j’explore la comprovisation, le DJing, les instruments de musique numérique, la danse et la composition. La réflexion culmine autour de cinq de mes œuvres écrites en collaboration avec les milieux de la musique improvisée et de la danse. / This thesis looks at improvised music and its relationship to the stage through my experience and that of thirteen personalities from the arts world with whom I have had privileged interviews. The essence of this approach is to observe how creators use improvisation in concert situations or simply as a research method using digital or analog tools. This panorama allows me to put my composition and research work in perspective at a time when, as a creator, I have turned towards digital music after many years of writing and stage performance in the field of jazz and improvisational music. In passing, the causality of the gesture during performance with digital tools is problematic. The thesis first retraces a brief journey through improvised music - more particularly what is called musique actuelle or free improvisation. Through this overview, a few questions of nomenclature and aesthetics will be raised in order to better understand the issues specific to this music. The reflection continues with interviews through which I explore comprovisation, DJing, digital musical instruments, dance and composition. The reflection culminates around five of my works written in collaboration with the improvised music and dance communities.

Ausgehend von der These, dass neue mediale Formate wie Autorenclips oder Buchtrailer die körperliche Präsenz des Autors als Spielfläche zur Inszenierung und Vermarktung der Person und des Werkes nutzen, stellt der vorliegende Beitrag die Körperlichkeit von Autoren in Buchtrailern in das Zentrum seiner Überlegungen. Basierend auf einer explorativen Studie zu Buchtrailern werden zwei mediale Grundmuster präsentiert, die für die Körperperformanz von Autoren prägend sind. Einerseits schreiben Buchtrailer antike rhetorische Traditionen weiter, die mit dem Schlagwort der „Domestizierung des Leibes“1) zu einer Beschneidung der Darstellungsfunktion und einer Fokussierung des Affektausdrucks in Buchtrailern führt. Andererseits wird die Multimodalität von Sprache und die Vielfalt des körperlichen Ausdrucks, von Mimik, Körperhaltung bis hin zu Gesten, als visuelles Gestaltungsmittel in Trailern zur Erzielung bestimmter Effekte eingesetzt. Abschließend werden die Befunde vor dem Hintergrund einer möglichen genrespezifischen Verteilung diskutiert. 1) Müller, Cornelia: Redebegleitende Gesten: Kulturgeschichte, Theorie, Sprachvergleich. Berlin, 1998, S. 25ff.