Orientador: Mário Fernando Bolognesi / Banca: Isa Etel Kopelman / Banca: Marianna F. Martins Monteiro / Resumo: A palhaçaria clássica, linguagem cômica tradicional e popular, foi concebida junto ao espetáculo circense. Consolida-se no século XX e é caracterizada por um conjunto de situações, gestos e ações codificados, transmitidos oralmente através de gerações. Sua dramaturgia é construída na relação direta e improvisada com a platéia, a partir de um roteiro, e tem na utilização do corpo cômico em jogo seu principal recurso expressivo. O presente trabalho tem como objetivo geral investigar a composição do palhaço de circo no tocante à utilização do corpo e sua relação com a platéia. Esse objetivo mais amplo se direciona à contribuição desse processo na formação do ator em geral. Para melhor compreender a construção deste corpo cômico, assim como a especificidade de seu processo de aprendizado, ligado à tradição oral, escolhemos para nossa pesquisa empírica o trabalho do palhaço Gachola e sua Cia, assim como o de seus parceiros Camilo Torres, Puchy e Pepin - palhaços de tradição circense que atuam na cidade de São Paulo. Foi importante também a experiência com dois grupos de atores: um grupo que, de 2001 a 2004, interessados na linguagem do palhaço, realizou uma investigação prática acerca da construção do clown no LUME, e o grupo O Circo e o Riso, da UNESP, que pesquisa a construção do palhaço a partir de técnicas tradicionais. Recorremos também a autores estudiosos do circo ou dos palhaços: Mario Bolognesi, Andreia Pantano, Erminia Silva, Tristan Rémy, John Towsen, Roger Avanzi e Veronica Tamaoki. Para a análise da articulação e dos objetivos do jogo cômico estabelecido entre palhaço e público, foram imprescindíveis, aliadas às análises de Bolognesi e Pantano, a teoria de Johan Huizinga a respeito do jogo, como exposta no livro Homo Ludens: o jogo como elemento da cultura, e a teoria de Mikhail Bakhtin a respeito do cômico e do riso na cultura popular. / Abstract: The classic clownery, traditional and popular comic language, was conceived together with the circus show. It consolidates in the twentieth century and is characterized by a set of situations, gestures and encoded actions, transmitted orally through generations. Its dramaturgy is built in the direct and improvised relationship with the audience, based on a script, and uses the comic body in game as its main and expressive resource. The general objective of the present study is to investigate the composition of the circus clown concerning the use of the body and its relationship with the audience. A broader objective is directed to the contribution of this process in the formation of the actor in general. To better understand the construction of this comical body, as well as the specificities of its learning process, linked to oral tradition, we choose for our empirical research the work of the clown Gachola and his Company, as well as his partners Camilo Torres, Pepin and Puchy - clowns coming from the circus tradition who work in the city of São Paulo. It was also important the experience with two groups of actors: a group that, from 2001 to 2004, interested in the language of the clown, undertook a practical investigation on the construction of the clown at LUME, and the group "O Circo e o Riso ", from UNESP, which researches the construction of the clown from traditional techniques. We also resorted to scholars of circus clowns: Mario Bolognesi, Andrea Pantano, Erminia Silva, Tristan Rémy, John Towsen, Roger Avanzi and Veronica Tamaoki. For the analysis of the articulation and the objectives of the comic game established between public and clown, Johan Huizinga's theory about the game as exposed in the book "Homo Ludens: A Study of the Play-element in Culture" was essential, together with the analysis of Bolognesi and Pantano and Mikhail Bakhtin's theory about the comic and laughter in popular culture. / Mestre

Orientador: Suely Master / Co-orientador: Kathya M. A. de Godoy / Banca: Lúcia Regina Vieira Romano / Banca: Andréia Vieira Abdelnur Camargo / Resumo: A presente pesquisa visa refletir um experimento de criação cênica, o processo criativo da peça Pulsar da Medusa, que foi dirigida por mim. Trata-se de um processo de criação em dançateatro baseado no estudo expressivo do corpo-voz a partir da utilização dos fatores de Rudolf Laban: espaço, tempo, peso e fluência. A abordagem deste experimento cênico ocorre pelo meu ponto de vista enquanto diretora. Aqui eu discorro sobre meu trabalho com o ator-aprendiz e as atrizes-aprendizas da peça. Num tipo de direção que propõe um trabalho preparativo para representação/atuação, através de exercícios corporais e vocais junto à orientação do trabalho criativo. É um trabalho de direçãoorientação. A pesquisa contou com a colaboração de duas aprendizas-atrizes e um aprendiz-ator, que tiveram, junto a mim, a função de criadores da cena. A direção da peça tinha como objetivo principal a questão da formação de atriz e ator, por isso visava mais do que um resultado estético. O processo foi visto principalmente como um meio para aprendizagem no campo da expressividade do corpo-voz e de composição cênica. A própria peça foi elaborada como um exercício de criação, com inspiração no livro Água-viva, de Clarice Lispector. Como anexos, constam questionários respondidos pelo aprendiz-ator e pelas aprendizasatrizes que colaboraram com a pesquisa, esses questionários nos auxiliam a verificar se os exercícios praticados de fato foram importantes para o desenvolvimento expressivo vocalcorporal. Além disso, também constam alguns vídeos em anexo que mostram fragmentos da peça e de ensaios. Como aqui se aborda tanto aspectos do trabalho de diretora-orientadora, como do trabalho de ator/ atriz, esta pesquisa pode contribuir com artistas que exercem diferentes funções dentro de um processo criativo. Além disso, presta-se como referência para professores e pesquisadores no âmbito... / Abstract: The present research aims to reflect a scenic experiment creation: the creative process of the play Pulsar da Medusa, which was directed by me. It's about an approach of dance theatre based in the expressive study of body vocal, using factors from Rudolph Laban: space, time, weight and fluency. The approach of this scenic experiment occur by my point of view as a director. Here I broach about my labour with the apprentice actor and apprentice actress from the play. This kind of direction purpose a preparative labour for the representation/acting, through body and vocal exercises, with orientation of the creative labour. It's a direction-bearings labour. The research counted with the collaboration from two-apprentice actress and one apprentice actor, who had, with me, the role of scenic creators. The fundamental intention of the direction was the instruction of the actress and actor, for this reason aimed more than aesthetics results. The process was seem especially as a way of learning at the expressivity field of body vocal and scenic composition. The play was elaborate as an exercise of creation, inspired on the book Água-viva, by Clarice Lispector. In addition, is available questionnaires, which was answered by the apprentice actress and the apprentice actor, who collaborated with the research. These questionnaires help us to verify if the exercises were important for the body and vocal development. Beyond this, it contains some videos, which show fragments from the presentation and from the rehearsals. As I approach aspects as my role of director and guiding, as the role of actor/actress, this research may to contribute with artists who play different roles inside of the creative process. Additionally, it serves as a reference to teachers and researchers in the field of theatre and dance creation. / Mestre

Orientador: Lúcia Regina Vieira Romano / Banca: Maria Thais Lima Santos / Banca: Alexandre Luiz Mate / Resumo: Na presente dissertação são analisados os processos de criação de três espetáculos do Grupo de Teatro Clowns de Shakespeare, residente em Natal/RN - a saber, O capitão e a sereia (2009), dirigido por Fernando Yamamoto, diretor artístico do coletivo; Sua incelença, Ricardo III (2010), dirigido por Gabriel Villela; e Hamlet: um relato dramático medieval (2013), dirigido por Marcio Aurelio -, tendo como principal enfoque de análise as relações estabelecidas entre o coletivo potiguar e os encenadores de cada uma dessas obras, uma vez que em duas delas a função da direção foi ocupada por encenadores externos ao Grupo. Tomando como base o contexto teatral no qual o coletivo está inserido e o histórico do Grupo no que tange a colaboração com artistas convidados, busca-se compreender quais foram as motivações que levaram o Grupo a utilizar o recurso de convidar encenadores externos a dirigirem suas obras; descrever os procedimentos de criação presentes nos processos analisados; e verificar as principais consequências dessas associações para o Grupo, sobretudo a respeito dos possíveis aspectos artísticos, formativos e de manutenção advindos dessas relações / Abstract: This dissertation is composed by the analysis of the creative processes of three works from Grupo de Teatro Clowns de Shakespeare, based in Natal/RN - Brazil - namely, O capitão e a sereia (2009), directed by Fernando Yamamoto, artistic director of the group; Sua incelença, Ricardo III (2010), directed by Gabriel Villela; and Hamlet: um relato dramático medieval (2013), directed by Marcio Aurelio. The main analytical focus is the relation between the group and the directors of each of these works, since that in two of them the staging was in charge of directors that don't belong to the group. Based on the theatrical context in which the group is inserted and the group's historical in what concerns its collaboration with guest artists, we aim to understand the motivations that led the group to invite guest directors to stage its works; describe the creative procedures of the analyzed processes and check what were, for the group, the main consequences of these associations, especially concerning the possible artistic, pedagogical and maintenance aspects arising from these relations / Mestre

Orientadora: Suely Master / Banca: Alexandre Luiz Mate / Banca: Thomas Willlian Helesgrove / Resumo: Por intermédio desta pesquisa pretende-se apresentar e fazer refletir, a partir dos resultados obtidos por meio de um processo pedagógico desenvolvido com estudantes do curso de Licenciatura em Arte - Teatro do Instituto de Artes da UNESP. O objetivo da reflexão e pesquisa desenvolvidas nessa pesquisa consiste em estudar a relação entre a estimulação das habilidades do processamento auditivo e a percepção auditiva da própria fala. Sendo assim, buscou-se verificar, ao estimularmos as habilidades do processamento auditivo e de processos correlatos, se modificamos a percepção auditiva a respeito dos recursos expressivos utilizados durante a gravação de uma leitura dramática, realizada por cinco estudantes de Teatro. Para complementar o conjunto de dados a serem analisados, incluímos as respostas de um questionário, a respeito do comportamento auditivo e de seus correlatos, aplicado no início e reaplicado seis meses após o término da pesquisa. Também contamos com informações relacionadas à elaboração da proposta expressiva para a leitura dramática. Os resultados indicaram uma pluralidade de respostas entre as (os) estudantes, o que nos permitiu refletir a respeito do processo pedagógico de cada uma (um), a partir de diversas relações comparativas. Apesar das (os) estudantes terem mobilizado para a leitura dramática diversos recursos expressivos relacionados à emoção e à intenção, poucas (os) os reconheceram auditivamente na gravação feita no início do processo. A partir de resultados, foi possível relacionar o proposto para a leitura dramática com o que foi percebido nas duas análises perceptivo-auditivas feitas pelas (os) estudantes, uma no início e outra no final da pesquisa. De modo que nos permitiu inferir conclusões propositivas, dentre as quais, destacamos o reconhecimento do quanto integrar a ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The present research aims to present and reflect from the results obtained through a pedagogical process developed with students of Arts and Drama degree of the Arts Institute of UNESP. The goal of the study consists of the relation between the hearing process abilities stimulation and the auditory perception of the own speech. This way, it will be verified if as long as the hearing process abilities and related processes are stimulated the auditory perception is modified concerning the significant resources used during a dramatic reading recording made by five drama students. In order to complement the data set to be analyzed, survey answers about the hearing behavior and related ones were included and applied at the beginning of the research and other ones six months after the end of the research as well as information related to significant proposal elaboration to a dramatic reading. The students were analyzed individually and the results indicated the plurality of answers among them which allowed us to reflect on the pedagogical process of each one from several comparative relations. Although the students have proposed to the dramatic reading many significant resources related to their emotion and to their intention, only few recognized, aurally, during the recording made at the beginning of this research. Based on results like this one, it was possible to relate what was proposed to the dramatic reading to what was understood in both auditory perceptive analysis made at the beginning and at the end of the research by the students. So, it allowed us to infer proposal conclusions which we would like to emphasize the recognition of how much we integrate the action of making oral sounds to the action of feeling something could be relevant to actresses and actors in order to make them more aware of increasing the consistence of auditory ... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

O tema do trabalho diz respeito ao processo de formação de espectadores. A partir das noções de experiência e hábito contempladas nas teorias de Jorge Larrosa e Virgínia Kastrup, respectivamente, partese do princípio de que o prazer estético advém do próprio experimentar, assim o hábito de ser espectador passa a ser construído, portanto, habitável. Os sujeitos da pesquisa são 20 alunos de 6° série do Ensino Fundamental da Rede Estadual de Porto Alegre, que tiveram acesso a peças teatrais ao longo de uma experiência continuada. O objetivo é discernir princípios fundamentais para a construção do gosto estético na prática do “tornar-se” espectador. Busca-se verificar quais resultados essa experiência traz para os estudantes e como pode contribuir para a transformação dos seus horizontes estéticos. / The work’s theme relates to spectator’s formation. It starts at the notions of experience and habit, contemplated in Jorge Larrosa and Virginia Kastrup theories, respectively, beginning in the principle the aesthetic pleasure comes from their own experience, so the habit of being a spectator will be built, thus habitable. The research’s subjects were 20 students of 6th grade of elementary school of the State Network of Porto Alegre, who had access to plays along a continuous experience. The aim is to discern the fundamental principles for the construction of aesthetic taste in the practice of "becoming" spectator. Research results verify this experience brings to students and how it can contribute to the transformation of their aesthetic horizons.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014. / Submitted by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2014-10-24T17:37:39Z No. of bitstreams: 1 2014_MarthaLemosdeMoraes.pdf: 2150542 bytes, checksum: 160f4642b53690de42dcc0747f205835 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2014-10-29T15:52:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_MarthaLemosdeMoraes.pdf: 2150542 bytes, checksum: 160f4642b53690de42dcc0747f205835 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-10-29T15:52:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_MarthaLemosdeMoraes.pdf: 2150542 bytes, checksum: 160f4642b53690de42dcc0747f205835 (MD5) / Esta pesquisa investiga sobre a recepção teatral na perspectiva do gestor cultural, a partir de análises e intervenções nas ações culturais propostas pelo programa educativo “SESC Arte-educação: transformando plateias”, realizado no Teatro SESC Paulo Autran em Taguatinga-DF, com estudantes jovens e adultos. Pretende provocar o saber-sensível dos espectadores escolares pela experiência estética e busca como objetivo geral ampliar o acesso físico e linguístico dos espectadores às diversas manifestações teatrais, contribuindo para a formação de espectadores frequentadores e fruidores. Como objetivos específicos visa compreender os fenômenos da recepção teatral; diagnosticar as problemáticas estruturais e conceituais presentes nas diferentes fases de desenvolvimento do programa analisado; interferir nas ações culturais realizadas, através de intervenções mediadoras entre espetáculo e espectador; reformular as ações culturais oferecidas pelo programa e articular novas parcerias para a efetivação de um trabalho colaborativo. Assim, norteia-se pelas perguntas: como formar espectadores a partir de um programa educativo em teatro que atue para além da facilitação de acesso físico do espectador à obra? Como contribuir para que ocorra a experiência estética do estudante jovem e adulto na recepção teatral? Este estudo estabelece um diálogo interdisciplinar entre autores como Flávio Desgranges, Jacques Rancière, Maria Lúcia Pupo, Beatriz Medeiros, Michel Maffesoli, Teixeira Coelho, Paulo Freire, Merleau-Ponty, John Dewey, Larrosa Bondia e outros, transitando pelos campos da arte, da educação, da filosofia, da política, da comunicação e da antropologia, a fim de compreender as lacunas entre a produção e a recepção. Reflete sobre a relação entre sujeito-obra de arte, a experiência e os efeitos nos espectadores em diferentes estéticas teatrais. Discute sobre o sujeito contemporâneo e a sociedade, na busca por compreender o espectador de teatro na atualidade. Por se tratar de uma pesquisa-ação, descreve, analisa e reformula as vivências promovidas por este programa no período de abril de 2012 a abril de 2013. Envolveu os participantes por meio de observação, entrevistas semiestruturadas individuais e coletivas, diário de itinerância, registros audiovisuais, questionários e análise de conteúdo. Os resultados demonstram que a articulação entre as diversas ações culturais educativas (incluindo o fazer teatral) e em especial a mediação teatral pré e pós-espetáculos contribuem para a formação de espectadores emancipados, disponíveis para a experiência estética, para o saber-sensível, capazes de interpretar, criticamente, as estéticas da vida e do cotidiano. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aims to investigate the theatrical reception under the cultural manager perspective, given analysis and interventions in cultural actions proposed by the educational program “SESC Arte-educação: transformando plateias”, performed in the SESC Theater Paulo Autran with young students and adults, in Taguatinga, Brazil. The research intends to provoke the sensible-learning of learning spectators using aesthetic experience. It also seek, within general goal, to expand the audience linguistically and physically access several theatrical manifestations. Then, it seeks to contribute to the audience training. In this research the specific goals aim to understand: the theatrical reception phenomenon; to identify structural and conceptual problematic presented in different development levels of the analyzed education program; to interfere in the cultural actions realized, through mediator interventions between spectacle and spectator; to reformulate the cultural actions offered by educational program and to articulate new partnerships in order to promote collaborative work. Then, it is based in the following questions: how to educate spectators from this educational program that performs beyond the act of making easier to audience to physically access the work?, and how to contribute in order to aesthetic experience of young or adult students to theatrical aesthetic occur? This study establishes an interdisciplinary dialog between authors, such as Flávio Desgranges, Jacques Rancière, Maria Lúcia Pupo, Beatriz Medeiros, Michel Maffesoli, Teixeira Coelho, Paulo Freire, Merleau-Ponty, John Dewey, Larrosa Bondia and other. It also puts in contact different areas, such as Arts, Education, Philosophy, Politics, Communication, and Anthropology in order to understand gaps between production and reception. This research reflects about relation between individual-work-of-Art, the experience and its effects on spectators in different theatrical aesthetics. Moreover, this research discusses about the contemporaneous individual and the society, in the aim of understands the lately theater spectator. In addition to it, this research describes analyses and reformulates the promoted by this theater educational program from April 2012 to April 2013. It evolved the participants through observation, individual and collective interviews semi-structured, journal of experience, audiovisual registers, forms and content subject. The results have shown that the link between several cultural education actions (including the theatrical act) and especially the theatrical mediation pre and post spectaculars contribute to learning of spectators emancipated, available to aesthetic experience, to sensible-learning, able to critically interpret aesthetics of life, and routine.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2011. / Submitted by Washington da Silva Chagas (washington@bce.unb.br) on 2012-02-09T23:02:26Z No. of bitstreams: 1 2011_SanantanaPaivaVicencio.pdf: 3313193 bytes, checksum: 613fc944058e50273959077da8f3ef86 (MD5) / Approved for entry into archive by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br) on 2012-02-16T11:18:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_SanantanaPaivaVicencio.pdf: 3313193 bytes, checksum: 613fc944058e50273959077da8f3ef86 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-02-16T11:18:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_SanantanaPaivaVicencio.pdf: 3313193 bytes, checksum: 613fc944058e50273959077da8f3ef86 (MD5) / Neste trabalho busca-se levantar estímulos, qualidades e um referencial técnico-teórico a partir do estudo e da prática do Gong Fu, visando aprimorar e auxiliar o trabalho do ator, tanto em seu treinamento pessoal quanto na criação de cenas. Partindo da análise do discurso de Jerzy Grotowski e Eugenio Barba, e de seus diálogos com as produções artísticas ditas orientais, pretende-se sugerir esta arte marcial como mais uma ferramenta a ser utilizada na formação do ator. Sua peculiaridade está na concepção holística do ser humano, que se confirma na proposição de um treinamento com qigong e elementos da filosofia Taoísta, como o yin e yang, e chega até a aquisição de um novo vocabulário de movimentos. Acredita-se que, desta forma, esta técnica corporal possa colaborar na desconstrução dos padrões corporais pessoais e no desenvolvimento da criatividade dos artistas. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work seeks to raise up stimuli, qualities and a technical-theoretical reference based on the study and practice of Gong Fu, aiming to improve and assist the actor’s work in his individual training as well as in play composition. Starting from the analysis of Jerzy Grotowski and Eugenio Barba’s speech, and their dialogue with the so said oriental artistic productions, it is intended to suggest this martial art as an additional tool in actor training. Its singularity lies in the holistic conception of the human being, which is confirmed in the proposition of training with qigong and elements of the Taoist philosophy, and gets to the gain of a new movement vocabulary. It is believed that, by those means, this corporal technique may aid in the individual body pattern deconstruction and in the development of creativity.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-08-21T13:38:13Z No. of bitstreams: 1 2013_AmandaAguiarAyres.PDF: 2044280 bytes, checksum: e544419c119fb52a78569e36de59ad8d (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-08-21T15:55:45Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AmandaAguiarAyres.PDF: 2044280 bytes, checksum: e544419c119fb52a78569e36de59ad8d (MD5) / Made available in DSpace on 2013-08-21T15:55:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AmandaAguiarAyres.PDF: 2044280 bytes, checksum: e544419c119fb52a78569e36de59ad8d (MD5) / O estudo apresentado teve por objetivo o desenvolvimento e a análise de práticas artísticas realizadas através da mediação tecnológica com enfoque na utilização da telepresença. A pesquisa contemplou três experimentos didático-pedagógicos desenvolvidos com professores de teatro em formação. Os processos viabilizaram três propostas práticas diferenciadas com o uso da telepresença que, entre outros aspectos, permitiram em seu contexto amplo a interação entre atores em qualidades de presença diferenciadas (presentes fisicamente e telepresentes), a recepção de diferentes espectadores (presentes fisicamente e internautas) e a ampliação espacial das obras de modo a considerar a relação entre humanos e máquinas em processos composicionais interconectados. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The objective of this research is to analyze the development and artistic practices implemented via technological mediation with a focus in telepresence. The research included three didactic-pedagogical experiments developed with theater teachers while in the process of teacher education. These processes made possible the development of three practices using telepresence which allowed the interaction among actors in the modality of physical presence and telepresence. These practices amplified the notion of space allowing to consider the relation humans and machines in creative and interconnected processes.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-10-24T14:36:15Z No. of bitstreams: 1 2013_AlissonAraujoAlmeida.pdf: 2777946 bytes, checksum: 828a7f5843cd183c3561e8acb0b263d1 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-10-30T11:07:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_AlissonAraujoAlmeida.pdf: 2777946 bytes, checksum: 828a7f5843cd183c3561e8acb0b263d1 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-10-30T11:07:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_AlissonAraujoAlmeida.pdf: 2777946 bytes, checksum: 828a7f5843cd183c3561e8acb0b263d1 (MD5) / O presente estudo contempla a farsa, o grotesco e a paródia, que são gêneros que dialogam com a linguagem teatral da máscara na sua estrutura mais abrangente. Através da máscara e por meio das estratégias físicas, o intérprete pode compor um texto de representação, não apenas por meio da perspectiva individual de sua personagem, mas por meio da rede de interações que sua personagem realiza no momento de sua performance no espaço cênico, construindo assim uma intertessitura de ações, ou seja, um texto de representação. Neste treinamento percebi as possibilidades de escritas que se apresentam, chegando a compreender que as estratégias podem compor texto de representação por meio de improvisações com máscara, ou gerando vocabulário físico que pode ser reapropriado em outras situações cênicas. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This study contemplates the farce, the grotesque and the parody which are genres that establish dialogue with the theatrical language of the mask in its more comprehensive structure. With the use of the mask and through physical strategies the actor can compose a performance text, not only within the individual perspective of his character, but by means of the network of interactions that his character realizes while he acts in the theatrical space, constructing an intertessitura of actions, namely, a performance text. In this training I realized the compositional possibilities that revealed themselves, coming to understand that these strategies can be used to compose a performance text by means of improvisations with mask or generating physical vocabulary that can be reappropriated in other theatrical situations.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2014-04-17T15:24:12Z No. of bitstreams: 1 2013_SulianVieiraPacheco.pdf: 3972748 bytes, checksum: 37fbf94e726f8ae4c4214afde755961a (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-04-17T15:40:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_SulianVieiraPacheco.pdf: 3972748 bytes, checksum: 37fbf94e726f8ae4c4214afde755961a (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-17T15:40:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_SulianVieiraPacheco.pdf: 3972748 bytes, checksum: 37fbf94e726f8ae4c4214afde755961a (MD5) / Esta tese propõe revisar a persistente formulação crítica, datada do início do século XX, que reconhece a existência de incompatibilidade entre o texto teatral e a encenação e aprofunda certa ruptura entre a voz, a palavra e a cena. Também propomos resgatar, a partir da própria tradição teatral ocidental, a proposta do ator, diretor e professor Michel Saint-Denis como potente referência para a redimensão de tal formulação, uma vez que o diretor considera o texto teatral a partir de sua materialidade e, baseando-se na noção de estilo como um espaço de negociação entre o texto teatral e a sua atualização, formula propostas de formação de atores na qual considera a palavra em cena em sua dimensão performática. O método cartográfico proposto a partir da pragmática dos teóricos do desejo Gilles Deleuze e Félix Guattari, os quais compreendem a esfera estética como uma prática política, permitiu que nos posicionássemos a partir de nossas experiências estéticas e pedagógicas, como estudante e como professora. O modo indisciplinar de tal proposta, nos motivou a reconhecer as dimensões de produção, reprodução e representação, propostas por Silvia Davini para a análise de objetos artísticos, como um modo eficaz de observar o texto teatral e a cena a fim de evidenciarmos as singularidades das relações entre ambos, considerando suas diferenças e potencialidades. A partir da necessidade de tematização de questões centrais para a nossa pesquisa como o texto teatral, a encenação teatral, a voz, a palavra, a letra, a forma, a produção de estilo e a formação de atores, considerando-as a partir de suas contingências e de seus agenciamentos, optamos por proceder a Análises de Discurso de textos específicos de autores como Friedrich Hegel, Antonin Artaud, Theodor Adorno e Michel Saint-Denis, a fim de avaliarmos suas perspectivas sobre as questões supracitadas. Com o objetivo de observarmos a mesma questão de uma perspectiva estética, realizamos a Análise Comparada de duas versões baseadas no texto teatral O Marinheiro de Fernando Pessoa, nas quais tivemos participação efetiva como atriz, diretora e produtora. As versões de 2000 e de 2010, intituladas respectivamente, O Marinheiro e O Naufrágio, basearam-se em pressupostos conceituais e metodológicos diferentes. Tal comparação viabilizou a verificação das diferentes articulações do texto teatral e da encenação e demais fatores que incidem nesta relação, que resultam na produção de estilo. A revisão de aspectos conceituais em ambas as perspectivas sobre a encenação e o texto nos permitiu identificar a importância de propostas críticas e metodológicas mais inclusivas e menos reativas para a análise e para práticas pedagógicas e estéticas que abrangem as relações entre o texto teatral e a encenação. Quando a linguagem da encenação teatral e o texto teatral são reconhecidos a partir do potencial material de suas relações, podemos considerar as suas diferenças, respectivamente, enquanto performance cênica e representação gráfica de proposta para a cena, e propor abordagens metodológicas no contexto da formação de atores e da produção teatral que possibilitem uma relação produtiva entre tais dimensões, valorizando a multiplicidade comunicativa da linguagem da cena. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This thesis proposes to review the continuing critical formulation, dating from the early twentieth century, which recognizes the existence of a conflict between the text and the theatrical staging and deepens a certain break between the voice, the word and the scene. It also proposes to release, from the Western theatrical tradition itself, the proposal of the actor, director and professor Michel Saint-Denis as a powerful reference for the resizing of such a formulation, since the director considers the theatrical text from its materiality and, based on the notion of style as a space of negotiation between the theatrical text and its activation, formulates proposals for actors training on which considers the word on the scene in its performative dimension. The cartographic method proposed from the pragmatics of the desire theorists Gilles Deleuze and Félix Guattari, who understand the aesthetic sphere as a political practice, allowed us to positioning from our aesthetic and educational experiences as a student and teacher. The indisciplinary way of such a proposal, motivated us to recognize the dimensions of production, reproduction and representation, proposed by Silvia Davini for the analysis of art objects, as an effective way to observe the theatrical text and the scene in order to highlight the singularities of the relationship between them, considering their differences and potentials. From the need to thematize central issues to our research as the theatrical text, theatrical staging, voice, word, letter, shape, style production of actors training, considering them from their contingencies and their assemblages, we chose to carry out discourse analyzes of specific texts from authors such as Friedrich Hegel, Antonin Artaud, Theodor Adorno and Michel Saint-Denis, in order to evaluate their perspectives on the above issues. In order to observe the same question from an aesthetic perspective, we conducted a comparative analysis of two versions based on the theatrical text The Sailor by Fernando Pessoa, in which we had effective participation as an actress, director and producer. The 2000 and 2010 versions, respectively entitled, The Sailor and The Wreck, were based on different conceptual and methodological assumptions. This comparison allowed the verification of the different articulations between the theatrical text and the staging and other factors that affect this relationship, resulting in the style production. The conceptual issues review in both perspectives on the staging and text allowed us to identify the importance of critical and methodological proposes more inclusive and less reactive to the analysis and the pedagogical and aesthetic practices that encompass the relationship between text and theatrical staging. When the theatrical staging language and theatrical text are recognized from its relationships’ material potential, we can consider their differences, respectively, while scenic performance and graphical representation from a scene proposal, and suggest methodological approaches in actors training and theatrical production that enable a productive relationship between these dimensions, highlighting the communicative the multiplicity of the scene language.