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Wirklichkeit und Fiktion : Alfred Döblins „Tatsachenphantasie“ in seinem historischen Roman „November 1918“Cutieru, Adriana F. 05 1900 (has links)
Avec la conscience grandissante de la constructibilité de l’histoire, l’historiographie et les sciences littéraires se sont beaucoup rapprochées dans les dernières années. Hayden White a montré, dans son livre Metahistory (1973), que dans la construction de l’histoire, les historiens utilisent, pour construire leur récit, des techniques de narration semblables à celles utilisées par les écrivains. La narratologie devient ainsi une discipline qui rend possible le dialogue entre l’historiographie et les sciences littéraires. Par ce dialogue entre les deux disciplines, les théories (post)modernes de l’historiographie et les concepts de la métafiction dans la littérature s’influencent réciproquement.
Dans ce contexte, il est d’autant plus intéressant d’analyser le roman Novembre 1918 de l’écrivain allemand Alfred Döblin (1878-1957), qui anticipe sur cette évolution de l’historiographie et de la littérature, mais qui, malgré sa modernité, reste paradoxalement très peu connu et quasiment ignoré par la critique littéraire. Dans son roman historique, Döblin combine le récit épique des faits historiques avec l’analyse existentielle des protagonistes, en vue de décrire l’histoire comme procès. Du point de vue formel, il combine les moyens narratifs expérimentaux et avant-gardistes, avec la conviction traditionnelle de l’auteur réaliste, c’est-à-dire qu’un récit de fiction puisse dire la vérité sur la réalité et l’histoire. Ainsi il crée une forme singulière de récit entre tradition et innovation, forme qu’il caractérise dans ses essais poétologiques à partir de deux concepts clés : « modernes Epos » et « Tatsachenphantasie », « épopée moderne » et « fantaisie de la réalité ».
Dans ma thèse, j’entends définir ces concepts clés de la poétique d’Alfred Döblin pour ainsi établir le cadre théorique de l’interprétation du roman Novembre 1918. L’auteur lui-même définit dans ses essais esthétiques la « fantaisie de la réalité » comme union entre des faits réels et des faits fantastiques. C’est pourquoi ma thèse se concentre sur ce jeu fictionnel entre réalité et fantaisie, entre les éléments du récit réaliste et ceux du récit fantastique. « L’incursion de la démonie » et « le narrateur démiurge » sont deux concepts innovateurs de ma thèse qui aideront à mieux comprendre et définir la poétique du roman d’Alfred Döblin. / As a result of the acute understanding of the constructibility of historical writings, the historiography and the literary sciences have come closer in the last few years. Hayden White shows in his book Metahistory (1973) that the narrative techniques historians use in their historical writings are similar to those used by the authors of literary writings. The narratology has also become a discipline, which allows the dialogue between historiography and literary sciences. Thus, the (post)modern theories of historiography and the concepts of metafiction in literature have an impact on one another.
In this context, it is more than challenging to analyse the historical novel November 1918 written by the German author Alfred Döblin (1878-1957), as he already anticipates in the 1920es this evolution of historiography and literature. His historical novel November 1918 is, despite its modernity, a relatively unknown novel, not only to the public, but also to the literary critics. Döblin combines in this novel the monumental realistic description of historical events with the existential analysis of his protagonists. As far as the formal aspects are concerned, he combines the experimental narrative techniques of the avant-garde with the traditional elements, thus unveiling the conviction of the traditional realist author that a fictional literary work can bring out a hidden truth about history and reality. Therefore, he creates a unique form of literature linking tradition and innovation. He caracterises this form, in his poetological writings by means of two key-concepts: “modernes Epos” and “Tatsachenphantasie”: “modern epos” and “fantasy of the real”.
In my dissertation I intend to define these key-concepts in Alfred Döblin’s poetics with a view to establish the theoretical setting for the interpretation of his novel November 1918. Since Döblin himself defines in his theoretical essays the “fantasy of the real” as portrayal of both real and fantastic elements, my dissertation focuses on this fictional tension between reality and fantasy, between the elements specific to the realist writings and those specific to the fantastic ones. The “incursion of the demonic” and “the narrator demiurge” are two innovative concepts I present in my dissertation. These concepts should lead to a better definition and understanding of Döblin’s novel poetics. / Die Historiographie und die Literaturwissenschaft haben sich in den letzten Jahren sehr viel angenähert. Durch sein bahnbrechendes Buch Metahistory (1973) bringt Haydn White ans Licht, dass sowohl die Schriftsteller als auch die Historiker sich ähnlicher narrativer Verfahren bedienen, um die Wirklichkeit zu beschreiben. Durch dieses Bewusstsein der Konstruktivität und Narrativität von Geschichte ist die Narratologie zur verbindenden Wissenschaft geworden.
Darum ist es interessant, sich Alfred Döblins historischem Roman November 1918, einem der großen historischen Romane der deutschen Literatur, zuzuwenden, weil er vieles davon vorwegnimmt, was die (post)modernen Theorien der Historiographie und die metafiktionalen Konzepte der Literatur ins Blickfeld rücken. Aufgrund unglücklicher Rezeptionsbedingungen wurde Döblins Roman bis heute kaum beachtet, sowohl vom Publikum als auch von der literarischen Kritik. In seiner Darstellung der deutschen Revolution verknüpft Döblin die experimentell-avantgardistischen Erzählverfahren und das Misstrauen gegenüber der Erzählbarkeit der Geschichtsprozesse mit der traditionellen Einstellung, dass eine fiktive Erzählung die Wahrheit über Wirklichkeit und Geschichte sagen kann. Dementsprechend schafft er eine einzigartige Erzählform zwischen Tradition und Innovation, die er bereits in seinem Berliner Programm anhand von zwei Schlüsselbegriffen definiert: „modernes Epos“ und „Tatsachenphantasie“.
Meine Arbeit versucht, Döblins Geschichtsepos November 1918 im Lichte dieser zwei Begriffe zu analysieren und zu zeigen, wie Döblin sein ästhetisches Postulat der „Tatsachenphantasie“ in seinem Roman literarisch realisiert. Da Döblin selbst die „Tatsachenphantasie“-Ästhetik als Verbindung der wirklichen und der phantastischen Fakten und Elementen definiert, befasse ich mich in meiner Arbeit mit diesem Zusammenspiel zwischen den narrativen Formen der realistischen Erzählung und denjenigen Motiven und Elementen, die in den phantastischen Erzählungen vorkommen. „Der Einbruch des Dämonischen“ und „der Erzähler als Demiurg“ sind zwei innovative Schlüsselkonzepte meiner Arbeit, die zu einer besseren Begriffsbestimmung von Döblins „Tatsachenphantasie“-Ästhetik führen werden. / Thèse réalisée en co-tutelle avec l'Université Libre de Berlin, Institut für Deutsche und Niederländische Philologie
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Les métamorphoses du modernisme de H.D. à Robert Duncan : vers une poétique de la relationOudart, Clément 28 November 2009 (has links) (PDF)
Cette thèse explore le fonctionnement de la poésie moderniste américaine sous l'angle de la relation. Critiquant la rhétorique de la rupture généralement associée à l'esthétique des avant-gardes modernistes, notre parcours suit la ligne sinueuse de la poétique de la relation de H.D. [1886-1961] à Robert Duncan [1919-1988]. Loin de tracer une trajectoire chronologique entre ces deux points, qui ne sont pas envisagés comme les œuvres-limites d'un nouveau canon, cette étude a pour point central The H.D. Book. La poésie dite de l'après-guerre émerge comme celle d'un perpétuel entre-deux-guerres, et sa postmodernité, comme une illusion. L'analyse montre que le passage du modernisme historique à son avatar métamoderniste s'effectue par la reconfiguration du mode disjonctif en mise en relation. Ligne fuyante du modernisme, la relation Duncan-H.D. est une utopie. C'est pourquoi elle permet sa critique. Celle-ci implique le passage d'une politique individuelle de l'invention [Pound, Eliot...] à une éthique de l'écriture. Cette aventure, fondée sur des échanges poétiques et épistolaires publiés et inédits, passe par Eliot, Pound, Levertov, Olson et Creeley, mais aussi par Mallarmé, Baudelaire, Valéry ou encore Deleuze, Meschonnic et Glissant. Du H.D. Book à Ground Work, comme de Hymen à Trilogy, la philosophie du devenir, qui s'étend de l'héraclitéisme à la relation d'Édouard Glissant, en passant par le flux bergsonien et par l'empirisme radical de Williams James, offre un cadre conceptuel propre à rendre compte de l'écriture comme processus, de l'espace poétique comme champ de composition, du texte comme système complexe et du poème comme projet.
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Cercle Artístic de Sant Lluc 1893-2009: Història d’una institució referent per a la cultura barceloninaMarchi, Maria Bàrbara 15 March 2011 (has links)
Aquesta tesi doctoral s’ocupa d’investigar la història del Cercle Artístic de Sant Lluc, institució de reconeguda significació dins del món cultural català dels segles XIX i XX que va veure entre els seus protagonistes els germans Llimona, el bisbe Torras i Bages, Antoni Gaudí, Joan Miró i molts d’altres. A partir d’una reordenació i integració de l’Arxiu Històric del Cercle, acompanyada d’importants buidatges, entrevistes i una extensa bibliografia, ofereix un recorregut documentat l’entitat de la qual es pretén donar una imatge de conjunt, contextualitzant-la dins la vida social i cultural de la Catalunya de l’últim segle.
La tesi aclara el delicat tema de la relació de l’entitat amb el Modernisme —dins el qual considera que es pogui incloure donant un significat ampli al terme— i delinea la col•laboració dels socis a la connotació civicocultural al Noucentisme. Esbrina la raó per la qual gairebé tots els intel•lectuals i artistes de la preguerra van sentir la necessitat de vincular-se al Cercle Artístic de Sant Lluc, basant-se en la importància fonamental de la seva biblioteca i en el seu paper com a centre aglutinador que, ben lluny de ser una congregació confessional —com s’ha dit freqüentment— va viure una complexa sinergia d’elements contradictoris entre conservadorisme i avantguardisme. Analitza, doncs, com aquesta situació ambigua es troba precisament en l’origen del tancament forçós del Cercle i també de les dificultat per a la reobertura. Posa, a més, de manifest la relació —fins ara no explicada— que es va produir a l’entitat als anys cinquanta entre una viva resistència cultural antifranquista, una indispensable però opressiva protecció eclesiàstica i el recolzament d’una burgesia intel•lectual de diferents tendències polítiques. Insisteix en el clima que va crear dins del Cercle la interacció entre les Seccions (Amics de Gaudí, Coral Sant Jordi, ADB, Teatre Viu, Ciclo de Arte Hoy, entre d’altres) que, des de la música, el teatre, l’arquitectura i, òbviament, les arts plàstiques, van formar un front de lluita —un dels pocs— per a la conservació de la cultura catalana durant el franquisme. S’ocupa en profunditat de les relacions de l’entitat amb l’Església catalana, de la qual, a partir de les orígnes confessionnals, comparteix els notables canvis, acullint figures com Torras i Bages, Manuel Trens o Pare Jordi Llimona. Finalment investiga el procés de retraïment cívic de l’entitat des de la Transició, quan ja no existeix l'enemic comú franquista per unir personalitats de diferent bagatge cultural, extracció social i orientació política, moment en el qual, doncs, es trenca sobtadament una llarga i activa tradició de participació ciutadana mantinguda des de feia quasi un segle. Per completar la imatge de l’entitat, de les seves característiques claus i dels seus elements de continuïtat i ruptura, s’inclou una anàlisi dels recents anys de represa que anuncien una nova fase.
L’anàlisi de les qüestions cabdals que vertebren la vida de l’entitat, juntament amb l'estudi detallat dels esdeveniments en els quals desenvolupà un paper protagonista, donen una imatge de la complexitat del recorregut del Cercle Artístic de Sant Lluc i, alhora, ofereixen aportacions clarificadores d’algunes de les dinàmiques essencials del món cultural català des del final del XIX segle. / This doctoral thesis focuses on the history of the Cercle Artístic de Sant Lluc, an art society with a pivotal role in the XIX and XX century Catalan culture. Among its members, there are internationally renowned figures like Antoni Gaudí, Joan Miró or Perejaume.
Starting from the reordering of the Cercle Artístic de Sant Lluc historical archive, the thesis incorporates interviews and an extensive bibliographic research, providing a thoroughly documented image of the institution and contextualizing its significance in the cultural and social life of the XIX and XX century Catalonia. The thesis proposes new perspectives on the Cercle Artístic de Sant Lluc relation with the Catalan movements Modernisme and Noucentisme, and on the important cultural resistance against Franco’s dictatorship.
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Writing technologies of the body in the work of Djuna Barnes and Gertrude Stein / Écrire les technologies du corps dans les oeuvres de Djuna Barnes et Gertrude SteinRagkousi, Ioanna 23 June 2017 (has links)
Prenant pour point de départ le corps pour l’examiner au prisme de la technologie, cette études’intéresse aux représentations du corps dans quatre textes majeurs de Djuna Barnes et de GertrudeStein. Dans The Book of Repulsive Women de Barnes, les corps fragmentés décrits dans les poèmesdialoguent avec les représentations mécanomorphiques du corps féminins chez les Dadaïstes. Lerecueil s’apparente à une série de tableaux vivants exhibant des corps mécanisés vus depuis les ramesdu métro aérien new-yorkais. La discussion envisage ensuite Dr. Faustus Lights the Lights de Stein etles connections entre la métaphore de l’électricité et l’écriture cinématique de Stein. Le lien entre cespratiques est l’automatisme que Stein a étudié chez William James et qui transforme son texte en corpsautomate. Dans cette perspective, Wars I Have Seen de Stein constitue une expérience linguistique àcomparer avec l’écriture conceptuelle de Bob Carlton Brown. Chirurgienne littéraire, Stein opère letexte à l’aide de prothèses verbales. La dernière oeuvre étudiée dans cette thèse est The Antiphon deBarnes, qui est lue à l’aide de la relation conceptuelle entre le corps violenté de Barnes et le corps dutexte autobiographique, et peut être décodée à l’analyse de ses procédés métadramatiques. Dans ledernier chapitre, les deux auteurs sont repensées à l’aulne de leur incarnation personnelle dans leurstextes et des diverses manifestations de la notion du corps et de celle de la technologie. / Having as a starting point the theme of the body and exploring it through the prism oftechnology, this study depicts its representations in four major texts by Djuna Barnes and GertrudeStein. Starting with Barnes’s The Book of Repulsive Women, the fragmented bodies depicted in thepoems come in dialogue with Dadaists’ mechanomorphic representations of female bodies. Thecollection is seen as a series of tableaux vivants displaying mechanized bodies through the alteringpresence of the El. The discussion, then, moves on to Stein’s Dr. Faustus Lights the Lights andconnections are drawn between the metaphor of electricity and Stein’s cinematic writing. The linkingaspect of this association is the practice of “automatism” that Stein explored through William James,which leads to the point that her work is an “automaton” body of text. Following this, Stein’s Wars IHave Seen, is examined as a linguistic experiment compared to Bob Carlton Brown’s conceptualwriting. Stein as a linguistic surgeon operates on the text’s body with the help of word prosthesis. Thelast work in this study is Barnes’s The Antiphon, which is explored via the conceptual correlation ofBarnes’s violated body with her autobiographical textual body, examined through decoding Barnes’smetatheatrical devices. In the final chapter, these two writers are reexamined through their personalembodiment in the texts and through the various manifestations of the themes of body and technology.
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De la Dernière Cène aux Marilyn, un examen des sources chrétiennes et de leur incidence dans l'oeuvre d'Andy Warhol / From the Last Supper to the Marilyn, a study of the christian sources and their influence in Andy Warhol's workCueff, Alain 15 September 2011 (has links)
L’œuvre d'Andy Warhol a été évaluée dans le contexte culturel du Pop Art en fonction de certains thèmes : condition de l'image médiatique, héritage duchampien, paradoxes du modernisme, statut de la marchandise, unicité de l’œuvre d'art... Ce faisant, la culture propre de Warhol, déterminée par son rapport à la religion chrétienne, a été largement ignorée. Ces essais interrogent l'articulation d'une culture et d'une pensée religieuses à une pratique et à des motifs modernes à partir d'un changement de paradigme et de perspective. Il fallait vérifier comment ces sources chrétiennes se manifestent dans le détail et en évaluer les conséquences sur l'interprétation. Les questions de l'incarnation et de l'individuation, telles qu'il les traite dans ses portraits, ne sont pas envisageables sans une réflexion sur son rapport à la religion chrétienne. Plus généralement, ce point de vue fait ressortir le rapport complexe de Warhol à la modernité. / The work of Andy Warhol has been evaluated in the context of Pop Art, and scholarship favored a number of themes: the condition of the mass media image, Marcel Duchamp's legacy, the paradoxes of modernism, the status of commodities, the notion of originality of the artwork... So that his specific culture, established in a stringent relationship to Christian religion, has regularly been largely ignored. This dissertation envisions the articulation of a religious culture and thinking to modern praxis and topics. Thus, a change of paradigm and perspective is required. It became necessary to substantiate how the Christian inspiration reveals itself in the work and modify its interpretation. The issues of incarnation and individuation, as Warhol handles them in his series of commissioned portraits, can't be understood without an extended examination of his relationship to Christian theology. More generally, this standpoint does stress Warhol's complex attitude towards modernism.
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Benjamin Péret et le Brésil / Benjamin Péret and BrazilLourenço de Abreu, Maria Leonor 25 June 2012 (has links)
Benjamin Péret effectua deux longs séjours au Brésil : à la fin des années vingt et en 1955/1956. Parti en quête de ressourcement dans la multiplicité des racines de la culture brésilienne, il est accueilli en 1929 par Oswald de Andrade et les membres du mouvement anthropophage, qui érigeaient comme référentiel mythique l’Indien cannibale. C’est toutefois une autre découverte capitale que fait le poète français : l’autre altérité intérieure, le Noir, dans ses dimensions magique et mythique, historique et politique. La poésie "primitive" et sauvage identifiée dans les mystérieux rituels afro-brésiliens prend pour lui valeur de révélation. Les dédoublements de cette découverte séminale se trouvent ainsi à la base d’une formulation théorique sur la primitivité enfouie dans les profondeurs de la conscience, identifiée à la dynamique spontanée de la vie. Les écrits du deuxième séjour poursuivent cet investissement. Ils mettent cette fois en scène l’autre altérité brésilienne : les autochtones. Du reportage à l’essai critique, du récit de voyage à l’essai historique, de la sentence au poème, du conte au [à la parodie du] mythe, le poète emprunte plusieurs registres génériques. Cette étude problématise l’expérience brésilienne de Benjamin Péret. Elle met en relief le caractère interculturel et intertextuel de son intervention. Elle rend évidentes les répercussions de cette rencontre dans sa mythologie personnelle comme dans l’agencement de sa pensée et de son œuvre. Elle dégage les constellations mythopoétiques et la communion d’imaginaires entre le poète et son pays d’accueil. Elle les relie, enfin, aux exigences éthiques et au projet esthétique du surréalisme. / Benjamin Péret has twice spent long periods of time in Brazil: both at the end of the 1920's and in 1955/56. After leaving Europe to immerse himself in Brazilian cultural roots, he was welcomed by members of the "anthropophagous" movement, conducted by Oswald de Andrade, a movement centered on a mythical figure - the Indian cannibal. His trip resulted in a fundamental discovery: the inner Other: the Black, in its magical, mythical, historical and political dimensions. "Primitive" and salvage poetry, as in the mysterious afro-brazilian rituals, acted as a revelation for him and enabled him to develop a theory about primitivism as deeply rooted in Consciousness and linked with the dynamic of life. During his second stay, Péret continued his explorations and focused his writing on a different type of Other: the Autochton. He used different literary genres to express and explore Otherness: critical and historical essay, travel stories, documentaries, poems, sentences, short-stories, and (parody of) myths. This study makes inroads into Péret's Brazilian experiences, highlights the intercultural and intertextual nature of his encounter with Brazil and demonstrates its impact on his own mythology, on his thinking and on his writing, which is always linked with surrealism and its ethical and aesthetical requirements.
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Le cut-up. Ses antécédents, ses développements, en Europe et aux Etats-Unis au XXe siècle. Lectures à partir William S. Burroughs / The cut-up technique. Its antecedents and developments, in Europe and in the United States during the 20th century. Readings through the lens of William S. BurroughsHougue, Clémentine 27 September 2012 (has links)
Créée en 1959 par William S. Burroughs et Brion Gysin, la technique du cut-up repose sur le découpage et le réagencement de fragments de textes d’origines diverses. Burroughs l’applique notamment dans la « trilogie Nova », composée de The Soft Machine (1961), The Ticket That Exploded (1962) et Nova Express (1964). Ce procédé de collage littéraire, qui donne à lire un texte extrêmement fragmenté, met en jeu des questions d’ordre esthétique, poétique et politique, révélatrices des évolutions socioculturelles occidentales. Ce travail consiste en une lecture historique du cut-up, qui permet d’éclairer les mutations du collage littéraire au XXe siècle. Ainsi, le cut-up trouve ses origines dans les collages de Tristan Tzara, T.S. Eliot et John Dos Passos, mais s’en distingue à bien des titres, soulignant les caractéristiques du collage littéraire moderniste. Par ailleurs, cette technique d’écriture s’apparente, notamment sur le plan de la réflexion politique, aux travaux de ses contemporains lettristes et situationnistes dans les années cinquante et soixante. Enfin, l’émergence de prolongements du cut-up dans les années soixante-dix et quatre-vingt, aussi bien en Europe qu’aux Etats-Unis, s’observe dans des champs allant de la musique populaire à la littérature, en passant par la poésie sonore. Le cut-up s’inscrit donc dans des espaces intermédiaires, entre le pictural et le littéraire, le modernisme et le postmodernisme, l’avant-garde et la contre-culture, l’Europe et les Etats-Unis. Par les questions qu’il pose, le cut-up apparaît également comme une réflexion sur le langage et plus généralement, comme une nouvelle image de la pensée : en ce sens, il révèle ses affinités conceptuelles avec les philosophies de Jacques Derrida et de Gilles Deleuze. / Pioneered in 1959 by William S. Burroughs and Brion Gysin, the cut-up technique consists in cutting and rearranging text segments from various sources. Burroughs uses this technique most notably in The Nova Trilogy composed of The Soft Machine (1961), The Ticket That Exploded (1962) and Nova Express (1964). This literary collage process, which results in an extremely fragmented text, challenges issues of an aesthetic, poetic and political nature, and reflects the Western socio-cultural evolutions.This dissertation consists in a historical analysis of the cut-up technique, highlighting how collage methodologies used in literature have evolved during the 20th century. The cut-up method is inspired by the collage techniques used by Tristan Tzara, T.S. Eliot and John Dos Passos, but differs from them in many ways, showcasing the attributes of modernist literary collage methods. At the same time, this writing technique is related to the works by the contemporary Lettrist and Situationist movements from the fifties and the sixties, especially from a political point of view. Finally, the emergence of an extension of cut-up techniques during the seventies and the eighties, both in Europe and in the United States, can be observed in various fields, from popular music to literature, including sound poetry. Therefore, this writing technique takes its place in intermediary areas, between the pictorial and literary worlds, modernism and postmodernism, avant-garde and counterculture, Europe and the United States. Through the questions it raises, the cut-up technique also appears as a reflection on language and, more generally, as a new image of thought, and thus it reveals some of its conceptual affinities with Jacques Derrida’s and Gilles Deleuze’s philosophies.
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La formación del modernismo vernáculo en el cine de la revolución mexicana bajo el cardenismo : Estudio de tres casos : El Compadre Mendoza, Redes y Así es mi tierra / La formation du modernisme vernaculaire dans le cinéma de la révolution mexicaine sous le cardénisme : Étude de trois cas : El Compadre Mendoza, Redes et Así es mi tierra / The Creation of Vernacular Modernism in the Cinema of the Mexican Revolution During Cardenismo : Analysis of Three Case Studies : El Compadre Mendoza, Redes and Así Es Mi TierraBelmonte Grey, Carlos Alejandro 30 October 2015 (has links)
Ce travail présente une histoire culturelle du cinéma de la révolution au temps de la conjoncture cardéniste et rend compte des appropriations iconographiques effectuées par le modernisme dans le folklore local de façon à produire des discours de réinterprétation et d´actualisation des objectifs révolutionnaires. Trois films ont été retenus pour le corpus : El Compadre Mendoza (Fernando de Fuentes, 1933), Redes (Les Révoltés d'Alvarado, Fred Zinnemann, 1934-1936) y ¡Así es mi tierra!(Ainsi est mon pays, Arcady Boytler, 1937). Ces trois films font apparaître les trois tendances culturelles qui ont interprété la révolution et que l´on peut caractériser respectivement comme critique et négationniste, socialiste et prometteuse, folklorique et triomphaliste. Le film de De Fuentes fut le premier à aborder la révolution comme un événement dramatique et comme une critique des esprits romantiques qui clamaient le renouveau de la Nation. Celui de Zinnemann, un projet originel du musicien Carlos Chávez et du photographe Paul Strand, fut la seule production destinée à encouragerl´introduction du socialisme au Mexique. Enfin, celui de Boytler récupère la structure de la comedia ranchera popularisée avec succès par De Fuentes, à laquelle il ajoute la figure du pelado citadino de Mario Moreno Cantinflas. Ces films permettent d´observer les symptômes du modernisme vernaculaire. Plus précisément, la formation du nationalisme mexicain a introduit les références de la modernité alimentées par le folklore local en le combinant à des tendances idéologiques, esthétiques et culturelles de type transnational. Ce faisant, ces expressions ont proposé des représentationsiconographiques et discursives de l´Être national dans le but de le réformer. / The dissertation is a cultural history of the cinema of the revolution during Cardenismo, showing the appropriation of modernist iconography into local folklore, which produced discourses that reinterpreted the revolutionary objectives and brought them up to date. Three films were chosen for analysis: El Compadre Mendoza (Godfather Mendoza, Fernando de Fuentes, 1933), Redes (The Waves, Fred Zinnemann, 1934-1936) and ¡Así Es Mi Tierra! (Such Is My Country, Arcady Boytler, 1937). They show the three cultural tendencies of interpreting the revolution: critical and negationist; socialist and hopeful; folklorist and triumphal. The De Fuentes film was the first that portrayed the revolution as a dramatic event and as a criticism of the romantic spirits who demanded the nation´s rebirth. Zinnemann’s, originally a project by musician Carlos Chávez and photographer Paul Strand, was the only production aimed to introduce socialism into Mexico. Boytler’s motion picture borrowed the structure of the comedia ranchera successfully popularized by De Fuentes, introducing the character of the pelado citadino of Mario Moreno Cantinflas. In these films we can see the symptoms of vernacular modernism. That is, the creation of Mexican nationalism introduced certain references of modernity which were fed by local folklore, and mixed this with transnational ideological, aesthetic and cultural trends. Thus, these expressions suggest iconographical and discursive representations of national Being in order to reform and recognize it as an archetype of nationality within the discourse of modernity.
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Paris-Prague. Transferts en photographie, 1918-1939 / Paris-Prague. Transfers in photography, 1918-1939Parkmann, Fedora 25 November 2017 (has links)
Cette thèse se propose d’étudier les transferts entre France et Pays tchèques dans le domaine de la photographie de l’entre-deux-guerres. Fondée sur une approche matérielle des circulations de personnes, d’images et de concepts, elle vise à définir la scène photographique tchèque en fonction de son rapport à la France et de ses métissages. L’enquête a porté sur les flux photographiques – reproductions photomécaniques et catalogues d’exposition – et les activités des médiateurs et photographes à l’intersection entre les deux pays. Elle a montré, d’une part, que les Pays tchèques furent non seulement un lieu de passage d’apports français, particulièrement marquants au regard des impulsions allemandes et russes, mais aussi un centre d’exportation d’une production photographique locale. Elle a révélé, d’autre part, les hybridations auxquelles a donné lieu l’accueil de la scène photographique française. Le courant surréaliste tchèque en fut l’exemple le marquant : dépassant le simple geste d’adhésion, cette production originale s’est à son tour exportée, à la faveur d’un processus de circulation et de transformation réciproques caractéristique du phénomène de transfert. Les séjours et expériences photographiques des Tchèques en France et leur contribution à l’ « école de Paris de la photographie » complètent ce panorama des interactions entre les deux pays. Le prisme des transferts culturels adopté dans notre étude a agi comme un révélateur d’acteurs, d’images et de concepts ignorés jusque-là des histoires nationales de la photographie. Il a également montré comment la réceptivité des photographes tchèques vis-à-vis de la France a pu, en retour, favoriser l’émergence du modernisme photographique dans leur pays. / This dissertation sets forth to explicate the transfers that occurred in photography between France and the Czech Lands during the interwar period. Rooted in a material approach towards the various circulations of individuals, images and concepts, this study considers the Czech photographic scene in light of its specific relation to France and analyzes the resulting hybridizations. The research focuses on photographic vectors such as photomechanical reproductions, exhibition catalogues and the activities of mediators and photographers working between the two countries. It illuminates a network of relations between French, German and Russian impulses and describes also the export of a local photographic production. The Czech surrealist current is a prominent hybridization that resulted from the strong reception of the French photographic scene. It was exported again as an original Czech production, and as such exemplifies the process of mutual circulation and transformation that describes the concept of transfer. An expansive study of Czech journeys to France, their photographic experience of the country and their subsequent contribution to the “Paris school of photography” complete this overview of the interactions and transfers between both countries.By situating Czech photography within the discourse of cultural transfers, this dissertation reveals actors, images, concepts and developments that until now have been critically absent from national photography histories. It also demonstrates how the receptivity of Czech photographers to France in return favored the emergence of photographic modernism in their country.
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Nationalisme et modernisme à travers l'oeuvre de Mahmud Mukhtar (1891-1934)Correa-Calleja, Elka Margarita 20 December 2014 (has links)
Cette recherche porte sur la vie et l’œuvre de Mahmûd Mukhtâr, gloire de l’art égyptien, dont le travail prit naissance à une époque où les débats autour de l’identité nationale constituaient un enjeu crucial pour la construction de la nation moderne. En Égypte, l’idée de mettre en place un art figuratif se développa parallèlement au déploiement du pharaonisme - un courant historiciste proche du nationalisme territorial, dans lequel l’idée centrale était que la géographie était le facteur déterminant de l’histoire de l’Égypte. Dans l’historiographie de l’art égyptien, l’on a d’abord considéré l’art figuratif arabe comme en « décalage chronologique ». Si cette idée s’étendit aussi fortement, c’est parce qu’au début du XXe siècle, la modernité trouve l’une de ses expressions les plus importantes dans l’art des « avant-gardes » européennes. Mais, en réalité, au lendemain de la Grande Guerre, il émerge un mouvement de réaction favorable au retour à l’ordre classique. On qualifia dès lors de « modernistes », les œuvres d’art qui se trouvaient à mi-chemin entre ces deux tendances : le retour à l’ordre et les « avant-gardes ». C’est précisément dans ce contexte que se situe l’œuvre de Mukhtâr. De ce fait, l’objectif principal de cette thèse sera de replacer la production artistique de Mukhtâr dans les débats de son temps et de la comparer avec celle de ses collèges européens, pour remettre en question l’idée selon laquelle, l’art égyptien de l’entre-deux-guerres aurait eu un certain « retard » sur l’art européen. / This thesis is about the life and works of Mahmûd Mukhtâr, glory of Egyptian art, at a time where the debates around national identity are crucial for the construction of the modern nation. In Egypt, the idea of creating figurative art was linked to the development of Pharaonism – a historicist trend close to territorial nationalism, in which the central idea was that geography was the determining factor in Egyptian history.Egyptian historiography, starts considering that Arab figurative art was in “delay” compared with that of Europe. The reason for the development of this idea was that at the beginning of the XXth Century, modernity found one of its most important expressions in European “avant-gardes”.But, in reality, after the Great War, a reactionary movement emerged. This trend favored the return to classical order, which was an art closer to Academism and figuration. We qualify as modernists, those works of art that are between these two tendencies: the return to classical order and the “avant-gardes”. It is precisely in this context where we can place Mukhtâr’s work. In this sense, the main objective of this dissertation is to compare Mukhtâr’s artistic production, with that of his European colleagues, in order to reconsider the idea of “delay” of Egyptian art created during the interwar period.
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