Entre 1869 et 2009, Napoléon Bonaparte fait l'objet de manifestations culturelles à l'occasion de la commémoration des grands moments de sa vie ou de sa carrière politique et militaire. Ces commémorations se déroulent dans des contextes politiques nationaux et internationaux différents. Sous Napoléon III, on note une certaine indifférence, voire même beaucoup de recul pour ne pas trop honorer le fondateur de la dynastie dans un contexte politique difficile pour l'Empereur du Second Empire. La Troisième République alterne entre une attitude prudente et un engagement très fort en 1921. Le moment le plus fort de ces commémorations a lieu pour le bicentenaire de la naissance, en 1969. Les autres bicentenaires, de 1993 à 2009, alternent moments de désintérêt, tensions comme celles soulevées par les polémiques de 2005, et regain de publication chez les éditeurs. Napoléon semble donc un personnage historique difficile à commémorer dans un pays où il continue pourtant d'occuper une place importante dans le paysage culturel, et ce, deux cents ans après. / Between 1869 and 2009 Napoleon Bonaparte was much commemorated through cultural events to celebrate the great periods of his life and his political or military career. Those commemorations took place within various national and international contexts. Under the reign of Napoleon the Third, there was a certain indifference, not to say a lot of reluctance to honor the founder of the dynasty, in a difficult context for the Emperor of the Second Empire. During the Third Republic that interest for Napoleon went from a restrained commitment to a very strong undeniably during the bicentenary of his birth in 1969. As for the other bicentenaries between 1993 and 2009, there were times of disinterest alternating with times of tension like that caused by the controversies in 2005, and also times of increased publishing. Napoleon can therefore be seen as a historical character, who cannot be easily commemorated, in a country where he still stands as a very important person in the cultural scene and that even two hundred years after he resigned.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

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La mort héroïque de Jean-Olivier Chénier, lors de la bataille de Saint-Eustache, lui a conféré une valeur symbolique de héros, de martyr et de rebelle, et a fait de lui un emblème par excellence des Rébellions et de la nation canadienne en gestation. Pourtant, ce héros national tout désigné a été et reste encore l'objet d'une forte censure dans la mémoire collective. S'inspirant de la théorie et de la démarche freudiennes, l'auteur de cette thèse tente de comprendre ce qui rend si difficile l'assimilation de la mémoire de ce personnage par la conscience historique. Combinant l'histoire de la mémoire, la recherche historique et l'analyse de textes, l'auteur montre d'abord l'insuffisance des explications habituelles de cette censure, relevant de la politique et des idéologies. Il montre que derrière le souvenir de Chénier se cache une partie refoulée de l'histoire canadienne : loin d'être un épisode isolé de l'histoire, la défaite patriote met fin à une longue tradition de résistance et de démocratie populaires et, de ce point de vue, représente peut-être la véritable conquête. L'analyse des textes liés au personnage de Chénier permet de suivre la genèse d'une conscience malheureuse, repliée sur le conservatisme et la fétichisation des traits culturels, et dont l'origine s'enracine dans cette révolution ratée. Enfin, l'analyse du lien très étroit entre Chénier et Dollard des Ormeaux permet de montrer comment la fausse conscience et le refus du modèle héroïque se présentent comme deux manières équivalentes de refouler un élément trop dérangeant de l'héritage historique. Jean-Olivier Chénier est un personnage emblématique qui aurait dû devenir un facteur d'unité collective ; il est toujours resté un objet de division. Il aurait dû inspirer la fierté, il a toujours été traité comme un objet de honte. Cette situation témoigne d'une quadrature du cercle identitaire aux conséquences dévastatrices, qui est peut-être la conséquence la plus grave de l'échec d'une population à se constituer en nation. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

« Comic book » est un terme anglo-saxon, plus spécifiquement américain, employé pour désigner les fascicules de bande dessinée. Il a trouvé son autonomie en 1938 avec la création de « Superman » qui a amorcé l'hégémonie de la figure du « super-héros » dans la production. Au cours du vingtième siècle, éditeurs et auteurs ont eu recours à des stratégies de conquête et de fidélisation du lectorat dont le procédé de la réécriture est le plus significatif. Le super-héros fut alors soumis à l'interprétation de nombreux créateurs et devint le témoin à multiples facettes de l'Histoire des États-Unis. Il s'est dessiné à partir des années quatre-vingt une tendance réflexive qui prend cette figure comme objet critique et qui a donné naissance à ce qu'on appelle ici le « metacomic ». À partir d'un corpus représentatif, cette thèse est consacrée aux stratégies qui fondent cette réflexivité et aux discours qu'elle véhicule dans les œuvres. Elle se divise en quatre chapitres. Le premier est un descriptif de l'industrie du comic book qui explique ses particularités et l'hégémonie en son sein du genre « superhéroïque ». Le second est dédié aux processus formels qui permettent de justifier la constitution du corpus en définissant la réflexivité des œuvres. Le troisième est voué à une analyse du caractère idéologique de cette métafiction, afin de montrer en quoi la mise en crise du super-héros sert un discours sur l'Histoire et la politique américaines. Le dernier s'intéresse à la manière dont les œuvres consacrent le super-héros comme figure de l'imagination : adoptant une approche fictionnaliste, on y démontre comment transfictionnalité et univers fictionnels sont utilisés pour revisiter / “Comic Book” is the Anglo-Saxon, more specifically American term employed to describe a specific material medium for comics. The epochal moment in the history of the comic book was the 1938 publication of « Superman », which marked the starting point of the hegemony of the figure of the superhero in comic production. Over the course of the twentieth century, authors and publishers have used various strategies for winning over readers and securing their loyalty. Among these, the technique of rewriting is the most significant. Thus, the superhero has been the subject of many reinterpretations, and consequently, has born witness to many facets of the United States’ history. The publications of the 1980s have seen the rise of a reflexive approach in which the superhero becomes an object of critique himself. This new genre is here referred to as Metacomic. Drawing on a representative body of works, the doctoral thesis at hand examines the strategies that constitute this reflexivity, as well as the multiple discourses that it gives rise to. The thesis is divided into four chapters. The first chapter gives an account of the comic book industry and explains its particularities, as well as the hegemonic position of the superhero genre in the industry. The second chapter attempts a definition of reflexivity in comic books, which permits to establish a body of works to be examined. The third chapter attempts an analysis of the ideological aspects of this metafiction in order to show how the crisis of the superhero reflects on a certain discourse on American history and politics. The fourth and last chapter examines how the analysed comics establish the superhero as an agent of imag

Ce mémoire de maîtrise propose l’amorce d’une étude poétique et narratologique de la forme textuelle communément désignée par la périphrase « roman dont vous êtes le héros », qui enjoint à ses lecteur·ice·s d’incarner le·la protagoniste de son univers diégétique et à participer à la constitution du récit au fur et à mesure qu’il est lu. Comment la narration y parvient-elle à devenir le lieu d’une multiplicité unifiée de récits, phénomène pour le moins oxymorique, dont les virtualités s’en remettent aux décisions d’un·e lecteur·ice-personnage afin d’être actualisées ? Comment caractériser la poétique singulière de ces textes par le prisme de cette pluralité fondamentale ? Il s’agit, dans un premier temps, d’établir des assises méthodologiques qui puissent fournir une manière de taxonomie de la fiction interactive. L’approche cybertextuelle d’Espen Aarseth constitue cette base principale et permet notamment la mise en relation du roman-dont-vous-êtes-le-héros avec la forme numérique de l’hyperfiction, genre auquel il est souvent comparé en raison d’un fonctionnement hypertextuel commun. Le genre est ensuite examiné à l’aune du concept narratif de multiversalité, ce qui révèle que, si les romans-dont-vous-êtes-le-héros ne constituent pas des exemples parfaits de narration multiverselle, la pluralité des réalités possibles y est souvent thématisée ou poétisée au point où il est possible de parler d’effets de multiversalité ou, du moins, d’une téléologie multiverselle. Dans un second temps, il s’agit d’étudier chacune des trois œuvres du corpus, La nuit je suis Buffy Summers (2007) de Chloé Delaume, Nils Jacket contre l’Agent X (2007) de JFM et La Salamandre (2000) d’Emmanuel Aquin, et sa manière propre d’investir la multiversalité et le concept de réalités possibles ou virtuelles. Ce mémoire est ainsi l’amorce narratologique d’une étude poétique plus approfondie d’un genre liminaire, ni tout à fait récit ni tout à fait jeu, n’ayant joui d’aucun examen systématique. Ce faisant, il vise, de plus, à remettre en question l’application fréquente aux romans-dont-vous-êtes-le-héros, souvent hâtive ou rudimentaire, de cadres théoriques élaborés pour des formes fictionnelles plus consacrées, qui s’avèrent donc inaptes à représenter toute l’étendue poétique du genre. / This master’s thesis is the first step in a poetic and narratological study of the textual form commonly referred to as “choose-your-own-adventure books”, which invites readers to identify with its diegetic universe’s protagonist and to engage in the building of the narrative as it is read. How does narration become the site of a unified multiplicity of narratives––an oxymoron, to say the least––whose virtualities depend on the decisions of a reader-character in order to be actualized? How can we characterize the singular poetics of these texts through the prism of this fundamental plurality? The first part of the thesis is dedicated to the establishing of methodological foundations that can provide a manner of taxonomy for interactive fiction. Espen Aarseth's cybertextual approach constitutes this main basis and allows for the relation of choose-your-own-adventure books with the digital form of hyperfiction, to which it is often compared due to a common hypertextual functioning. The choose-your-own-adventure genre is then examined in the light of the narrative concept of multiversality, revealing that while choose-your-own-adventure books are not perfect examples of multiversal narrative, their thematisation or poetisation of the plurality of possible realities reaches a point where it is possible to speak of multiversal effects or, at least, of a multiversal teleology. The second part of the thesis examines each of the three works making up the main corpus, La nuit je suis Buffy Summers (2007) by Chloé Delaume, Nils Jacket contre l’Agent X (2007) by JFM and La Salamandre (2000) by Emmanuel Aquin, and each’s specific way of exploiting multiversality and the concept of possible or virtual realities. This thesis is thus intended as a narratological entry into a more in-depth poetic study of a liminal genre, neither quite narrative nor quite game, that has not yet been the object of any systematic examination. In so doing, it also aims to challenge the often hasty or rudimentary application to choose-your-own-adventure books of theoretical frameworks developed for more established fictional forms, which then prove unfit to represent the full poetic range of the genre.

Cette thèse analyse comment la fiction espagnole contemporaine renoue avec la tradition de l'exemplarité littéraire, à travers l'étude d'un corpus de sept œuvres publiées au tournant du XXe (1998-2004). Elle tente de mettre en lumière l'évolution de la notion d'exemplarité dans une perspective diachronique mais aussi synchronique, à travers le prisme du paradigme de pensée contemporain centré sur la notion d'individu. Les nouvelles modalités de l'exemplarité au sein de la prose narrative actuelle sont appréhendées à partir de la réactivation de son support traditionnel -- la figure du héros -- mais aussi des possibilités nouvelles qu'offrent le questionnement des frontières génériques et l'ambiguïté du pacte de lecture. Dans un monde dépourvu de consensus idéologique, les auteurs du corpus forgent leur propre grille d'interprétation du réel et substituent des réponses éthiques particulières, mais toutefois crédibles et acceptables par le lecteur, à l'imposition de vérités globales et universelles. L'exemplarité, telle qu'elle est à l'œuvre dans le roman actuel, entraîne alors une nouvelle forme d'engagement caractérisée par l'énoncé d'une éthique consubstantielle à la création littéraire.

L’objectif de cette thèse est d’explorer un mode particulier de transmission des messages contenus dans les œuvres romanesques, et plus précisément une mise en scène basée sur la représentation et la recréation d’un processus initiatique. Pour cela, après avoir étudié la permanence de l’initiation dans le monde postmoderne et délimité sa présence dans la littérature, il a été proposé une théorie et une méthode d’analyse du roman qui se veulent utiles aussi bien pour les personnages que pour le lecteur. Afin de valider cette proposition théorique et méthodologique, une application pratique en a été réalisée dans l’analyse de l’œuvre d’Antonio Muñoz Molina. En effet, les romans de l’écrivain espagnol présentent la double caractéristique d’un engagement éthique constamment réaffirmé et d’une recherche esthétique marquée tant par l’écriture labyrinthique que par la volonté d’interaction avec le lecteur. Or, l’analyse de l’évolution des personnages et de la représentation du Lecteur Modèle en suivant l’hypothèse d’une transformation initiatique a permis de mettre au jour une réitération de l’emploi du processus dans les différents romans. De plus, ce même angle d’étude des œuvres s’est révélé particulièrement apte à l’analyse des romans d’Antonio Muñoz Molina car le prisme de l’initiation a favorisé la mise en place d’une vision globale des romans prenant en compte tant leur forme que leur fond, la structure narrative que le message éthique, les personnages que le lecteur. / The broad objective of this thesis was to explore a particular way of transmitting messages contained in novels, and more precisely a mise en scene based on the representation and re-creation of an initiatory process. In this view, after studying the permanence of initiation in the post-modern world and defining its presence in literature, a theory and a method of analysing novels were suggested as being useful for the characters as well as for the reader. So as to confirm this theoretical and methodological proposition, a practical implementation was carried out in the analysis of Antonio Muñoz Molina’s work. Indeed the novels of the Spanish writer feature both a constantly reaffirmed ethical commitment and an aesthetics research characterised by labyrinth writing and the will of interacting with the reader. Besides, the analysis of the characters’ development and representation of the Model Reader according to the hypothesis of an initiatory transformation brought to light the reiteration of the use of the process in the various novels. In addition, this very angle of the novels’ study proved to be particularly suitable in the analysis of Antonio Muñoz Molina’s because the initiation prism helped the implementation of a global vision of novels that took into account both their style and content, both the narrative structure and ethical message and both the characters and reader.

Parmi les réalisateurs, producteurs et acteurs de Bombay, Raj Kapoor (1924-1988) est certainement l’un des plus célèbres et des plus originaux, qu’il s’agisse de son œuvre ou de sa personnalité. Sa vaste filmographie qui rassemble quelques-uns des plus beaux mélodrames du cinéma populaire hindi reste méconnue en France. Proches du peuple, ces mélodrames révèlent un phénomène présent dans différentes situations et sous différents aspects : le sentiment d’incompréhension.Ce travail de recherche, inspiré par la lecture de Peter Brooks et Stanley Cavell sur le mélodrame, se donne pour but de montrer que les mélodrames de Kapoor sont porteurs d’un concept particulier qui les unit et les définit comme un genre cinématographique propre que nous appellerons « mélodrame de l’incompréhension ». Le sentiment de ne pas comprendre ou d’être « mal compris » qui hante ces mélodrames se cristallise non seulement à partir des enjeux esthétiques, historiques, politiques et culturels mais aussi des événements personnels.S’appuyant sur l’esthétique du mélodrame, Kapoor multiplie la présence métaphorique du héros aveugle qui pointe la difficulté ou l’impossibilité de communiquer et fait grief à la société de ne pas le comprendre. Inscrivant sa souffrance dans un contexte plus large, le mélodrame kapoorien dépasse les frontières du drame intimiste pour s’élever au niveau du peuple, voire de la nation, selon certains auteurs. Pour amplifier le phénomène d’incompréhension, le mélodrame utilise le malentendu, la méprise, l’ignorance, la confusion, l’illusion, etc. au point que ces difficultés de communication paraissent très clairement représenter des éléments structurels marqués par la réflexion de Kapoor sur l’incompréhension, teintée de mélancolie et de tristesse. / Among Bombay’s directors, producers and actors, Raj Kapoor (1924-1988) is certainly one of the best known and most original both for his work and for his personality. His vast filmography which constitutes a collection of some of the most beautiful melodramas of Hindi popular cinema remains virtually unknown in France. Close to the people, these melodramas reveal a theme which is universally present, illustrated in a variety of situations and different lights. It is the phenomenon of incomprehension.The present work, inspired by a reading of Peter Brooks and Stanley Cavell on the subject of melodrama, aims to show that Kapoor’s melodramas treat this specific theme which unites them and allows them to be defined as a distinct cinematic genre here termed "melodrama of incomprehension." The feeling of inability to understand or of being misunderstood which haunts these melodramas is gleaned not only from aesthetic, historical, political and cultural subjects but also from personal experience.Drawing on the aesthetics of melodrama, Kapoor multiplies the metaphorical presence of the blind hero illustrating the overwhelming difficulty of communication, and blames society for a lack of understanding. Extending the resulting suffering to a wider context, Kapoor’s melodrama transcends the bounds of individual drama, reaching out to the level of the people as a whole, indeed to the entire nation according to some authors. To amplify the phenomenon of incomprehension, his melodrama uses misunderstanding, scorn, ignorance, confusion, illusion, and more. Kapoor does this to a point at which these difficulties of communication clearly represent identifiable structural elements in his portrayal of incomprehension imbued with melancholy and sadness.

Cette thèse porte sur la trajectoire éditoriale et artistique de la collection Vertigo créée en 1993 par DC Comics, maison d’édition états-unienne spécialisée dans la bande dessinée. Je me propose d’aborder Vertigo à travers l'apport des scénaristes britanniques employés par DC Comics depuis le milieu des années quatre-vingt. Leur rôle est en effet considérable, tant au moment de la fondation de Vertigo par la rédactrice Karen Berger que dans le succès ultérieur dont jouit la collection. La genèse de Vertigo met en lumière l’importance du phénomène appelé l’ « Invasion britannique », c’est-à-dire l’arrivée sur le marché états-unien de nombreux créateurs qui sont nés et travaillent à l’étranger pour DC Comics. Cette « invasion » révélera au public américain des scénaristes de tout premier plan tels Alan Moore, Grant Morrison ou Neil Gaiman, dont la série The Sandman est considérée comme un jalon majeur de l’histoire du média. La critique existante au sujet de Vertigo en général tend d’ailleurs à se focaliser sur la portion du corpus produit par les Britanniques, mais sans nécessairement prendre acte de cette spécificité culturelle. Le travail à mener est donc double ; d'une part, il s'agira de retracer une histoire du label en tant qu'instance productrice d'une culture médiatique particulière, qui s'inscrit dans un contexte socio-historique et repose sur les pratiques et les représentations de l'ensemble des acteurs (producteurs et consommateurs au sens large), eux-mêmes nourris d'une tradition qui préexiste à l'apparition de Vertigo. Il sera dès lors possible de prendre appui sur cette connaissance contextuelle pour interroger la poétique du label, et ainsi identifier les spécificités d’une « école » britannique au sein de cette industrie culturelle. / This thesis deals with the editorial and aesthetic history of the Vertigo imprint, which was created in 1993 by DC Comics, a US-American comics publisher. I shall consider in particular the contribution of British scriptwriters employed by DC and then by Vertigo from the 1980s onwards. Theise creators played a tremendous role, both at the time of Vertigo's founding by editor Karen Berger and at a later date, as the imprint gathered widespread recognition. The genesis of the Vertigo imprint sheds light on the so-called “British Invasion”, that is to say the appearance within the American industry of several UK-based creators working for DC Comics. Spearheaded by Alan Moore, the “invasion” brought to the fore many of the most important scriptwriters of years to come, such as Grant Morrison and Neil Gaiman, whose Sandman series has been described as a major landmark in the recognition of the medium. Existing criticism regarding Vertigo tends to focus on the body of work produced by British authors, without necessarily discussing their national specificity. My goal is therefore double; on the one hand, I intend to write a history of the label as the producer of a specific media culture that belongs to a given socio-historical context and is grounded in the practices and representations of the field's actors (producers and consumers in a broad sense). On the other hand, the awareness of the context in which the books are produced shall allow me to interrogate the imprint's poetics, thus identifying the specificity of a “British school of writing” within the comics mainstream industry.