La thèse propose une nouvelle édition critique du corpus lyrique du troubadour Guilhem Figueira (BdT 217), originaire de Toulouse mais actif principalement en Italie du Nord dans la première moitié du XIIIe siècle. Poète représentatif du climat historique et culturel toulousain à l’époque de la croisade contre les Albigeois, protagoniste de la diaspora de poètes et intellectuels et membre d’un cercle idéal de troubadours frédériciens, Figueira nous a laissé une chanson d’amour, deux sirventes contre la papauté de Rome et les faux clergés, deux sirventes pour Frédéric II et deux chansons de croisade. Il échangea aussi deux coblas et une tenson avec Aimeric de Peguilhan (BdT 10). Par rapport à l’édition de référence (Emil Levy, 1880) on a inclus une cobla esparsa anonyme contre Sordel (BdT 437) conservé dans le chansonnier P ; par contre, on a décidé de ne pas accueillir les deux pièces qui lui sont attribuées par le chansonnier a2. On a fourni une étude de la tradition manuscrite, qui compte aujourd’hui cinq nouveaux témoins, avec une mise à jour de la bibliographie ; une étude des thèmes, de la métrique et de la langue de Figueira, une traduction des pièces en italien et un commentaire ponctuel des textes ; un glossaire complet et deux annexes (l’édition du sirventes BdT 217.4a qu’on n’a pas jugé authentique mais qui sert pour l’interprétation d’une autre poésie et les premiers résultats d’une recherche sur Emil Levy éditeur de troubadours, avec l’édition de neuf lettres qu’il envoya à Ernesto Monaci entre 1879 et 1887 et que nous avons trouvé à Rome). / The thesis proposes a new critical edition of the lyric production by Guilhem Figueira (BdT 217), who was born in Toulouse and active during the first half of the XIIIth century, mainly in Northern Italy. Figueira’s corpus is representative of the historical and cultural climate in Toulouse during the Albigensian crusade; he was himself a protagonist of the diaspora of poets and intellectuals and a member of an ideal circle of Friderician troubadours. He left a love song, two sirventes against the papacy and the false clergy, two sirventes for Frederic II and two crusade songs. He also exchanged two coblas and one tenson with Aimeric de Peguilhan (BdT 10). In comparison with the critical edition by Emil Levy (1880), we have included an anonymous cobla esparsa against Sordel (BdT 437), preserved by the chansonnier P; on the other hand, we have decided not to accept two other poems assigned to him by a2. The thesis opens with a study of the tradition, which today includes five new witnesses, with an update of the bibliography; we have provided a study of themes, metric and language of Figueira, an Italian translation and a punctual commentary of the poems; a complete glossary and two appendices (the edition of sirventes BdT 217.4a, which we considered inauthentic but helpful to the correct interpretation of another poem; and the first results of a research on Emil Levy editor of troubadours, with the edition of nine letters he sent to Ernesto Monaci between 1879 and 1887 that we have found in Rome).

Lorsque Christoph Willibald Gluck (1714-1787) arrive à Paris à l'automne 1773, onze ans se sont écoulés depuis la création d'Orfeo à Vienne. La rupture avec l'opera seria a été consommée, et le développement des théories de la " réforme " initiées par la collaboration avec Calzabigi s'engage résolument dans la recherche d'un drame européen. Il serait cependant erroné de scinder la carrière du compositeur entre un " avant " et un " après " Orfeo, car l'œuvre de Gluck se définit comme l'épanouissement permanent des premières idées dramatiques appliquées dans ses premiers opéras italiens. Gluck établit sa " réforme " à partir de l'expérience sensible et pratique, questionnant en réalité l'ensemble des genres musicaux européens non pas sur leur légitimité, mais sur ce qu'ils offrent de possibilité d'émancipation. Cette étude s'intéresse aux œuvres françaises dans ce qu'elles développent d'autonomie et d'épanouissement musicaux à partir, étonnamment, du recul pris par rapport à l'indépendance de la musique, et grâce aussi à l'émergence dans l'Europe des Lumières d'une esthétique fondée sur la réunion et la liaison entre les arts. Il s'agit de proposer une contribution à l'étude musicale des dernières partitions certes prises comme autant d'éléments du langage gluckiste, mais également envisagées à partir des suggestions originelles des premières œuvres et, dans la mesure du possible, face aux discussions et polémiques sur la musique et l'opéra de l'époque. Les drames parisiens élucident dès lors le concept de langage universel dont le compositeur se réclame lui-même.

Cette thèse prend la forme d’une pyramide renversée : à la base, qui est en réalité la surface, il faut imaginer les deux poètes du XXe siècle, alors qu’à la pointe extrême se situerait Proust, point d’émanation d’une certaine énergie intellectuelle qui se diffuse dans toute la modernité. Pedro Salinas et Eugenio Montale ont lu À la recherche du temps perdu dans l’Europe du premier proustisme (1920-1930). Les poétiques du poète italien et du poète espagnol s’inscrivent dans une même recherche du secret invisible, de l’essence du monde. Le parallélisme, inédit et intertextuel, entre leurs poèmes et le roman proustien met en valeur des aspects essentiels de leur lyrisme : une mémoire intermittente, oublieuse et épiphanique, enveloppant le parcours amoureux du sujet lyrique moderne. Les recueils « La voz a ti debida » (1933) de Salinas et « Le occasioni » (1939) de Montale, en particulier, sont deux véritables canzonieri d’amour construits autour de la phénoménologie du souvenir et de l’ « adresse tutoyante ». Les poétiques de Montale et de Salinas convergent d’autant plus vers la présence-absence d’un destinataire féminin, qu’ils s’écartent du chemin du Narrateur proustien. La comparaison entre prose et poésie fait émerger l’adresse au tu comme élément nouveau qui, n’existant pas dans le roman de Proust, constitue en poésie une alternative au « solipsisme proustien ». La relation exclusive du je lyrique avec un tu lyrique l’amène à partager l’intime, à sauvegarder la mémoire et à continuer l’amour contre tout oubli. / This thesis has the form of an upside down pyramid: at the base, which is on top, we put two lyrical 20th century poets. At the tip of the pyramid is Proust, from who emanates an intellectual energy that spreads all over modern thought. Pedro Salinas and Eugenio Montale read “In Search of Lost Time” during the first period of European proustism (1920-30). Just as Proust, they shared the same search for the invisible secret, for the world’s essence. Comparing their poems between them and with Proust’s novel reveals key-aspects of their lyricism. In their poetry, like in Proust’s novel, memory is intermittent, alternating between oblivion and epiphanic moments that are essentially part of the experience of love. “La voz a ti debida” (1933) by Salinas and “Le occasioni” (1939) by Montale are based on a phenomenology of memory and love address. When Montale’s and Salinas’s poetics converge on the importance of dialogue with female figure, they move away from the Proustian narrator’s trajectory. The comparison between prose and poetry demonstrates that the lyrical relationship with “you” (an element which was absent in Proust's novel) has a direct impact on the writing form. Dialogical form of lyricism appears an alternative to the “Proustian solipsism”. The lyrical subject of Salinas and Montale can share with his beloved “tu” (you) his memory and preserve love from oblivion. / Questa tesi ha la forma di una piramide rovesciata: alla base, che è in realtà la superficie, sisituano due poeti del XX secolo, la punta estrema è invece Proust, punto d’emanazione d’una certa energia intellettuale che si diffonde in tutta la modernità. Pedro Salinas e Eugenio Montale hanno letto Alla ricerca del tempo perduto immerse nel primo proustismo europeo (1920-1930). Le poetiche del poeta italiano e del poeta spagnolo convergono verso una ricerca simile del segreto invisibile, dell’essenza del mondo. Il parallelismo, inedito e intertestuale, tra le loro opere e il romanzo di Proust mette in luce alcuni aspetti fondamentali della loro poesia lirica: memoria intermittente, oblio e momenti epifanici costituiscono il perno del loro discorso soggettivo e amoroso. Le raccolte “La Voz un debida ti” (1933) di Salinas e “Le occasioni” (1939) di Montale, in particolare, sono due “canzonieri” moderni costruiti intorno alla fenomenologia della memoria e al dialogo con il tu amato. Le poetiche di Montale e di Salinas convergono verso la presenza-assenza costante di un tu femminile nel momento stesso in cui più si allontanano dal percorso del Narratore proustiano. Il confronto tra poesia e prosa lascia emergere il dialogo con il “tu lirico” come un elemento nuovo, inesistente nel romanzo di Proust, che diventa in poesia un’alternativa al “solipsismo proustiano”. La relazione esclusiva tra io e tu lirico porta il soggetto lirico alla condivisione dell’intima ricerca, per custodire la memoria e continuare l’amore contro le forme dell’oblio.

Jean Degottex, né en 1918 et décédé en 1988, est un peintre qui a exercé des années 1938 jusqu'à sa mort, soit pendant cinquante ans. Se tournant assez tôt dans sa pratique vers une peinture gestuelle, il est vite remarqué pour cela par André Breton qui y voit la mise en pratique de l'automatisme qu'il recherchait dans l'écriture. Il n'a cependant jamais adhéré au surréalisme tout en étant sensible à certains de ses aspects. La poésie en particulier est une de ses sources d'inspiration majeure. Curieux de l'Orient et de ses calligraphies, il montre un intérêt plus particulier pour l'Asie. Après une rupture importante au milieu des années 60, il reprend son travail en se focalisant tour à tour sur le cercle, la déchirure ou encore la ligne afin de mettre en évidence les caractéristiques plastiques de la matière : la toile, le papier, le bois sont ainsi ouverts, écorchés, disséqués et montrés tels quels, afin de ne rien cacher des processus à l’œuvre dans le travail du peintre. Sensible aux climats sociaux de son temps, la peinture est pour lui une façon de militer. A partir de la biographie du peintre, basée sur ses propres archives, ce travail met en évidence ses contacts, ses réseaux et sa place en France et dans le Monde. L'analyse s'arrête sur ses outils et ses méthodes de travail et montre également l'importance du temps et de la chronologie car elle éclaire la logique interne à l’œuvre, permettant de passer d’une pièce ou d'une série (appelée Suite chez Degottex) à la suivante. / Jean Degottex, was born in 1918 and died in 1988. He worked from 1938 to his death, during fifty years. Early using gestural painting, he is recognized by André Breton for that, who is seeing in this manner the perfect automatism in painting, the same automatism he was seeking in writing. Degottex never subscribed to Surrealism, but he was receptive to some of its aspects. Poesy is one of his major sources of inspiration. Interested in East and its calligraphies, he showed a special interest for Asia. After an important break in his work in the middle of the Sixties, he went back to his work by making a focus on the circle, the rip or the line, with the will to show all the plastic characteritics of the material. Canvas, paper or wood are opened, skinned, dissected and shown as is, with the desire to hide nothing of the processes at work in the painter's work. Sensitive to the social climate of his time, painting was for him a way to militate. From his biography, based on his own archives, this work highlights his contacts, his networks and his place in France and in the World. The analysis put an emphasis on his tools and working methods, and also shows the importance of time and chronology, as it sheds light on the painter's work internal logic, moving from a piece or a series (called Suites by Degottex) to the next one.

Porté par l'élan de reconquête des âmes qui anime la Réforme catholique, Antoine Godeau (1605-1672) élabore une ample œuvre poétique spirituelle dont les Poësies chrestiennes, publiées pour la première fois en 1633, sont une manifestation exemplaire. Devenu évêque de Grasse en 1636, il n'aura de cesse de mettre ses talents de poète au service de l'édification de ses lecteurs. Le recueil que nous éditons dans sa dernière version (1660) consiste en une pastorale lyrique et catholique à destination des mondains. Le pasteur polygraphe cultive une diversité des formes, des tons et des sujets pour assurer la transmission des dogmes chrétiens et donner accès à la Bible. Le recueil, par ses changements d'orientation nombreux, assume une fonction expérimentale, en devenant le laboratoire de l'ensemble de l'œuvre lyrique et pastorale de Godeau. La poétique godélienne de la pastorale lyrique repose sur la conciliation de l'enthousiasme divin et de la raison, de la grâce et de la beauté. La paraphrase des Écritures offre tout particulièrement l'occasion au poète d'explorer les possibilités d'une rencontre du Calvaire et du Parnasse et d'interroger la spécificité d'une langue poétique classique en formation, en associant la douceur et la clarté. La poésie apparaît comme le medium par excellence pour insinuer les vérités chrétiennes dans le cœur du fidèle. La conversion religieuse des topiques littéraires profanes prépare le lecteur mondain à entendre le discours énergique du poète prédicateur. Ce dernier tempère son anthropologie augustinienne en promouvant une vie mondaine tournée vers Dieu, selon l'idéal de l'honnêteté chrétienne. Les codes d'écriture mondains spiritualisés par le poète témoignent d'un souci constant d'accommodation du discours de conversion à un public désireux d'être édifié par le delectare. / Antoine Godeau (1605-1672) first published the Poësies Chrestiennes in 1633 in the context of the Catholic Reformation which encouraged spiritual revival. This lyric collection is emblematic of his comprehensive poetic and spiritual work. Godeau became the Bishop of Grasse in 1636 and devoted his poetic gifts to enlightening the readers. This new edition is the latest version of the Poësies Chrestiennes (1660), which is pastoral Catholic verse addressed to the socialites of the time. The versatile poet expressed himself in various forms, registers and topics to convey the Christian dogma and the Bible. The content and the purpose of the book fluctuated. The Poësies chrestiennes was thus a field for experimentation : it became Antoine Godeau's laboratory for all his pastoral and lyric work. The poet defined the principles of a poetry which was based on the conciliation of divine enthusiasm and reason, a poetry where grace and beauty met. The paraphrase of the Scriptures was an opportunity to explore the conciliation of Parnassus and Calvary, as well as the specificity of a classical poetic language in the making, endowing it with gentleness and clarity. Poetry appeared to be the ideal way to instill Christian truths in the heart of the faithful. The religious conversion of secular literary rhetoric prepared the layman to hear the poet-preacher’s vigorous speech. Antoine Godeau tempered his Augustinian anthropology by promoting a life both wordly and pious, in chime with the ideal of Christian “honnêteté”. The poet spiritualized profane aesthetics, which showed his unrelenting desire to adapt his conversion discourse to a public eager to be edified by the “delectare”.

Etudier la façon dont l’individu s’exprime, se raconte et s’invente dans la littérature de l’époque romantique en Russie exige la résolution du problème posé par les spécificités du champ culturel russe. D’une part, les différents processus ou moments qui ont marqué les étapes de l’individuation en Europe occidentale (Renaissance, Réforme, Lumières) ne sont apparus dans l’histoire russe que sous des formes indirectes et affaiblies. D’autre part, les confessions auriculaires, fondamentales d’après Michel Foucault pour l’autoanalyse moderne en Europe, n’ont pas eu une grande importance dans l’Église orthodoxe russe. Enfin, les pratiques « autobiographiques » et autoréflexives en Russie restent entravées par plusieurs tabous qui émanent aussi bien des milieux intellectuels et culturels que des cercles du pouvoir. Aussi, au moment où le romantisme met à l’ordre du jour partout en Europe l’expression de soi, quelles en sont les modalités chez les écrivains russes ? En l’absence de textes autobiographiques au sens rousseauiste du terme, c’est par l’exploration des nombreuses zones d’ombre de la vie littéraire où s’épanouissait l’affirmation subjective qu’il est possible de répondre à cette question, en ayant recours à la fois à des genres « reconnus » et à des genres « mineurs », et en analysant des formes littéraires plus ou moins marginales : histoires personnelles, traductions, écriture féminine, ou encore littérature russe d’expression française. L’époque romantique, de ce point de vue, n’est pas, comme on la présente souvent dans l’histoire littéraire, un moment de passage ou de transition : il s’agit au contraire d’un moment crucial pour l’affirmation de la subjectivité dans la culture russe. / In order to study how an individual expresses and invents himself in the Russian literature of the Romantic era, it is necessary to solve the problems connected with the peculiarities of the Russian cultural field. On the one hand, the various processes that were important for individualization in Western Europe (the Renaissance, the Reformation, the Enlightenment) had in Russian history special, weakened forms. On the other hand, the secret confession, which, according to M. Foucault, is fundamental to the development of introspection in Europe, did not have much importance in the Russian Orthodox Church. In addition, autobiographical and autoreflexive practices are blocked in Russia by a variety of taboos, which are imposed by intellectual, cultural, and power circles. This raises the question of how Russian writers avoided all these limitations, when the author's self-expression had become extremely important in the European romantic literature. To answer to this question, we investigated various areas of literature, including peripheral: recognized and secondary genres, personal stories, translations, women's prose, texts written in French, etc. From this point of view, the romantic period is not just an epoch of transition, as it is often represented in the history of Russian literature, but the most important moment for affirming subjectivity in Russian culture.

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O brasileiro e o francês procedem à fusão de discurso da obra e discurso sobre a obra num movimento em que sujeito lírico e crítico (eles mesmos ficcionais) se encontram em permanente tensão. Entendendo poesia e crítica como atividades reflexivas fundamentadas na linguagem, as questões principais às quais pretendemos nos lançar são: a) Como se configura e opera pendularidade e indistinção entre discurso poético e crítico em Murilo Mendes e Francis Ponge? b) Como se configura a voz poético-crítica para se adequar a um ato de dupla face como esse? c) O que se depreende da aproximação ou do distanciamento da conduta lírico-crítica, levando-se em consideração subjetividade e objetividade? Nesse sentido, esta Tese busca ler comparativamente os dois poetas tendo por horizonte poesia e crítica enquanto atos indistintos, de caráter inacabado, em que autor e leitor participam ativamente. Assim, os poemas aparecem como atos que configuram uma prática literária, que é lírica, crítica e criativa, a um só tempo. No centro dessa prática, os sujeitos lírico-críticos manipulam a criação partindo de um corpo-a-corpo com o texto, como fica claro com as obras que selecionamos para este estudo: de Murilo Mendes, O discípulo de Emaús (1945), Convergência (1970), Poliedro (1972) e Retratos-relâmpago (1973); de Francis Ponge, Proêmes (1948), Méthodes (1961), Pour un Malherbe (1965) e La table (1981). Poesia e crítica, então, podem ser compreendidas no sentido da poiesis, de uma construção que coloca em crise (cuja raiz etimológica é a mesma que a da palavra crítica) o lírico, o crítico, a prosa, a poesia, bem como uma ideia fechada de literatura e de gêneros literários. / This study aims at observing how the pendularity between poetry and poetry criticism operates in the work of Murilo Mendes (1901-1975) and Francis Ponge (1899-1988). The Brazilian and the French merge the work’s speech and the speech about the work into a movement in which the lyrical and the critical subject (fictional themselves) find each other in constant tension. Having the understanding of poetry and criticism as reflective activities based in language, the main questions we intend to present are: a) How is the pendularity and indistinctness between poetic and critical speech designed and operated for Murilo Mendes and Francis Ponge? b) How is the poetical and critical voice designed to fit a double-sided act as this one? c) What is interpreted from the approach and distancing from the critical and lyrical behavior, taking into consideration subjectivity and objectivity? On this regard, this Thesis seeks a comparative reading of both poets, having as an outlook, poetry and criticism as indistinct acts of unfinished character in which author and reader are active participants. Thus, the poems are shown as acts that design a literary practice which is lyrical, critical and creative, all at the same time. At the center of this practice, the lyrical and critical subjects manipulate the creation by jostling with the text, as seen in the pieces we have selected for this study: Murilo Mendes’ O discípulo de Emaús (1945), Convergência (1970), Poliedro (1972) and Retratos-relâmpago (1973); and Francis Ponge’s Proêmes (1948), Méthodes (1961), Pour un Malherbe (1965) and La table (1981). Therefore, poetry and criticism can be understood in the same meaning as poiesis, a construction that sets into crisis (whose etymological root is the same as the critical word) the lyrical, the critical, the prose, the poetry as well as an idea of closed literature and literary genders. / Ce travail a pour objectif d’observer comment opère le pendule entre poésie et critique de poésie dans l’œuvre de Murilo Mendes (1901-1975) et Francis Ponge (1899-1988). Le Brésilien et le Français procèdent à la fusion de discours de l’œuvre et discours sur l’œuvre dans un mouvement dans lequel le sujet lyrique et le critique (eux-mêmes fictionnels) se trouvent en une permanente tension. En comprenant poésie et critique comme des activités réflexives fondées sur le langage, voici les questions principales auxquelles nous prétendons nous lancer : a) Comment se configure et opère le pendule et l’indistinction entre discours poétique et critique chez Murilo Mendes et Francis Ponge ? b) Comment se configure la voix poétique-critique pour s’adapter à cet acte à double-face ? c) Qu’est-ce qu’on peut conclure de l’approximation ou du recul de la démarche lyrico-critique, quand on considère subjectivité et objectivité ? À cet égard, cette Thèse cherche une lecture comparative de poètes, en ayant pour horizon la poésie et la critique comme des actes indistincts, de nature inachevée, dans lesquels auteur et lecteur participent activement. Ainsi, les poèmes apparaissent comme des actes qui configurent une pratique littéraire critique, lyrique et créative en même temps. Au centre de cette pratique, les sujets lyrico-critiques manipulent la création par un corps à corps avec le texte, comme nous pouvons le voir nettement dans le corpus de ce travail : de Murilo Mendes, O discípulo de Emaús (1945), Convergência (1970), Poliedro (1972) et Retratos-relâmpago (1973) ; de Francis Ponge, Proêmes (1948), Méthodes (1961), Pour un Malherbe (1965) et La table (1981). De cette manière, la poésie et la critique peuvent être comprises au sens de la poiesis, d’une construction qui porte la crise (dont la racine étymologique est la même que celle de critique) du lyrique, du critique, de la prose, de la poésie, aussi bien qu’une idée fermée de la littérature et des genres littéraires.

La lyrique lorraine connut son plein essor au XIIIe siècle et au début du XIVe. Terre d’entre-deux, la Lorraine, héritière directe du duché de Haute-Lotharingie, a abrité un groupe de trouvères que la langue française, la culture et les aspirations politiques rapprochaient étroitement du Royaume de France, alors même qu’ils composaient en terre d’Empire. Cette étude vise d’abord à identifier ces poètes à travers une approche à la fois biographique et réticulaire permettant de découvrir l’individu et de le replacer dans son milieu socio-littéraire. Elle cherche ensuite à caractériser le style propre à chacun de ces trouvères et la persona littéraire qu’ils ont façonnée par l’écriture. Pour ce faire, elle s’appuie sur un corpus de textes dont la variété générique (pastourelles, chansons et jeux-partis) révèle l’étendue du répertoire lorrain et rend possible l’identification des spécificités de la lyrique lorraine à travers l’étude comparative d’éléments thématiques et formels. Or, cette image littéraire ne peut prendre forme que si l’on tient également compte de l’horizon d’attente d’un public qui trouve son plaisir dans la reconnaissance des topoï lyriques, subtilement adaptés par le poète, et qui cherche son plus beau reflet dans le miroir tendu par le trouvère, prenant ainsi une part active à la création littéraire et la survivance de certaines pièces. Il s’agit donc de cartographier l’espace poétique lorrain et de montrer comment, à travers son réseaulittéraire et la production de ses trouvères, cette région peut être considérée, à l’instar des régions voisines du Nord et de la Champagne, comme une terre lyrique et une province littéraire. / Lyrical poetry from Lorraine is highly prized in the thirteenth and the early first half of the fourteenth centuries. The Buffer area located between the Kingdom of France and the Germanic Empire, Lorraine has almost the same border as the duchy of Haute-Lotharingie. Trouvères who live in this area speak the same French language, share the same culture and have similar political ambitions. All of these points bring them closer to France, even though they depend politically on the Germanic Empire. The present work aims at identifying these poets thanks to a biographical approach and an analysis of social and literary networks that make it possible to uncover each poet and his background. I tried also to distinguish features of each poet and their persona created by writing. Consequently, I chose miscellaneous poems from different genres (pastourelles, jeux-partis and songs) that reveal Lorraine poetry’s variety. A comparative analysis of the themes and forms of these poems brings to light characteristics of Lorraine poetry. Nevertheless, this approach would be incomplete without a study of the poems’ reception. Actually, out of these poetic forms, comes a literary society more or less fictive in which the trouvères and their lords are side by side. This public appreciates lyrical topoï that the poet adapts cleverly and in which he finds his own picture. All things considered, public contributes to lyrical poetry’s creation. In this work, I want torepresent the poetical area of Lorraine and prove that, thanks to her literary network and to trouvères’ output, this area can be considered a veritable lyrical country, like adjoining areas, in particular Champagne and the North.

Notre étude s’attache à cerner les figures du sujet lyrique dans la poésie de Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924- ) et Jacques Réda (1928- ), trois écrivains majeurs de l’après-guerre dont le travail poétique a contribué à l’évolution de la poésie lyrique contemporaine. Sans pour autant négliger l’œuvre antérieure et postérieure de ces poètes, notre étude se concentrera principalement sur les ouvrages des années 1960 et 1970. A cette période, en effet, la poésie lyrique s’est trouvée prise dans une situation critique sans précédent du fait l’avènement du structuralisme et du « textualisme » proclamé par l’avant-garde. En réaction au textualisme des années 1960 et 1970, Dupin, Jaccottet et Réda poursuivent une quête opiniâtre du lyrisme. Notre étude n’a pour but ni d’élaborer des critères globaux et universels afin de définir les caractéristiques universelles de la « poésie lyrique » en tant que genre littéraire, ni d’élaborer une réflexion philosophique sur le Sujet ou l’En-soi. A travers l’analyse des figures de sujet lyrique, nous étudierons les caractéristiques de chacun de nos poètes, ainsi que les modes de la poésie lyrique au cours de cette période malaisée. La notion de « sujet lyrique » nous servira de paramètre en vue d’éclairer la singularité et l’historicité des poèmes, voire de la poétique propre à chaque écrivain. Traditionnellement, la poésie lyrique est souvent associée à l’emphase ou au sentimentalisme. La poésie de Dupin, Jaccottet et Réda s’acharnent à se dégager de l’embrasse du lyrisme traditionnel encombré d’égocentrisme. La poésie lyrique n’est plus un genre qui exprime les sentiments et la subjectivité du poète. Nos poètes sont à la recherche d’une nouvelle forme de poésie lyrique, qui convienne à leur époque. L’impersonnalité, que nous trouvons souvent dans leur poétique, s’associe à la production d’une nouvelle modalité de la subjectivité, éloignée de la métaphysique de la subjectivité. Le refus d’une certaine forme de subjectivité coexiste avec la recherche d’une parole singulière, ainsi que d’une nouvelle figure de sujet lyrique. / Our study aims to examine the figures of the lyric subject in the poetry of Jacques Dupin (1927- 2012), Philippe Jaccottet (1924-) and Jacques Réda (1928-), three major poet of the postwar whose poetic work contributed to the evolution of contemporary lyric poetry.Without neglecting the anterior and posterior work of these poets, our study will focus mainly on the works of the 1960s and 1970s. At that time, in fact, the lyric was taken in a critical situation without precedent because of the advent of the structuralism and the “textualism” proclaimed by the avant-garde. In response to textualism of 1960s and 1970s, Dupin, Jaccottet and Réda continue an obstinate search of lyricism.Our study doesn’t aim to develop global and universal criteria to define the universal characteristics of "lyric poetry" as a literary genre, nor to develop a philosophical reflection on the subject or the En-soi. Through the analysis of the figures of lyric subject, we will study the characteristics of each of our poets, as well as patterns of lyric poetry during the difficult period. The notion of "lyric subject" will serve as a parameter in order to clarify the singularity and the historical nature of the poems, and those of the poetic peculiar to each writer.Traditionally, lyric poetry is often associated with the emphasis or sentimentality. The poetry of Dupin, Jaccottet and Reda struggle to free themselves from the traditional lyricism based on the egocentricity. Lyric poetry is no more a genre that expresses the feelings and subjectivity of the poet. Our poets are looking for a new form of lyrical poetry, which is suitable for the times. The impersonality, we often find in their poetic, is associated with the production of a new form of subjectivity, far from the metaphysics of subjectivity. The refusal of some form of subjectivity coexists with the search for a singular word and the new figure of lyric subject.

Centrée sur l’analyse systématique de l’oeuvre poétique de Z. Gippius, la présente thèse tâche de démontrer que le mythe de l’androgyne sous-tend la poésie de cet auteur et permet de la lire comme une première mise en action d’un projet utopique d’humanité transfigurée. La thèse procède des points de convergence entre les thèmes propres aux réflexions utopiques (personne, amour et société) et les principales situations discursives de la poésie lyrique. Aussi se structure-t-elle en trois parties qui progressent de l’androgynie comme principe constitutif de la personne idéale (étudiée à travers le JE du sujet lyrique) vers la conception de l’amour androgyne (qui établit la relation entre le JE du sujet lyrique et le TU de l’allocutaire) et, enfin, vers la dimension collective de l’androgynie (avec le NOUS comme reflet d’une divino-humanité androgyne) Se penchant sur l’emploi que Gippius fait de l’antithèse, cette étude tente de saisir la démarche créatrice du poète-symboliste qui partirait d’une recherche quasi obsessionnelle des opposés pour aboutir à la synthèse universelle et se traduirait à travers le champ sémantique de l’union et de la fusion, à travers la place stratégique en fin de texte des mots et des séquences qui expriment cette sémantique et, surtout, à travers l'emploi de l’oxymore et du paradoxisme, tous deux relevant de la coincidentia oppositorum dont le mythe de l’androgyne est une des manifestations.C’est à un véritable acte démiurgique que l’on assimilerait l’écriture de Gippius au fil de laquelle, grâce à la fluidité des genres et des incarnations des principes masculin et féminin l’androgynie devient le principe fondateur de l’univers poétique tout entier. / By systematically analysing the poetry of Zinaida Gippius, this thesis attempts to show that the myth of the androgyne underlies the poet’s work, letting it be read as the initial stage of implementation of a utopian scheme of transfigured humanity. The thesis proceeds from the points of convergence of the themes characteristic of utopian thinking (person, love and society) and the principal discursive situations found inlyric poetry. It is ordered in three parts, progressing from the androgynous as a constitutive principle of the ideal human being (examined through the lyric subject I) to the conception of androgynous love (establishing the relationship between the lyric I and the YOU addressed), and finally to the collective dimension of theandrogynous (where the WE is the reflection of an androgynous humanity-divine).Considering the use Gippius makes of antithesis, this study attempts to grasp the symbolist poet’s creative process, which appears to spring from an almost obsessive search for opposites, and to lead to universal synthesis, as translated through the semantic field of union and fusion, through the strategic positioning at theend of the text of the words and sequences that express this semantic field, and especially through the use ofthe oxymoron and the paradox, both being part of the coincidentia oppositorum of which the myth of the androgyne is one manifestation.The writing of Gippius can be likened to a veritable demiurgic act via which, thanks to the fluidity of the genders and the incarnations of the two fundamental principles – the masculine and feminine – the androgynous becomes the founding principle of the whole poetic universe.