Essa tese tem como objetivo apresentar uma leitura alternativa do Fedro de Platão. Seu principal foco é reavaliar o esquema geral do diálogo e seus blocos textuais, considerando a pertinência e a importância de aspectos formais e temáticos da poética de Estesícoro de Himera na leitura do Fedro, especialmente a estrutura triádica de sua poesia, o tema do ídolo como substituto do ser e o poder do canto curativo. Nesse trajeto reconhecemos o desenho triádico estesicórico nas três recitações iniciais do diálogo platônico, meio pelo qual realizaremos um estudo desses blocos textuais, destacando, em seguida, as diferenças entre poética, logografia, retórica e dialética. / This thesis aims to present an alternative reading of Plato\'s Phaedrus. Its main focus is to review the general scheme of the dialogue and its textual blocks, into account the relevance and importance of formal and thematic aspects of the poetic doxography from Stesichorus of Himera in the reading of Plato\'s Phaedrus considered, especially in these regards: triadic structure of his poetry, the theme of the idol as a substitute for the being and the curative power of the chant. In this way we can recognized the stesichoric triadic design in the three initials recitations of platonic dialogue, means by which this work will conduct a study of these blocks of text, highlighting the differences between poetry, logographic, rhetoric and dialectic.

Esta dissertação pretende apresentar uma leitura da poética de Cacaso, partindo de uma comparação entre o modernismo, frequentemente visto como forte influência para a poesia dos anos 70, e os textos do poeta mineiro e chegando ao livro Beijo na boca de 1975, o qual consideramos ser a obra mais madura de Antônio Carlos de Brito. Divido em três partes, o trabalho pretende se concentrar no uso que Cacaso faz de diversas situações enunciativas, ressignificando os enunciados. Na primeira parte, a questão da liberdade é trabalhada, a qual é buscada nos poetas modernistas, principalmente Mário de Andrade e Oswald de Andrade; na segunda parte o foco é nas diferenças de abordagem, quanto ao tema da liberdade e do uso de técnicas poéticas consagradas pelos modernistas, causadas pelas diferentes questões tratadas no campo literário; a terceira e última parte foca-se na especifidade do texto cacasiano, não apenas em relação aos modernistas, mas em relação aos outros poetas dos anos 70. / This dissertations intends to present a view of Cacasos poetics, beginning at a comparison between the brazilian modernism from 20s, usually seen as a very strong influence for the poetry of the 70s, and Cacasos texts. Divided in three parts, this work focus in finding how Cacaso deals with a variety of enunciations, resignifying the enunciates, arriving at the 1975 book, Beijo na boca. In the first part, the liberty, which comes from the modernista poets, mostly Mário de Andrade and Oswald de Andrade, is the starting point; in the second part, the focus is on why there are differences on the approach and use of liberty and other poetic tecniques between the modernists and the poets of the 70s, comparing only the literary fields; the third and last part centers on the especifities of Cacasos poetics not only concerning the relation with the modernists, but also the relation with other poets from the 70s.

Este trabalho consiste de uma tradução comentada de vinte e três poemas gregos dos períodos Clássico e Arcaico. Essa tradução foi realizada buscando recriar o ritmo e a sonoridade dos textos originais, mas sem se afastar demasiadamente do plano do sentido, de modo que não é uma recriação livre. O trabalho é introduzido por um breve estudo a respeito do ritmo e da sonoridade, tanto na literatura grega quanto em termos gerais. / This work is comprised of a translation, followed up by a commentary, of twenty-three greek poems from the Classical and Archaic periods. The translation was carried out with a view to recreate the rhythm and sound of the original texts, without, however, allowing it to stray too far from the meaning, lest it would become a free recreation. The main work is introduced by a brief study regarding rhythm and sound, both in greek literature and in general terms.

O estudo das obras de Raduan Nassar constitui-se de um trabalho a respeito da linguagem poética pautada no exercício dialógico entre as personagens. Segundo o pensamento de Emmanuel Lévinas uma relação pautada na ética exige um olhar para o rosto do outro e dessa relação tem-se a responsabilidade, uma apreensão da subjetividade exteriorizada e não mais contida no ser. Nesse caminho analisam-se os personagens protagonistas das obras Lavoura Arcaica (1975) e Um copo de cólera (1978) que estão durante toda narrativa em relação de descoberta e devir. Vistos como personagens conceituais ou filosóficos, na concepção de Deleuze e Guattari, André, adolescente em busca de hospitalidade e alteridade na relação com o outro, traz em sua composição traços de impessoalidade, refletindo sua condição não recaindo sobre si, mas estendendo para um fora, o neutro de Blanchot que considera essa possibilidade de abertura como espaço para o um outro acontecimento. O chacareiro, da segunda obra, também em exercício dialógico, porém não poético compõe de atos de enunciação que tratam de seu percurso histórico-social e pessoal. Diante de sua interlocutora trava um embate que permeia as leis da hospitalidade frente ao acolhimento e inabitação da morada, do lugar de pertença. / The study of the works of Raduan Nassar is a work about the poetic exercise in guided dialogue among characters. According to the thought of Emmanuel Levinas, a relationship based in the Ethics requires a look at the face of the other and this relationship has a responsibility, an understanding of subjectivity and not externalized in being more restrained. In this way we analyze the characters of the protagonists works Archaic Farming (1975) and a glass of Cholera (1978) that are compared throughout the narrative of discovery and becoming. Viewed as a conceptual or philosophical characters in the design of Deleuze and Guattari. André, a teenager in search of hospitality and otherness in relation to the other, brings in its composition traits of impersonality, reflecting their condition is not imposed on them, but extending to an outside the neutral Blanchot considers that the possibility of opening a space for another event. The ranch-hands, the second work, also in dialogical exercise, but not composed of poetic speech acts that deal with their historical background and personal-social. In the face of his interlocutor hangs a struggle that permeates the laws of hospitality and welcoming front of the indwelling of the address, place of belonging.

A questão dos sofrimentos psíquicos é um tema recorrente na obra de Adília Lopes, surgindo na forma de alusões às psicopatologias, menções a medicamentos e a nomes de médicos e psicoterapeutas, referências à história do tratamento das doenças mentais, bem como a instituições hospitalares e seus pacientes. A proposta deste trabalho é analisar as representações do tema na poética adiliana, evidenciando a postura crítica em relação à desmedida normalização social vigente na contemporaneidade e ao cientificismo, que subjazem à medicalização dos comportamentos. O referencial teórico parte dos conceitos de normalidade e patologia estabelecidos por Georges Canguilhem, sua articulação com a noção de biopoder, de Michel Foucault, e a implicação dos procedimentos normalizadores na emergência do paradigma da depressão, segundo a concepção de Elizabeth Roudinesco. / The issue of psychic suffering is a recurrent theme in Adília Lopes\' artwork, arising in the form of allusions to psychopathology, medications, names of doctors and psychotherapists, and references to the history of mental illness treatment, as well as hospital facilities and their patients. This article aims to analyze the representations of the subject in Adilian poetry, evidencing the critical point of view in relation to the excessive social normalization prevailing in contemporaneity and in scientism, which underlie the medicalization of behaviors. The theoretical reference is based on the concepts of normality and pathology established by Georges Canguilhem, his articulation with Michel Foucault\'s concept of biopower, and the implication of normalizing procedures in the emergence of depression paradigm according to Elizabeth Roudinesco\'s conception.

A presença preceptiva da doutrina retórica das ideai de estilo tal como reguladas pelo retor grego Hermógenes registra-se em terras italianas, portuguesas e espanholas, entre os séculos XVI e XVIII. Ora, increve-se nos debates que opõem detratores e defensores do gênero de poema misto. Entre os autores presentes nestes debates está Manuel de Galhegos, cujo prólogo epidítico à Ulyssea, ou Lisboa Edificada elogia a elocução do poema heroico de Gabriel Pereira de Castro com base no Peri iden e permite que se discutam os diferentes usos de Hermógenes entre tradutores, comentadores e glosadores desde tratado, desde Jorge de Trebizonda. Ademais, Francisco José Freire, conhecido como Cândido Lusitano, na Arte poetica, ou Regras da Verdadeira Poesia em geral, e de todas as suas especies principaes, tratadas com juizo critico, censura a tragicomédia como misto vicioso, nem trágico nem cômico, sem proporção e sem unidade. Essa censura da tragicomédia atualiza argumentos atinentes à controvérsia doutrinária que remonta aos fins do século XVI e inícios do século XVII, a qual opõe eruditos como Giasone Denores e Giovanni Battista Guarini, autor de Il Pastor Fido, poema considerado exemplar no gênero e legitimado pela doutrina atribuída a Hermógenes. / The Hermogenes rhetorical theory of stylistic ideai became evident in Italy, Portugal and Spain during the 16th and 18th centuries. This doctrine is related to debates among critics and apologists for the mixed genres. Among the authors involved in theses debates is Manuel de Galhegos, whose epideictic preface to Ulyssea, ou Lisboa Edificada praises this Gabriel Pereira de Castros heroic poem based on Peri iden and enable this thesis to discuss the different uses of Hermogenes by translators, commentators and glossers, since George of Trebizond. Besides, Francisco José Freire, also known as Cândido Lusitano, on the Arte poetica, ou Regras da Verdadeira Poesia em geral, e de todas as suas especies principaes, tratadas com juizo critico, blames tragicomedy as a vicious mixture, neither tragic nor comic, without proportion or unity. This blame reaffirms arguments concerning to poetic controversies of the late sixteenth and early seventeenth centuries, which opposes scholars like Giasone Denores and Giovanni Battista Guarini, author of the Pastor Fido, a poem that is known as an example in terms of Hermogenes theory of a misture of ideai.

Esta pesquisa partiu do princípio de que a fusão entre arte e vida é capaz de fortalecer e reinventar nossa relação estética com o mundo. O objeto de análise está vinculado à experiência do Projeto Vila Educação e Arte, realizado entre os anos de 2008 e 2010, na cidade de Paranaguá, no estado do Paraná. Foram investigadas as mudanças significativas nos processos de perceber e simbolizar, bem como no desenvolvimento da sociabilidade dos estudantes, a partir da experiência vivida ao longo do projeto. O objetivo central da pesquisa consistiu na análise da articulação entre a experiência poética e a fruição estética como dimensões educativas da arte. Encontramos nas abordagens fenomenológicas de Gaston Bachelard e Michel Maffesoli fundamentos para o aprofundamento das potencialidades das ações educativas em arte. Para ambos faz-se necessária uma nova epistemologia, que deve se revelar antipositivista, antiformalista e antirrealista, na qual o mundo ficcional, bem como o mundo vivido, possam ser incorporados como elementos fundamentais do processo humano de produção do conhecimento e da vida. Acreditamos que se quisermos de fato aproximar arte e vida, as situações de aprendizagem em arte devem primar pela diversidade das experiências espelhadas no lugar e nos sujeitos. Esse processo deve contribuir para valorizar a produção artística como uma dimensão viva da rede simbólica, que dá sentido às experiências e à existência humana. O reconhecimento e a valorização da diversidade no processo educativo possibilitam criar condições para que as singularidades possam brotar diante da pluralidade, expressa nas várias formas de compreender e dar significado ao mundo. / This research assumed that the fusion between art and life is able to strengthen and reinvent our aesthetic relationship with the world. The object of analysis is linked to the experience of Education and Art Village Project, conducted between 2008 and 2010 in the city of Paranagua, in Parana state. Significant changes were investigated in the processes of perceiving and symbolizing, as well as the development of social skills of students, from the experience throughout the project. The central objective of the research consisted in analyzing the relationship between the poetic experience and aesthetic enjoyment of art and educational dimensions. We found in the phenomenological approaches of Gaston Bachelard and Michel Maffesoli fundamentals for the deepening of the potential of educational actions in art. For both it is necessary a new epistemology, which should prove to be anti-positivist, antiformalista and antirrealista, in which the fictional world and the lived world, can be incorporated as key elements of the human process of knowledge production and life. We believe that if we are indeed approaching art and life, their learning experiences in art should strive for diversity of experiences mirrored in place and subjects. This process should help to enhance the artistic production as a living dimension symbolic network which gives meaning to human existence and experience. The recognition and appreciating of diversity in the educational process make it possible to create conditions for which the singularities can spring forth from the plurality expressed in various ways to understand and give meaning to the world.

A pesquisa propõe investigar o habitat do sertão por meio do campo ampliado da Teoria da Arquitetura. Na clivagem entre modernidade e tradição, a percepção de uma \"morada poética\" torna-se o eixo central da hipótese formulada. Pelo imaginário dos Gerais, transpondo o constructo do espaço moderno rumo ao \"sertão-mundo\", procuramos no texto documental e ficcional um manancial simbólico sobre a paisagem habitada do sertão. A centralidade da ideia de \"lugar\" deixa ver a \"terra da boiada\", onde é possível fazer a travessia de um sertão construído com as mãos a um território que se molda em forma mentis. Um rio-pensamento que se converte em cartografia poética, reunindo mundo e matéria na trama de um \"espaço vivido\". São nos confins dos Gerais que se constituem elos fortes entre espaço, linguagem e pensamento. A costura dessa trama é guiada por um olhar ao rés do chão. É na concretude do \"lugar sertão\" que se colhem os significados profundos da habitação, palmilhando o solo cotidiano com um olhar oblíquo sobre o modo de vida projetado. Interpretar a paisagem habitada dos Gerais impõe recuos sobre a realidade fática. O avanço da pesquisa se dá justamente no esforço de construir pontes entre a morada chã e sua medida empírea, mediando articulações entre sertão e cidade. Nesse interregno se desvela o \"metro\" poético da habitação. / The aim of this research is to look into the habitat of the sertão with the aid of the Theory of Architecture taken in its largest scope. In the fracture between modernity and tradition, the perception of a \"poetic dwelling\" becomes the central axis of the hypothesis we set forth. Through the imagery of the Gerais which transcends the construct of modern space towards a \"world-sertão\", the documental and fictional text unfolds a symbolical source of the inhabited landscape of sertão. The centrality about place idea unveils the \"boiada\'s land\", where one is able to travel across a sertão built with the hands reaching an expanse which is molded in forma mentis. One \"thought-river\" which is turned into a poetic cartography, convening world and matter in the texture of a \"lived space\". It is in the confines of Gerais that powerful bonds among space, language and thought are built. The seaming of this texture is led by eyes which are level with the ground. It is in the concreteness of the \"sertão place\" that the deep meanings of dwelling are gleaned, treading the everyday ground with an indirect look on the projected way of life. Interpreting the inhabited landscape of Gerais requires one to step back as to the factual reality. The research advances precisely in this effort to build bridges between the plain dwelling and its supreme measure, interweaving sertão and town. It is in this interregnum that the poetical \"metrics\" of inhabitation unfolds.

A poesia de Paulo Leminski (1944/1989), escrita no Brasil entre os anos 60 e 80 do século XX, revela uma constante atitude de experimentação que abre caminhos para o questionamento da relação entre pensamento, mundo e linguagem. Ao refazer a trajetória do autor e analisar o modo de criação de seus jogos de linguagem, pretendo revelar a lógica de sua poética, voltada para a materialidade do signo lingüístico. Como poeta e ficcionista, redator publicitário, letrista de música, crítico e tradutor, a matériaprima e o objeto de Leminski é sempre a linguagem verbal em suas mais variadas dimensões. Nesse período, entre os anos 60 e 80, em que as teorias sobre os signos e sobre o discurso começam a dominar os estudos literários, a poética metalingüística e reflexiva de Leminski surge como um campo de experiência de limites ainda não testados ou pouco testados por outros poetas. O conceito da poesia como texto literário, como expressão de uma linguagem escrita, veiculada em livros e destinada a um público erudito, passa a ser também por ele questionado. Para Leminski, a poesia faz parte da semiótica, do mundo dos signos que engloba todas as outras formas de manifestações artísticas, de informação e de comunicação. Poesia é também linguagem gráfica, sonora e verbal, que busca uma lógica própria para expressar pensamentos e formas de vida. Esta pesquisa vai focalizar alguns aspectos da teoria da linguagem e da teoria literária evidenciados, em diversos níveis, na prática poética leminskiana. São questões pertinentes ao contexto de diferentes correntes contemporâneas de pensamento que apontam a linguagem como o lugar privilegiado em que se dá a atuação do sujeito e a criação dos sentidos. / The poetry of Paulo Leminski (1944-89), written in Brazil between the 1960s and the 1980s, displays a constant attitude of experimentation that opens up possibilities for questioning the relationships between thought, world and language. By retracing the development of his career as a writer and analyzing the ways in which he created his language games, I set out to discover the logic of his poetics and its links to the materiality of the linguistic sign. As a poet and author of fiction, but also as a producer of advertising copy, song lyrics, literary criticism and translations, Leminski always took verbal language in its many different dimensions as his object and raw material. In the period discussed (1960s, 70s and 80s), when theories of signs and discourse predominated in literary studies, Leminski developed his metalinguistic and reflexive poetics as a field for experiencing and experimenting with limits that other poets had not yet tested at all or only very marginally. He also questioned the concept of poetry as literary text, as the expression of a written language conveyed in books to a learned audience. For Leminski poetry was part of semiotics, of the world of signs that encompasses all other forms of art as well as information and communication. Poetry is visual language and sound as well as verbal language, pursuing its own logic to express thoughts and life forms. My research focuses on some aspects of the theory of language and of the literary theory evinced at various levels by Leminskis poetic practice. The questions raised are pertinent in the context of different contemporary currents of thought which consider language a privileged field for the operation of the subject and the creation of meaning.

A Prymera parte da cronica do emperador Clarimundo donde os reys de Portugal desçendem, obra do fidalgo da corte de D. Manuel I e D. João III, João de Barros, publicada por Germão de Galharde em 1522, compõe-se de três livros não acabados e ditos primeira parte, em consonância com lugares-comuns das narrativas de cavaleiros. A genealogia encomiástica que o Clarimundo propõe destaca-o nas letras portuguesas, especificando-o como crônica fingida que narra donde os Reys de Portugal descendem, com matéria até então incomum nas letras ibéricas, mas imitada das fontes antigas, mais precisamente, da Eneida de Virgílio, emulada no Orlando Furioso de Ariosto, um encômio da Casa dEste. Nesse sentido, a pintura de João de Barros alegoriza, na figura de Clarimundo, o príncipe de cuja cepa vêm os reis portugueses, ocasião de se ver no espelho e ao mesmo tempo revelar-se como modelos de excelência régia. Este estudo tem como fim analisar os procedimentos retórico-poéticos que operam no discurso epidítico da crônica de João de Barros com o fim de deleitar, ensinar e mover. Para tanto, detive-me ao texto, aproximando-o de categorias verificáveis nos textos do tempo da composição de Barros, desentranhando-o das soluções dedutivas óbvias e dos esquematismos fáceis. / The Prymera parte da cronica do emperador Clarimundo donde os reys de Portugal desçendem, written by a noble from the court of D. Manuel I and D. João III, called João de Barros, and published by Germão de Galharde in 1522, is composed of three unfinished books, named first part, in accordance with the topoi of knightly narratives. The panegyric genealogy proposed by the Clarimundo highlights this text in the context of Portuguese letters, and specifies it as a chronicle containing the narrative of where the Kings of Portugal descend from. It\'s material was up till then uncommon in the Iberian letters, but imitated from antique sources, particularly the Eneid, by Virgil, and Orlando Furioso, by Ariosto, a eulogy of the Casa d\'Este. In this sense, João de Barros\' painting allegorizes, in the figure of Clarimundo, the prince from whose lineage descend the Portuguese kings, and this is the occasion for being both a mirrored images, and an exemplary models of regal excellency. This work aims to analyze the rhetorical and poetical procedures at work in the epideictic discourse of João de Barros\' chronicle, to the end of delectation, teaching and moving. In order to do this, I have kept to the text, nearing it to the categories with which it is verisimilar, and distancing it from obvious solutions and easy schemes.