Cette recherche vise à analyser les stratégies d'accès à la vie intérieure du personnage employées dans les récits par Adelino Magalhães. Pour ce but, cette étude montre comment les artistes de la fin du XIXe siècle - début du XXe ont relevé le défi de représenter la démarche de la psyché en formation dans la littérature. Parmi les auteurs qui ont influencé le travail sont: Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Belinda Cannone, Henri Bergson et Sergei Eisenstein. Afin de transformer le thème en forme, Adelino Magalhães plonge dans le désordre du langage et, entre des lacunes, pousse le lecteur à essayer l'intimité de ses personnages. / Esta pesquisa visa analisar as estratégias de acesso à vida interior da personagem empregadas nas narrativas por Adelino Magalhães. Para isso, esse estudo demonstra como os artistas da virada do século XIX – XX enfrentaram o desafio de representar o andamento da psique em formação na literatura. Entre os autores que auxiliaram a investigação estão: Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Belinda Cannone, Henri Bergson e Sergei Eisenstein. A fim de transformar o tema em forma, Adelino Magalhães mergulha na desordem da linguagem e, entre lacunas, provoca o leitor a vivenciar a intimidade de suas personagens. / The purpose of this research is to analyze the strategies to access the inner life of the character employed in the narratives by Adelino Magalhães. For this aim, this study demonstrates how artists from the turn of the XIX century to XX faced the challenge of representing the progress of the psyche in formation in Literature. Among the authors who influenced the investigation, are Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Belinda Cannone, Henri Bergson and Sergei Eisenstein. In order to transform the subject into shape, Adelino Magalhães dives into the language disorder, and, among gaps, provokes the reader to experience the intimacy of his characters. / El objetivo de esta investigación es analizar las estrategias de acceso a la vida interior del personaje empleadas en las narrativas por Adelino Magalhães. Para este fin, el estudio muestra como los artistas de finales del siglo XIX y principios del XX enfrentaron el desafío de representar el progreso de la psique en formación en la literatura. Entre los autores que influenciaron la investigación, están: Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Cannone Belinda, Henri Bergson y Sergei Eisenstein. Con el fin de transformar el tema en forma, Adelino Magalhães se sumerge en el desorden del lenguaje y, entre las lagunas, provoca el lector a experimentar la intimidad de sus personajes.

MARINHO, Nahyara Estevam. Macunaíma nas Volutas do Barroco: contribuições da literatura para a compreensão da cultura brasileira. 2009. 111f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Sociologia, Fortaleza (CE), 2009. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-04-11T17:08:55Z No. of bitstreams: 1 2009-DIS-NEMARINHO.pdf: 776588 bytes, checksum: 11dd3772c128a20f5b926185a5de7e61 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-04-14T12:57:41Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009-DIS-NEMARINHO.pdf: 776588 bytes, checksum: 11dd3772c128a20f5b926185a5de7e61 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-14T12:57:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009-DIS-NEMARINHO.pdf: 776588 bytes, checksum: 11dd3772c128a20f5b926185a5de7e61 (MD5) Previous issue date: 2009 / Macunaíma: o herói sem nenhum caráter é uma obra literária fruto da pesquisa de Mário de Andrade sobre a cultura popular brasileira. Basicamente, a obra conta a história de um índio negro que se tornou branco em fontes mágicas e, após ter perdido sua muiraquitã, viaja para São Paulo com seus irmãos com o objetivo de reavê-la. Aí, Macunaíma se surpreende com o avanço tecnológico da vida moderna, além de viver várias peripécias, quando ora se utiliza de astúcia, ora é vítima de sua inocência. Na obra andradiana, está presente uma forte tensão entre a adoção do modelo europeu e a valorização da diferença nacional. A busca da muiraquitã seria a busca por uma brasilidade, ação que se apresenta em quase toda a obra. Mas a aspiração pelo progresso, pelo modo de vida europeu, seria o desejo secreto do herói que, mesmo após a reparação do amuleto, tem um fim triste. Macunaíma constitui uma fonte relevante para a pesquisa sobre a cultura brasileira e um marco na literatura moderna. O Movimento Modernista, por sua vez, criticou as formas tradicionais do fazer artístico e buscou uma espécie de independência cultural por meio da valorização dos elementos nacionais. Foi preciso olhar para um passado distante na busca de raízes culturais: a fase colonial no Brasil e o estilo artístico que predominou nesse momento serviram como fontes inspiradoras. Como características do barroco, posso destacar a unificação de elementos distintos, sagrados e profanos, a ligação com a terra pela valorização dos sentidos e pela alusão ao baixo ventre. Na América Latina é relevante ressaltar as variadas matrizes culturais marcadas também pela tensão, em um movimento de ruptura e reunificação. Essas são algumas das características desse estilo que posso observar também em Macunaíma, ou seja, como o estilo barroco permeia nossa cultura, que foi objeto de pesquisa de Mário de Andrade e trabalhada esteticamente em uma obra literária.

Cette recherche vise à analyser les stratégies d'accès à la vie intérieure du personnage employées dans les récits par Adelino Magalhães. Pour ce but, cette étude montre comment les artistes de la fin du XIXe siècle - début du XXe ont relevé le défi de représenter la démarche de la psyché en formation dans la littérature. Parmi les auteurs qui ont influencé le travail sont: Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Belinda Cannone, Henri Bergson et Sergei Eisenstein. Afin de transformer le thème en forme, Adelino Magalhães plonge dans le désordre du langage et, entre des lacunes, pousse le lecteur à essayer l'intimité de ses personnages. / Esta pesquisa visa analisar as estratégias de acesso à vida interior da personagem empregadas nas narrativas por Adelino Magalhães. Para isso, esse estudo demonstra como os artistas da virada do século XIX – XX enfrentaram o desafio de representar o andamento da psique em formação na literatura. Entre os autores que auxiliaram a investigação estão: Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Belinda Cannone, Henri Bergson e Sergei Eisenstein. A fim de transformar o tema em forma, Adelino Magalhães mergulha na desordem da linguagem e, entre lacunas, provoca o leitor a vivenciar a intimidade de suas personagens. / The purpose of this research is to analyze the strategies to access the inner life of the character employed in the narratives by Adelino Magalhães. For this aim, this study demonstrates how artists from the turn of the XIX century to XX faced the challenge of representing the progress of the psyche in formation in Literature. Among the authors who influenced the investigation, are Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Belinda Cannone, Henri Bergson and Sergei Eisenstein. In order to transform the subject into shape, Adelino Magalhães dives into the language disorder, and, among gaps, provokes the reader to experience the intimacy of his characters. / El objetivo de esta investigación es analizar las estrategias de acceso a la vida interior del personaje empleadas en las narrativas por Adelino Magalhães. Para este fin, el estudio muestra como los artistas de finales del siglo XIX y principios del XX enfrentaron el desafío de representar el progreso de la psique en formación en la literatura. Entre los autores que influenciaron la investigación, están: Christine Buci-Gluksmann, Émile Benveniste, Dorrit Cohn, Robert Humphrey, Cannone Belinda, Henri Bergson y Sergei Eisenstein. Con el fin de transformar el tema en forma, Adelino Magalhães se sumerge en el desorden del lenguaje y, entre las lagunas, provoca el lector a experimentar la intimidad de sus personajes.

Hugh MacDiarmid est considéré comme le poète écossais le plus important du XXᵉ siècle. Il est surtout célébré pour les poèmes lyriques écrits en scots dans les années Vingt et le poème A Drunk Man Looks at the Thistle, paru en 1926. Les poèmes des années Trente, pour la plupart issus du projet non publié Mature Art, ainsi que In Memoriam James Joyce (1955), ont rarement suscité le même intérêt de la part des critiques à cause de leur caractère fragmentaire. Pourtant, ils représentent l’aboutissement d’une crise stylistique complexe que cette étude se propose d’analyser à travers la question du lien, en particulier du lien problématique. L’œuvre complète dresse le portrait d’une humanité déchirée par les divisions sociales, la trahison et la mort mais évoque aussi une perte, une perte fondamentale et fondatrice de la modernité : la perte de l’altérité transcendante désignée par la figure de Dieu. Une analyse diachronique des poèmes révèle comment l’évolution de l’œuvre poétique de MacDiarmid peut être conçue comme une rupture avec le divin, comme un processus de sécularisation et de déthéologisation. À partir de A Drunk Man, l’instance d’énonciation, les pratiques intertextuelles, et le rythme de l’œuvre se métamorphosent pour permettre l’avènement de listes et de catalogues matérialistes. Grâce à un lexique de l’immanence et grâce à l’imitation de la forme infinie du pibroch, les poèmes dévoilent une philosophie post-chrétienne qui abandonne le principe de fin mais conserve celui de finalité. Les hommes et la poésie demeurent tournés vers une altérité immanente, qu’ils ne peuvent toutefois pas atteindre. Finalement, malgré la souffrance causée par une quête du sens jamais achevée, l’option existentielle du partage dans la nature s’unit au partage que seule l’écriture poétique rend possible, pour inscrire l’œuvre dans la plénitude. / Hugh MacDiarmid is considered the most important Scottish poet of the 20th century. He is mostly celebrated for the Scots lyrics he wrote in the 1920s and his long poem A Drunk Man Looks at the Thistle, published in 1926. Because of their fragmentation, the poems of the Thirties, most of which were part of the unpublished project Mature Art, and In Memoriam James Joyce (1955), have not attracted the same critical attention. However, they represent the culmination of a very complex stylistic crisis that this study offers to analyse thanks to the question of bonds, especially problematic bonds. The poetry portrays humanity torn by social division, treason and death, but it deals with loss too, with a fundamental and founding loss for modern men: the loss of God, the embodiment of transcendent otherness. A diachronic analysis of the poems reveals how the transformation of MacDiarmid’s poetry may be understood as a rupture with the divine and as a process of secularisation. From A Drunk Man, the enunciator, the intertextual methods and the rhythm of the poetry change so as to allow the emergence of materialist lists and catalogues. Thanks to immanent terms and to the imitation of the infinite form of the pibroch, the poems display a post-Christian philosophy that abandons the concept of ending but retains that of end (aim). Humanity and poetry are still turned towards an immanent form of otherness, though one which they cannot reach. Finally, despite the pain caused by a never-ending quest for meaning, poetic writing makes serenity possible through the appearance of a vital existential option: sharing.

Made available in DSpace on 2016-08-16T18:10:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Thais.pdf: 1023929 bytes, checksum: 8d10258dcaf19788bb67341c9fd07869 (MD5) Previous issue date: 2013-07-17 / Ce travail a misé sur l étude de la mouvance narrative de la fiction moderniste brésilienne, au travers d une analyse du focus narratif, dans l'abordage de la théorie de la littérature, dans ses relations avec la psychanalyse freudienne. Pour cela, a considéré, en particulier, l'oeuvre: Memórias Sentimentais de João Miramar (Mémoires Sentimentales de João Miramar), d Oswald de Andrade, objet d'étude du present travail, cherchant à reconnaître les possibles relations de la logique narrative fictionnelle moderniste brésilliene avec une autre logique que Freud a nominé travail du rêve. L'étude de la relation entre psychanalyse dans la prose moderniste brésilienne est donné suivant les pas de Jacques Rancière (2009). L étude a cherché a reconnaître le jeu esthétique de cette prose moderniste, l'inconscient esthétique, à partir d un regard sur la rhétorique de la fiction, selon Wayne Booth (1961), dans ce qui concerne les questions du focus narratif dialoguant avec la logique de la construction du récit onirique dans la compréhension du travail du rêve révélé principalement par l'Interprétation des Rêves de Sigmund Freud (2010b). / O presente trabalho visou estudar a movimentação narrativa da ficção modernista brasileira, através de uma análise do foco narrativo na abordagem da Teoria da Literatura, numa aproximação com a psicanálise freudiana. Para isso, considerou-se em especial a obra Memórias Sentimentais de João Miramar, de Oswald de Andrade, objeto de estudo do presente trabalho, na busca de reconhecer as possíveis relações da lógica narrativa ficcional modernista brasileira com uma outra lógica que Freud denominou de trabalho dos sonhos. O estudo da relação entre literatura e psicanálise na prosa modernista brasileira se deu, seguindo os passos de Rancière (2009). Buscou-se reconhecer o jogo estético dessa prosa, o inconsciente estético, a partir de um olhar para a retórica da ficção, segundo Wayne Both (1961), no que se refere às questões do foco narrativo, dialogando com a lógica da construção do relato onírico na compreensão do trabalho dos sonhos revelado, principalmente, na Interpretação dos Sonhos de Sigmund Freud (2010b).

Du Bauhaus à De Stijl, du Constructivisme au Style international ou au Mouvement moderne, le modernisme historique n’aura pas seulement occupé les historiens de l’architecture et du design. Il est en effet devenu, depuis une vingtaine d’années, un objet d’investissement à part entière d'un grand nombre d'artistes de toutes provenances. Au tournant des années 2000, ce phénomène de références, d'évocations, de déplacements, de réappropriations, de mises à distance ou de célébrations, a pris une ampleur telle que de nombreuses expositions en Europe et en Amérique du Nord l'ont interrogé, en le réduisant toutefois le plus souvent à une mouvance ruiniste, empreinte de nostalgie, qui n'est pas confirmée par une étude attentive des œuvres. Loin de toute vaine prétention à l’exhaustivité, notre recherche a opté pour une focale centrée sur les œuvres. Au risque d’un peu de myopie où pourrait sembler se perdre une conscience globale du phénomène historique traité, le parti est ici pris d’analyser individuellement les pratiques. L’étude des divers cas retenus conduit à différentes hypothèses et lectures, qu'on espère inédites. Si tous les travaux analysés ont en commun de se référer au modernisme, de prendre celui-ci pour objet à travers telle ou telle de ses réalisations, on verra qu’il est impossible de conférer un sens unitaire à pareil tropisme. L'indispensable proximité avec les œuvres aura ainsi permis de prendre non pas l’unique mais les mesures plurielles d’un phénomène qui aura indéniablement marqué la création artistique des dernières décennies, et continue de la marquer. / From Bauhaus to De Stijl, from Constructivism to the International Style or the Modern Movement, historical modernism has kept more than architecture and design historians busy. In fact, in the last twenty years, it has become a focus of investment in its own right for a large number of artists from all walks of life. At the turn of the century, this phenomenon of references, evocations, displacements, reappropriations, distancing or celebrations took on such a magnitude that many exhibitions in Europe and North America addressed it. However, it was primarily reduced to a ruinist movement, full of nostalgia, which is not discerned by a careful study of the works. Without pretense of being exhaustive, our research has chosen to focus on the works. At the risk of being slightly myopic, where a global consciousness of the historical phenomenon treated might seem lost, we seek to analyze individual practices. The study of the various cases selected leads to different hypotheses and readings, which we hope are novel. If the common thread of all the analyzed works is to refer to modernism, to take it as object through one or other of its achievements, we will see that it is impossible to confer a unitary meaning on such tropism. The indispensable proximity to the works will thus make it possible to take not the exclusive but the plural measures of a phenomenon that will undoubtedly mark the artistic creation of the last decades, and continues to mark it.

Né d’une réaction à la sécularisation apportée par la Révolution française, le « renouveau catholique » ou la « renaissance catholique » est un mouvement d’artistes et d’intellectuels catholiques particulièrement actif entre 1885 et 1935. Dans la droite ligne du catholicisme intransigeant dont il procède, il entend œuvrer à remplacer la société moderne par une société chrétienne, en rendant à Dieu sa place dans l’art et la pensée. De sa conversion en 1886 jusqu’à son abandon de la littérature pour l’exégèse au cours des années trente, Claudel, catholique intransigeant et écrivain, appartient à ce mouvement. Pourtant, il s’en tient à distance, ne collaborant que de façon irrégulière et précaire à ses différentes initiatives et ne nouant que d’incertaines ou de mauvaises relations avec la plupart des autres écrivains catholiques. Comment le comprendre ? Il faut voir que, loin de lui être particulière, la situation est emblématique de l’histoire du mouvement : la répression antimoderniste qui a provoqué la naissance de l’écrivain catholique et orienté l’action littéraire catholique vers la défense de l’Église, trace aussi les limites à ne pas dépasser. Or la tentative d’art chrétien, désireuse de montrer la présence du surnaturel dans le monde des hommes, apparaît bien souvent comme un naturalisme, c’est-à-dire une réduction du surnaturel à l’humain. C’est ce naturalisme que Claudel reproche à la plupart des membres du renouveau, pourtant engagés comme lui dans le même projet de réconcilier le monde moderne avec le catholicisme. / Appeared in reaction to post-revolutionary secularization, the Catholic Revival is a French movement uniting catholic artists and intellectuals, particularly active between 1885 and 1935. Rooted in intransigent Catholicism, it aims at replacing modern society with a Christian one, in which God would be given back his place in art and mind. From his conversion in 1886, until he abandoned literature for biblical exegesis during the thirties, Claudel, as a writer and intransigent Catholic, belongs to that movement. He nevertheless remains on the fringe of it, participating only occasionally for limited works to its several initiatives. He builds only uncertain or bad relations with most of the other Catholic writers. How can we understand this? Far from being Claudel’s particularity, this situation symbolizes the history of the Catholic Revival, which was simultaneously guided and controlled by anti-modernism repression. Yet the attempt of a Christian art, eager to show the presence of the supernatural in men’s world, often appears as a form of naturalism, in others words as a reduction of supernatural to human stage. Claudel reproaches the most part of the Revival members for this naturalism, even if they are involved, just as he is, in the common project of reconciliation between Catholicism and modern world.

L’oeuvre anthropologique de Claude Lévi-Strauss a joui, dès les années cinquante, d’un succèsretentissant dans le champ des sciences humaines et sociales. Dans celui spécifiquement de l’art, ce futd’abord le cas, avant que l’ethnologue ne récuse rapidement toute alliance possible avec la créationmoderne. Face à ce désaveu brutal, par contrecoup, la pensée esthétique de l’anthropologue est depuisrégulièrement reléguée au rang des conservatismes. Il y a dans les arts plastiques, comme un malaiseLévi-Strauss. Partant de ce constat, le présent travail entend faire corps selon deux aspects étroitementmêlés.Le premier consiste à « servir » Lévi-Strauss. En effet, l’examen démontre qu’il est, par bien desaspects, difficile de réduire l’auteur des Mythologiques à la figure de l’amateur gêné par l’aspect radicaldes avant-gardes. Dans une approche apaisée, le débat avec l’art moderne est alors rouvert afin decomprendre les ressorts profonds du positionnement esthétique de l’anthropologue. Elargissant la focale,l’étude tente de saisir l’art selon une approche civilisationnelle. L’Occident, en tant qu’entité culturelle,est analysé au regard du primat accordé dès l’antiquité au logos et jusqu’à son expression moderne autravers de la pensée scientifique.L’autre aspect de ce travail consiste cette fois à « se servir » de la pensée lévi-straussienne dans lebut d’élaborer les bases d’une postmodernité débarrassée de l’écueil du « tout se vaut ». Des outils aupremier rang desquels le triangle culinaire ainsi que la méthode structurale, sont également convoquésafin d’instruire les possibilités d’un rééquilibrage entre pensée scientifique et pensée mythique. Sefaisant, le travail tente de montrer le caractère profondément poïétique de la pensée lévi-straussienneainsi que de répondre à la question posée par la poïétique de René Passeron : « Si l’art est exemplaire, illui faut dire en quoi. »De la rencontre entre les deux grands aspects précités, naît la thèse majeure de ce présenttravail. Celle-ci consiste à démontrer combien le malaise Lévi-Strauss n’est en fait que l’autre nom dumalaise postmoderne, sa forme paradigmatique. / Since the 50’s, Levi-Strauss anthropological work has enjoyed a huge success in the socialsciences as well as in the Arts. These were parallel until the ethnologist quickly refused every possiblealliances with modern arts. As a direct consequence of this brutal disavowal, the anthropologist'saesthetic thought is regularly pushed into conservatism, thus, the inception of a Lévi-strauss vexationwithin the plastic arts. It is upon this that this discussion will be based.On one hand, this work will use Lévi-Strauss's thought. Indeed, the author of theMythologiques can't be reduced to the image of an amateur uncomfortable with the radical side of theavant-garde's thought. We'll reopen the discussion about modern art in order to understand the roots ofthe aesthetic positioning of the anthropologist. The cultural point of view in the arts will be the centerof this work. The cultural entity of the western civilization is analyzed from the primal importance itgranted since the antiquity to the logos until its modern expression : the rational thought.On the other hand, this work is permitted by the levi-straussian way of thinking and elaboratesthe basis of a postmodernity freed from the « all is equal » problem. Many tools such as the culinarytriangle and the structural method will be employed in discussing this. They help in keeping the delicatebalance between the rational and the natural thought, Thus, this is an attempt to answer a questionraised in the poietics of René Passeron : « If art is an exemple, we must say in which way it is. »These two sides create the main part of this work which demonstrates how the Lévi-Straussvexation is actually the other name for the postmodern vexation. We could even say that it is itsparadigmatic form.

Brian Castro, écrivain australien contemporain d’origine chinoise, auteur de dix romans, a été souvent appréhendé par la critique littéraire par le seul biais de ses origines. La lecture de son oeuvre, pourtant, révèle une esthétique et une puissance poétique qui dépassent largement cette catégorie réductrice.Afin d’établir les contours de cette esthétique, le présent travail s’est intéressé à quatre romans qui synthétisent un travail d’écriture de trente années : Birds of Passage (1989), After China (1992), The Garden Book (2005) et The Bath Fugues (2009). Nous brossons tout d’abord un historique de la littérature australienne et des enjeux sociétaux et culturels qui la sous-tendent pour déterminer quelles stratégies l’auteur met en oeuvre pour affirmer une identité littéraire singulière, ni totalement nationale, multiculturelle, ou (post)moderne.Cette singularité posée, nous avons recours à des outils d’analyse empruntant à divers courants de critique littéraire pour dégager les lignes de force esthétiques de l’oeuvre de Castro. La forme musicale de la fugue est en ce sens une clé d’entrée essentielle en ce qu’elle structure autant qu’elle inspire l’écriture de l’auteur, tant au niveau de la caractérisation, du récit ou encore de la diégèse, donnant ainsi naissance à une prose dont la force créatrice n’a rien à envier à la poésie. Pour le lecteur, le résultat en est une expérience de déstabilisation qui vise à l’amener à se questionner sur la perméabilité et la futilité des préjugés et catégories, qu’ils soient sociétaux, culturels ou littéraires / Australian writer Brian Castro is the author of ten novels, among which Birds of Passage (1989), After China (1992), The Garden Book (2005) and The Bath Fugues (2009) – the four works at the core of the present study. Owing to his Chinese origins and his elaborate style, literary criticism in Australia has labelled him an ethnic writer whose novels are deemed overly – and overtly – complex and opaque.Our thesis aims at establishing why Castro’s works, precisely because of their sophistication, deserve an alternate approach. We start with a historical survey of Australia’s “national” and “multicultural” literature. This will bring to light how Castro, being well aware of his nation’s love for social, cultural and literary categorizations, strives to break free from them.This desire permeates the whole of his literary endeavour, and our analysis borrows from several traditions of literary criticism to determine the characteristics of Castro’s unique aesthetics. To achieve this, the musical form of the fugue is a particularly powerful analytic tool, in that this musical genre allows us to better understand the elaborate mechanisms at work in the way the author approaches, among others, characterization, plot and diegesis.Far from the easy reads that Australia’s literature market promotes, Brian Castro’s unique works of fiction are an invitation to embrace destabilization in order to examine a prose whose poetic force will help the reader liberate themselves from established racial, cultural and literary categories.

Écrite d’abord en russe puis en anglo-américain, l’œuvre romanesque de Vladimir Nabokov (1899-1977), écrivain américain d’origine russe, fascine ses lecteurs, mais leur participation à l’achèvement de cette œuvre artistique a été singulièrement restreinte par sa réception. La publication de Lolita (1955) le transforme en précurseur du postmodernisme américain. Aboutissement de la quête moderne de l’autonomie de l’art et triomphe de l’autotélisme artistique, sa création se trouve alors interprétée en poétique « tyrannique » sur laquelle règne l’auteur en « dictateur absolu ». Vladimir Nabokov, pourtant, n’a cessé d’identifier dans l’Histoire et de combattre dans son œuvre deux questions politiques du vingtième siècle : celle de la soumission de l’art à l’idéologie (quelle qu’en soit le nom) et celle de la tyrannie (actualisée par les régimes politiques nazi et soviétique). Dès l’origine, sa création de langue russe, puis anglo-américaine, est synchronisée avec les conséquences, tant en Russie qu’en Occident, de la Révolution bolchevique, l’événement historique qui change le « partage du sensible » (Jacques Rancière) vingtiémiste. La nature autotélique de sa création, dont les caractéristiques sont à redéfinir en opposition aux formes artistiques prônant l’engagement de l’art, indique en réalité que Nabokov propose une nouvelle « politique de la littérature » (Jacques Rancière) de l’émancipation qu’il a lui-même appelée du nom de « démocratie magique » et fait d’elle un « art critique » dont l’effet politique passe par sa distance esthétique, incluant « dans la forme de l’œuvre la confrontation de ce que le monde est avec ce que le monde pourrait être » (Jacques Rancière). / Vladimir Nabokov (1899-1977), American writer of Russian origin, was the author of fiction written first in Russian and then in American English. His work has been a constant source of fascination for his readers, but their interpretation has been limited by its reception. Upon the publication of Lolita (1955), Nabokov is seen as a precursor of American postmodernism. His writings are interpreted as the climax of the modernist quest for artistic autonomy and a triumph of autotelic creation, and a poetic of “tyranny” is identified in his work, with the author reigning supreme as an “absolute dictator.”However, Nabokov had never ceased to be preoccupied with two political issues in 20th century History, which he continuously denounced in his writings: the issue of the submission of art to any kind of ideology and that of tyranny illustrated by the Nazi and Soviet political regimes. From the very beginning of his career, in his Russian texts and later in his American texts, Nabokov’s work examines the consequences of the Bolshevik Revolution, seen as the historical event that changes the “distribution of the sensible” (J. Rancière) in the 20th century. The autotelic nature of his work, whose features should be defined in opposition to aesthetic forms that celebrate the commitment of art, actually indicates that Nabokov defines a new “politics of literature” (J. Rancière) based on emancipation, which Nabokov calls “a magic democracy” and considers to be a “critical art” whose aesthetic effect is predicated on its distance, thus including “in the form of the work the confrontation between what the world is and what the world may become” (J. Rancière).