Le sujet se concentre sur un cycle majeur de l’Histoire de l’art et du design français d’après-guerre, pourtant largement méconnu. Durant cette période de croissance plus communément appelée Trente Glorieuses, une lignée de onze jeunes designers français s’impose ainsi dans le paysage de la création de modèles de série. Cette génération s’attachera à promouvoir le design dès la sortie de la Seconde Guerre mondiale, se basant sur la doctrine du fonctionnalisme social défendue plus tôt par Francis Jourdain, père du mobilier de série français et membre de l’UAM, puis par ses disciples René Gabriel et Marcel Gascoin. Leur formation commune au sein des meilleures écoles ou des bureaux d’études de leurs aînés, la similitude des parcours professionnels et l’existence d’affinités personnelles nous permettent ici d’avancer l’hypothèse d’un phénomène générationnel encore jamais identifié en tant que tel. Ensemble et séparément, ces designers s’attachent donc à défendre le rationalisme à la française et une production dépouillée de tout artifice, mais plus largement l’alliance du créateur et de l’industriel pour des formes justes et l’affirmation du beau dans l’utile. En outre, avec eux apparaît le statut de designer qui doit concevoir mobilier et aménagements d’intérieur de qualité, fonctionnel et accessible à tous. Cette génération fondatrice, pourtant reléguée au second plan de l’histoire du design, mérite à ce titre d’être inscrite dans la genèse d’une profession et d’une discipline dont nous tirons encore aujourd’hui les enseignements. / The topic is focused on a main period of the history of art and French post-war design but which is though largely unknown. During this period of growth also called « Trente Glorieuses », a line of eleven young French designers impose their self in the landscape of the model’s creation. This generation tries hard to promote the design from the end of the Second World War by basing on the social functionalism’s doctrine which is defended before by Francis Jourdain, father of the French serial furniture and member of the UAM, and then by his disciples René Gabriel and Marcel Gascoin. Their communal training in the best schools or in the design offices of their eldests, the similarity of their careers and the existence of personal affinities may allow us to claim the possibility of a generational phenomenon never identified in itself yet. Together or separately, this designers desire to defend the French rationalism and a production without any artifice, but above all the collaboration of the creator and the manufacturer for relevant forms and the proclamation of the beauty in the utility. Moreover, it is with them that appears the designer status who has to conceive furniture and interior organisations of quality and which is functional and reachable for everyone. This pioneer generation, relegated at the middle ground of the design history, deserves to have their place in the genesis of a profession and a discipline from which we still learn lessons.

Cette étude se concentre sur l’Ecole de New York en poésie (« The New York Poets ») de la première génération (surtout John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) et de la second génération (surtout Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – à travers la production de ces poètes (poèmes, pièces de théâtre, romans, essais, peinture-poèmes, collages, etc.). Les parallèles entre la peinture et la poésie de l’époque sont probants. Pour le poème, la peinture est à la fois un élément significatif du contexte et un facteur important d’inspiration. L’optique en examinant les textes est triple : d’abord, l’influence de l’évolution de l’art et particulièrement des stratégies des plasticiens d’avant-garde ; puis, l’influence du milieu social et du contexte des quartiers bohêmes de New York des années 1950 et 1960 ; et enfin, tout ce qui peut traduire un positionnement chez les poètes vis-à-vis de la politique et la société et le désir d’une progressivité. Ces trois facteurs s’additionnent pour s’inscrire avec une grande complexité dans les textes. / This study focusses on the poets of the New York School (« The New York Poets ») of the first generation (especially John Ashbery, Frank O’Hara, Kenneth Koch, James Schuyler, et Barbara Guest) and the second (especially Bill Berkson, Alice Notley, Ted Berrigan, Eileen Myles, Anne Waldman, Ron Padgett, et Joe Brainard) – taking into account the textual production of the poets (including poems, plays, novels, essays, poem-paintings, collages, etc.), and making a parallel study of the painting of the period, to help evoke the precise context and show relevant strands of inspiration. Works are discussed through three lenses : an idea of the evolution of art leading up to the present and particularly avant-garde artistic strategies, the influence of the social sphere including the relevance of the New York bohemia in the 1950s and 1960s, and all that conveys a sense political positioning with the desire for progress. Those three factors combine to create complexity in the texts.

Although there are a lot of popular books available on the subject of hope I still believe that there is a need for another study on the phenomenon of hope. Especially where proper exegesis and a multidiscipline approach are taken into account. In this study I’ve researched the effect of a society in transition on hope. I suspect that the changes since 1994 have a significant influence on the attitude, thought and behaviour of the Afrikaner especially. To come to such a conclusion the study take theories of change in Sociology into account. Some information were gathered from papers. The reason for that is the influence papers have on the spirit of society, and in this case its influence on people’s hope. Unfortunately one of the conclusions is that a lack of hope can very well be one of the consequences of the changes in society since 1994. The contemporary study is followed by a study on hope in Paul’s letter to the Romans. The background of the author, the congregation and the theology of the letter were taken in consideration. In most of the cases I’ve used the verses in the letter where the word hope was used. Surprisingly there is quite a comparison between the letter of Romans and society today as far as the reasons that causes hopelessness. Therefore Romans can be of great value to give hope in a disorientated society. Until now we know that there is a lack of hope in society, and that Romans give us reason to hope, but what is the person looking like that we want to communicate with? The study on post modernity show us how this “new” paradigm looks like. Post modernity is very different to modernism. The latest paradigm is universal and no one and nothing can escape it. Social sciences, the arts, economy, science itself and the theology were largely influenced by post modernity. With its larger emphasis on spirituality it creates wonderful opportunities for preaching. On the other side though, one should also keep its threats in mind, especially the proneness to relativism and New Age. In the last chapter I use all the information and conclusions of the previous chapters to get to a homiletic strategy for a postmodern context. The most important part of this chapter is to conclude that confession is a suitable hermeneutical and homiletical tool for preaching in post modernity. There is no need to prove confession, it is about something that is believed. The Bible therefore is still as relevant as ever. Communication strategies are included to guide the preacher in the most effective way when preaching in a postmodern context. The chapter ends with certain specific homiletic contents from the Roman letter that can be used today. We can know for certain that hopelessness is part of our society today. However we’ve got the promise of Romans 15:13 that God stays our God of hope. Our tasks are to posision us homiletically, hermeneutically and strategically in such a way that we give our faith the best possible chance. / Dissertation (MTh (Practical Theology))--University of Pretoria, 2006. / Practical Theology / MTh (Practical Theology) / unrestricted

La thèse intitulée "Mobility, Vagabondage, and the Claiming of Modern African American Diasporic Identity " ou en français " La Mobilité et le Vagabondage dans l'Affirmation de l'Identité Afro-Américaine et Diasporique Moderne " explore les concepts de Vagabond et de mobilité urbaine et sociale en lien avec la littérature et l'identité afro-américaines. Le concept de vagabondage, considéré comme un élément clé pour capturer la complexité de l'expérience noire au sein d'une époque d'urbanisation et de mobilité croissantes aux États-Unis, est appréhendé de manière plus profonde et adaptée aux deux protagonistes des romans sélectionnés. Ces personnages, issus des romans de Nella Larsen et James Weldon Johnson, offrent une base analytique idéale pour étudier les aspirations de l'identité afro-américaine et leur position dans la modernité, tout en s'inscrivant dans le cadre de l'inégalité sociale nourrie par diverses formes d'injustices. Cette recherche s'engage à analyser le rôle du vagabondage dans la quête de l'identité et de l'appartenance, tout en examinant comment les dynamiques de genre et la transgression sociale se manifestent entant que moyen d’affranchissement des normes établies. / “Vagabondage, and the Claiming of Modern African American Diasporic Identity” explores the concepts of the “vagabond” and “urban mobility” in James Weldon Johnson’s Autobiography of an Ex-Colored Man and Nella Larsen’s Quicksand. I rely on the concept of vagabondage in order to offer a refined representation of the complexity of blackness in an era of increased urbanization and mobility. Both characters depicted in the aforementioned novels serve as an ideal analytical foundation for investigating the diversity of African American identity in the modern era, particularly when read through the rubric of individual aspirations colliding with racism and social inequality. The research aims to analyze the role of vagabondage in the pursuit of identity and belonging. This will be achieved through my comparative study, which focuses on how social transgression is a form of liberation from sociocultural norms and how gender can both expand and limit this freedom.

Cette mythologie de H. P. Lovecraft examine les mythes d'artifice contenus dans ses textes en les comparant aux mythes modernes ayant cours dans le contexte où il a écrit selon son prétexte mythopoétique. Ce travail comportant cinq chapitres est partagé en deux parties, la première centrée sur la mythologie et la seconde sur Lovecraft. Le premier chapitre établit les distinctions et relations entre l'art, la science et la religion nécessaires à l'élaboration d'une mythologie. Le deuxième propose une définition et une typologie opératoires du mythe, récit sacré se divisant en mythe ethno-religieux, littéraire, moderne et d'artifice. Le troisième situe Lovecraft dans son contexte culturel où avaient cours plusieurs mythes modernes. Le quatrième présente son prétexte mythopoétique face à l'impact de la science sur la représentation de la religion en art. Le cinquième décrit et analyse sa mythologie d'artifice à partir d'un corpus de ses textes. / This mythology of H. P. Lovecraft examines the artificial myths inside his texts by comparing them to the modem myths in the context where he wrote according to his mythopoetic pretext. This work comprising five chapters is set in two parts, the first focuses on mythology and the second on Lovecraft. The first chapter establishes the distinctions and relations between art, science and religion necessary to the elaborate a mythology. The second offers a working definition and typology of myth, sacred narrative divided in ethno-religious, literary, modem and artificial myth. The third places Lovecraft in his cultural context where many modem myths had currency. The fourth presents his mythopoetic pretext in regards to the impact of science on religion's representation in art. The fifth describes and analyses his artificial mythology from a corpus of his texts.

La littérature moderniste est musicale par essence. Elle souhaite éveiller des sensations chez le lecteur : le recours à la musique, art suggestif par antonomase, crée l’allusion. Comment sertir la musique dans la littérature ? Stéphane Mallarmé propose de « précéder les effets de la musique en redéfinissant celle-ci ‘d’où elle point’ » . Si l’art musical est naturellement porté par le poème, qu’en est-il de la prose ? En Espagne, Ramón María del Valle-Inclán offre un exemple probant de prose musicale dans ses Sonatas. Est-ce là tout ? Le projet mallarméen n’a-t-il pas rencontré d’écho parmi d’autres prosateurs espagnols ? Certes, l’intention y est ; les histoires de la littérature le confirment mais ne s’y attardent pas. Notre travail est donc double : il s’agit d’abord de retrouver des œuvres en prose modernistes espagnoles puis de les analyser par le prisme musical pour voir comment est saisi ce projet de fusion des arts. L'étude révèle que la musique de la prose, parfois imperceptible, raffine les sensations et sensibilise le lecteur à l’élégance, au rythme ou au phrasé d’un syntagme. En somme, la musique intérieure devient une propédeutique à l’ineffable. En creux de ce projet se dessine le rôle du poète dans la société. Celui-ci se présente comme un prêtre des temps modernes. Pourtant, le mythe auquel il tente de souscrire semble désincarné : sensible aux réalités de son époque, en quête d’un public féru de naturalisme, l’écrivain espagnol ne s’engage pas pleinement. Sa prose, hésitante, est souvent mièvre : cela explique qu’elle soit passée inaperçue aux yeux de l’histoire. / Modernist literature is by essence musical. It is meant to arouse the reader’s senses: the use of music, a suggestive art by excellence, creates the allusion. How can one insert music in literature? Stéphane Mallarmé suggests to precede the effects of music by redefining it from its origin. If the art of music is naturally expressed through a poem, how about through prose? In Spain, Ramón María del Valle-Inclán offers a prime example of musical prose in his Sonatas. Is this all that can be expected? Has there been no other echo of Mallarmé’s project in Spanish prose? Certainly the intention to do so exists; histories of literature confirm this intention but nothing more. Our work is going to be twofold: first we need to find Spanish modernist prose works, and then analyze these works through the prism of music in order to understand how the fusion of these arts (music and prose) is realized. The analysis reveals that the music of the prose, sometimes imperceptible, sharpens the senses and makes the reader more sensitive to the elegance, to the rhythm and the phrasing of a syntagm. In other words, the inner music paves the way to the ineffable. The poet’s role in society is described within this project. He presents himself as a modern times priest. Yet the myth to which he tries to subscribe lacks substance: sensitive to the realities of his time, in search of an audience keen on naturalism, the Spanish writer is not fully implicated. His prose is hesitant, often corny: this explains why it has passed unnoticed in history.

Cette thèse défend l’idée que plusieurs auteurs modernistes ont utilisé des concepts centraux à la croyance religieuse traditionnelle afin de préconiser le changement social. Au lieu de soutenir l'hypothèse de la sécularisation, qui prétend que les modernistes ont rejeté la religion en faveur d'une laïcité non contestée, j'argumente en faveur de ce que j'appelle « la spiritualité moderniste, » qui décrie une continuité intégrale des concepts spirituels dans l'agitation de la période moderniste qui a déstabilisée les institutions qui avait auparavant jeté les bases de la société Occidentale. En me basant sur les écrit de Sigmund Freud, William James et Émile Durkheim concernant les fins poursuivis par la religion, je développe cinq concepts centraux de la croyance religieuse que les modernistes ont cherché à resignifier, à savoir la rédemption, la communauté, la sacralité, le spectre, et la liturgie, et, dans chaque cas, j'ai montré comment ces catégories ont été réinterprétées pour traiter des questions considérées comme essentielles au début du vingtième siècle, à savoir ce que l’on identifie aujourd’hui comme le féminisme, l'écologie, la biopolitique, les crises, et le rôle du poète. Le chapitre I se concentre sur la rédemption par le féminin telle qu’on la trouve dans le recueil de vers de H.D. portant sur la Seconde Guerre mondiale, Trilogy (1944-1946), qui projette un certain espoir grâce à un mélange synchrétique de Christianisme, de mythes anciens, d’astrologie, et de psychologie. Mon deuxième chapitre discute de The Grapes of Wrath (1939) de John Steinbeck, qui élargit le rôle de la communauté en avançant une écologie universelle qui concevoit tous les gens comme étant intimement liés entre eux et avec le monde. Le chapitre III traite de la notion du sacré dans The Light in August (1932) de Willam Faulkner et Nightwood (1936) de Djuna Barnes, qui préconisent une foi privatisée qui accentue l'illégitimité des concepts de sacralité et de pollution en élevant des individus qui sont marginalisés biopolitiquement. Le chapitre IV cherche à comprendre le retour des morts, et je soutiens que le topos a été utilisé par les modernistes comme un symbole de crises sociales; le chapitre enquête d'abord sur “The Jolly Corner” (1908) de Henry James, que j'ai lu comme la séquence rêvée d'un homme faisant face à son propre spectre, Ulysses (1922) de James Joyce, où Stephen Dedalus est hanté de façon répétée par le spectre de sa mère, et Mrs. Dalloway (1925) de Virginia Woolf, qui se concentre sur le motif caché de la Fête des Morts. Ma cinquième section traite de la liturgie, la langue poétique utilisée pour les rites religieux, dans la première poésie de Wallace Stevens, qui conçoit le rôle du poète comme une vocation de l'imagination. / This dissertation argues that many modernist writers used concepts central to traditional religious belief in order to urge social change. Against the secularization hypothesis, which posits that the modernists fully jettisoned religion in favour of an unquestioned secularism, I argue for what I term “modernist spirituality,” which identifies an integral continuance of spiritual concepts within the dire turmoil of the modernist period that destabilized the institutions such as an established organized religion that had previously formed the foundations of Western society. Hence, in each of my dissertation chapters, I have looked outside of organized religion to literature to find that spiritual impulse. Building upon the purposes of religion as defined by Sigmund Freud, William James, and Émile Durkheim, I name five concepts central to religious belief that the modernists sought to resignify, namely redemption, community, sacredness, the spectre, and liturgy, and, in each case, I have shown how these categories were reinterpreted to treat issues considered vital in the early twentieth century that would now be identified under the categories of feminism, ecology, biopolitics, crisis, and the role of the poet. The first function of spiritual belief addresses the intertwining of redemption and humanity’s actions within history, and for this reason, Chapter I focuses on redemption through the feminine as seen in H.D.’s book of World War II verse, Trilogy (1944-1946), which offers hope through a syncretistic blend of Christianity, ancient myths, goddess traditions, astrology, and psychology. My second chapter discusses John Steinbeck's The Grapes of Wrath (1939), which enlarges the role of community by positing a universal ecology of holiness that sees all people as connected with one another and with the land. Chapter III treats the notion of the sacred in William Faulkner’s Light in August (1932) and Djuna Barnes’ Nightwood (1936), both of which urge a privatized faith that emphasizes the illegitimacy of concepts of sacredness and pollution by elevating individuals who are marginalized biopolitically. Chapter IV seeks to comprehend the return of the dead in dreams or in visions, and I argue that the topos was used by modernists as a symbol of social crisis; the chapter first investigates Henry James’ “The Jolly Corner” (1908), which I read as a dream sequence of a man facing his own ghost, James Joyce’s Ulysses (1922), wherein Stephen Dedalus is haunted repeatedly by the ghost of his mother, and Virginia Woolf’s Mrs. Dalloway (1925), which is textually ordered by the hidden motif of the Day of the Dead. My fifth section is an epilogue that treats liturgy, the poetic language used for religious rituals, in the early poetry of Wallace Stevens, who revisions the role of the poet as a vocation of the imagination.

Ce mémoire étudie les rapports texte/image dans Vues et visions de Claude Cahun, première œuvre composite créée en collaboration avec la peintre graphiste Marcel Moore. L’objet littéraire protéiforme, appartenant au genre de l’iconotexte (Alain Montandon), instaure un dialogue intermédial entre le textuel et le visuel au point de déconstruire l’horizon d’attente du lecteur : celui-ci est incité à lire et à voir alternativement les poèmes en prose ainsi que les dessins de sorte que les frontières qui définissent l’espace du littéral et du figural apparaissent poreuses. Subdivisé en deux chapitres, notre travail s’attachera dans un premier temps à mettre en lumière le rôle de l’écriture qui intègre certains dessins de Moore. En nous inspirant de l’iconolecture (Emmanuelle Pelard), nous tenterons d’effectuer des liens entre la plasticité et la signification littérale des signes linguistiques qu’illustrent ces images-textes tout en étudiant les correspondances thématiques et formelles qu’elles entretiennent avec les poèmes de Cahun. Le second chapitre étudiera la manière dont le figural investit le texte littéraire en adoptant une approche intermédiale. Après avoir abordé la figure du double, une partie de l’analyse sera consacrée à la figure de l’allusion, une stratégie d’écriture pour introduire le visuel au sein du textuel, ce qui nous permettra d’entrer en matière pour étudier « l’image-en-texte » (Liliane Louvel). Enfin, l’effet-tableau ainsi que l’anamorphose seront employés comme cadre d’analyse afin de penser le dialogue qui se noue entre le pictural et le texte littéraire dans Vues et visions. / This dissertation studies the relationship between text and image in Claude Cahun’s Vues et visions, her first project realized in collaboration with the visual artist Marcel Moore. This heterogeneous object of art belongs to the iconotext genre (Alain Montandon) and establishes a dialogue between Cahun’s prose poems and Moore’s drawings to the point of deconstructing the reader’s horizon of expectation : he is induced to read and behold alternatively the texts and the images so that the boundary line that defines the literary’s and pictorial’s spaces appears porous. Subdivided in two chapters, our work becomes attached in the first place to bring to light the role of the written word which incorporates some graphics of Marcel Moore. Inspired by a reading method called « iconolecture » by Emmanuelle Pelard, we will try to link the plasticity and the literal signification of the linguistic signs illustrated by those hybrid drawings while studying the formal and thematic similarities they share with Cahun’s prose poems. Using an intermedial perspective, the second chapter will study how the visual arts influence the poet’s writing style. After having broached the figure of the double, we will analyze the figure of allusion as a writing strategy to introduce the pictorial register in the literary texts that will lead us to study « l’image-en-texte » (Liliane Louvel). « L’effet-tableau » and the anamorphosis will be explored as frame of reference to conceive how links are tied between visual arts and poetry in Vues et visions.

Ce mémoire de maîtrise porte sur une poétique de l’excès dans Orlando de Virginia Woolf et Nightwood de Djuna Barnes comme une stratégie combattant la tendance qu’a le modernisme à dévaloriser l’écriture des femmes comme étant trop ornementale. J’expose comment Ezra Pound, T.S. Eliot, et Wyndham Lewis tentent de récupérer la notion du détail afin d’affirmer une poétique masculin. Je fais appel également aux oeuvres de l’architecte autrichien Adolf Loos qui souligne sa dénonciation de l’ornement comme régressif. Dans Orlando et Nightwood, je considère l’excès associé au corps. Je soutiens que, dans ces textes, les corps dépassent les limites de la représentation moderniste. Je considère aussi comment Orlando et Nightwood font apparaître la narration comme ornement et écrivent excessivement l’histoire et le temps. Pour conclure, je propose une façon de lire l’excès afin de reconceptualiser le potentiel de production de la signification dans des textes modernistes. / My thesis explores a poetics of excess in Virginia Woolf’s Orlando and Djuna Barnes’s Nightwood as a strategy through which the authors combat modernism’s devaluation of women’s writing for being overly ornamental, detailed, and/or artificial. I examine how the critical writings of Ezra Pound, T.S. Eliot, and Wyndham Lewis attempt to reclaim the notion of detail for a masculine-oriented poetic project, and I look at how Austrian architect Adolf Loos’s work condemns ornament as backward and regressive. In treating Orlando and Nightwood directly, I consider the novels’ excessive and ornamental construction of bodies and how these bodies exceed the limits of existing modernist paradigms for representation. I also discuss narration as ornamentation in Orlando and Nightwood and how these novels excessively inscribe history and time. My conclusion proposes a practice of reading excess that rethinks this concept and its potential for producing meaning in modernist texts.

Vernon Lee est une femme de lettres d'origine britannique, dont l'œuvre éclectique est située dans le contexte historique et socio-culturel de l'Angleterre victorienne de la fin-de-siècle dite «décadente» (1880-1914). La problématique de cette thèse est axée autour de deux fils conducteurs : d'une part, le regard que Vernon Lee porte sur la société de son époque, et d'autre part, son intérêt pour les récentes découvertes dans le domaine des Sciences humaines. Les années 1890 représentent une ère de transition entre le Romantisme et le Modernisme. On peut donc parler d'héritage romantique en ce qui concerne l'inspiration et l'imaginaire des écrivains victoriens de la fin du XIXème siècle. La littérature de la Décadence privilégie les thèmes mythiques, en particulier le mythe de la Femme fatale. L'esthétisme et l'éthique sont au cœur de l'œuvre de Vernon Lee. Écrivain et témoin de son époque, elle utilise son écriture pour défendre la condition féminine. C'est avant tout une écriture avant-gardiste, orientée vers le Modernisme. En effet, les récentes découvertes scientifiques (notamment la linguistique, la psychologie et la psychanalyse) influencent son écriture, lui permettant d'accéder au mieux à l'intériorité de ses personnages. / The 1890s are considered as a period of transition between Romanticism and Modernism. Therefore, we can refer to a romantic legacy of the fin-de-siècle Victorian writers' inspirition and imaginative universe. The Literature of the Decadence favours mythic themes, especially the myth of the "Femme fatale". Estheticism and ethics are the main concerns of Vernon Lee's work. As a writer and a witness of her time, she makes the most of her writing in order to stand up for the woman's emancipation. It is an avangardist writing, which is steered towards Modernism. Besides, she is influenced by the recent discoveries in the field of Social Sciences.