Dans les années 1920 et 1930, le canon littéraire scandinave semble s’écrire hors des frontières du Nord. De nombreux écrivains aujourd’hui reconnus comme des classiques, tels que Karen Blixen, Eyvind Johnson, Harry Martinson et Aksel Sandemose, font non seulement le choix de quitter la Scandinavie, mais encore de raconter l’ailleurs. Que signifie et implique la délocalisation du champ scandinave de l’époque ? Quels liens peut-on établir entre espace et écriture ? Quelles représentations du paysage en ressortent ? Quelles formes d’identités trouvent leur accomplissement par ce biais ? L’étude de quatre romans permet de tenter de comprendre les mécanismes du phénomène d’émigration littéraire que le Danemark, la Suède et la Norvège ont connu au début du XXème siècle. Il ne s’agit pas d’un mouvement, encore moins d’une école, mais d’une tendance qu’ont eue les artistes scandinaves à se situer « Out of Scandinavia » pour façonner l’identité littéraire nordique au seuil de la modernité. / In the 1920s and 1930s, the Scandinavian literary canon seems to be written outside the borders of the North. Many writers that we acknowledge today as classic authors such as Karen Blixen (Isak Dinesen), Eyvind Johnson, Harry Martinson and Aksel Sandemose leave the Scandinavian peninsula and narrate the new horizons. What does that kind of relocation of the Scandinavian literary scene mean and imply? How can we link the notion of space to literary writing? How are the landscapes depicted? What kind of identities emerges from this perspective? This work takes focus on four novels and aims to understand the mechanism of the Nordic literary emigration that occurred in Denmark, Sweden and Norway in the beginning of the 20th century. It is not an artistic movement nor a school, but a tendency for Scandinavian writers to take an “Out of Scandinavia” point of view, in order to shape the identity of Nordic literature on the brink of modernity.

La sociologie a proposé une multitude d’explications sur divers phénomènes sociaux. Cependant, plusieurs sociologues, dont Boudon se sont surtout intéressés à l’aspect scientifique de la sociologie. Les questions les plus souvent posées lorsqu’on entreprend de telles études se penchent essentiellement sur le caractère scientifique de la discipline sociologique. Quels sont les critères de scientificité de la sociologie ? Quel est son sens épistémologique dans la littérature scientifique ? Quel est son raisonnement existentiel dans la construction du savoir ? La sociologie pourrait-elle être traitée méthodologiquement parlant au même titre que les autres disciplines des sciences naturelles ou particulières ? Si oui, pourrait-elle expliquer les lois des phénomènes sociaux à partir des observations hypothético-déductives sur la nature de la réalité sociale ? Dans cette thèse, nous tenterons de répondre à ces questions en nous appuyant sur des concepts élaborés par les sociologues classiques et contemporains.

La thèse, divisée en trois parties, constitue une introduction à l’univers musical de Giacomo Manzoni (Milan, 1932). La première partie aborde huit dimensions de l’œuvre du compositeur dans une perspective analytique (matériau, temps, dynamique, timbre, forme, figures sonores, espace et texte). Dans la deuxième partie, où figure une étude de Per Massimiliano Robespierre (1974) et de Doktor Faustus (1988), sont présentés les principaux axes de sa poétique : l’engagement et l’innovation. La dernière partie conceptualise la notion de matiérisme en tant que fondement de sa praxis compositionnelle. À ce propos, Atomtod (1964), sa troisième œuvre pour le théâtre musical, a été analysée. Des documents inédits, dont des esquisses de ses œuvres et une correspondance avec Luigi Nono, ont été commentés tout au long de la thèse. Les annexes incluent un catalogue chronologique et thématique des œuvres du compositeur, une édition critique bilingue des textes mis en musique, la traduction de son dernier livre (Parole per musica) et une discographie. / This thesis, which consists of three parts, represents an introduction to Giacomo Manzoni’s (Milan, 1932) musical ideas. First part deals with eight dimensions of his work from an analytical point of view (material, time, dynamics, timbre, form, sound shapes, space and text). In the second part, which contains an analysis of Per Massimiliano Robespierre (1974) and Doktor Faustus (1988), two main axes of his poetics were examined: commitment and innovation. Last part conceptualizes the notion of materialism in his poetics, as it constitutes the basis of his musical praxis. To this end, Atomtod (1964), his third work for the stage, was analysed. Unpublished documents, like sketches of his works and a correspondence with Luigi Nono, were commented throughout the thesis. Appendices include a chronological and thematic catalogue of his works, a bilingual critical edition of the texts which he set to music, a French translation of his last book (Parole per musica) and a discography.

During the early 19th century, the flautist became known as a frivolous “dandy” figure whose extravagant appearance suited his light and virtuoso playing. He becomes a so-called professional virtuoso, generating his own income in the absence of aristocratic patronage while entertaining the rising bourgeois public, who demands light yet virtuoso performances. Many artists are disillusioned in this sphere where the arts seem to be reduced to something that is merely utile to the public – a form of entertainment; a social tool. The greatest concern of writers and poets is that the universal truth of their modern reality will not be expressed in art. It becomes the quest of these seemingly disempowered intellectuals to fight this tendency and to express the existential anguish, uncertainty and ennui of the modern materialist society through their art. It is against this background that the concept of the flautist as “aristocratic virtuoso” is developed. This idea opposes the concept of the “professional virtuoso” of the early 19th century. In this society where artists have to find their voice without the support of the aristocratic classes, 19th century disillusioned poet Charles Baudelaire develops the concept of a symbolic cultural aristocracy, wherein the artist is a privileged outsider “on the inside”; a spectator who takes up all of everyday existence, and transforms it into a profound poetic reality. It is with this theory in mind that I develop my thesis of the flautist as aristocratic virtuoso – a figure who captures the universal beauty of his time through his music and shares it with his audience. This dissertation is, therefore, a study of the events that brought about this re-definition of the role of the flautist in the 19th century. It explores the contribution of prominent composers, the impact of the Société Nationale de Musique Française and the French Flute School, as well as the development of the instrument. AFRIKAANS : Gedurende die vroeë 19de eeu onderskei die fluitis hom as ‘n byna windmakerige “dandy” figuur; sy fisieke voorkoms passend by sy ligte, dartelende tog uiters virtuose spel. Hierdie vroeë 19de eeuse fluitis staan bekend as die professionele virtuoos, omdat kunstenaars nie meer die beskermheerskap van die aristokrasie geniet nie, en vir hulle bestaan afhanklik word van die bourgeois publiek wat indrukwekkende, dog verteerbare vermaak van musici vereis. Verskeie kunstenaars voel vervreem in hierdie sfeer waarbinne die kunste gereduseer word tot iets wat “van nut” is vir die publiek. Die grootste kommer van skrywers en digters is dat dit wat van universele waarde in die realiteit van hulle epog is, nie tot uitdrukking kom in die kunste nie. Skrywers en intellektuele voel hulleself ontmagtig en dit word hulle doel om teen hierdie tendens te stry en deur hulle kuns die eksistensiële angs, onsekerheid en leegheid van die moderne materiële bestel uit te beeld. Dit is in hierdie denkraamwerk dat die konsep van die fluitis as “aristokraat virtuoos” sy oorsprong het. Hierdie idee staan vanselfsprekend in teenstelling met die “professionele virtuoos” van die vroeë 19de eeu. In ʼn samelewing waar die kunste sonder die reële gegewe van die aristokratiese beskerming en bevordering ʼn medium moet vind waarbinne hulle eie moderniteit uitgedruk kan word, ontwikkel die 19de eeuse ontnugterde digter Charles Baudelaire die konsep van ʼn nuutgevonde simboliese “kulturele” aristokrasie. Hy ontwikkel ʼn interessante dualiteit rondom die kunstenaar wat as bevoorregte objektiewe buitestaander ten nouste betrokke is by die samelewing en wat daarvoor verantwoordelik is om die tydelike met die ewige te verbind deur sy/haar kuns. Dis vanuit hierdie idee dat ek ʼn saak maak vir die fluitis as aristokraat virtuoos – as figuur wat binne die medium van musiek die skoonheid van sy tyd vasvang en met sy gehore deel. My studie is dus ‘n ondersoek rondom die gebeurtenisse wat hierdie hervorming in die 19de eeu meebring. Ek bestudeer komponiste wat ‘n belangrike bydrae lewer tot die fluitrepertorium, en ondersoek die stigting van die Société Nationale de Musique Française en die Franse Fluitskool, en die ontwikkeling van die instrument self. Copyright / Dissertation (MMus)--University of Pretoria, 2008. / Music / unrestricted

AFRIKAANS: In hierdie studie word daar na die narratiewe van Suid-Afrikaans gebore immigrante, wat hulself in Brisbane, Australië, gevestig het, geluister. Die plaaslike konteks word in die gereformeerde gemeente van Mansfield gevind en die ontwikkeling van diensbare leierskap word beskryf as deel van die kultuur van die gemeente wat fokus op die nood van immigrante. Die navorsing vind plaas vanuit ‘n epistemologie wat uit ‘n narratiewe benadering vloei. Die post-fundamentele teologiese posisionering inkorporeer die sosiale konstruksionisme, met die doel om ‘n dieper verstaan van die narratiewe navorsing te bewerkstellig. Die praxis word as die beginpunt van navorsing in hierdie post-fundamentele prakties-teologiese studie gesien. Die gevolg is dat eerstehandse kennis opgedoen en geïnterpreteer word deurdat die verhale van mede-navorsers aangehoor en beskryf word. Die plaaslike geloofsgemeenskap in Mansfield bied in-kontekstuele ervaringe wat deur die mede-navorsers vertel word en wat deur die tradisies van interpretasie beïnvloed word. Hierdie ervaringe word deur die aanstelling van respondente vanuit verskillende vakgebiede verder geïnterpreteer en betekenis word aan die verhale gegee in ‘n inter-dissiplinêre gesprek. Die inter-dissiplinêre gesprek word vanuit die teorie van transversale rasionaliteit gestimuleer en ‘n relevante literatuurstudie komplementeer die navorsingsproses en word in die studie geïntegreer. Aan die einde van die navorsingsproses word alternatiewe interpretasies en voorstelle gemaak wat dui op die konteks groter as net die plaaslike. Die navorsingsproses word dus ontwikkel vanuit ‘n post-fundamentele teologiese posionering met die doel om die narratiewe van immigrante aan die orde te stel. Hierdie narratiewe word geïnterpreteer en ‘n dieper verstaan word ontwikkel deurdat sekere diskoerse geïdentifiseer word deur ‘n proses van dekonstruksie. Kritiese vrae word gevra en die spesifieke temas vanuit die verhale word bespreek met die doel om die werklikheid van immigrasie te beskryf soos wat die mede-navorsers dit beleef. Die taalkwessie en hoe taal aangewend word om betekenis aan verhale te gee word bespreek. Die eie interpretasies van mede-navorsers word in opvolggesprekke getoets en die verhale word hierdeur toegelaat om te ontwikkel. Die geloofstaal en die taal van die twyfel van immigrante word aangehoor ten einde hulle belewenisse van die teenwoordigheid van God in hulle lewens tydens immigrasie te verstaan. Die ontwikkeling van Diensbare Leierskap word as ‘n natuurlike uitvloeisel van die immigrasieproses bespreek. Die immigrante beleef die diensbaarheid van die leiers in die gemeente van Mansfield positief. Hierdie studie vertel die verhale van immigrante wat deur die diensbaarheid van ander, self ook die kultuur van diensbaarheid aanneem en deelneem aan omgee-aksies om ander immigrante te bedien. Die literatuur oor diensbare leierskap wys self-leierskap, leierskap in spanverband, leierskapontwikkeling en strategiese leierskap uit as kritiese areas in die ontwikkeling van diensbare leierskap. Die gevolgtrekking op hierdie studie is dat diensbare leierskap as ‘n integrale deel van gelowige immigrasie verstaan word en dat dit intensioneel deel vorm van die leierskapkultuur in ‘n immigrant-vriendelike gemeente. Die voorstel wat hieruit voortvloei is dat verskillende gemeentes en kerkverbande kan baat by die aanwending van diensbare leierskap binne die konteks van immigrasie. ENGLISH: In this study narratives of immigration are listened to and described from the local context of the Christian Reformed Church, Mansfield in Brisbane, Australia. The development of servant leadership is described as part of the culture of the congregation. The congregation focuses on the needs of immigrants as an immigrant-friendly church. The research approach in this study flows from an epistemology based on a narrative theory. The post foundational approach incorporates social constructionism as part of the process in exploring a deeper meaning of the stories told by immigrants. Within this framework of post foundational practical theology, the praxis is the starting point of research. This consists of local knowledge, described and interpreted by the co-researchers and informed by traditions of interpretation. The experiences of co-researchers are interpreted on a second level with the appointment of four interdisciplinary respondents. The respondents take part in an interdisciplinary conversation and they each contribute from their field of experience. This is done by using transversal rationality and the in-context experiences are thickened through interdisciplinary investigation. Furthermore, a study of relevant literature is introduced and added to the conversation. At the end of the research process some suggestions and alternative interpretations that point beyond the local context, are made. The research process is therefore developed from a post foundational theological positioning with the aim of describing immigration narratives and interpreting these narratives in order to facilitate a deeper knowledge and insight into the immigration process. Different discourses will be explored by asking critical questions and using a process of deconstruction. The in-context experiences of co-researchers are the primary narrative and their interpretations of experiences will be studied. The language of co-researchers and how they use language will be discussed. Their own interpretations will be used as discussion points in follow up conversations and their narratives will therefore be allowed into a process of growth. Their language, pointing to their experience of the presence of God as well as their language of doubt in the process of immigration will be listened to. Servant leadership will be discussed as an integral part of immigration for believers. The stories of the co-researchers reveal servant leadership in many different forms as part of the culture of the congregation in Mansfield. The narratives show the co-researchers becoming part of the ministry of servant leaders in the congregation. Co-researchers experience the influence of the servant leadership of others in their lives and tell stories of how their needs as immigrants are met by the servant leaders in the congregation. The literature on servant leadership points to self leadership, team leadership, leadership development and strategic leadership as relevant themes to be explored. The conclusion of this study shows servant leadership as an integral part of immigration and that an intentional focus on a culture of servanthood will benefit an immigration friendly congregation. The proposal following from this study is to engage other congregations and churches in a conversation on the effect of servant leadership within the context of immigration. / Thesis (PhD)--University of Pretoria, 2010. / Practical Theology / unrestricted

[pt] Na passagem do século XIX para o XX, emergem, em diferentes espaços, experiências estéticas que se apresentam em franca afinidade com a modernidade exposta pelo poeta francês Charles Baudelaire, ainda em meados do século. Essa tese recupera a importância dessas experiências a partir da análise de algumas de suas revistas literárias, publicadas em quatro cenas finisseculares distintas: as experiências estéticas simbolistas nas revistas La Vogue (1886) e Le Symboliste (1886), em Paris, e nas revistas Pierrot (1890), Galaxia (1896) e Rosa-Cruz (1901/1904), no Rio de Janeiro; e as modernistas hispano-americanas na Revista de America (1894), em Buenos Aires, e na Revista Azul (1894), na Cidade do México. Ao mundo moderno finissecular, capturado pela ideia do progresso e da técnica, simbolistas e modernistas partilham uma crítica poética que reinsere a imaginação no livre fazer artístico em resistência ao pensamento cientificista, às normas acadêmicas e à mercantilização da Arte, o que permite entrever o caráter político intrínseco a sua manifestação estética. Reunidos em cenáculos e revistas literárias, esses artistas elaboram suas reflexões sobre a arte, o papel do artista e a linguagem poética. Embora a individualidade que compõe cada artista, a diversidade de elaborações intelectuais e as singularidades de cada experiência histórica, tanto em sua historicidade quanto nas condições culturais e sócio-históricas do momento de surgimento dessas experiências estéticas, desvele diferenças entre estas, ainda assim elas podem ser apresentadas sem que sejam apreendidas em relações lineares, progressivas e hierarquizadas, comumente dicotomizadas, que as conformem como centrais ou periféricas, originais ou imitadoras, modernas ou pré-modernas, entre outros. Para pensar essas experiências e a poética crítica da modernidade fora dessa conformação dada pelo continuum da História, a imagem da constelação, apresentada por Walter Benjamin, é mobilizada nesse trabalho ao mesmo tempo como proposição teórica e modo de exposição. Benjamin mostra como é possível dar a ver nos elementos distantes-diferentes uma tênue ligação, outrora não aparente, iluminada a partir da apresentação desses em constelação. Essa tese é composta então por três momentos. No primeiro, é realizado um panorama sobre a questão da modernidade em Baudelaire e sobre as configurações das cenas finisseculares em que surgem as experiências simbolistas e modernistas, destacando que, estéticas, elas compreendem a dimensão política. Esse primeiro momento ainda traz o debate em torno da imagem benjaminiana da constelação. No segundo, discute-se a questão da crítica moderna para, então, no terceiro momento, contemplar o compartilhamento de ideias e imagens presentes nas críticas que figuram, sobretudo, mas não apenas, nas revistas literárias simbolistas e modernistas, em uma apresentação da modernidade em constelação. / [fr] Au tournant du XIXe au XXe siècle, des expériences esthétiques qui se montrent en nette affinité avec la modernité exposée par le poète français Charles Baudelaire, au milieu du XIXe siècle, émergent dans différents espaces. Cette thèse récupère l importance de ces expériences-là à travers l analyse de certaines de ses petites revues publiées dans quatre villes distinctes à la fin du siècle - à savoir, les expériences esthétiques symbolistes: à Paris, dans La Vogue (1886) et Le Symboliste (1886), et à Rio de Janeiro, dans Pierrot (1890), Galaxia (1896) et Rosa-Cruz (1901/1904); et les expériences esthétiques modernistes hispano-américains: à Buenos Aires, dans Revista de America (1894), et, à Mexico, dans Revista Azul (1894). Dans le monde fin-de-siècle capturé par les idées du progrès et de la technique, les artistes symbolistes et modernistes partagent une critique poétique qui réinsère l imagination dans le faire artistique en résistance à la pensée scientifique, aux normes académiques et à la marchandisation de l Art, ce qui laisse entrevoir leur caractère politique intrinsèque à sa esthétique. Réunis en cénacles et dans les petites revues, ces artistes élaborent leurs réflexions sur l art, le rôle de l artiste et le langage poétique. Et même si l individualité de l artiste, la diversité des élaborations intellectuelles et les singularités de chaque expérience historique, tant dans sa historicité que dans les conditions culturelles et socio-historiques au moment de l émergence des ces expériences esthétiques, révèlent des différences entre elles, celles-ci peuvent encore être présentées sans être appréhendées dans des relations linéaires, progressives et hiérarchiques, communément dichotomisées, de supériorité ou subordination les uns par rapport aux autres, qui les conforment comme centrales ou périphériques, originales ou imitatives, modernes ou prémodernes, etc. Pour penser ces expériences et la poétique critique de la modernité en dehors de cette conformation donnée par le continuum de l Histoire, l image de la constellation présentée par Walter Benjamin est mobilisée dans cet thèse à la fois comme proposition théorique et mode d exposition. Benjamin montre comment il est possible de voir dans les éléments distants-différents une connexion ténue, non apparente auparavant, éclairée par la présentation de ceux-ci en constellation. Cette thèse est alors composée de trois moments. Le premier comprendre un tour d horizon de la question de la modernité chez Baudelaire et des configurations des les quatre villes à la fin du siècle où les expériences symbolistes et modernistes surgissent, soulignant que, esthétiques, celles-ci relèvent du politique. Dans ce premier moment il y a encore un débat autour de l image benjaminienne de la constellation. Ensuite, dans le deuxième moment, la question de la critique moderne est abordée. Finalement, dans le troisième moment, le partage d idées et d images présentes dans les critiques qui apparaissent, surtout, mais pas seulement, dans les petites revues symbolistes et modernistes sont exposés dans une présentation de la modernité en constellation.

[pt] A presente tese centra-se na pesquisa de uma Instituição Escolar pouco estudada na historiografia educacional. Trata-se do Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (RJ) - IA/UDF. A referida universidade foi criada por Anísio Teixeira em 1935, quando esse educador esteve à frente da Secretaria de Instrução Pública do Distrito Federal. A UDF, por meio de suas escolas, tinha a missão de reforçar o campo educacional brasileiro, promovendo a formação de docentes comprometidos com o aprimoramento da cultura nacional, por meio dos diversos ramos do conhecimento. A UDF, porém, teve curta existência (1935 a 1939), funcionou num período de grande efervescência social, política e educacional, sendo que nesse quartel foram implementadas reformas consideráveis no campo da Educação, como a criação do Ministério da Educação e a instituição de uma política de formação dos professores em nível superior, inédita no país. Muitos trabalhos foram escritos sobre a UDF e suas escolas, porém não há estudos sobre o seu Instituto de Artes. Nessa instituição atuaram como professores figuras eminentes da arte modernista brasileira, como Candido Portinari, Mário de Andrade, Alberto da Veiga Guignard, Georgina de Albuquerque e Sílvia Meyer, artistas responsáveis pela construção da identidade brasileira por meio de suas obras artísticas. Dessa forma, o objetivo central desta pesquisa é compreender como se deu a criação do Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal, o seu funcionamento e que nexos promoveu entre o campo das Artes Visuais e o escolar na tentativa de constituir uma cultura artístico-escolar influenciada pelas ideias modernistas. O referencial teórico que norteia as reflexões desta pesquisa baseia-se nas seguintes categorias: espaço praticado, instituições escolares/educacionais; formação docente; intelectuais; concepções de ensino de Arte e História do currículo/disciplinas Escolares e Cultura Escolar. A metodologia utilizada no presente estudo é de caráter qualitativo, tendo como foco a interpretação dos documentos à luz do referencial teórico explicitado, privilegiando a pesquisa documental, visto que a mesma propicia a busca dos indícios do funcionamento da instituição escolar e dos sujeitos encarnados que atuaram nela, na medida em que apresenta os vestígios das ações históricas dos sujeitos e das suas múltiplas representações da realidade. A análise das fontes permitiu apontar, conclusivamente, que os intelectuais e artistas modernistas viram no IA/UDF um campo fértil para a promoção de novas ideias e uma maneira de difundir seus princípios ligados à Arte Moderna por meio da formação de professores de Artes (Desenho e Pintura). / [fr] Cette thèse porte sur la recherche d une institution scolaire peu étudiée dans le terrain de l historiographie pédagogique. Il s agit de l Institut des Arts de l Université du District Fédéral (RJ) - IA / UDF. Cette université a été créée par Anísio Teixeira en 1935, lorsque cet éducateur était chargé du Département de l éducation du District Fédéral. L UDF, à partir de ses écoles, avait pour mission de renforcer le champ éducatif brésilien, en favorisant la formation d enseignants engagés dans l amélioration de la culture nationale, à travers les différentes branches de la connaissance. Cependant, l UDF a eu une courte existence (1935-1939) : elle a fonctionné pendant une période de grande effervescence sociale, politique et éducative, au cours de laquelle des réformes considérables ont été mises en oeuvre dans le domaine de l éducation, telles que la création du Ministère de l Éducation et l institution d une politique de formation des enseignants à un niveau supérieur, sans précédent dans le pays. Beaucoup de travaux ont été écrits sur l UDF et ses écoles, mais il n y a pas d études concernant son Institut des Arts. Des personnalités éminentes de cette institution étaient des professeurs d art moderniste brésilien, tels que Candido Portinari, Mário de Andrade, Alberto da Veiga Guignard, Georgina de Albuquerque et Silvia Meyer, c est-à-dire, des artistes responsables de la construction de l identité brésilienne avec leurs oeuvres artistiques. Ainsi, l objectif principal de cette recherche est de comprendre comment s est passée la création de l Institut des Arts de l Université du District Fédéral, comment il a fonctionné et quels liens ont été construits entre le domaine des Arts Visuels et l école pour tenter de constituer une culture artistique scolaire influencée par les idées modernistes. Le cadre théorique qui guide les réflexions de cette recherche est basé sur les catégories suivantes : espace pratiqué, écoles / institutions éducatives ; formation des enseignants; intellectuels; enseignement des conceptions de l art et de l histoire du curriculum / matières scolaires et culture scolaire. La méthodologie utilisée dans cette étude est qualitative, centrée sur l interprétation des documents à la lumière du cadre théorique présenté, en privilégiant la recherche documentaire, car elle permet de rechercher des preuves du fonctionnement de l institution scolaire et des sujets incarnés qui y ont agi, dans la mesure où elle présente les traces des actions historiques des sujets et leurs multiples représentations de la réalité. L analyse des sources a montré, de manière concluante, que les intellectuels et les artistes modernistes voyaient dans IA / UDF un terrain fertile pour la promotion de nouvelles idées et un moyen de diffuser leurs principes liés à l art moderne à travers la formation de professeurs d arts et de design.

Au début des années 40, de jeunes artistes motivés par une volonté de transformer les valeurs établies, tant esthétiques que socio-politiques, se rassemblent autour de Borduas et forment le groupe des automatistes. Ces artistes envisagent l'avènement d'un art nouveau, d'une peinture "vivante", c'est-à-dire libérée de toute idéologie et que l'on conçoit alors comme abstraite. L'Automatisme participe à l'émergence d'une pratique de la Modernité au Québec en posant d'entrée de jeu la question de l'abstraction et en provoquant un affrontement entre les tenants d'un art figuratif et ceux d'un art nouvellement nonfiguratif. Dans le milieu culturel québécois, on assiste ainsi à une volonté de définition de l'esthétique automatiste mais également au désir d'une plus grande compréhension des deux pôles de l'art de cette époque, l'abstraction et la non-figuration. Les artistes automatistes visent à la fois une peinture nonfigurative et une transformation de l'espace traditionnel. Pourtant, ils n'abordent pas, dans l'ensemble, l'abstraction proprement dite: avec l'Automatisme, on quitte la semi-figuration pour parvenir à la semi-abstraction. C'est pourquoi on ne peut considérer l'Automatisme comme une première apparition d'un art pictural québécois résolument abstrait: en ne réussissant pas à modifier en profondeur les structures de composition de l'espace traditionnel, cette pratique aura plutôt joué le rôle de catalyseur dans la transformation radicale de cet espace.

Mon mémoire explore les représentations d’environnements matériels et naturels dans des œuvres littéraires de Virginia Woolf et Mina Loy, et comment ces écrivaines conçoivent les connections entre leurs personnages féminins et leurs environnements. À travers l’analyse de leurs œuvres respectives et à l’aide de préceptes de l’écocritique et de sujets connexes tels la matérialité, l’écoféminisme et la trans-corporalité, j’établis la possibilité de réévaluer la perception anti-nature du Modernisme et des opportunités pour enrichir les études écocritiques et modernistes. En premier lieu, j’observe l’inséparabilité entre l’humanité et ces environnements de vie dans Between the Acts, dernier roman complété par Woolf, et comment cela constitue une évolution par rapport à sa nouvelle « Kew Gardens ». De plus, je présente les bénéfices de cette relation pour les femmes et leurs ambitions artistiques en me basant sur les arguments de Woolf dans son essai A Room of One’s Own et en conversant avec des études qui explorent les éléments écocritiques de l’œuvre de Woolf. En deuxième lieu, je m’intéresse à une sélection des premiers poèmes de Mina Loy pour leurs examens de thèmes féministes et leur intégration dans les représentations des lieux visités dans les poèmes. J’illustre le rôle actif d’espaces domestiques et publics dans le maintien de discours dominants du patriarcat, et donc dans la résultante subjugation des femmes à son pouvoir. Ce travail d’analyse me permet de conclure avec de nouvelles avenues de recherche pour solidifier la place des femmes modernistes au sein du mouvement à l’aide de leurs intérêts environnementaux et pour reforger les liens ignorés ou effacés entre elles. / My thesis explores the depictions of material and natural spaces in literary works by Virginia Woolf and Mina Loy, and how both writers conceive the interconnections between their female characters and their surrounding environments. With the help of precepts of ecocriticism and of related fields such as materiality, ecofeminism and trans-corporeality in analyzing Woolf’s and Loy’s respective works, I demonstrate how the misguided preconception of Modernism’s contempt for nature can be reassessed to offer new opportunities for both ecocritical and modernist studies. Firstly, I observe the inseparability between humanity and its living environments in Woolf’s last completed novel Between the Acts and how this evolved from her earlier short story “Kew Gardens.” I also discuss the benefits of this relation for women and their artistic ambitions with the aid of Woolf’s own claims in her essay A Room of One’s Own and in conversation with studies which have attested the ecocritical elements of Woolf’s work. Secondly, I take an interest in Mina Loy’s early poetry for its exploration of feminist themes and how those intertwine with her depictions of her poems’ environments. I illustrate the active role of domestic and public spaces in the maintenance of ambient ruling patriarchal discourses and the subjugation of women to their power. This work of analysis allows me to conclude with new avenues from which to solidify the places of women modernists in the movement by the means of their environmental interests and to reforge the ignored or erased affiliations between them.

“A Shine of Truth in the ‘universal delusional context of reification’ (Theodor W. Adorno)” comprend sept chapitres, un prologue et un épilogue. Chaque partie se construit à deux niveaux : (1) à partir des liens qui se tissent entre les phrases contiguës ; et (2) à partir des liens qui se tissent entre les phrases non contiguës. Les incipit des paragraphes forment l’argument principal de la thèse. Le sujet de la thèse, Schein (apparence, illusion, clarté) est abordé de manière non formaliste, c’est à dire, de manière que la forme donne d’elle-même une idée de la chose : illusion comme contradiction imposée. Bien que le sujet de la thèse soit l’illusion, son but est la vérité. Le Chapitre I présente une dialectique de perspectives (celles de Marx, de Lukács, de Hegel, de Horkheimer et d'Adorno) pour arriver à un critère de vérité, compte tenu du contexte d’aveuglement universel de la réification ; c’est la détermination de la dissolution de l’apparence. Le Chapitre II présente le concept d’apparence esthétique—une apparence réversible qui s’oppose à l’apparence sociale générée par l’industrie de la culture. Le Chapitre III cherche à savoir si la vérité en philosophie et la vérité en art sont deux genres distincts de vérités. Le Chapitre IV détermine si l’appel à la vérité comme immédiateté de l’expression, fait par le mouvement expressionniste du 20e siècle, est nouveau, jugé à l’aune d’un important antécédent à l’expressionisme musical : « Der Dichter spricht » de Robert Schumann. Le Chapitre V se penche sur la question à savoir si le montage inorganique est plus avancé que l’expressionisme. Le Chapitre VI reprend là où Peter Bürger clôt son essai Theorie de l’avant-garde : ce chapitre cherche à savoir à quel point l’oeuvre d’art après le Dada et le Surréalisme correspond au modèle hégélien de la « prose ». Le Chapitre VII soutient que Dichterliebe, op. 48, (1840), est une oeuvre d’art vraie. Trois conclusions résultent de cette analyse musicale détaillée : (1) en exploitant, dans certains passages, une ambigüité dans les règles de l’harmonie qui fait en sorte tous les douze tons sont admis dans l’harmonie, l’Opus 48 anticipe sur Schoenberg—tout en restant une musique tonale ; (2) l’Opus 48, no 1 cache une tonalité secrète : à l'oeil, sa tonalité est soit la majeur, soit fa-dièse mineur, mais une nouvelle analyse dans la napolitaine de do-dièse majeur est proposée ici ; (3) une modulation passagère à la napolitaine dans l’Opus 48, no 12 contient l’autre « moitié » de la cadence interrompue à la fin de l’Opus 48, no 1. Considérés à la lumière de la société fausse, l’Allemagne des années 1930, ces trois aspects anti-organiques témoignent d’une conscience avancée. La seule praxis de vie qu’apporte l’art, selon Adorno, est la remémoration. Mais l’effet social ultime de garder la souffrance vécue en souvenir est non négligeable : l’émancipation universelle. / “A Shine of Truth in the ‘universal delusional context of reification’ (Theodor W. Adorno)” defends Adorno’s aesthetics as a theory of advanced, or avant-garde, artworks. Its seven chapters show that aesthetic experience implies liberation from illusion (Schein). Chapter I engages a dialectic of viewpoints to explain how different dialectical thinkers (Marx, Lukács, Hegel, Horkheimer, Adorno) have contributed to a criterion of truth adequate to today’s total delusional context of reification—determinate negation of illusion. Chapter II introduces the concept of artistic aesthetic illusion—a reversible illusion opposed to the social illusions of mechanical musical reproduction and of the culture industry. Chapter III examines the question of whether truth in philosophy is a different kind of truth than truth in art. Chapter IV considers whether truth in twentieth-century Expressionism is a new truth based on immediate expression, in light of an important precedent for Expressionism in Robert Schumann’s “Der Dichter spricht.” Chapter V determines whether inorganic montage is more advanced than Expressionism. Chapter VI takes up a parting suggestion of Peter Bürger: to treat artworks after Dada and Surrealism on the model of “prose” in Hegel’s aesthetics. Chapter VII pursues the idea that Dichterliebe, op. 48, (1840) by Robert Schumann is a true artwork. Three results emerge from this close musical analysis: (1) exploiting, on occasion, an ambiguity in the rules for figuration that permits all twelve tones in the harmony, Schumann anticipates Schoenberg; (2) Op. 48, No. 1 is in a hidden key: to all appearances, its key is either A major or F-sharp minor, but its secret key is the Neapolitan region applied to C-sharp major; (3) the other “half” of the cadence with which Op. 48, No. 1 breaks off suddenly may be found in a brief applied-Neapolitan passage in No. 12. The thesis argued is that the antiorganicity in such a work is advanced with regard to the false reality of 1930s Germany and the place of organicity therein. According to Adorno, the only life-praxis afforded by art is remembrance. But the social effect of remembering social suffering is considerable when the Here-and-Now is its own justification.