Submitted by Andressa Lima (andressa@uepb.edu.br) on 2016-09-09T18:14:43Z No. of bitstreams: 1 PDF - Danielle Lima Ribeiro.pdf: 3913621 bytes, checksum: d1a3ad39c6f8182aeea09cb85238a264 (MD5) / Approved for entry into archive by Irenilda Medeiros (nildamedeiros@uepb.edu.br) on 2016-09-16T13:00:50Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PDF - Danielle Lima Ribeiro.pdf: 3913621 bytes, checksum: d1a3ad39c6f8182aeea09cb85238a264 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-16T13:00:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Danielle Lima Ribeiro.pdf: 3913621 bytes, checksum: d1a3ad39c6f8182aeea09cb85238a264 (MD5) Previous issue date: 2011-04-29 / Tarsila is a theatrical-biography, in which the text is confined in an area of crisis of the traditional dramatic form, due to the contradiction between theme and content observed, precisely, in the impossibility of this modernist painter‟s biography to be conveyed into pure drama, pouring in dialogue, with a concentration of time, space and action, because of the actual extent of the topic. This impossibility led Maria Adelaide Amaral to use other stylistic features, common to the modern drama tradition, as defined by Peter Szondi (2001), as possible resolutions for this crisis, since they allow a new conception of structure, language and technique, abandoning the framework of the Aristotelian drama, and constituting an epic narrative form, consequently non-Aristotelian, – understood from Gerd Borheim‟s point of view (1992), referring to Bertolt Brecht‟s epic theather –, which communicates with other media. Based on this premise, this study aims to examine, within a perspective of stylistic hybridization between the televisual and theatrical language, the configuration of the process of adapting the dramaturgical text to the modernist core in the television miniseries One Heart (2004), by the same author with co-author Alcides Nogueira. It aims at verifying the passage from one medium to the other, observing the relationship between drama and television, emphasizing the dialectics between narrative modes, using a comparative analysis and interpretation, which is based not on fidelity criteria but on the dialogue built between both works, namely narration and display, understood in the light of narratology, from Linda Hutcheon (2006) and Seymour Chatmann (1978, 1980, 1993). It is, thus, observed that the hesitation between mimesis and diegesis present in the play finds, on TV, the solution for the contradiction between theme and content, still present and formalized in the theatrical text, due to the inherent possibilities to this technique and aesthetics. / Tarsila é uma biografia-teatral, cujo texto está circunscrito numa área de crise da forma dramática tradicional, devido à contradição temático-conteudística verificada na impossibilidade, justamente, da biografia da pintora modernista – dada a própria extensão deste assunto – ser veiculada na forma do drama puro – vazada em diálogos, com concentração de tempo, espaço e ação –, levando Maria Adelaide Amaral a recorrer a outros recursos estilísticos, comuns à tradição do drama moderno, conforme definido por Peter Szondi (2001), como possibilidades de resolução desta mesma crise, uma vez que permitem uma nova concepção de estrutura, linguagem e técnica, saindo do âmbito da dramaturgia aristotélica, e constituindo uma forma épico-narrativa, portanto, não-aristotélica, – compreendida a partir do que aponta Gerd Borheim (1992), ao referir-se ao teatro épico de Bertolt Brecht –, que dialoga com outras mídias. Partindo-se desta premissa, este trabalho tem por finalidade analisar, dentro de uma perspectiva de hibridização estilística entre a linguagem dramatúrgica e a televisual, como se configura o processo de adaptação do texto dramatúrgico para o recorte do núcleo modernista presente na minissérie televisiva Um só coração (2004), de mesma autoria em co-parceria com Alcides Nogueira. Busca-se verificar, a partir de uma análise-interpretação comparatista, pautada não em critérios de fidelidade, mas no diálogo erigido entre as obras, a passagem de um meio para outro, observando a relação entre dramaturgia e teledramaturgia, com ênfase sobre a dialética entre os modos narrativos, a saber o narrar e o mostrar entendidos à luz da narratologia, a partir de Hutcheon (2006) e Chatmann (1978, 1980, 1993). Assim, observa-se como a hesitação entre mimese e diegese presente na peça encontra, na televisão, a solução da contradição temático-conteudística, ainda presente e formalizada no texto teatral, mediante às possibilidades inerentes à sua técnica e estética.

Aproximando conceitos como Teatro Documental (Erwin Psicator), Biodrama (Vivi Tellas), autoficção (Serge Doubrovsky) e espetáculos contemporâneos previamente selecionados por suas proximidades discursivas, a pesquisa investiga práticas que tratama memória como agenciadora de criações teatrais. O interesse principal da investigação é refletir como esta memórias e torna uma possibilidade virtual para a problematização e potencialização do "real" na cena, criando mecanismos de composição espetaculares, que aqui se define como Biopoéticas Teatrais. Este processo mnemônico é problematizado neste trabalho tal qual catalisador da cena, inserindo-se em esferas de caráter pessoal, em atos de exposição, pela experiência do revelar-se a si e ao outro em cena. Assim, procura-se evidenciar uma cena que transite entre o individual e o coletivo, criando uma manutenção própria de organização. Busca-se ainda identificar aportes da prática desta construção que se utiliza de si para criação cênica, evidenciando o confronto entre autor e cena, real e ficcional. Para tanto, serão enfocadas as estratégias de criação de três espetáculos: Luís Antônio-Gabriela (direção de Nelson Baskerville), Natalício Cavalo (direção de Patrícia Fagundes) e Br-Trans (criação de Silvero Pereira), que nascem a partir da memória, de relatos, fotografias, vontades, fracassos, etc, para compreender e levantar potencialidades que possibilitem reflexões cênicas, práticas sobre a multiplicidade da vida posta no palco, potencializando produções singulares no teatro. / Approaching concepts such as Documentary Theatre (Erwin Psicator), Biodrama (ViviTellas), autofiction (Serge Doubrovsky) and contemporary shows previously selected by their proximity discursive, this research investigates practices that treat memory as a mediator theatrical creations. The main interest of this research is to understand how this memory becomes a virtual possibility for questioning and enhancement of "real" in the scene, creating spectacular composition mechanisms that here is defined as BioPoetic Theater. This mnemonic process is questioned in this work just like catalyst scene by entering into personal spheres, in acts of exposure, the experience prove to themselves and to each other on stage. So, we try to highlight a scene that transit between the individual and the collective, creating its own maintenance organization. It also seeks to identify practical contributions of this construction that uses itself to scenic creation, highlighting the confrontation between author and scene, real and fictional. Therefore, strategies for creating three shows will be analyzed: Luis Antonio - Gabriela (directed by Nelson Baskerville), Natalício Horse (directed by Patricia Fagundes) and Br -Trans (creating Silvero Pereira), born from memory, reports, photographs, wills, failures, etc., to understand and lift capabilities that enable scenic reflections, practices on the multiplicity of life put on stage, leveraging unique productions at the theater.

O tema do trabalho diz respeito ao processo de formação de espectadores. A partir das noções de experiência e hábito contempladas nas teorias de Jorge Larrosa e Virgínia Kastrup, respectivamente, partese do princípio de que o prazer estético advém do próprio experimentar, assim o hábito de ser espectador passa a ser construído, portanto, habitável. Os sujeitos da pesquisa são 20 alunos de 6° série do Ensino Fundamental da Rede Estadual de Porto Alegre, que tiveram acesso a peças teatrais ao longo de uma experiência continuada. O objetivo é discernir princípios fundamentais para a construção do gosto estético na prática do “tornar-se” espectador. Busca-se verificar quais resultados essa experiência traz para os estudantes e como pode contribuir para a transformação dos seus horizontes estéticos. / The work’s theme relates to spectator’s formation. It starts at the notions of experience and habit, contemplated in Jorge Larrosa and Virginia Kastrup theories, respectively, beginning in the principle the aesthetic pleasure comes from their own experience, so the habit of being a spectator will be built, thus habitable. The research’s subjects were 20 students of 6th grade of elementary school of the State Network of Porto Alegre, who had access to plays along a continuous experience. The aim is to discern the fundamental principles for the construction of aesthetic taste in the practice of "becoming" spectator. Research results verify this experience brings to students and how it can contribute to the transformation of their aesthetic horizons.

Made available in DSpace on 2014-06-12T15:07:56Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo1616_1.pdf: 1862073 bytes, checksum: c16d66306a3a4edd7e2b9cf79a9796ae (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2004 / Este estudo tem como objetivo central analisar de que modo a transformação dos determinantes técnicos e institucionais da Sociedade Teatral de Fazenda Nova - STFN, em cada período marcante de sua história, influenciou no espetáculo da Paixão de Cristo de Nova Jerusalém. A partir da noção de campo desenvolvida na teoria institucional, este trabalho analisa a trajetória da organização desde antes da sua formalização (1951), até 2004, enfocando os papéis de diversos empreendedores e atores organizacionais que mantiveram relações significativas ou influenciaram de alguma forma a organização. Foi possível destacar organizações do poder público, nas esferas Federal e Estadual, organizações do campo do teatro e do turismo de Pernambuco e empresas privadas que apóiam ou patrocinam o espetáculo em troca de visibilidade. Trata-se de um estudo de caso analisado qualitativamente que busca, através de pesquisa bibliográfica, observação direta e entrevistas semi-estruturadas em profundidade, compor as transformações ocorridas no ambiente organizacional da STFN e em seus aspectos internos. Os resultados evidenciam transformações ocorridas quanto às formas de financiamento, à origem do público, à infra-estrutura do evento, ao formato do espetáculo, à natureza e número de atores organizacionais, às formas de publicidades e às relações interorganizacionais dentro do campo, caracterizando alterações no contexto de referência do espetáculo que deixou assim, de ser restrito à localidade onde está inserido, passando a referenciar aspectos compartilhados em um contexto mais amplo

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T15:10:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lazzaratto_MarceloRamos_M.pdf: 1626630 bytes, checksum: 79c0a5f261e6575f5c51c2444ba8b760 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Por acreditar que a Improvisação é o grande meio para que o ator se desenvolva e encontre espaço verdadeiro para ao mesmo tempo gerar e jorrar sua criatividade, essa dissertação visa revelar a sistematização de um exercício improvisacional de teatro chamado Campo de Visão. Essa sistematização foi criada durante o processo de criação do espetáculo "A hora em que não sabíamos nada uns dos outros" de Peter Handke que foi montado pela Companhia Elevador de Teatro Panorâmico com direção de Marcelo Lazzaratto, autor desta dissertação. Esse processo revelou que o Campo de Visão além de ser um exercício instrumentalizador para os atores na construção de personagens e grande ferramenta para geração de sintonia e harmonização do coletivo, poderia se estabelecer como linguagem cênica. A segunda parte dessa dissertação trata desse desdobramento. O Campo de Visão engendrando tudo o que acontece na cena a partir de suas regras e formulações. O espetáculo em que tal processo foi desenvolvido traz o nome de "Amor de Improviso", também montado pela Companhia Elevador de Teatro Panorâmico sob a mesma direção. Espetáculo totalmente improvisado que contém como único alicerce estruturador, as regras do Campo de Visão com suas variações e desdobramentos que aqui são demonstrados. / Abstract: Believing that Improvisation is the great expedient for the actor to expand and find a place where he can simultaneously engender and gush his creativity, this dissertation aims at the systemization of a theater improvisation exercise called "Campo de Visão". This systemization was created throughout the rehearsals of "A hora em que não sabíamos nada uns dos outros", a play written by Peter Handke that was brought up to the scene by Companhia Elevador de Teatro Panorâmico, directed by Marcelo Lazzaratto, author of this dissertation. The whole process of rehearsals revealed that "Campo de Visão", besides being an exercise to give means to the actors to build a character and a great way to establish syntony and harmonization in the group, it might be used as a theatrical language. The second part of this dissertation is about this development: "Campo de Visão" engineering everything that happens in the scene from its rules and formulations. The play in which this language was developed is named "Amor de Improviso", also brought up by Companhia Elevador de Teatro Panorâmico, and directed by the same director. This play is entirely made with improvisations and has one only structure foundation, the rules of Campo de Visão, with its variations and its consequences that are demonstrated here in this dissertation. / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Sara Pereira Lopes / Anexo 1 DVD-R: Curta-metragem Talita, Registro da partitura de ações da Clarissa: Exercicio n.2 / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-13T19:27:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ribas_MarianeMagno_D.pdf: 1815540 bytes, checksum: 7cb392739ddb202e7828dfe5c96606ef (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: O texto que se constitui a seguir é uma extração dos processos empíricos com a imaginação do ator, trabalhada como ordenadora da presença cênica - ator e espaço . O trabalho desenvolvido e observado, em laboratório, teve como foco o processo criativo do ator; a partir do trabalho com as imagens apresentadas, atingir aquelas que emergem como conteúdo do agir e como meio de organização do tempo e do espaço, e ainda, como procedimento eficaz para que o ator possa evocar o seu próprio dizer. A partir destas formas de experimentação, aquilo que se configura como corpoator foi resultante do processo de preparação denominado nãoator - preparações específicas que criaram sustentáculos e ampliaram a consciência do ator sobre o corpoator e sobre seu ofício ; resultando da experiência um outro olhar denominado nãodireção / Abstract: This text is an extract of empirical processes with the imagination of the actor worked as orderer of the theatrical presence - actor and space. The work developed and observed, in laboratorial, had as a focus the creative process of the actor; departing from the work with the images presented, touch those that emerge as content of the action and as a means of organizing time and space, and also, as a effective procedure that allows the actor to evoke his own saying. Departing from these forms of experimentation, that which builds up as bodyactor resulted from a preparing process named nonactor - specific preparations that created a sustaining and broadened the conscience of the actor towards his bodyactor and over his office ; which resulted in another view named nondirection / Doutorado / Doutor em Artes

Orientador: Eusebio Lobo da Silva / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-08T08:44:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Leite_MarthaDiasdaCruz_M.pdf: 609066 bytes, checksum: dabc4f206c0914c56351fe376dfda8de (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Este presente trabalho tem como objetivo realizar uma série de reflexões sobre o fenômeno da presença de ¿vida¿ na representação do ator. Como ponto inicial para esta tão complexa discussão, partimos de um estudo do conceito de Centelha da Vida (termo metafórico criado pelo diretor inglês Peter Brook para falar sobre a ¿vida¿ que emana de uma cena e a torna interessante e envolvente para quem a assiste) e ampliamos, postumamente, a discussão para outros autores como: Stanislavsky, Grotowski e Burnier. Para tanto, adotamos o pressuposto do ator como uma corporeidade que se relaciona com outras corporeidades (que no caso seriam os demais atores e o público) utilizando como suporte as teorias de Merleau-Ponty e os estudos de Antônio Damásio sobre corpo e mente. Como forma de investigação, propomos duas frentes de laboratórios práticos de criação: a pesquisa com a linguagem de sinais aplicada à cena e uma observação e análise do processo de criação da peça ¿Intersecções: peças curtas de Harold Pinter¿. O intuito de tais laboratórios foi efetuar uma investigação sobre a questão da organicidade da representação do ator, aproveitando a semelhança entre as essências dos conceitos de Centelha da Vida, verdade teatral e organicidade / Abstract: This work aims to carry out a series of reflections on the phenomenon of the presence of ¿life¿ during the actor¿s performance. As a starting point for such a complex discussion, we consider the study of the concept Spark of Life (a metaphorical term minted by English director Peter Brook to describe the ¿life¿ which emanates from a scene making it interesting and involving for the audience) further extending the discussion to other authors such as: Stanislavsky, Grotowski, and Burnier. In order to accomplish our objective, we have adopted the presupposition of the actor as a corporality who interacts with other corporalitys (being them other actors and the audience) using as theoretical support Merleau-Ponty¿s theory and Antônio Damásio¿s studies about body and mind. As an investigative method we have proposed two different practical creation laboratories: the research on sign language applied to the scene, and the observation and analysis of the creation process of the play ¿Intersections: Harold Pinter¿s short plays¿. The objective behind those laboratories was to conduct an investigation into the actor¿s performance organicidade, taking advantage of the similarities in the essences of the concepts Spark of Life, theatrical truth and organicidade / Mestrado / Mestre em Artes

Submitted by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-12-20T13:27:45Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Adriana Caetano.pdf: 2081221 bytes, checksum: 1e1d1f2f25bbe1c348b9eadaf0742303 (MD5) / Approved for entry into archive by Divisão de Documentação/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2017-12-20T13:27:58Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Adriana Caetano.pdf: 2081221 bytes, checksum: 1e1d1f2f25bbe1c348b9eadaf0742303 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-20T13:27:58Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertação - Adriana Caetano.pdf: 2081221 bytes, checksum: 1e1d1f2f25bbe1c348b9eadaf0742303 (MD5) Previous issue date: 2017-10-06 / FAPEAM - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Amazonas / Theatrical activity, as a form of artistic expression, is a mode of relation between the individual and society. Like all human action it integrates the identity of the one who acts and impacts on their subjectivity. Artistic activities in general have become a focus for research in areas like Psychology, Education and Health, with regard for the potential for intervention they might have. The use of theatrical practice has taken place as an intervention predominantly as a therapeutic or educational/transformative strategy, especially for people with some type of vulnerability. Theatrical activity is one of the forms of art that privileges body language and speech, as well as the development of the imagination, consisting of an individual-to-individual and, individual-to-world, mediation and may be associated with processes that reduce vulnerability and strengthen resilience. In view of the vulnerabilities experienced by contemporary youth, it was questioned, in the light of Social-Historical Psychology, if theatrical activity would have the potential to promote resources that function as the transformers of the vulnerability framework and as promoters of youth resilience. The objectives of the present study were postulated as: To understand the experiences of a theatre group of adolescents / youth in the city of Manaus, as the potential promoter of transformations in the framework of vulnerability and the increase of resilience related to the artistic activities inherent in theatrical practice; to identify participants’ indicators of vulnerability; to identify indicative resources of the subjects’ resilience and to verify in which dimensions the theatrical activity is related to the modification of the vulnerabilities highlighted by the young people as being present in their daily lives. An exploratory qualitative study was carried out with 11 participants, between the ages of 16 and 21, from an amateur theatre group in the city of Manaus. The strategy for generating data was achieved by conducting theatrical game workshops, following the proposal of Viola Spolin, taking the theme of vulnerability, the theatre and its resources. The data was analysed using Grounded Theory. From the results, it was confirmed that theatrical activity has resources that enhance resilience and the ability to cope with adversity, mainly in the individual dimension (self-knowledge, learning to deal with one’s own emotional issues, developing creativity and reflexivity) and some affective-relational aspects (space for strengthening links, construction of new relational modes, and new ways of dealing with conflicts). However, performing in theatre in a social-cultural context that stigmatizes such practice and negatively labels its participants, constitutes an element that establishes new vulnerabilities. In conclusion, the potential of the activity strengthens resources to cope with adversities, including personal difficulties encountered in performing and being accepted and recognized through theatrical practice, and it can be a significant means of producing subjectivity and exercising citizenship. / A atividade teatral como uma das formas de expressão artística, é um modo de relação entre indivíduo e a sociedade. Como todo fazer humano integra a identidade de quem a executa e impacta na subjetividade. As atividades artísticas em geral têm se tornado alvo de interesse de pesquisas em áreas como a Psicologia, Educação e Saúde, no tocante ao potencial interventivo que estas podem possuir. A utilização da prática teatral tem se dado enquanto intervenção predominantemente como estratégia terapêutica ou educacional/transformadora em especial junto a pessoas com algum tipo de vulnerabilidade. A atividade teatral é uma das formas de arte que privilegia a linguagem corporal e falada, bem como o desenvolvimento da imaginação, consistindo em uma mediação indivíduo-individuo, indivíduo-mundo, podendo ser associada a processos redutores de vulnerabilidade e fortalecimento de resiliência. Face às vulnerabilidades vivenciadas pela juventude na contemporaneidade, problematizou-se, à luz da Psicologia Sócio-Histórica, se a atividade teatral teria potencial de promover recursos que funcionem como transformadores do quadro de vulnerabilidade e como promotores de resiliência junto a jovens. Postulou-se como objetivos do presente estudo: Conhecer a partir das vivências de um grupo de teatro de adolescentes/jovens da cidade de Manaus, o potencial promotor de transformações no quadro de vulnerabilidade e incremento de resiliência relacionadas às atividades artísticas inerentes à prática teatral; identificar indicadores de vulnerabilidade dos participantes; identificar os recursos indicadores de resiliência dos sujeitos e verificar em que dimensões a atividade teatral relaciona-se à modificação das vulnerabilidades apontadas pelos jovens como presentes em seu cotidiano. Foi feito um estudo exploratório de cunho qualitativo junto 11 participantes de um grupo teatral amador da cidade de Manaus, com idades entre 16 e 21. A estratégia de geração de dados se deu através da realização de oficinas de jogos teatrais segundo a proposta de Viola Spolin, tendo como temática a vulnerabilidade, o teatro e seus recursos. Os dados foram analisados segundo a Grounded Theory. Como resultados, verificou-se que a atividade teatral possui recursos que potencializam a resiliência e o enfrentamento das adversidades, sobretudo na dimensão individual (autoconhecimento, aprender a lidar com as próprias questões emocionais, desenvolvimento da criatividade, reflexividade) e alguns aspectos afetivo-relacionais (espaço para fortalecimento de vínculos, construção de novos modos relacionais e novos modos de lidar com conflitos). Todavia, fazer a atividade teatral em um contexto sócio-cultural que estigmatiza tal prática e rotula negativamente seus participantes, constitui um elemento que instaura novas vulnerabilidades. Conclui-se que o potencial da atividade fortalece recursos de enfrentamento das adversidades, inclusive relativo às próprias dificuldades que encontram em realizar e ser aceitos e reconhecidos através de sua prática teatral, podendo ser meio significativo de produção subjetiva e de exercício da cidadania.

O presente estudo pretende expor e analisar as características do Kyogen, comédia clássica japonesa do século XIV, situando-a como uma referência, a ser considerada, na discussão do fazer teatral nos dias de hoje. Trata-se de um teatro codificado, regido por convenções teatrais consolidadas no período medieval japonês, mas que exibe aspectos de surpreendente universalidade e contemporaneidade, no tocante aos princípios que norteiam a arte do ator. Embora a expressão \"universo kyogen\" possa denotar um domínio fechado ou exclusivo, uma hipótese que surge é a possibilidade de traçar um lugar para o kyogen como uma forma criativa e recriada do \"nosso\" presente ocidental e brasileiro, estendendo-se os seus experimentos no âmbito da pedagogia teatral. / -

A presente pesquisa tem como objetivo descrever e analisar a experiência do uso de jogos teatrais, segundo o Fichário de Viola Spolin, no ensino de saúde mental através dos relatos de estudantes de licenciatura e bacharelado em enfermagem da EERP - USP, os quais cursaram a disciplina de Cuidado Integral em Saúde Mental II, no ano de 2010. As atividades desenvolvidas foram realizadas e descritas a partir de vivências individuais e coletivas em dois momentos: 1º. - Aplicação de jogos pra despertar a percepção individual através de exercícios de sensibilização; 2º. - Aplicação de jogos de interação para despertar processos de inter-relacionamento. O estudo foi norteado por uma abordagem qualitativa. A coleta dos dados foi realizada durante as atividades da disciplina através de um questionário semi-estruturado baseado nas fichas do Fichário, além do registro de observadores não-participantes. Foram construídas tabelas segundo as palavraschaves dos participantes, categorizadas e descritas para levantamento analítico. A análise da experiência articula o conhecimento teatral, saúde mental e o ensino para a formação do profissional enfermeiro. Os relatos foram analisados a partir dos sentidos das palavras, com a utilização de suporte teórico para embasar os conteúdos das mesmas. Os relatos dos participantes permitiram vislumbrar a potencialidade da intervenção dos jogos como complemento da formação do profissional, considerando o enfermeiro como um ser humano constituído por características físicas, psíquicas e sociais assim como os clientes aos quais presta seu cuidado. A prática da sensibilização individual e coletiva através dos jogos pode ajudar o aluno a se colocar no lugar do próprio corpo e na relação com o outro, estando atento a cada situação vivenciada no aqui-agora. / The present study aims to describe and analyze the experience of the use of theater games, according to the Viola Spolin Binder, in mental health education through the accounts of students and bachelor degree in nursing from EERP - USP, who attended the course Comprehensive Care in Mental Health II, in 2010. The activities were carried out and described from individual and collective experiences in two stages: 1. - Application of games to awaken the individual perception through awareness exercises, 2. - Application of interaction games in order to promote processes of interrelationship. The study was guided by a qualitative approach. Data collection was performed during the activities of the discipline through a semistructured questionnaire based on the binder sheets, and reports of non-participating observers. Tables were constructed according to the keywords of the participants, categorized and described for analytical survey. The analysis of the experience combines the theatrical knowledge, mental health and education for the training of the nurse professional. The reports were analyzed from the meanings of words, with the use of theoretical support to ground the contents thereof. The accounts of the participants provided valuable insights into the potential of the intervention of the games as a supplement to professional training, considering the nurse as a human being consisting of physical, psychological and social as well as customers which provides their care. The practice of individual and collective awareness through play can help the student to put himself in his own body and in relationship with others, being aware of each situation experienced in the here and now.