Cette thèse de doctorat a pour but d’analyser les relations entre le texte et l’image dans trois romans de Siri Hustvedt : The Blindfold (1992) What I Loved (2003) et The Blazing World (2014). L'auteur introduit dans ses récits de nombreuses et longues ekphraseis qui saturent visuellement le texte. Les œuvres d'art décrites, majoritairement fictives, font appel à des techniques et des médiums variés (peinture, photographie, installation, vidéo). L'auteur invente des œuvres d'art qui évoluent au fur et à mesure des romans, passant de deux dimensions à trois dimensions et d'images fixes à des images animées. Cette étude s'intéresse à la fonction de l'introduction de l'image dans le roman et interroge l'impact de cet événement de lecture sur le lecteur. Dans chaque roman, la rencontre entre le « narrateur-voyeur » et l'œuvre d'art suscite un plaisir esthétique, voire sensuel. Les jeux de miroirs et de masques auxquels prennent part les personnages les mettent parfois en danger. Aveuglés ou pris au piège de leur propre perception, la confrontation avec l'œuvre d'art entraîne alors une perte de contrôle et une aliénation. Une participation active est demandée au lecteur, qui atteint un paroxysme dans The Blazing World. / The aim of this thesis is to study the relations between word and image in three of Siri Hustvedt’s novels: The Blindfold (1992) What I Loved (2003) and The Blazing World (2014). Hustvedt’s works of fiction contain many long ekphraseis – the result is the “pictorial” saturation of the literary text. The works of art described are mainly fictitious and make reference to a wide variety of techniques and mediums (painting, photography, installation, video). The author invents works of art that progressively evolve from two-dimensions to three-dimensions and from still image to moving image. This thesis examines the function of the insertion of these images in the literary text and questions the impact of this event on the reader/viewer. In each novel, the encounter between the “narrator-viewer” and the works of art leads to an aesthetic or a sensual pleasure. The characters take part in mirror and mask games that can put them in danger. The confrontation with the work of art results in a loss of control and a form of alienation when the characters are symbolically blind or trapped by their own perceptions. The reader’s active participation reaches a climax in The Blazing World.

Notre travail consiste en une étude de l’ekphrasis dans l’écriture de Claude Simon. Il part de l’hypothèse selon laquelle la compréhension de sa nature et de son rôle permettrait d’éclairer des aspects fondamentaux du fonctionnement du texte, révélateurs de l’esthétique du roman simonien dans son ensemble. Pour ce faire, nous commençons par mettre en évidence le caractère ambivalent, paradoxal et subversif de l’ekphrasis simonienne, qui ne constitue pas systématiquement une interruption de la narration, ni une description d’oeuvre d’art. Tirant les conséquences du changement de perspective qu’impose le texte de Claude Simon, nous démontrons qu’il est tributaire du rôle crucial joué par le regard dans la détermination des objets ekphrastiques, objets investis de tout le punctum projeté en eux par le sujet. L’importance du motif du passage du temps, de son incidence sur l’ekphrasis en ce qu’il oriente le choix de ses objets et infléchit sa forme, constitue l’étape suivante de notre étude. Nous précisons le lien ontologique unissant temps et ekphrasis en analysant le caractère ruiniforme de cette dernière. Ce cheminement nous conduit enfin à faire apparaître les collisions entre différentes temporalités suscitées par l’ekphrasis, la nature auratique de l’objet ekphrastique ainsi que la façon dont l’ekphrasis crée tout un système de mises en résonnance entre différentes parties du roman. Ainsi se révèle le rôle essentiel de l’ekphrasis dans la structure, la dynamique et la forme du récit. / This work focuses on ekphrasis in Claude Simon’s writings. It is based on the assumption that by analyzing the nature and role of ekphrasis in Simon’s texts, one could reveal some fundamental aspects of the texts’ functioning and shed light on the esthetics of Simon’s novels as a whole. To do so, this thesis first analyzes the ambivalent, paradoxical and subversive nature of Simon’s ekphrasis, which does not necessarily consist in an interruption of the narrative flow or in the description of a work of art. The thesis goes on to try and identify how Simon’s writing forces us to depart from traditional perspectives on ekphrasis. The change is shown to reside in the importance of the subject’s eye when it comes to determining ekphrastic objects and to granting them a certain emotional load, the punctum. Subsequently, the motif of the passing of time is studied, from the point of view of how it impacts ekphrasis, influencing the choice of ekphrastic objects as well as its formal design. The essential relationship between time and ekphrasis is therefore investigated, with emphasis on its connection to ruins and decay. Finally, exploring the clashes between the various temporalities simultaneously called by ekphrasis allows us to identify the element of aura in the nature of ekphrastic objects. This reveals ekphrasis as a coherent system of echoes and relationships between different parts of the novel, a system which plays a crucial role in terms of the structure, the dynamic and the form of the narration.

La thèse montre comment les lettres et les arts communiquent, de quelle façon ce rapport est introduit sous la forme de la Grèce. L’objectif de cette recherche se situe dans le cadre d’une étude comparatiste sur la relation qui existe entre la littérature et les arts, plus précisément : l’architecture, la sculpture et la peinture. Nous pensons dans un premier temps qu’il est nécessaire d’énumérer et de présenter quelques principes déjà développés par des écrivains, des artistes, des comparatistes, des sociologues et des esthéticiens. Dans cette étude, nous examinons le problème inverse, à savoir comment un thème littéraire devient-il le sujet d’une œuvre picturale ou sculpturale. Nous élaborons un sujet, le 19e siècle, tel que Gautier et la Grèce, sur la relation entre la littérature et les arts plastiques : peinture, sculpture et architecture, car notre cursus est basé sur ce siècle. Partie à la recherche des sources, nous avons d’abord examiné les œuvres de Gautier : Mademoiselle de Maupin, Poésies complètes (T. I, II, III), Le Voyage en Turquie (chapitre consacré à la Grèce), Le Voyage en Grèce, Arria Marcella, Spirite, Avatar, Jettatura, La Toison d’Or, La Morte Amoureuse, ainsi que les écrits sur l’art des journaux : Moniteur universel, La Presse, L’Artiste, Le Journal Officiel, La Revue de Paris, Le Guide de l’Amateur au Musée du Louvre. Donc, la méthode que nous avons employée est à la fois historico-sociale, puisqu’elle s’intéresse à l’étude des sources et examine le contexte culturel et social ; théorique, puisqu’elle repose sur la situation des théories ; analytique, puisqu’elle se situe dans une conception fondée sur l’interprétation, l’analyse et la thématique. / The thesis shows how literature and art communicate, and how this relation is introduced by the theme of Greece. The purpose of this research is within the frame of a comparative study about the relation between literature and the arts, more precisely, architecture, sculpture and painting. We think that at first it is necessary to define a few principles which have already been described by writers, scholars of comparative studies and anesthetics and sociologists. In this study, we are going to examine the opposite face of the problem that is how a literature subject becomes the subject of a painting or of a sculpture. We are examining a subject, the 19th century, Gautier and Greece, considering in particular the relation between literature and the plastic arts: painting, sculpture and architecture, as our work is based upon this century. In our research about the sources, we have started examining Gautier’s works: Mlle de Maupin, Poésies complètes (T. I, II, III), Le Voyage en Turquie (chapter dedicated to Greece), Le Voyage en Grèce, Arria Marcella, Spirite, Avatar, Jettatura, La Toison d’Or, La Morte Amoureuse as well as the articles about art published on the press: Moniteur universel, La Presse, L’Artiste, Le Journal Officiel, La Revue de Paris, Le Guide de l’Amateur au Musée du Louvre. Therefore, the method we have used is, at the same time, historical and social as it is based on a research about the sources and about the social and cultural background; and theorist, as it is based on the situation of theoretical studies; analytical, as it also based on an approach based on interpretation, analysis and thematic structure.

L’objectif de cette thèse est de contribuer à la connaissance de l’histoire de l’art en Europe entre la Révolution et la Restauration, à travers l’étude du profil artistique, intellectuel et social du peintre Vincenzo Camuccini (1771-1844). Considéré dès son plus jeune âge comme l’un des artistes les plus influents de son époque, Camuccini occupe pendant plusieurs décennies de nombreuses charges au sein de l’administration pontificale (Académie de Saint-Luc et musée du Vatican). L’étude de sa production de tableaux d’histoire atteste qu’il est le principal représentant en Europe d’un néoclassicisme tardif, qui attribue une valeur fondante à la fidélité aux sources anciennes et qui filtre l’histoire contemporaine à travers des formes antiques. Ses tableaux religieux documentent, en outre, sa participation à l’élaboration de la politique culturelle de la papauté. Cet artiste résolument académique a été condamné par la critique dès sa mort en 1844. La présente monographie souhaite évaluer à sa juste mesure une personnalité artistique qui permet d’apporter un regard renouvelé sur les rapports entre art, politique et religion au sein des États pontificaux et en Europe entre la fin du XVIIIe et la première partie du XIXe siècle. L’objectif de cette thèse et de contribuer à la connaissance de l’histoire de l’art en Europe entre la Révolution et la Restauration, à travers l’étude du profil artistique, intellectuel et social du peintre Vincenzo Camuccini (1771-1844). / Through the study of the artistic, intellectual and social aspects of painter Vincenzo Camuccini’s (1771-1844) career, this PhD research is meant to expand the knowledge of European art history between the French Revolution and the Bourbon Restoration.Regarded as one of the leading artists of his time since he was young, Camuccini held high office in the Pontifical administration for several years (Saint Luke Academy and Vatican Museums). From the study of his historical paintings he emerges as the leading representative in Europe of a late neoclassicism characterized by an axiomatic adherence to historical sources and a mediated approach to contemporary history through the lens of past styles. His religious paintings attest his participation in the development of the papacy’s cultural policy. Since his death in 1844 such firmly academic artist has been condemned by the critics. This monographic study is aimed at a reassessment of Camuccini’s career allowing for a new regard on the relationship between art, politics and religion both within the Vatican State and in Europe between the end of the 18th century and the first part of the 19th century.

Cette étude analyse l’emploi des couleurs dans l’intégralité des oeuvres de Lucrèce, Catulle, Virgile, Horace, Tibulle, Properce et Ovide. Cette étude a été conduite à partir d’un référentiel de termes de couleur unique et considérablement élargi par rapport à l’habitude en ce domaine : aux termes courants, comme albus, niger, ruber, etc., ont été ajoutés un grand nombre d’autres termes porteurs implicites de couleur comme aurum (l’or), ebur (l’ivoire), marmor (le marbre) ou encore sanguis (le sang), dès lors que l’occurrence était pertinente. Un inventaire exhaustif et quantifié de tous les termes de couleur, de toutes leurs occurrences dans chacune des oeuvres fait l’objet d’un document annexe (292 pages), enrichi de tableaux de synthèse et de ratios : il est ainsi possible de vérifier immédiatement la présence ou l’absence d’un terme, de connaître sa fréquence d’apparition chez chaque poète, dans chacun de ses poèmes. L’étude s’est attachée à analyser et comparer les emplois de chaque terme chez chacun des poètes, à souligner les symbolismes, les alliances et les contrastes de couleurs que privilégie chaque poète, à étudier la manière dont chacun peint portraits, paysages, scènes diverses, à s’interroger sur les raisons des lacunes ou des concentrations de couleurs au sein des poèmes. Ainsi on a pu mettre en évidence selon les thèmes (épopée, élégie ou satire), la profonde cohérence entre le style, la personnalité de chaque poète et sa palette de couleurs, sa manière d’en user. / This study examines the use of color in the entirety of poetic works by Lucretius, Catullus, Virgil, Horace, Tibullus, Propertius, and Ovid. This study was conducted using a single reference tool of color-related terms, which allows a more thorough analysis of early Latin poetry than has typically been the case. To common terms such as albus, niger, and ruber, have been added numerous terms which implicitly signal the presence of color within the text, such as aurum (gold), ebur (ivory), marmor (marble), and sanguis (blood). A comprehensive inventory of color terms appears in a 292-pages appendix that contains summary tables showing where each term can be found in the works studied. It is therefore possible to immediately verify the presence or absence of a color term, and to map the frequency with which it appears in a particular poem or in the work of a particular poet. This study seeks to analyze and compare the use of color terms as used by each poet ; to highlight the symbolism as well as the color combinations and contrasts favored by each poet; to study the ways in which each poet paints portraits, landscapes, and various other scenes with words ; to raise questions about the absence or concentration of color in the heart of particular poems. By doing so, it becomes possible to demonstrate - in the case of epic, elegy, or satire - the profound coherence linking poetic style, the personality of the poet, the color palette, and the manner in which it is used.

Étude de la notion documentaire et artistique dans l’oeuvre des Becher. Évolution de leurs élèves, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Struth, Candida Höfer vers une photographie picturale et abstraite. Influence de la peinture, liée à l’enseignement de Gerhard Richter. La photo comme source d’information pour créer des images picturales chez Ruff et Richter. Utilisation du travail numérique pour s’orienter vers desimages picturales et abstraites chez Ruff et Gursky. Dimension sociologique du rapport photographie/peinture dans l’oeuvre de Thomas Struth, travail sur notre façon d’être dans le monde. Entre documentation et abstraction également, le travail de Candida Höfer sur l’espace vital, sur la structure de l’objet, évolution vers le détail, l’abstraction. Abstraction, experimentation, tendance de l’archive, axes essentiels en photographie / Study of documentary and artistic notion in the work of the Becher. Evolution of of their students, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Strth, Candida Höfer towards a picturial and abstract photography. Pictorial influence, linked with Gerhard Richter’s teaching. Photography as source of information to create pictorial pictures by Ruff and Richter. Use of digital work by Ruff and Gursky to go towards picturealand abstract pictures. Sociological aspect in the link photography/painting in Struth’s work, on our way to exist in the world. Between documentation and abstraction too, the photographic work of Candida Höfer on vital space. Evolution on the structure of the object, on the detail, towards abstraction. Abstraction, experimentation, archival tendance, essential directions in photography

Malgré la célébrité de certaines de ses estampes, consacrées à la mode et qui ont donné naissance à un genre appelé « bonnart », la dynastie Bonnart demeure peu connue. Ce travail vise à reconstruire l’histoire de cette famille parisienne et de ses deux boutiques de L’Aigle et du Coq, implantées rue Saint-Jacques. À l’étude de ses quatre générations succède l’analyse de la production de ses différents membres, qui furent imprimeurs, graveurs et marchands, mais aussi peintres et dessinateurs. Les Bonnart participèrent à des commandes royales et à la célébration du règne de Louis XIV tout en s’intéressant aux nouvelles tendances de l’art de leur temps. Notre catalogue comprend plus de 2 000 estampes, peintures et dessins ; il dessine un fonds qui dépasse largement les gravures de mode, résultant à la fois d’une activité de création et d’édition, comparable en bien des points à ceux de grandes familles contemporaines comme les Mariette ou les Poilly. Une grande partie de notre travail est ensuite consacrée à l’image de mode de la dynastie Bonnart, qui développe avec succès une formule influencée par les œuvres des Lepautre et de Jean Dieu de Saint-Jean. Ses membres profitent d’un intérêt général envers la mode, dont témoignent les articles du Mercure galant, et sont à l’origine de plusieurs innovations, en particulier celle du « portrait en mode ». Notre dernière partie revient quant à elle sur la réception et la fortune des Bonnart, depuis le XVIIe siècle jusqu’à aujourd’hui. Leurs images ont en effet largement été exploitées par les arts décoratifs, avant d’être considérées comme des documents historiques qui renseigneraient de manière fiable sur les mœurs de l’Ancien Régime et l’histoire du vêtement. / In spite of the fame of some of its engravings consecrated to fashion, which have given rise to a style called « bonnart », the Bonnart dynastie remains little known. This work aims to reconstruct the story of this Parisian dynasty and of its two boutiques « L’Aigle » and « Le Coq » established Rue Saint-Jacques. To the story of its four generations succeeds the analysis of the production of its different members that were printers, engravers and merchants, but also painters and designers. The Bonnart participated to royal orders and to the celebration of the reign of Louis XIV while interesting to the new tendencies of the art of their time. Our catalogue includes more than 2000 engravings, paintings and drawings ; it draws funds that pass widely beyond the « modes », resulting at once from an activity of creation and from an activity of edition, comparable in many aspects with those of great contemporaneous families such as those of the Mariette or of the Poilly families. A big part of our work, after that, is consecrated to the image of « mode » of the Bonnart dynasty that develops with success a formula influenced by the works of the Lepautre and of Jean Dieu de Saint-Jean. Its members profit by a general interest for fashion, shown in the articles of the « Mercure galant » ; they are at the origin of several innovations, in particular that of the « portrait en mode ». Our last part, as for it, come back to the reception and fortune of the Bonnart, from the 17th century until now. Their images have been, effectively, widely exploited by the decoratives arts, before being regarded as historical documents that would give valuable information about the customs of the Old Regime and the story of the clothing.

En 1751 fut fondée l’Académie royale de peinture, sculpture et architecture de Toulouse par lettres patentes royales. Dissoute par décret de la Convention le 8 août 1793, cette institution méconnue fut la seule académie d’art en province à bénéficier de cette distinction. Au siècle suivant, l’historien d’art Philippe de Chennevières-Pointel, militant pour la revalorisation des provinces, la présenta comme un modèle, par son dynamisme, en tant que garante et protectrice des arts régionaux face à l’action centralisatrice et stérilisante de l’Académie royale de peinture et de sculpture de Paris. S’appuyant sur un important corpus documentaire et graphique, pour l’essentiel inédit, cette étude propose un renouvellement complet des connaissances sur l’Académie toulousaine : ses origines, les détails de sa mise en place, le quotidien de ses enseignements, ses écueils et ses réussites. / The Royal Academy of Painting, Sculpture and Architecture of Toulouse was founded in 1751 by royal letters patent. Until its termination by a Convention decree on 8th August 1793, it has been the only art academy outside Paris of that stature ever. In the 19th century, the French art historian Philippe de Chennevières-Pointel, an active advocate of provinces, presented it as a showcase of thriving guardian of regional arts that balanced the centralizing and inhibiting Paris' Royal Academy of Painting and Sculpture. Leveraging a rich corpus of documents and illustrations, most of them undescribed to this day, this study sheds a brand new light on the Toulouse Academy: its origins, the details of its rise, its daily teachings, its shortcomings and its achievements.

L’objet de cette thèse porte sur la pratique de la copie d’après l’antique et les maîtres à l’Académie de France à Rome sous la direction de Charles-Joseph Natoire entre 1752 et 1775. Il s’attache au domaine du dessin et s’étend aux artistes qui gravitent dans l’orbite de cette institution. Sont examinés tout d’abord le cadre institutionnel, le lieu et les enseignements obligatoires afin de définir le contexte dans lequel se pratique le dessin d’après l’antique et les maîtres. La réalisation de copies peintes en dehors du palais Mancini ouvre sur la question d’une dichotomie entre modèles imposés et choix des pensionnaires lors de l’exécution d’études dessinées dans les basiliques, les églises, les palais et les musées de Rome. La deuxième partie propose une analyse comparative entre les sources antiques puis modernes sélectionnées et les interprétations graphiques des pensionnaires. Elle offre un aperçu des lieux les plus fréquentés, des types d’œuvres privilégiés et de la réception de l’antiquité comme des sculptures et des peintures du Quattrocento au Settecento. L’examen des commandes de quatre amateurs démontre leur influence sur les travaux des pensionnaires et permet de définir d’autres formes d’utilisation des copies dessinées. Enfin, nous nous intéressons à la conservation et à la circulation des dessins comme témoignages matériels des relations entres pensionnaires et proches de l’Académie. Elles reflètent des pratiques artistiques individuelles ou partagées. Elles attestent le rôle de modèle assumé par certains et les fonctions de la copie par-delà le séjour à Rome. / The aim of this dissertation covers the practice of copying after the Antique and Masters at the French Academy in Rome while Charles-Joseph Natoire was its director between 1752 and 1775. It relates to the field of drawing and extends to the artists who gravitated around this institution. First the institutional context is considered, the premises and compulsory classes, in order to define the context in which drawing after the Antique and the Masters was practiced. The creation of painted copies outside the Palazzo Mancini raises the question of a dichotomy between models imposed and the choices of the pensionnaires when they were drawing studies in the basilicas, churches, palaces and museums of Rome. The second section provides a comparative analysis between the ancient and modern sources chosen and the pensionnaires’ interpretation of them. It provides an overview of the most commonly visited locations, the types of works favoured and the reception both of antiquity and sculptures and paintings from the Quattrocento to the Settecento. A study of four connoisseurs who commissionned drawings shows their influence on the pensionnaires’ work and allows other uses of drawn copies to be defined. Finally the conservation and circulation of drawings as material evidence of the relations between pensionnaires and those close to the Academy is examined. These confirm the role as a model assumed by some and the functions of the copy beyond an artist’s time as a student in Rome.

La mobilité du monde est permanente et cependant fugace, pour partie visible et invisible. La peinture contient à la fois un espace immobile mais mouvant, plan mais profond. Une couleur rehausse sa complémentaire et le sec réagit à l’humide. Cette succession de dualités sensibles, observable dans mes tableaux, instaure une tension. Cette dernière me permet de restituer avec justesse les liens qui se tressent entre les éléments participant du visible. La peinture dans sa profondeur propre creuse une distance qui servira de base à l’agrandissement de la sensation spatiale par l’écart. Elle prend naissance dans le rapport au lointain provenant de l’observation du paysage naturel et des éléments mouvants qui le constituent. De l’imprégnation qui en résulte ressort une structure constante du visible par-delà les particularismes, ce que l’acte pictural vise à saisir avec justesse par-delà l’apparence. La discontinuité entre les éléments impliqués dans le réel et l’incidence du vide fondateur de l’espace est un point de correspondance entre le visible du monde et celui de la peinture. L’usage de la réserve et l’emploi de formes ouvertes, de lignes discontinues obtenues par dissociation du geste, entre autres subterfuges déjouant la volonté consciente d’évoquer, sont parmi les moyens plastiques dont je me dote pour atteindre une correspondance structurelle au visible. La mobilité du monde naturel instaure celle de la peinture ainsi que celle du regard qui y déambule dans une relation de transfert et de continuité qui est l’objet de cette recherche. / The mobility of the world is constant and however fleeting, partly visible and invisible. Painting contains at the same time motionless and moving, flat and deep space. A colour enhances its complementary one and the dry reacts to the wet. This succession of sensitive dualities, which canbe seen in my paintings, sets up some tension. The latter allows me to accurately restore the links that are twining the involved elements of the visible. Painting in its own depth delves a distance which will serve as an enlargement of the spatial sensation. It originates in the reference to the distant coming from the observation of natural landscape and the moving elements that are part ofit. The impregnation that ensues brings out an abiding structure of the visible across the particularities, what the pictorial act aims at pointing with accuracy beyond the surface. The discontinuity between the elements which are involved in the real and the impact of the emptiness of the space are an interchange of the visible of the world and the painting one. The use of blank areas and open forms, of discontinuous lines which were made from dissociation of gesture, among other subterfuge eluding the aware will of conjuring up, are among the plastic means I useto get a structural correspondence with the visible. The mobility of the natural world sets up the mobility of painting such as the one of the act of looking which strolls around it in a relationship of transfer and continuity which is the object of this research.