Le recensement des tableaux du XVIIe siècle conservés dans les églises sarthoises a permis de constater une forte activité des peintres manceaux à cette époque, jusque là encore très mal connue. Pourtant, elle a contribué à l’élaboration d’une manière propre aux milieux artistiques manceaux d’alors qui ont su prolonger loin dans le siècle la séduction du maniérisme, sans pour autant raidir celui-ci. La prédominance, puis la persistance du maniérisme s’expliquent par l’immense diffusion de la gravure anversoise à la charnière des XVIe et XVIIe siècles. Plus tard, l’autorité des maîtres parisiens, italiens et flamands reposa sur la reproduction de leurs oeuvres par l’intermédiaire des estampes. Éloignée des grands foyers artistiques, la peinture mancelle était en général conservatrice et répétitive, cherchant tout d’abord à vivement frapper le fidèle. Les tableaux religieux de l’époque post tridentine étaient surtout des oeuvres fonctionnelles, limitées à l’interprétation stricte des scènes, et pour lesquels pouvaient suffire des talents médiocres, et où le recours à la copie était très courant. Cette thèse permet de constater que le milieu des peintres manceaux, tout en gardant ses particularités provinciales, fût dynamique, ouvert aux apports nouveaux et riche en personnalités intéressantes. Leurs oeuvres ont constitué une sorte de tournant dans la production régionale dont l’évolution a suivi les mêmes directions que les grands courants parisiens, quoique avec un écart inévitable. Sont d’abord étudiés la Commande, les Peintres, la Création, les OEuvres et l’Évolution de la peinture mancelle (I). Vient ensuite le Dictionnaire des peintres manceaux (II), et enfin le Catalogue des oeuvres (III). / The inventory of 17th-century paintings in churches in the département of Sarthe reveals that painters in Le Mans, hitherto little known, were prolific at that time. This hive of activity gave rise to an artistic scene in the province of Maine, in and around the city of Le Mans, which prolonged the style of mannerism well into the century, until it was replaced by the authority of Parisian, Italian and Flemish masters. A far cry from main artistic centres, Maine painting was generally conservative and repetitive. Above all, it sought to strike religious believers. Religious works by Maine painters during the post-Tridentine era were functional works, content to merely portray a scene. They required little or no talent and copying was very widespread. This thesis shows that the painting scene in and around Le Mans, although doggedly provincial, was dynamic, open to new contributions and full of interesting characters. Their work marked a turning point in regional production and its evolution followed the same trends as the major Parisian currents, albeit with an evitable delay. We shall examine commissioning, the artists, creation, works and the evolution of painting in Le Mans (I). This will be followed by the dictionary of Maine painters (II) and the catalogue of works (III).

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / La présente recherche porte sur la production d'un groupe de peintres anglophones de Montréal et de Toronto, qui ont séjourné à Beaupré de façon intermittente entre les années 1896 et 1904. Son originalité tient au fait qu'il s'agit d'une pratique collective réalisée dans un milieu rural canadien-français. Le cadre de cette recherche se limite au noyau principal de la colonie d'artistes présente à Beaupré à l'époque, passant sous silence la contribution des étudiants et des visiteurs occasionnels. Seuls les amis proches et membres du Pen and Pencil Club de Montréal ont été retenus, pour se concentrer sur les idées et les opinions qu'ils partageaient et ainsi chercher à cerner leur pensée, dont les textes de Paul Lafleur, écrivain et collègue de longue date, sont apparus comme un reflet significatif. À regarder de près les points communs qui unissaient les peintres, aux plans familial, académique et artistique, nous voulons mieux comprendre les motivations qui les ont poussés à s'arrêter à Beaupré, un lieu dont la spécificité s'est avérée très significative. L'analyse de cette spécificité de lieu, de temps et de mémoire a permis de mieux saisir comment Beaupré pouvait soutenir une quête identitaire. À une époque où on cherchait à développer un art national, l'image de Beaupré comme berceau des origines de la nation, apportait une réponse en termes historique et mythique aux aspirations profondes des peintres. / This project has to do with a group of English-speaking artists from Montréal and Toronto, who worked together in Beaupré, a small French rural community near Québec city, between 1896 and 1904. The group included William Brymner, William Cruikshank, Maurice Cullen, Edmond Dyonnet, James Wilson Morrice and Edmund Morris. We did limit the study to the artists who also belonged to the Pen and Pencil Club of Montréal at that time. The Club includes artists and writers, which allows us to gather informations on opinions and mentalities of the day. Paul Lafleur, a close friend of the artists in Montréal, accompanied them in Beaupré. We studied the production of Beaupré ( > 300 works of art ) which can be best qualified as regionalist and nationalist. A comparison was established between the ideologies behind the paintings on the one hand and the writing of Paul Lafleur on the other hand ( 33 texts ). The type of painting produced in Beaupré has to do with an identity quest ; we believe Beaupré was chosen by the artists because of its link with the origins of the country. In fact, Beaupré goes back ta 1626, when Champlain built there the first farm in Canada. Being a « lieu de mémoire » ( mythic site ), it had attracted English artists since 1790. The group of Beaupré created a representation of Canada as a French colonial settlement, some sort of primitive and idealistic society, far away from the threats of an overindustrial world.

Ce mémoire a pour objet l'étude d'un corpus de portraits d'enfants peints au Québec entre 1800 et 1860. Nous présentons d'abord un aperçu général du thème de 1'enfance tel qu'il s'est manifesté dans la peinture européenne et américaine dès le XVIe siècle. Cet aperçu est suivi d'une synthèse du contexte historique et artistique au sein duquel le portrait bourgeois s'est développé au Québec avec un examen de quelques-uns des premiers portraits d'enfants connus au Québec. Dans la deuxième partie, nous avons procédé à une étude stylistique et comparative du corpus à partir des différentes compositions que les artistes ont employées pour représenter l'enfant. Le corpus est divisé en deux catégories: les portraits de l'enfant en buste et ceux où l'enfant est représenté à 1'intérieur d'un groupe. Des comparaisons avec des portraits américains ont permis de dégager différentes similitudes mais aussi quelques éléments spécifiques propres au portrait d'enfant au Québec. / The object of this thesis is the study of a corpus of portraits of children painted in Quebec between 1800 and 1860. After introducing the theme of childhood in European and American painting since the sixteenth century, we go on in the first part to examine the historical and artistic context in which the bourgeois portrait developed in Quebec as well as some of the earliest known portraits of children in Quebec. In the second part, we have undertaken a stylistic and comparative study of the corpus, using as our starting point the compositional arrangements employed by the artists to represent children. This led us to divide the corpus into two main categories : bust-length portraits of the child and group portraits. Comparison with American portraits has permitted us to identify compositional similarities as well as characteristic elements that constitute what is specific to portraits of children in Quebec. / Montréal Trigonix inc. 2018

Cette recherche vise à développer quatre aspects particuliers qui concernent le cubisme de Braque et Picasso. D’abord quels ont été les faits marquants du cubisme au moment de sa naissance à travers les critiques du français Louis Vauxcelles. Puis, pour mieux saisir le mouvement, une synthèse des nombreuses définitions avancées par les critiques et les historiens d’art durant tout le 20e siècle, constituera la base d’une tentative de redéfinition globale du cubisme en sa phase analytique. On souligne ensuite l’importance de la réflexion cubiste en s’arrêtant à la modification de la représentation picturale par la décomposition de l’objet sur une surface plane qui aboutit sous l’empire de l’hermétisme à une nouvelle structure spatiale mettant alors l’accent sur la dissolution de l’objet et de la figure humaine. Finalement, l’analyse sémiotique de deux œuvres clés de Picasso et Braque de 1910 et 1911 permet de cerner plastiquement la notion même de réalisme que l’on trouve dans cette période analytique la plus hermétique. / Montréal Trigonix inc. 2018

Les peintures de Pompéi ont été très souvent étudiées surtout celle de la Villa des Mystères. Les vêtements que portent les femmes de cette peinture sont d'un attrait particulier. Une description très détaillée des six principaux vêtements étudiés comparés à des exemples similaires quant à leurs formes et, si possible, quant à leurs couleurs nous permet de noter plusieurs problèmes. C'est pourquoi nous avons approfondi nos connaissances sur les textiles, sur les différentes colorations utilisées à cette époque et sur les diverses techniques connues dans l'Antiquité pour permettre la réalisation de certains de ces vêtements. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013

La thèse a pour objet l'étude approfondie d'une série de huit tableaux monumentaux intitulée "Les Festivités du papegai en 1615 à Bruxelles". Exceptionnelle par le type de sujet et par le format, cette série fut commandée par les archiducs Albert et Isabelle (1598-1621) à leur peintre Denijs van Alsloot (1568 ?-1625/26) afin de célébrer la victoire de l'infante au tir de l'oiseau de bois (le "papegai") du Grand Serment des arbalétriers à Bruxelles. Elle est aujourd’hui incomplète, mais la confrontation des sources écrites avec les tableaux subsistants (en ce compris quelques répliques et variantes) permet d’établir qu’elle se composait à l'origine de six toiles ayant pour objet l’Ommegang communal – qui eut lieu le 31 mai 1615 et fut placé sous le signe de l’exploit de l’infante –, d’une peinture représentant "Isabelle tirant l’oiseau", et d’une toile montrant une "Fête au Vivier d’Oie en présence des archiducs", dans la forêt domaniale de Soignes. <p> Sans doute en raison de leur aspect descriptif, les tableaux conservés n'ont jamais été soumis à une analyse qui prenne en compte leur spécificité artistique, la plupart des chercheurs s'étant contentés jusqu'à présent d'examiner les spectacles dépeints dans une perspective historique. La thèse propose dès lors une étude qui non seulement repose sur une analyse des sources écrites et cherche à identifier les motifs représentés, mais aussi explore les composantes formelles, techniques et conventionnelles des peintures. Ceci afin, précisément, de mieux définir le rapport entre l’image donnée et la réalité des faits historiques. Car si les "Festivités" n'ont nullement valeur de reportage, leur raison d’être n’en a pas moins été de témoigner par le menu détail de certains événements. Et c’est très exactement la nature de ce témoignage, formulé avec les moyens propres à la peinture, qui est au cœur du questionnement. <p> La thèse se compose de deux parties. Dans la première partie, l'attention est portée sur la vie et la production de Denijs van Alsloot en général. Le peintre avait en effet été peu ou mal étudié jusqu’à présent. Or, de toute évidence, une meilleure connaissance de l’ensemble des activités artistiques de Van Alsloot permet d’aborder avec plus de justesse l’étude des "Festivités". Plusieurs éléments de la carrière de l'artiste furent en outre déterminants dans le choix d’Albert et Isabelle de faire appel à ses services pour la réalisation de la série. <p> La seconde partie se concentre sur l'examen des "Festivités". Le premier chapitre fait le point sur ce que les archives nous apprennent à propos de la commande et de l’historique des peintures originales comme des répliques et des variantes. Le second chapitre analyse la technique et le style de chacun des tableaux. Il vise également à reconstituer les étapes préparatoires dans la réalisation des peintures et à définir la nature des rapports entre les tableaux du point de vue de l’exécution. Une attention particulière est en outre portée à l'intervention comme sous-traitant du peintre Antoon Sallaert (1594-1650). <p> La signification politique des tableaux constitue le thème du troisième chapitre. Sont étudiés d'abord les circonstances historiques qui amenèrent Isabelle à participer au tir du Grand Serment et la cour à commander la série peinte des "Festivités". Le cadre d’origine des toiles est examiné ensuite, afin de mesurer l’influence potentielle de ce cadre sur la forme et le contenu des œuvres. Car si celles-ci contiennent une foule de renseignements valables sur les célébrations, il n’en demeure pas moins qu’il ne peut s’agir d’images objectives. Les "Festivités" servaient des intentions particulières qui ont amené les artistes à opérer des choix et à soumettre les scènes à des structures iconographiques signifiantes. C’est donc à déchiffrer et à interpréter la "rhétorique de l'image" que la thèse s'attache en dernier lieu. <p> En définitive, par la réévaluation d'un type particulier d'iconographie politique, l'auteure de la thèse espère contribuer aux travaux toujours plus nombreux sur le rôle de l'image dans l'élaboration du discours princier.

La présente recherche s'attache à mettre en relief l'un des aspects particuliers de l'art : la peinture.Il s'agit, à la suite d'une pratique personnelle cultivée depuis plu¬sieurs années et explorant les relations complexes entre expression plastique et intégration de la lettre écrite, de réfléchir sur l'entité singulière qu'est l'écriture.C'est alors que, conjuguant le travail plastique et le travail de recher¬che, se conduit cette étude dont l'objectif se fonde et se développe autour de la question des rapports texte/image au sein des œuvres peintes traversant et construisant l'ensemble de l'histoire de l'art occidental.En 1924, l'artiste Paul Klee (1879-1940) déclare :" Ecrire et dessiner sont identiques en leur fond " . Un cloisonnement entre les disciplines littéraires et pictu¬rales fait néanmoins foi depuis des siècles et ce malgré l'étymologie commune des ter¬mes " écrire " et " dessiner " formulée à partir du mot grec grapheïn . Mais, au regard des pratiques artistiques menées par les cubistes, tels le po¬choir ou le papier collé, par les futuristes, tel le bouleversement des co¬des de composition et de mise en page, par Dada, telle la destruction du langage, par les surréalistes, telle l'" écriture automatique ", par les lettristes, telle la prise en compte de la singularité de la lettre même, et par l'Art conceptuel envisageant l'écrit comme une matière à l'œuvre, nous voyons que les liens tissés entre le domaine iconique et le domaine textuel se renou¬vellent cons¬tamment et mérite un examen approfondi.Ainsi, notre recherche organise et analyse les différents usages concédés à la lettre par l'univers pictural. Elle met en valeur son intégration, son implication, son évolution et sa résonnance dans le champ visuel. La tra¬duction des modalités plastiques de l'écriture, après l'observation d'œuvres contemporaines comme celles de Jenny Holzer, de Claude Closky ou de Ta¬nia Mouraud, fait émerger l'indice d'une nouvelle organisation actuelle des codes graphiques qui, après le règne de la figuration et celui de l'abstraction en art, explore le graphème comme une matière picturale première et à part entière. Paul KLEE, Théorie de l'art moderne, Gallimard, Paris, (1956), 1998, p. 58. Bruno DUBORGEL, Figures du grapheïn, Publications Universitaires de Saint-Etienne, Saint-Etienne, 2000, pp. 11-12. " Grapheïn... A/ Primitivement, égratigner, écorcher... B/ Par suite, tracer des signes pour écrire ou pour dessiner, d'où : I/ Graver... II/ Ecrire... [...] Le verbe graphô est attesté depuis Homère. Sens : "érafler" (Cf. Iliade 17, 599), tracer, dessiner, écrire, d'où rédiger un décret, etc. ", extraits du Dictionnaire Grec-Français d'André Bailly (16e édition, Hachette, Paris, 1950) et du Dictionnaire étymologique de la langue grecque de Paul Chantraine (Histoire des mots, Klincksieck, Paris, 1968).

Leopold Plotek est un artiste montréalais, né en Russie, qui consacre sa carrière artistique à la peinture depuis cinquante ans. Contrairement à l’intérêt que lui manifeste le milieu des arts visuels, l’histoire de l’art n’a pas encore témoigné de son importance. La description de sa carrière depuis les années 1970 jusqu’à aujourd’hui, soit de ses peintures ainsi que des expositions et des écrits qui s’y rapportent, comble en partie cette lacune. Une perspective interculturelle permet de présenter Plotek comme artiste issu de l’immigration et comme anglophone au Québec ainsi que d’identifier des critères fondés sur l’identité culturelle et linguistique, qui expliquent en partie son absence de l’histoire de l’art, particulièrement de l’art contemporain. D’une part, cette étude au sujet de son œuvre fournit un nombre significatif de renseignements factuels : inventaire des peintures, des expositions, des collections, des catalogues ainsi que des articles de revues et de journaux. D’autre part, elle démontre que l’étude des relations interculturelles aide à démystifier la croyance selon laquelle l’histoire de l’art retient les artistes principalement en fonction de la qualité de leurs œuvres. / Leopold Plotek is a Montreal artist, born in Russia, who has devoted his artistic career to painting for nearly fifty years. Contrary to the interest demonstrated by the visual arts milieu to his work, art history has not yet acknowledged its importance. The description of his career, since the beginning of the 1970s until today, namely of his paintings as well as the exhibitions and the texts about them, fills part of this gap. An intercultural perspective presents Plotek as an artist coming from immigration and as an Anglophone in Quebec, and identifies factors, based on cultural identity and language, that in part explains his absence from art history, particularly contemporary art. On one hand, this study about his work gives a significant number of factual information: inventory of paintings, exhibitions, collections, catalogues along with periodical articles. On the other hand, it shows that the study of intercultural relations helps to demystify the belief that art history remembers artists primarily according to the quality of their works.

Conservés dans le chœur de l’abbaye Saint-Robert pour lequel ils furent crées, les douze panneaux de la tenture de La Chaise-Dieu mettent en scène les épisodes de la Vie du Christ et de la Vie de la Vierge, flanqués de leurs préfigures vétérotestamentaires. En outre, deux pièces indépendantes reproduisent plusieurs compositions évangéliques du cycle principal. De multiples blasons révèlent l’identité du commanditaire, Jacques de Saint-Nectaire, qui gouverne l’institution bénédictine de 1491 à 1518, soit dans le contexte historique de l’arrivée de la commende. Basée sur un matériel d’analyse exceptionnel, cette étude monographique propose une reconstitution de l’élaboration artistique de l’œuvre et tente de définir l’implication du commanditaire dans le projet initial, le degré de liberté des peintres et l’influence des lissiers sur le rendu final des tapisseries. Dans ce but, l’étude des modèles gravés et de leur utilisation lors de la réalisation des cartons à grandeur fait l’objet d’une attention particulière. En conclusion, ce travail apporte des hypothèses concernant le milieu d’origine des artistes et la localisation de leurs ateliers. / As one of the most spectacular cycle of medieval tapestries preserved, the fourteen woven panels of La Chaise-Dieu - for most of them still hanging in the choir of Saint-Robert church (Auvergne/France) - depict episodes of Jesus and Mary’s life along with scenes extracted from the Old Testament. Their many blazons have always identified their patron with Jacques de Saint-Nectaire, abbot of the Benedictine institution from 1491 to 1518. Thanks to the tremendous group of evidences offered by this unique set, this research challenges the general assumptions of the elaboration of tapestries, introducing a new insight about the distinctive roles played by the patron, the master painter, his assistants and the weavers. A particular importance has been lent to the study of the engravings used as patterns. As a conclusion, this work aims to provide some hypothesis regarding the artists’ origins and their workshops’ location.

Cette thèse a pour objet d’étudier les interactions entre le texte et l’image dans le Livre de dialogue, crée en commun par un poète et un peintre, en France et Allemagne de 1980 à 2004. Il ne s’agit pas ici de s’intéresser au « Livre illustré » qui sous-entend que l’image sert seulement d’illustration au texte, mais au« Livre de dialogue » où deux modes d’expression sont mis en présence en un rapport d’égalité ; dialogue qui provoque des interactions complexes. La problématique réside dans l’existence de deux systèmes sémiotiques différents, tels la poésie et la peinture avec, l’un et l’autre, ses unités distinctes, son fonctionnement syntagmatique et paradigmatique propre et sa manière particulière de créer de la signification. Les procédés examinés portent sur les différentes apparitions, les conséquences et les limites de cette rencontre. Une étude détaillée aborde en premier lieu les procédés s’attachant à la représentation de l’objet - poétique ou pictural – oscillant entre figuratif et abstrait. Ensuite, sont explorées les interactions entre texte et image à partir des notions de l’espace, du fragment, du corps et du processus créatif. En conclusion, il s’agit non pas de transposer le modèle stylistique sur la peinture ou inversement, mais de dégager des points d’intersection entre sémiotique, intermédiatique, esthétique et histoire de l’art. / This thesis investigates the interactions between text and image in the artist book (Livre de dialogue), composed jointly by a poet and a painter, in France and Germany from 1980 to 2004. In contrast to the « illustrated book», where the image is subordinated to the text, I explore in this special type of book the encounter between two means of expression sharing equal importance, a dialogue that yields complex interactions between visual and verbal signs. The existence of two different semiotic systems such as poetry and painting bears interesting questions, as each possesses its specific units, its own syntagmatic and paradigmatic structure and its specific way to create significance. The analysis focuses on the different forms, the consequences and the limits of this encounter. The first part consists of an examination of the figurative processes that are linked to the representation of the poetic or pictorial object in a general way. Following this examination, a more detailed analysis investigates the interactions between text and image based on the concepts of space, fragment, body and the creative process. Thus, the aim is not to transpose the stylistic system to painting or vice versa, but to explore points of intersection between semiotic, intermedia, aesthetic and history of art.