• Refine Query
  • Source
  • Publication year
  • to
  • Language
  • 53
  • 15
  • 10
  • 7
  • 6
  • 5
  • 3
  • 2
  • 1
  • Tagged with
  • 105
  • 38
  • 31
  • 23
  • 20
  • 18
  • 14
  • 14
  • 13
  • 11
  • 9
  • 8
  • 8
  • 8
  • 8
  • About
  • The Global ETD Search service is a free service for researchers to find electronic theses and dissertations. This service is provided by the Networked Digital Library of Theses and Dissertations.
    Our metadata is collected from universities around the world. If you manage a university/consortium/country archive and want to be added, details can be found on the NDLTD website.
61

Entre vozes e silêncios, um sujeito se inscreve na experiência da escrita poética : a poesia de Ana Cristina Cesar

Cardoso, Tânia Cardoso de January 2010 (has links)
Ce travail étudie une partie de la production poétique d'Ana Cristina Cesar dans le but d'analyser de quelle manière elle effectue certaines opérations pour réinventer le lyrisme dans sa pratique. Pour ce faire, nous examinons comment elle construit le sujet lyrique en inscrivant ce dernier dans l'expérience de l'écriture elle-même. En partant de la poésie lyrique du XIXe siècle – Baudelaire, Rimbaud et Mallarmé –, nous pouvons comprendre comment la poète élabore un texte se situant dans la tension entre confession et littérature, ce qui l'amène à problématiser des questions qui fondent le projet lyrique de cette période. Nous utilisons comme cadre théorique les travaux de Michel Foucault, Maurice Blanchot et Roland Barthes, lesquels articulent une réflexion autour de la mort de l'auteur et du développement de l'être du langage dans la modernité. / Este trabalho estuda parte da produção poética de Ana Cristina Cesar com o objetivo de analisar como a poeta realiza certas operações para a reinvenção do lirismo em sua prática. Para isso, examinamos como se estabelece a construção do sujeito lírico em sua poesia pela inscrição de tal sujeito na experiência da escrita poética. Ao partir da poesia lírica do século XIX – Baudelaire, Rimbaud e Mallarmé –, podemos compreender de que forma Ana Cristina Cesar, ao apresentar um texto que se situa na tensão entre confissão e literatura, problematiza questões que estão na base do projeto lírico nascido naquele período. Utilizamos como referencial teórico os trabalhos de Michel Foucault, Maurice Blanchot e Roland Barthes, que articulam uma reflexão a respeito da morte do autor e do desenvolvimento do ser da linguagem na literatura moderna.
62

De l'opéra-comique à la zarzuela : modalités et enjeux d'un transfert sur la scène madrilène (1849-1856) / From opéra-comique to zarzuela : terms and issues of a transfer on Madrid lyrical stage (1849-1856)

Porto San Martin, Isabelle 21 September 2013 (has links)
Genre lyrique espagnol né au XVIIe siècle, la zarzuela connait un nouvel essor à partir de 1849. En effet, une génération de compositeurs souhaite lui donner une dimension nationale. Il s’agit principalement de Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, Cristóbal Oudrid, Rafael Hernando, José Inzenga et, dans une certaine mesure, Emilio Arrieta. Cette thèse étudie la manière dont musiciens et librettistes ont construit ce répertoire qui, paradoxalement, s’il se veut espagnol, est en certains points inspiré de la scène lyrique française et plus particulièrement de l’opéra-comique. Le transfert s’opère à travers la dimension littéraire, musicale, humaine, mais aussi culturelle. C’est donc la question des influences, de ses modalités et de ses enjeux, qui fait l’objet d’une réflexion et qui est illustrée par des correspondances entre des oeuvres emblématiques de part et d’autre de la frontière / Zarzuela is a Spanish lyrical genre which was born in the 17th century and experienced a revival from 1849 on; Indeed, a generation of composers wished to give it a national dimension. The most important ones are Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, Cristóbal Oudrid, Rafael Hernando, José Inzenga and to a certain extent Emilio Arrieta; This dissertation analyses the way some musicians and authors constructed the repertoire which, paradoxically, even though it was supposed to be Spanish, was, in certain ways, inspired by the French lyrical stage and more particularly by comic opera. The transfer occurs through the literary, musical, human and even cultural dimensions. Consequently, what is discussed here is the issue of influences, their characteristics and challenges as the basis for a thorough analysis illustrated by the links between emblematic works on the two sides of the boarder
63

A natureza como s?mbolo do Narcisismo Noailliano

Andrade, Gilmara Viviane Castor de 10 December 2012 (has links)
Made available in DSpace on 2014-12-17T15:07:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gilmara_VCA_DISSERT_PARCIAL.pdf: 184000 bytes, checksum: 6e7229f225a02ef2414739d32a0abca0 (MD5) Previous issue date: 2012-12-10 / Dans ce travail de recherche nous nous proposons d ?tudier l oeuvre d Anna de Noailles, po?tesse et romanci?re fran?aise qui a publi? ses premi?res po?sies ? la fin du XIX?me si?cle. Notre corpus est constitu? de trois po?mes du recueil L Ombre des Jours, publi? en 1902, ? savoir : Jeunesse, Le R?pit et Renaissance. Initialement, nous avons trait? la mise en contexte sociale et culturelle de la fin du XIX?me et du d?but du XX?me si?cle. Ensuite, nous avons abord? l espace interne de l oeuvre noaillienne qui se manifeste ? travers des paysages de la nature. Nous avons remarqu? que dans celle-ci, il y a une identification avec le moi lyrique. Enfin, nous avons analys? les trois po?mes de notre corpus. Nous soulignons que le manque de critiques et de recherche sur l oeuvre noailliene en France et l absence de recherche sur la po?tesse dans le milieu acad?mique br?silien nous ont motiv?e ? r?aliser cette ?tude. Ce travail a comme objectif mettre en ?vidence la richesse de la po?tique d Anna de Noailles. Dans notre ?tude sur l oeuvre l ombre des jours, nous nous sommes apper?ue que l auteur poss?de son propre style, elle ne cherchait pas ? imiter un mod?le litt?raire particulier ? ses contemporains. Dans son esth?tique, nous avons remarqu? le refuge dans la nature, dans le pass? et aussi une forte ?vocation sensorielle. L univers lyrique de l oeuvre noaillienne est represent? ? travers des paysages bucoliques qui ?voquent des saisons. Malgr? ce retour ? la nature, nous avons d?couvert des ?l?ments que caract?risent la po?sie moderne, comme la luminosit?, la qu?te de l expansion, la superposition des images, entre autres. L espace de l ombre des jours est grandiloquent, la po?tesse mentionne fr?quemment son d?sir d expansion et pour cette raison, nous trouvons dans les po?mes des lieux ouverts, o? le contact direct avec la lumi?re, l air et l eau devient possible. Dans l Ombre des Jours, il est rare qu une r?f?rence ? un lieu clos soit trait?e; si la po?tesse le fait, c est pour exprimer la suspension de la passion / Neste trabalho de pesquisa nos propomos a estudar a obra de Anna de Noailles, poetisa e romancista francesa que publicou suas primeiras poesias no final do s?culo XIX. Nosso corpus constitui-se dos poemas; Jeunesse, Le R?pit e Renaissance, pertencentes ? colet?nea L Ombre des Jours, publicada em 1902. Tratamos inicialmente da contextualiza??o social e cultural do final do s?culo XIX e in?cio do XX. Em seguida, discorremos sobre o espa?o interno da obra noailliana que se manifesta atrav?s de paisagens da natureza. Observamos que nesta, h? uma identifica??o com o eu l?rico. Enfim, analisamos os tr?s poemas do nosso corpus. Ressaltamos que a falta de obras cr?ticas e de pesquisas sobre a obra noailliana na Fran?a e a aus?ncia de pesquisa sobre a poetisa no meio acad?mico brasileiro nos motivou a realizar esse estudo. Com esse trabalho, objetivamos ressaltar a riqueza da po?tica de Anna de Noailles. No nosso estudo sobre a obra l ombre des jours, percebemos que a autora tem o seu estilo pr?prio e n?o busca imitar um modelo liter?rio particular dos seus contempor?neos. Em sua est?tica encontramos o ref?gio na natureza, no passado e tamb?m uma forte evoca??o sensorial. O universo l?rico da obra noailliana ? representado nas paisagens das esta??es, nos espa?os buc?licos. Apesar desse retorno ? natureza, pudemos encontrar em seus poemas elementos que caracterizam a poesia moderna, como a luminosidade, a busca pela expans?o, a sobreposi??o de imagens, entre outros. O espa?o da obra l ombre des jours ? grandiloquente, a poetisa frequentemente menciona o seu desejo de expans?o; por essa raz?o encontramos nos poemas ambientes abertos onde ? poss?vel o contato direto com a luz, o ar e a ?gua. As raras vezes que a poetisa refere-se a um recinto de clausura ? para expressar o estado de abatimento da paix?o
64

Das cinzas aos mafu?s: inf?ncia e morte na l?rica de Manuel Bandeira

Aguiar, Rosiane de Sousa Mariano 21 February 2011 (has links)
Made available in DSpace on 2014-12-17T15:07:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 RosianeSMA_TESE.pdf: 1319237 bytes, checksum: fe5a6d1a7bad321cb51f708b3e337c36 (MD5) Previous issue date: 2011-02-21 / Funda??o Cearense de Apoio ao Desenvolvimento Cientifico e Tecnol?gico / Cet article ?tudie la po?sie de l'enfance et de la mort de Manuel Bandeira, ? partir de la relation entre l'exp?rience, le langage et le sens, afin de mettre en place une nouvelle perspective sur ce th?me, qui sert de guide et structure son Estrela da vida inteira (1966). Pour cela, il faut introduire la notion de lyrique, discut?e par Theodor Adorno, pendant la conf?rence L?rica e sociedade (1958), ? promouvoir la compr?hension du po?te, comme c'est le cas de Bandeira, implique son art par le biais de la dimension n?gative face ? une situation de f?tichisation des choses, afin d'appr?hender des exp?riences qui constituent la substance de la vie et l'essence de la po?sie. ? cette perspective de lyrique s ajoutent les concepts de l'enfance et de la mort, exploit?s par Giorgio Agamben, dans les oeuvres Inf?ncia e hist?ria (2005) et A linguagem e a morte (2006), ?tant largement favorables ? la compr?hension de la po?tique de l'enfance chez Manuel Bandeira, comme une sorte de discours qui r?cup?re l'id?e d'exp?rience dans l actualit?, en marquant la limite entre une exp?rience muette et une exp?rience de la langue, de m?me, la mort apporte des implications relatives ? la n?gativit?, comme une br?che par laquelle l'auteur explore la signification de sa lyrique et la?d?noue? des incrustations du monde r?ifi?, pour ?tre dans la d?fense du langage non contamin? par le cl?tur?e qui entravent la conservation de la cr?ature et la donn?e originaire des choses . Cela culmine l aboutissement de la th?se, la conclusion d ?tre la n?gativit? la voie qui explicite, dans l oeuvre bandeirienne, la culture br?silienne non comme une totalit? positiv?e dans une ethnie, classe ou nation, mais comme un langage qui reconstruit, avec lyrisme, le color? mosa?que qui est le Br?sil / O presente trabalho estuda o lirismo da inf?ncia e da morte em Manuel Bandeira, a partir da rela??o entre experi?ncia, linguagem e sentido, com o prop?sito de configurar um novo olhar, sobre esse tem?rio, que serve de fio condutor e estrutura sua Estrela da vida inteira (1966). Para tanto, faz-se necess?rio apresentar a no??o de l?rica, discutida por Theodor Adorno, na confer?ncia L?rica e sociedade (1958), para favorecer a compreens?o de que o poeta, como ? o caso de Bandeira, envolve sua arte pela dimens?o negativa frente a uma situa??o de fetichiza??o das coisas, a fim de apreender experi?ncias que constituem a subst?ncia da vida e a ess?ncia da poesia. A essa perspectiva de l?rica, agregam-se os conceitos de inf?ncia e de morte, explorados por Giorgio Agamben, nos livros Inf?ncia e hist?ria (2005) e A linguagem e a morte (2006), sendo amplamente favor?veis para o entendimento da po?tica da inf?ncia, em Manuel Bandeira, como um tipo de discurso que recupera a ideia de experi?ncia na atualidade, por assinalar o limite entre uma experi?ncia muda e uma experi?ncia da l?ngua; do mesmo modo, a morte traz implica??es referentes ? negatividade, como uma brecha pela qual o autor perscruta o sentido de sua l?rica e o desentranha das incrusta??es provenientes do mundo reificado, por estar em defesa da linguagem n?o contaminada pelos cerceamentos que refreiam a preserva??o da criatura e o dado origin?rio das coisas. Nisso, culmina, no fechamento da tese, a conclus?o de ser a negatividade a via que explicita, na obra bandeiriana, a cultura brasileira n?o como uma totalidade positivada numa etnia, classe ou na??o, mas como uma linguagem que reconstr?i, liricamente, o colorido mosaico que ? o Brasil
65

Le Je anti-lyrique dans la poésie italienne des années soixante : le sujet poétique en question dans la poésie d’Elio Pagliarani, Mario Luzi et Vittorio Sereni / The anti-lyrical I in the Italian poetry of the Sixties : the poetic subject problem in Elio Pagliarani, Mario Luzi, and Vittorio Sereni's poetry

Paroli, Elena 05 December 2016 (has links)
Cette étude se consacre à l’avènement du Je anti-lyrique dans la poésie italienne des années soixante. C’est à ce moment que la pensée post-métaphysique peut se dire assimilée par la culture italienne, qui y trouve une nouvelle clef de lecture de l’expérience de la guerre et du miracle économique. C’est aussi la période où le réel, cru et changeant, fait irruption dans l’expérience artistique. Elio Pagliarani, Mario Luzi et Vittorio Sereni nous ont parus des représentants emblématiques de cette nouvelle posture du sujet poétique. Nous avons étudié leurs ouvrages des années soixante par le biais de trois catégories principales : la mise en question du Je, le rapport entre le Je et le monde, le rapport entre le Je et les autres. Cette articulation nous a permis d’une part de suivre les trois étapes principales de la reformulation anti-lyrique du Je (face à lui-même, face au monde et face aux autres), et d’autre part de reconnaître une progression dans la perte de l’identité lyrique traditionnelle. Le poète, ayant perdu la consolation métaphysique, commence à rechercher la vérité dans le monde physique ; il comprend ensuite que la vérité des choses est éphémère et que toute unité est brisée ; et il donne enfin la voix à d’autres personnages, dans l’effort de comprendre ce questionnement polyphonique qui est désormais la véritable voix du monde et du poète lui-même. / This research focuses on the rise of the anti-lyrical I in the Italian poetry of the Sixties. This was the time when the post-metaphysical philosophy had been fully assimilated by the Italian culture, which started using it as a new reading key to under- stand WW2 experience and the so-called economic miracle. This was also the time when the raw and ever-changing real broke into the artistic experience. Elio Paglia- rani, Mario Luzi and Vittorio Sereni seemed to us emblematic representatives of this new poetic subject's posture. We studied their poems from the Sixties under three main categories: the questioning of the I, the relationship between the I and the world, and the relationship between the I and the others. This structure allowed us firstly to follow the three main stages of the anti-lyrical reformulation of the I (confronted to himself, to the world and to the others) and secondly to recognize a progression in the loss of the traditional lyrical identity. Aware of the loss of any metaphysical consolation, the poet begins to seek the truth inside the physical world; he the realizes that even objects/things bear a fleeting truth and that any unity is broken; and he finally gives voice to other characters in the effort to understand the polyphonic questioning which has become by now the real voice of the world and of the poet himself.
66

Ehics and Lyric Poetry : Language as World-Disclosure in French Symbolism and Canadian Modernism / Éthique et poésie lyrique : la langue, lieu de révélation du monde, dans les courants symboliste français et moderniste canadien

Lohöfer, Astrid 13 December 2013 (has links)
S’inscrivant dans le tournant éthique survenu il y a peu en théorie littéraire, cette étude analyse la relation entre éthique et poésie moderne, avançant que les implications éthiques de ces textes ne sont pas seulement enrichies par, mais aussiindissociables de l’emploi créatif et non-conventionnel de la langue rencontré dans ce courant. La majorité des articles consacrés à la critique éthique se concentrent sur la transmission explicite de valeurs morales par le biais de romansou de nouvelles – sans tenir compte de la complexité linguistique renfermée par l’énoncé lyrique – ou assimilent l’éthique de la littérature, de façon très généralisée, à des phénomènes purement esthétiques à l’instar de l’expérience textuelleémanant de l’altérité ou de l’indécidabilité – et contournent de ce fait les préoccupations éthiques concrètes de chacun des textes. Dans le but d’atteindre une compréhension plus nuancée de la relation entre éthique et poésie (moderne), je propose d’envisager la parole lyrique comme un lieu de révélation du monde ouvrant de nouvelles perspectives sur les questions éthiques qui restent voilées ou dissimulées dans le discours ordinaire. Cette idée a été développée par MartinHeidegger et Paul Ricoeur, qui, dans leurs écrits sur l’art et la littérature, se penchent sur la manière dont les textes poétiques rompent avec les contraintes du discours institutionnel et rendent au langage son pouvoir expressif originel. [etc.] / Situated in the context of the recent ethical turn in literary theory, this study examines the relationship between ethics and modernist poetry, arguing that the ethical implications of these texts are not only enriched by, but also inseparable from, the creative, unconventional use of language typical of this genre. The majority of studies in the field of ethical criticism either focus on the explicit transmission of moral values in novels and short stories, while ignoring the linguistic complexity at the heart of lyric utterance, or equate the ethics of literature, in a very generalized way, with purely aesthetic phenomena such asthe textual experience of alterity or undecidability, thereby bypassing the concrete ethical concerns of individual texts. In order to attain a more nuanced comprehension of the relationship between ethics and (modernist) poetry, I propose to view lyric language as a site of world-disclosure opening up new perspectives on ethical issues that remain veiled or hidden in ordinary speech. This idea has been elaborated by Martin Heidegger and Paul Ricoeur, whose writings on art and literature engage with the ways in which poetic texts break the constraints of institutionalized discourse and return language to its original, expressive power. [etc.]
67

Tamis lyrique / Lyric sieve

Tenu, Claire 17 November 2016 (has links)
« Lyrisme : jeu qui lie et délie les noms et les corps – tous les noms et tous les corps. Son terrain est celui de la vie et de la mort entrelacées, un festin offrant formes, déformations, transformations. Sa matière est l’air, souvent irrespirable, son milieu est l’image, parfois invisible, sa réalité est la voix, presque inaudible. » L’exposition Tamis Lyrique, préparée et prolongée par l’ouvrage éponyme, présente un ensemble d’œuvres déployant une pratique lyrique et spéculative de la photographie, au croisement de diverses formes et disciplines : composition et montage, caractérisation topographique et récit filmique, écriture et installation. Certaines œuvres sont extraites des travaux récents accomplis au cours de l’élaboration de la thèse (photographies de Cherbourg, et le livre La ville que nous voyons ; L’air de l’accordéon, film co-réalisé avec Fanny Béguery en Corrèze). Dix pièces diverses parleurs sujets et leurs formes (vues photographiques, assemblages, objets, séquence de film) sont inédites. Quelques œuvres, plus anciennes, complètent cet ensemble, faisant l’objet de développements écrits particuliers dans le livre Tamis lyrique et permettant de repérer des variations ou d’apprécier une épaisseur temporelle des processus qui structurent le travail. / “ Lyricism is binding and unbinding names and bodies,playing in between all of the names and the bodies. Itsground is made of life and death together interweaved :a feast offering forms, deformations, transformations. Its material is the air, often unbreathable, its milieu is the image, invisible sometimes, its reality is the voice,almost inaudible.” The exhibition Tamis lyrique and the eponymous book present a group of works of art stemming from a lyric and speculative experience of photography, interbreeding diverse forms: tableau and montage, topographical characterization and filmic sequencing, writing and installation. Some of the works were produced during the doctoral thesis elaboration period, such as the photographs taken in Cherbourg, along with the book La ville que nous voyons, or the film L’air de l’accordéon, codirected with Fanny Béguery in Corrèze. Ten other various works are previously unseen. Some more works are older and were the subject of specific writings in the book Tamis lyrique, or enable to perceive variations or to appreciate a temporal density in the construction of the work.
68

Les traductions françaises de Die Entführung aus dem Serail et Die Zauberflöte de W. A. Mozart sur les scènes parisiennes de 1798 à 1954 / The french translations of Mozart's Entführung aus dem Serail and Zauberflöte performed in Paris between 1798 and 1954

Obert, Julie 24 September 2013 (has links)
De la fin du 18e siècle jusqu’au milieu du 20e siècle, la plupart des opéras de Mozart ont été joués en français sur les scènes parisiennes. Condition essentielle aux représentations, la traduction a donc joué un rôle décisif dans la diffusion des œuvres lyriques de Mozart en France. Cette thèse étudie les traductions françaises des deux plus célèbres opéras de Mozart en langue allemande, Die Entführung aus dem Serail und Die Zauberflöte, représentées sur les scènes parisiennes entre 1798 et 1954. S’appuyant sur de nombreuses sources encore inédites, cette étude cherche à comprendre comment les traducteurs affrontent les multiples enjeux que représente la traduction des livrets allemands pour le public français. Loin de n’assurer que le transfert d’une langue à l’autre, les traductions remodèlent sans cesse le livret comme la partition des opéras mozartiens, donnant souvent naissance à des œuvres entièrement nouvelles. En croisant l’approche historique et les méthodes de l’analyse textuelle, il s’agit de mettre en lumière les spécificités de chaque traduction, d’éclairer les choix des traducteurs et d’interroger l’évolution des traductions au fil du temps. En permettant au public français de découvrir et d’entendre les opéras de Mozart, les traductions façonnent la réception française de ces œuvres en même temps qu’elles en témoignent. Ce qui est en cause est tout autant la situation particulière du monde lyrique français et ses rapports avec les pays de langue allemande, que la conception de la traduction et de l’œuvre d’art. / The two German operas of Mozart, Die Entführung aus dem Serail and Die Zauberflöte were performed primarily in French from the end of the 18th century until the middle of the 20th century. Cultural conventions and market conditions required that the libretti of German operas be translated into French. In consequence, translation was a vital element in the diffusion of Mozart’s operatic corpus in France. This dissertation is the first to focus on all four sequential translations of Die Entführung aus dem Serail and the five of Die Zauberflöte, performed in Paris between 1798 and 1954. Based on a number of unpublished manuscripts and unknown publications, this scholarly study of the process of translation discloses the transformations of the original works into new versions of Mozart’s operas, not only in the libretti but also in the music. What matters most is to understand how these translations were made and how they evolved over time, as well as exploring the way translators approached the particular difficulties presented by the need to translate texts meant to be sung. What we see is not only a set of changes in the nature of translations, but also a shift in the professional and popular understanding of what constitutes a work of art. Translation both transmitted and framed the meanings of Mozart’s operas at the same time as they made them available to the French musical world. In this context we can see how fruitful it is to braid together musicological research and the insights of literary scholarship in German studies. / In Frankreich wurden Mozarts Opern vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts hinein in erster Linie auf Französisch aufgeführt. Um kulturellen Konventionen Genüge zu tun und Markttauglichkeit zu sichern, mussten deutsche Opernlibretti ins Französische übertragen werden, damit das Publikum die Werke verstehen konnte. Folglich waren Übersetzungen eine unumgängliche Voraussetzung für die Verbreitung von Mozarts Opernschaffen in Frankreich. Die vorliegende Dissertation untersucht zum ersten Mal alle Übersetzungen der beiden bekanntesten deutschsprachigen Opern Mozarts, Die Entführung aus dem Serail und Die Zauberflöte, die zwischen 1798 und 1954 auf Pariser Bühnen zu hören und zu sehen waren. Die Studie zieht eine Reihe unveröffentlichter Handschriften und in Vergessenheit geratener Veröffentlichungen heran und zeigt, dass die Übersetzer nicht nur am Text, sondern auch an der Musik Veränderungen vornahmen, die die neuen Fassungen gleichsam zu eigenständigen Werken machten. Das vorrangige Ziel der Arbeit besteht darin zu verstehen, wie die jeweilige Gestaltung der Übersetzungen zustande kam, und wie sie sich im Lauf der Zeit entwickelten. Dabei wird nicht nur ein Wandel in der Übersetzungsart festgestellt: vielmehr wird auch sichtbar, dass sich bei den Übersetzern wie beim Publikum die Auffassung verändert von dem, was ein Kunstwerk ist, und wie man mit ihm umgehen sollte. Indem sie Mozarts Opern der französischen Musikwelt zugänglich machten, bestimmten die Übertragungen das Verständnis der Werke mit, so dass sie aufschlussreiche Quellen zur französischen Mozart-Rezeption darstellen. Um diesen Verschiebungen und wechselseitigen Wirkungen nachzugehen, werden die Methoden der Übersetzungskritik mit den Grundlagen historischmusikwissenschaftlicher Forschung zusammengeführt.
69

La représentation de la violence chez les personnages féminins dans les tragédies lyriques de Quinault et Lully

Brousseau Rivet, Geneviève 08 1900 (has links)
Ce mémoire porte sur les quatre premières tragédies lyriques de Quinault et Lully, soit Cadmus et Hermione (1673), Alceste (1674), Thésée (1675) et Atys (1676), et étudie la représentation des personnages féminins dans leur rapport à la violence. Se fondant sur des considérations sociohistoriques et dramaturgiques, il cherche à déterminer si, par leur liberté formelle, les premiers opéras français ont pu promouvoir une image plus libre et plus forte de la féminité que celle véhiculée par la doxa. Le premier chapitre aborde la question de la violence dans la société française du XVIIe siècle et du rapport des femmes à la violence, tant subie qu’engendrée. Il s’attarde ensuite aux particularités de la violence dans la tragédie lyrique, convoquant les notions de pathos et de catharsis, d’effet tragique et de représentation scénique. Recourant à une méthodologie basée sur les études littéraires et dramaturgiques et complétée par de brèves analyses musicales, le second chapitre analyse le rapport à la violence chez les personnages féminins du corpus : d’abord les mortelles, puis les surnaturelles, avant de comparer leur représentation dichotomique à celle plus diversifiée des personnages masculins. / This master's thesis will focus on the first four lyric tragedies that were written by Quinault and Lully, that is Cadmus et Hermione (1673), Alceste (1674), Thésée (1675), and Atys (1676), and examine the representation of female characters in their relation with violence. Based on socio-historical and dramaturgical considerations, it seeks to determine whether, through their formal freedom, the first French operas were able to promote a freer and stronger image of womanhood than the one conveyed by the doxa. The first chapter addresses the issue of violence in the French society of the 17th century and discusses women's relation with violence, suffered, as well as caused. It then details the peculiarities of violence in lyric tragedy by summoning the notions of pathos and catharsis, tragical effect and theatrical representation. Using a methodology based on literary and dramaturgical studies, complemented by short musical analysis, the second chapter analyzes the corpus' female characters' relation to violence – first, the deadly, followed by the supernatural, before comparing their dichotomous representation to the more diversified one of the male characters.
70

Le Cercle de Zugló. Un groupe informel d’artistes abstraits en Hongrie entre 1958 et 1968 : antécédents, activité et résonance (1945-1990) / The Zugló Circle. An informal group of abstract artists in Hungary between 1958 and 1968 Antecedents, activity and resonance (1945-1990)

Kopeczky, Rhona 02 February 2013 (has links)
Cette étude aborde l’activité d’un cercle artistique hongrois d’avant-garde nommé Cercle de Zugló, composé de jeunes peintres et sculpteurs abstraits. Cette formation informelle et autodidacte regroupait les artistes Imre Bak, Tibor Csiky, Sándor Csutoros, Pál Deim, János Fajó, Tamás Hencze, Endre Hortobágyi, Sándor Molnár et István Nádler, et exista de 1958 à 1968, durant la période communiste en Hongrie. Par l’examen de ses antécédents théoriques et stylistiques remontant à l’Ecole Européenne et au Groupe des artistes abstraits (1945-1948), jusqu’à sa résonance dans le retour à peinture des années quatre-vingt nommé Nouvelle Sensibilité (1978-1990), l’auteur tente de déterminer l’importance et la valeur éthique de la production abstraite du Cercle de Zugló dans le paysage artistique hongrois, isolé des actualités internationales et dominé par l’idéologie politique culturelle du réalisme socialiste.La mise en perspective théorique et stylistique permet d’une part de définir à quel point la démarche des jeunes artistes se veut être l’héritière intellectuelle et artistique de la génération plus âgée de l’avant-garde hongroise, d’orientation constructiviste. D’autre part, elle s’efforce de mettre en lumière à quel point le Cercle de Zugló se différencie de ses pères spirituels, par l’introduction et l’adoption de l’abstraction lyrique française, puis de la nouvelle abstraction géométrique américaine. Elle traduit également la volonté de redéfinir une identité artistique hongroise et de la réinsérer dans le contexte et le flux internationaux. / This study examines the activity of a Hungarian avant-garde artistic circle named Zugló Circle, formed by young abstract painters and sculptors. Working in a self-taught way, this informal group gathered the artists Imre Bak, Tibor Csiky, Sándor Csutoros, Pál Deim, János Fajó, Tamás Hencze, Endre Hortobágyi, Sándor Molnár and István Nádler, and existed from 1958 to 1968, during the communist period in Hungary. Through the analysis of its theoretical and stylistic antecedents going back the European School and the Group of abstract artists (1945-1948) until its resonance in the new painterly wave of the eighties named New Sensitivity, the author determines the importance, the ethical value of the abstract production of the Zugló Circle in the Hungarian artistic landscape, which at the time was isolated and dominated by the cultural politics ideology of socialist realism.Putting the young artists’ approach in a theoretical and stylistic perspective, the author defines on one hand to which extent it wished to be the intellectual and artistic heir of the older generation of the Hungarian avant-garde, of constructivist orientation. On the other hand, this perspective also sheds light on how the Zugló Circle differentiates from its spiritual fathers, through the introduction and adoption of the French lyrical abstraction and later the American geometrical abstraction. It also reveals the will to redefine a Hungarian artistic identity and to reinsert it in an international context and stream.

Page generated in 0.0503 seconds