A pesquisa se propõe a investigar qual é o pensamento curatorial existente nos festivais de Artes Cênicas no Brasil. A intenção é delinear suas particularidades inerentes à área teatral e compreender a dinâmica da curadoria no país, dentro de um sistema de relações entre os campos de atuação dos modelos artístico e de gestão e também como processo criativo. Com o aumento efetivo do número de festivais no Brasil, fez-se necessária a apropriação do termo curador nas Artes Cênicas. Na prática, o curador é considerado o profissional voltado para a seleção dos espetáculos que integram a programação artística de um festival. O trabalho busca investigar de que maneira se estabelecem as relações entre o modelo artístico e o modelo de gestão, e como isso afeta o pensamento curatorial. Para isso, nos utilizamos da metodologia de pesquisa exploratória, levantando conceitos oriundos da curadoria contemporânea em Artes Visuais e também fazendo uso de fontes orais, mediante procedimentos da história oral. Dentro desse contexto, problematizamos a relação de interação entre o modelo de gestão e o modelo artístico, proposto pelo autor Lluís Bonet, e apresentamos características de uma programação artística, de acordo com o autor Bruno Maccari. Para entendermos como o pensamento curatorial se desenvolve e quais são os possíveis perfis de curadores existentes nos festivais brasileiros, analisamos a atuação de três diferentes curadores. Os profissionais são bastante representativos como curadores dentro da área teatral no contexto brasileiro: Luciano Alabarse, no comando do Porto Alegre Em Cena - Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, criador do Cena Contemporânea - Festival Internacional de Teatro de Brasília; e Antônio Araújo, idealizador da Mostra Internacional de Teatro de São Paulo – MITsp. Além desses curadores, outras fontes foram consultadas. / La investigación se propone averiguar cuál es la intención curatorial existente en los festivales de artes escénicas en Brasil. El propósito es definir las particularidades que son inherentes al área teatral y comprender la dinámica de curadoría en el país, dentro de un sistema de relaciones entre los campos de actuación del modelo artístico y del modelo de gestión, así como del proceso creativo. Con el aumento efectivo del número de festivales en Brasil, se hizo necesaria la apropiación del término curador en las artes escénicas. En la práctica, se considera curador al profesionista que se encarga de la selección de espectáculos que integran la programación artística de un festival. Este trabajo pretende investigar de qué manera se establecen relaciones entre el modelo artístico y el modelo de gestión y como eso afecta a la intención curatorial. Para eso fue utilizada la metodología de investigación exploratoria, tomando conceptos con origen en la curadoría contemporánea de las artes visuales y haciendo uso de fuentes orales por medio de procedimientos de historia oral. Dentro de ese contexto, se problematizó la relación de interacción entre el modelo de gestión y el modelo artístico propuesto por el autor Lluís Bonet y se introdujeron las características de una programación artística de acuerdo con lo propuesto por el autor Bruno Maccari. Buscando entender cómo se desarrolla la intención curatorial y cuáles son los posibles perfiles que existen entre los curadores de festivales brasileños, se analizó la actuación de tres de ellos, mismos que son reconocidos en el contexto brasileño por curadoría dentro del área teatral: Luciano Alabarse al frente de Porto Alegre Em Cena- Festival Internacional de Artes Cênicas; Guilherme Reis, creador de Cena Contemporânea - Festival internacional de Teatro de Brasília y Antônio Araújo, creador de la Mostra Internacional de Teatro de São Paulo - MITsp. Además de esos curadores, otras fuentes fueron consultadas.

De caráter empírico, a pesquisa buscou identificar alguns procedimentos cênicos pelos quais a modalidade teatral de rua pudesse reencontrar seu sentido de contestação política no contexto da contemporaneidade. Impulsionada por ideias de expoentes do teatro político do século XX como E. Piscator, B. Brecht, V. Meyerhold e A. Boal, bem como pelo pensamento de artistas brasileiros que hoje fazem a cena teatral de rua, a investigação teve por objetivo discutir a questão, aproximando os desafios de uma prática artística com o pensamento teórico. Desta maneira, ela se desenvolveu por meio do processo de criação do experimento teatral de rua intitulado “A Inauguração”, além do estudo das noções de “liminaridade”, a partir do pensamento de Ileana Diéguez, de “convívio teatral”, segundo Jorge Dubatti, e de “cerimônia”, conforme Jean Duvignaud, a fim de auxiliar na análise de sua repercussão. / De carácter empírico, la investigación trató de buscar algunos procedimientos escénicos por los cuales la modalidad teatral callejera podría redescobrir su sentido de contestación política en el contexto de la contemporaneidad. Impulsada por ideas de exponentes del teatro político del siglo XX como E. Piscator, B. Brecht, V. Meyerhold y A. Boal, así como por el pensamiento de artistas brasileños que hoy hacen la escena teatral callejera, la investigación tuvo por objetivo debatir el asunto, acercando los desafíos de una práctica artística con el pensamiento teórico. De esta manera, ella se desarrolló por medio del proceso de creación del experimento teatral de calle intitulado “A Inauguração”, además del estudio de las nociones de “liminalidad”, a partir del pensamiento de Ilena Diéguez, del “convivio teatral”, según Jorge Dubatti, y de “ceremonia”, conforme Jean Duvignaud, para ayudar en el análisis de su repercusión.

Este trabalho realiza uma analise estética da encenação Corinthians Meu amor. Segundo Brava Companhia. Uma Homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo, que tem como intuito compreender as influências do grupo homenageado e das movimentações políticas ocorridas ao longo da ditadura militar no Brasil, sobretudo nos anos 1970, sobre o trabalho da Brava Companhia. A pesquisa, que tem por base a dramaturgia original de Cesar Vieira, escrita em 1966, compara a primeira ao texto cênico proposto pela Brava Companhia, em 2011. Nosso objetivo foi tecer considerações e hipóteses acerca das transformações na cena teatral militante produzida junto às \"classes populares\" e aos trabalhadores ao longo dos últimos anos. Tendo como base a análise comparativa dos dois documentos dramatúrgicos, esta pesquisa buscou interpretar tais modificações estilísticas à luz de uma prática de teatro épico, bastante presente na cena teatral paulistana. / Corinthians, My love. According to Brava Company: Theater and militancy in the periphery of the city of São Paulo performs an aesthetic analysis of the play Corinthians, Meu Amor. Segundo Brava Companhia. Uma homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo (Corinthians, My love. According to Brava Company. A tribute to the group Teatro Popular União e Olho Vivo (TUOV)) which aims to understand the influences of the honored group and the political movements that took place during the military dictatorship in Brazil, especially in the 1970s, on the work of the Brava Company. The research, based on the o riginal dramaturgy written by Cesar Vieira, in 1966, compares the original text to the staging proposed by Brava in 2011. Our intention was to weave considerations and hypotheses about the transformations in the militant theatrical scene produced close to the \"popular classes\" and the worker class, over the last years. Based on the comparative analysis of the two dramaturgical documents, the research sought to interpret such stylistic changes in the practices of an epic theater based in Brecht\'s work, due to its great importance in the theatrical scene in São Paulo.

Hay preguntas que acompañan a lo largo de la vida y permiten todo tipo de referencias a momentos y a espacios diferentes en la historia. Me refiero, en este caso, a interrogantes sobre el sentido y las formas del teatro en la vida social: ¿Qué es el teatro? ¿Para qué sirve? ¿Quiénes lo hacen? ¿Qué significa actuar?

Esta dissertação tem por objetivo analisar a peça do dramaturgo britânico John Arden Serjeant Musgraves Dance (1959). Para tanto, empreende inicialmente uma contextualização da Grã-Bretanha do período pós-Segunda Guerra Mundial e, em seguida, acerca do teatro do período que ganhou novo fôlego, sobretudo a partir de 1956. Aborda também o teatro épico, que se consolidou em solo britânico na década de 1950. Por fim, situa brevemente a biografia do dramaturgo, destacando suas principais peças. Em um segundo momento, procede-se à análise da peça de John Arden, na qual são considerados seus principais aspectos e temáticas, como a questão da guerra, do messianismo e da possibilidade de ação política dos indivíduos. No terceiro capítulo, esta dissertação contrasta a peça de Arden com a obra de Bertolt Brecht Mãe Coragem e Seus Filhos (1939). A partir de um prisma comparativo, os temas e elementos formais das peças são analisados com vistas a apontar a potencialidade de reflexão política que o teatro épico brechtiano constituiu na cena teatral da Grã-Bretanha do pós-Guerra, no teatro de John Arden. / This work aims to analyse the play Serjeant Musgraves Dance (1959) by John Arden. To accomplish this, a contextualization of the post-Second World war period is made and subsequently a summary of the theatre in this period which established a new moment especially after 1956. The study also covers how the Epic Theatre was consolidated in Britain in the 1950s. Finally, a brief biography of the playwright is stated, highlighting his most important plays. In a second moment, an analysis of the play by John Arden considering its main formal and thematic aspects such as the war, messianism and the possibility of political agency by the individuals is presented. In the third chapter, the dissertation draws a contrast between Ardens play and the play Mother Courage and Her Children (1939) by Bertolt Brecht. From a comparative perspective, the political potential of Brechtian Epic Theatre as it was constituted in Ardens work and in Post-War Britain Theatre is pointed out.

A análise aborda o fenômeno artístico e cultural que é o teatro de Liev Tolstói no limiar entre a literatura e a história do teatro russo. A ênfase recai em apenas uma peça e suas quatro versões cênicas, permitindo, por um lado, abranger um grande período de tempo e observar as transformações que ocorrem com O Cadáver Vivo no decurso de um século de história russa; por outro lado, visa aprofundar o estudo dedicado a uma faceta específica da arte de Liev Tolstói. / The analysis addresses the artistic and cultural phenomenon that is the theater of Leo Tolstoy on the threshold between literature and history of Russian theater. The emphasis is in one piece and its four scenic versions, allowing one hand, cover a large period of time and observe the changes that occur with The Living Corpse over a century of Russian history, on the other hand, seeks to deepen study dedicated to a specific facet of the art of Leo Tolstoy.

O presente estudo configura-se como uma mirada histórico-filosófica que, tendo como inspiração a arqueogenealogia de Michel Foucault, se devota a inventariar de que modo, ao longo de seus deslocamentos, emergências e contingências, o teatro infantil brasileiro afiliouse ao ideário educacional e, por fim, aos processos de espraiamento das práticas educativas pelo tecido social. A historiografia do teatro brasileiro elege a montagem de O casaco encantado, de Lúcia Benedetti, em 1948, como marco do teatro voltado às crianças. As fontes empíricas nas quais este estudo se baseia o jornal carioca Correio da Manhã (1901-1974) e a Revista Brasileira de Estudos Pedagógicos (1944-2017) revelam dois acontecimentos simultâneos à sobredita fundação do teatro infantil. O primeiro deles diz respeito à discursividade corrente no início do século XX sobre a infância como problema, flagrada nos debates sobre as temáticas do infanticídio, da degeneração e da delinquência infantis. O segundo acontecimento refere-se à emergência do discurso escolanovista entre as décadas de 1930 e 1950, afirmando o viés educativo como forma de superação de uma infância tida como problemática, via o projeto de ajustamento, de autonomia e de emancipação do alunado. Nesse contexto, a Escola Nova terse-ia apropriado das práticas teatrais infantis para o alcance de seus objetivos, fomentando relações de reciprocidade entre o teatro infantil não escolar e o teatro escolar infantil. Mediante tal configuração, o presente estudo devota-se a uma releitura da constituição do teatro infantil em solo brasileiro, partindo da hipótese de que o cuidado com a criança e as iniciativas artísticas da primeira metade do século XX teriam sido responsáveis por um governamento de tipo artístico-pedagógico da infância, doravante lastreado por uma espécie de pedagogia do bemestar infantil. Assim, o teatro para crianças comportaria duas facetas de um mesmo processo de educabilidade dos cidadãos: de um lado, o governo da infância incitaria a edificação de um sujeito maduro, livre, sadio e empreendedor de si, culminando no apelo à adultização e à invenção de um modo renovado de ser criança; por outro, o governo pela infância despontaria associado ao rol de saberes e práticas de afirmação e de disseminação dos cuidados infantis, colaborando para a fixação de um adulto impedido moral e juridicamente de exercer maustratos à criança. / The present study is configured as an historical-philosophical gaze which had, as an inspiration, the arqueogenealogy of Michel Foucault. Its commited to specify in which way, throughout its displacements, emergencies and possibilities, the brazilian kids theatre was associated with educational principles; and finally the dissemination of the educational processes by societys framework. The historiography of brazilian theatre selects the staging of The Enchanted Coat (O casaco encantado), by Lúcia Benedetti, performed in 1948, as a milestone in infants theatre. The empirical sources that this study is based the carioca newspaper The Morning Post (Correio da Manhã, 1901- 1974) and the Brazilian Magazine of Pedagogical Studies (19442017) reveal two simultaneous events happening during the foundation of childrens theatre. The first one covers the discursive current from the beginning of the 20th century, that considered childhood as a problem, witnessed in discussions and talks about infanticide, degeneration and infants delinquency. The second occurrence refers to the origin of the escolanovista speech from 1930 to 1950, affirming the educational bias as a means of overcoming a problematical childhood and also as a way of adjustment, autonomy and emancipation of the pupil. In this regard, the New School (a Escola Nova), would have taken the infants theatrical practices to accomplish its goals, promoting interchange between the formal and the non-formal educational theatre. Therefore, this study is dedicated to a reinterpretation of the brazilian infant theatre, based on the assumption that the care for children and the artistic initiatives from the first half of the 20th century would have been responsible for an artistic/pedagogic governance at childhood, hereafter widespread by a type of pedagogy focused on the childrens well-being. Consequently, childrens theatre would carry two facets of the same teaching process for citizens: on one side, the childhood government would provoke the construction of a mature being, free, healthy and self-instigator that culminates and appeals to the precocious and new way of being a child. On the other side, the childhood government would come forth linked with knowledges, affirmation practices and also the spreading of child care, collaborating for the development of an adult prevented moral and legally of performing childs maltreatment.

O foco desta pesquisa tem como objetivo estudar o sistema pedagógico da SP Escola de Teatro - Centro de Formação das Artes do Palco, instituição criada em São Paulo/SP por importantes coletivos da cena brasileira, que tem como mote: \"artistas que formam artistas\". Inspirada e alicerçada em três pensamentos: do conceito de ensino-aprendizagem de Paulo Freire, de espaço do acontecer solidário de Milton Santos e da visão sistêmica de Fritjof Capra, a instituição trabalha com a ideia de educação integrada, abarcando a noção de conhecimento sistêmico, um modelo que, mais do que destinado ao treinamento de um aprendiz - educando-o no desempenho de suas destrezas -, cria oportunidades para que ele investigue, experimente e compreenda a importância de seu engajamento ético no processo coletivo de sua formação profissional. Por eu ser um dos idealizadores do projeto, procurei descrever pormenores de sua fundação até a estruturação do sistema pedagógico ao qual chamamos de Pedagogia Covalente, valendo-se da conexão química caracterizada pelo compartilhamento de pares de elétrons entre os átomos, com a intenção de reforçar pressupostos fundamentais como o poder do encontro, a interação entre seres iguais e/ou diferentes, a comunhão de valores éticos e estéticos, a convivência e o mútuo benefício do ato de compartilhar. Esta pesquisa, também, pretende identificar quais os melhores procedimentos pedagógicos para o desenvolvimento do espírito crítico e libertário de um artista cênico, bem como investigar a formação artística e seus critérios para o ensino das artes cênicas / The aim of this research is to study the pedagogical system of SP Escola de Teatro- Stage Arts Educational Center, institution founded in São Paulo/Brazil, by important Brazilian theater collectives. It has got the goal: ¨artists who nurture artists¨. Inspired on three basic ideas: Paulo Freire´s concept of teaching-learning, Milton Santos´ space for solidarity happening and Frijof Capra´s systemic vision, the institution works on the principle that integrated education embraces the concept of systemic knowledge, a model not only dedicated to the apprentice training - educating them to the performance of their abilities - but also to create opportunities so that they can investigate, test and comprehend the importance of their ethics and community engagement in the collective process of the professional education. Being one of the devisers and founders of the project, I searched to describe details since its foundation until the structuring of the pedagogical system, called as the Covalent Pedagogy, availing itself of the chemical bond that involves the sharing of electron pairs between atoms, with the purpose of enhancing the main principles, such as the power of togetherness, the interaction between similar and/or different beings, the communion of ethic and esthetic values, the coexistence and the mutual benefit of sharing. This research also intends to identify which are the best pedagogical procedures to the development of the critical and libertarian attitude of a stage artist, as well as investigate the artistic education and its criteria for the stage arts´ teaching.

A presente dissertação se assume como um trabalho introdutório sobre as peculiaridades de uma prática de Teatro Documentário, demonstrando como o seu caráter estético traz em si mesmo os elementos de caráter educacional. Para isso, levantamos, teoricamente, conceitos e dados históricos, a fim de aprimorarmos nossa visão acerca do que chamamos Teatro Documentário, estabelecendo uma ponte direta com a conceituação de Documentário em Cinema, presente, em especial, nos escritos do teórico norte-americano Bill Nichols. Em seguida, exemplificamos nossas idéias com uma experiência, dentro de uma instituição de ensino, centrada em práticas embebidas por preceitos constantes no sistema de Jogos Teatrais. A encenação resultante abordou a busca por um menino romeno que, segundo algumas indicações, tocava sanfona na Praça do Patriarca, no centro da cidade de São Paulo. O tema foi pretexto para a construção palmilhada de um longo caminho urbano pelo qual se [des]escreveram muitas histórias de dor, de decepções, de desilusões e desencantos, na contramão de histórias de alegrias, de risadas, de sobrevivência, de encontro e arte. Duas estátuas-vivas, dois homens-placa, um poeta, uma moradora de rua, uma transeunte e uma gari despontaram como estrelas, numa constelação despercebida por muitos, todos os dias, nas ruas, nas praças, sob os viadutos... Uma trajetória que, enfim, revelou o próprio processo. As fontes documentais exploradas foram, em grande parte, depoimentos registrados em vídeo, evidenciando o trabalho com a imagem captada. / This dissertation presents itself as an introductory work on the peculiarities of Documentary Theater, focusing its discussion in how the approachs aesthetic aspect brings in itself the education elements. For that, theoretical concepts and historical data were collected in order to characterize our vision of Documentary Theater, establishing a link with the concepts of the documentary in Cinema, especially in the writings of the North-American scholar Bill Nicols. Secondly, we exemplify that with an experience at an educational institute, focused in practices based on the system of Theater Games. The resulting play dealt with the search of a Romanian boy that, according to some indications, played accordion at Praça Patriarca, in the downtown area of São Paulo. The theme was a pretext for the constructions of a long urban path in which many stories of pain, deception and disillusion in opposition to many stories of joy, laughter, survival, encounters and art were written. Two living statues, two homem-placas, a poet, a homeless woman, a walker and a garbage woman emerged as stars in an unnoticed constellation, everyday on the streets, squares and under the bridges. A path that revealed the process itself. The documental materials that were explored were in great part video testimonies, making evident the work with the captured image.

Encontrar o jogo. Jogar com o encontro. Eis o motivo principal deste trabalho, que se desenvolve a partir de uma perspectiva artística, através de uma abordagem prática baseada em estudos teatrais que envolvem o jogo do ator com a máscara na rua. Por meio das experiências artísticas e pedagógicas com a Cia Familie Flöz, Irion Nolasco, Liane Venturella e Tiche Vianna, e através das práticas do grupo Máscara EnCena, este trabalho busca relacionar elementos que direcionam a expressividade do corpo, como o foco, interesse, ação, reação, triangulação, estados de leveza, peso, retração e expansão, assim como as qualidades físico-energéticas do buoyancy, potency e radiancy propostas por Arthur Lessac, afim de encontrar uma identidade entre corpo e máscara em relação criativa e interativa com a rua. A partir de práticas do processo de mascaramento do ator, ou seja, da transposição de qualidades físicas que condicionam ao corpo outras possibilidades expressivas, a presente pesquisa debruça-se sobre o jogo do ator com a máscara inteira expressiva em contato com a rua e a cultura urbana da cidade de Porto Alegre. Desse modo, o trabalho propõe a articulação entre tais princípios e a expressividade criativa do ator em jogo na rua, servindo-se de procedimentos e experimentações com a máscara. / Encounter the performance. Play with the encounter. This is the main objective of this research, which develops from an artistic perspective, through a practical approach based on theatrical studies that involve the actor's performance with the mask on the streets. This research seeks to relate elements which direct the expressiveness of the body, such as focus, interest, action , reaction, triangulation, states of lightness, weight, retraction and expansion, as well as the physical-energetic qualities of buoyancy, potency and radiancy proposed by Arthur Lessac, through artistic and pedagogical experiences with Cia Familie Flöz, Irion Nolasco, Liane Venturella and Tiche Vianna, and through practices of Mascara EnCena group, in order to find an identity between body and mask in a creative and interactive relation with the streets. Starting from practices such as the masking process of the actor, which is, the transposition of physical qualities that condition the body to other expressive possibilities, this research looks at the actor's performance with the expressive mask as a whole, having contact with the streets and the urban culture in the city of Porto Alegre. Therefore, the research proposes articulation between such principles and the creative expressiveness of the actor in performance on the street, using procedures and experimentations with the mask.