Ce mémoire analyse les trois premières pièces du dramaturge québécois Daniel Danis : Celle-là (1993), Cendres de cailloux (1993) et Le chant du Dire-Dire (1998). Ces trois pièces ont en commun la mise en scène de communautés imaginaires en crise et l'adoption d'une forme narrative proche de l'anamnèse, où le récit de l'action est fait après coup. L'objectif de ce mémoire est d'étudier la façon dont, dans ces trois pièces, la tentative de résoudre la crise communautaire est liée à la mise en récit des événements dans le contexte de la représentation théâtrale. Dans un premier temps, l'analyse situe l'œuvre de Daniel Danis dans le champ théâtral québécois par rapport aux enjeux et aux pratiques qui lui sont propres dans le contexte d'une société minoritaire et d'une littérature périphérique, et s'intéresse aux questions de l'identité et de l'altérité ainsi qu'à la relation entre le corpus québécois et le contexte sociohistorique et linguistique. Les différentes réponses esthétiques à la crise du drame aristotélicien, crise théorisée par Peter Szondi et par Jean-Pierre Sarrazac, sont aussi explorées, ainsi que leur influence sur la dramaturgie québécoise contemporaine. Les trois textes sont ensuite étudiés en parallèle de façon plus approfondie. À la lumière des théories de la communauté, de l'altérité et du drame contemporain, mais surtout des textes eux-mêmes et de leurs réseaux isotopiques, l'analyse se penche sur l'identité des communautés imaginaires et sur leurs principes de fonctionnement ainsi que sur leur rapport à l'altérité et à la parole. Cet examen amène à s'interroger sur la crise que traversent les communautés imaginaires et sur les modalités de résolution possibles dans le contexte de la représentation théâtrale. Enfin, des études sur la mythologie (Claude Lévi-Strauss, Anthropologie structurale), sur le récit (Paul Ricœur, Temps et récit) et sur les métaphores de la mémoire guident l'analyse formelle du modèle de la pièce-anamnèse. Le mémoire s'intéresse principalement à la ritualisation du matériau narratif dans Celle-là, Cendres de cailloux et Le chant du Dire-Dire, qui confère une fonction réparatrice au récit mythique mis en scène et permet ainsi la résolution de la crise communautaire. Ces trois pièces suggèrent qu'en s'ouvrant sur l'Autre-spectateur par l'entremise du rituel de la représentation, il est possible de continuer à exister, ne serait-ce que dans le récit, après la tragédie de l'éclatement communautaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : récit, dramaturgie, Québec, Daniel Danis, communauté, mythe, identité, altérité, parole, mémoire, théâtre

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José Sanchis Sinisterra met en œuvre une poétique des intercesseurs qui déborde le drame conventionnel et l'entraîne vers son dehors, là où il est possible d'instaurer des zones de voisinage avec d'anciennes traditions théâtrales et d'autres domaines de création. Cette recherche passe par l’actualisation d'un théâtre baroque populaire tel qu'il se manifeste en Espagne au XVIIème siècle. Il s'agit de revendiquer une conception carnavalesque du drame faisant échec au « bel animal » aristotélicien. En pratiquant l'adaptation, le dramaturge cherche également à confronter la théâtralité à des œuvres porteuses d'un renouveau formel au profit d'une déconstruction remettant en cause les procédés dramatiques traditionnels. Son intérêt pour l'écriture de Kafka participe de ce mouvement général : l'adaptation lui permet d'importer dans le champ théâtral une poétique du discontinu qui déroge aux principes de cohérence, d'unité et de complétude de l'aristotélisme. Poussant cette recherche au-delà des limites littéraires, José Sanchis intègre également les sciences(notamment la physique quantique et la médecine) à sa réflexion afin de faire évoluer les conceptions admises du temps, de l'espace et de l'observation. On remarque que ces trois notions,qui sont celles que la physique quantique redéfinit en marge de la pensée cartésienne, sont généralement traitées au théâtre comme des réalités immanentes. La supposée unité de l'espace-temps marque un seuil au-delà duquel la forme théâtrale ose rarement s'aventurer. Or, c'est cette frontière que le dramaturge souhaite repousser, en développant une représentation du monde inspirée de conceptions scientifiques. Celles-ci constituent dès lors un nouvel intercesseur à même d'alimenter cette déconstruction théâtrale. / José Sanchis Sinisterra builds an intercessor poetics which brims over conventional drama pushing its boundaries beyond the theatre and overlapping with ancient theatre traditions and other creationfields. This search involves updating popular baroque drama, namely as it unfolds in XVII century Spain, claiming a carnival drama conception as opposed to the Aristotelian “beautiful animal.” Through dramatisation, the playwright also aims to confront theatricality to other works bearingformal novelty in favour of a deconstruction that questions traditional drama writing processes. The attention brought to Kafka's works forms part of this general approach: dramatisation allows the author to bring a poetics of discontinuity into dramaturgy, breaking with the Aristotelianprinciples of coherence, unity, and completeness. Sanchis then takes his search beyond literary boundaries as he brings science (quantum physics and medicine in particular) into his thought tomake current conceptions of time, space, and observation evolve. These three concepts, that quantum physics redefines outside the Cartesian logic, are usually dealt with in drama as immanent realities. The assumed space-time unity draws indeed a threshold drama rarely dares to cross. However, this is the very limit the playwright seeks to overstep by building a representation of the world based on scientific conception. These three concepts form thereon a new intercessor likely to fuel this drama deconstruction.

Dramaturge, metteur en scène, romancier, essayiste et peintre, Gao Xingjian, « artiste total », s’est affranchi dès 1983 des conventions théâtrales qui prévalaient en Chine. Il s’est imposé comme l’un des pionniers du théâtre et de la littérature d’avant-garde. Condamné pendant la campagne de répression « contre la pollution spirituelle », il a été interdit de publication. Exilé en France en 1987, il a dès lors créé des pièces en français, impliquant peu de personnages, entre farce et tragédie, exprimant souvent une vision de la vie désenchantée, dans un langage aléatoire mais équilibré, avec des décors minimalistes. Il excelle dans une forme de théâtre destiné uniquement à la représentation, où joue l’expérimentation scénique et corporelle. Notre thèse porte sur la forme et l’expérience de la représentation théâtrale, en examinant la façon dont Gao repousse les limites linguistiques ou visuelles pour parvenir à une conception dépouillée du drame. Procédant à l’analyse de ses dramaturgies, tout en nous appuyant sur ses écrits et ses peintures, nous verrons comment la représentation théâtrale s’agence entre visible et invisible, qui se situe au seuil de la conscience ou qui relève de l’esthétique — ceci, selon trois possibilités : le rapport acteur/spectateur, le texte lui-même, et la scène proprement dite. Tenant compte de l’épreuve existentielle de l’exil et du phénomène de bilinguisme perceptible dans l’écriture, nous traitons des idées de l’espace théâtral et de l’art dramatique, en suivant quatre orientations principales : la dramatisation, les modes de narration, la langue en tant que rupture dans le texte, et l’« incarnation » du personnage par l’acteur qui le joue. / Playwright, theater director, novelist, essayist and painter — the multi/inter-disciplinary artist, Gao Xingjian first defied the theatrical conventions dominating China for more than fifty years with his absurdist play Bus Stop in 1983. Since then, he has established himself as one of China’s pioneering avant-garde playwrights and writers. Persecuted during the “Oppose Spiritual Pollution” campaign, he was banned from publication. After moving to France in 1987, he began writing plays in French, his adopted language. Relying on few characters, they probe drama between farce and tragedy, expressing a frequently disenchanted vision of life in seemingly random, yet measured, language with minimal decor. Experimenting with the scenic and the corporal, Gao excels in an organic theatre created solely for performance. Using the form and experience of a performance, this thesis explores how Gao revisits linguistic and visual boundaries in an effort to define “drama.” Analyzing his plays, as well as his other writings and paintings, we identify in his work a theatrical performance — visible and invisible, liminal or aesthetical — via three possibilities: actor/spectator, text, and stage. Considering exile and bilingualism in literature, we examine notions of theatrical space and drama that emerge from this study in four main approaches: dramatization, modes of narration, language as rupture in text, and character “enfleshed” by its actor.

Cette dissertation traite de la manière selon laquelle les actrices noires se constituent ellesmêmes à partir de la formation théâtrale et de l’exercice professionnel au théâtre. À partir du témoignagne de cinq actrices noires, de Porto Alegre au Brésil, ce travail aborde le discours du blanchiment, engendré par le projet colonisateur comme moyen de subjectivisation qui agit fréquemment sur les femmes noires. Il démontre l’occurence de pratiques sociales qui révèlent l’influence d’un tel discours sur les corps des actrices et sur la manière dont elles se conduisent dans le monde. Il examine la reproduction de stéréotypes rapportés à l’image des femmes noires dans la dramaturgie en tant que vestiges du discours du blanchiment dans ces domaines, qui font obstacle au développement professionnel des actrices noires. Il établit une relation entre les éléments abordés par la formation théâtrale et par les pratiques théâtrales contemporaines et les études de Michel Foucault, à la lumière du concept d’attention à soi et d’une pratique ascétique à lui associée, l’écriture de soi. Grâce à cette relation, cette recherche présente des alternatives pour l’élaboration de la subjectivité des actrices noires comme résistance aux processus de blanchiment, montrant la formation comme possibilité de dire de soi au théâtre. / A dissertação trata sobre o modo como mulheres atrizes negras constituem a si mesmas a partir da formação teatral e do exercício profissional em teatro. A partir do depoimento de cinco atrizes negras de Porto Alegre, Brasil, o trabalho aborda o discurso do embranquecimento, engendrado pelo projeto colonizador como modo de subjetivação que frequentemente atua sobre as mulheres negras. Em um diálogo com questões apontadas pelo feminismo negro, demonstra a ocorrência de práticas sociais que revelam a influência de tal discurso sobre os corpos das atrizes e sobre a forma como elas se conduzem no mundo. Examina a reprodução de estereótipos relacionados à imagem das mulheres negras na dramaturgia como rastros do discurso do embranquecimento nessas áreas, que obstaculizam o desenvolvimento profissional das atrizes negras. Relaciona os elementos abordados pela formação teatral e pelas práticas teatrais contemporâneas com os estudos de Michel Foucault, à luz do conceito de cuidado de si e de uma prática ascética associada a ele, a escrita de si. Por meio dessa relação, a pesquisa apresenta alternativas para a elaboração da subjetividade das atrizes negras como resistência aos processos de embranquecimento, mostrando a formação como possibilidade de dizer de si no teatro.

Dans le titre de notre thèse nous avons souligné les éléments au cœur de cette recherche. Pour interroger les pratiques théâtrales contemporaines, notamment en France et en Italie, nous avons eu recours à un outil particulier : le rythme. Ainsi, nous proposons une étude comparée de quatre pièces chacune d’un auteur différent, deux français et deux italiens : Juste la fin du monde (1990) de Jean-Luc Lagarce, Clôture de l’amour (2011) de Pascal Rambert, Italia-Brasile 3 a 2 (2002) de Davide Enia et Dissonorata (2006) de Saverio La Ruina. La définition de rythme donnée par Henri Meschonnic nous a permis d’étudier ces pièces sans adopter un point de vue uniquement linguistique, théâtral ou sociologique. Car la révélation de la poétique de l’auteur se dévoile et se rend manifeste précisément grâce au rythme. Un rythme qui relève certes de la structure linguistique de la pièce, mais qui est aussi l’accomplissement de la manifestation historique et culturelle de la voix de ces auteurs. / The title of our dissertation points to the key elements of this study. To probe contemporary theatre, especially in France and in Italy, we rely on a specific tool: the rhythm. We propose a comparative study of four plays, each one by a different author, two Italians and two French : Juste la fin du monde (1990) by Jean-Luc Lagarce, Clôture de l’amour (2011) by Pascal Rambert, Italia-Brasile 3 a 2 (2002) by Davide Enia and Dissonorata (2006) by Saverio La Ruina. The definition of rhythm, as given by Henri Meschonnic, allows us to study these plays without a precise linguistic, theatrical, and sociological point of view. This is because the poetics of the author manifests itself via and thanks to the rhythm. A rhythm that is certainly rooted in the linguistic structure of the play, but which is also the accomplishment of the historical and cultural expression of the voices of the authors.

Cette thèse propose une approche historique de l'esthétique théâtrale européenne qui entretient avec le réel une relation dynamique. Dans la programmation théâtrale au tournant du XXIe siècle de trois pays (France, Grande Bretagne et Pologne), un ensemble cohérent et significatif d’œuvres a pu être identifié comme relevant d’une catégorie particulière : le théâtre du réel. Cet objet d’étude nous a semblé un moyen pour comprendre non seulement une esthétique, plus ou moins partagée, mais aussi l’attitude de trois sociétés, distinctes mais en contact dans un cadre européen redéfini, face à un réel social, présent ou passé, évoqué sur scène entre 1997 et 2010. Dans la production théâtrale émerge alors une autre perception vécue de l’accessibilité du réel ainsi qu’un désir d’immédiateté des créateurs et du public. La matérialité du corps, l'effet de la véracité, la présence de témoins sur scène servent à créer un lien entre l'intime et le social. Une autre évolution sociale est ainsi perceptible. Dans les trois sociétés considérées le rapport entre les institutions théâtrales et les instances politiques qui les soutiennent changent. On demande au théâtre de participer au maintien ou à la reconstitution du « lien social ». En même temps, le politique comme instance spécifique fondée sur des conflictualités pacifiées, semble s’effacer au profit d’un consensus éthique, renforcé par un consensus sur l’idée d’un dépassement nécessaire des absolus culturels. Le théâtre est confronté à la question de la construction complexe et de la perception des identités, à un moment où la focalisation sur le tout-national est remise en cause. En mettant au cœur du projet théâtral le consensus social (réconciliation polono-allemande, réhabilitation de l’estime de soi des chômeurs, sensibilisation à la violence qui s’exerce dans l’histoire, avec les génocides), les artistes remplissent une mission éthique et préfigurent un certain état politique des sociétés contemporaines qui ne pensent plus le conflit politique et social selon un modèle binaire / In theatrical programming at the turn of the century in France, Great Britain, and Poland, a consistent and significant number of performances have been identified as belonging to one particular aesthetic: the theatre of the real. This object of historical study seemed to us a way to understand not only a particular aesthetic, more or less similar in these three countries, but also the attitude of the three societies, distinct, but sharing the same redefined European context, to a social reality, past or present, evoked on stage between 1997 and 2010. From theatrical creation at this time emerged a new perception of accessibility to reality, and also a desire for immediacy, for artists as well as for the spectators. The materiality of the body on the stage, the veracity, and the presence of witnesses are used to create a link between the intimacy of the spectator and the social dimension of the message. Another social change is thus perceptible. The relationship between theatrical institutions and the political bodies that support and finance them changes. The theatrical institutions are asked to participate in the maintenance or reconstruction of social "ties" and inclusiveness. At the same time, the politics seems to fade away in favour of an ethical consensus. By putting the consensus into the heart of the theatrical project (Polish-German reconciliation, rehabilitation of self-esteem of the unemployed, making the spectators sensitized to the violence exerted in history, including genocide), artists fulfil an ethical mission and foreshadow a political state of contemporary societies that no longer conceive the political and social conflict according to a binary model

Cette dissertation traite de la manière selon laquelle les actrices noires se constituent ellesmêmes à partir de la formation théâtrale et de l’exercice professionnel au théâtre. À partir du témoignagne de cinq actrices noires, de Porto Alegre au Brésil, ce travail aborde le discours du blanchiment, engendré par le projet colonisateur comme moyen de subjectivisation qui agit fréquemment sur les femmes noires. Il démontre l’occurence de pratiques sociales qui révèlent l’influence d’un tel discours sur les corps des actrices et sur la manière dont elles se conduisent dans le monde. Il examine la reproduction de stéréotypes rapportés à l’image des femmes noires dans la dramaturgie en tant que vestiges du discours du blanchiment dans ces domaines, qui font obstacle au développement professionnel des actrices noires. Il établit une relation entre les éléments abordés par la formation théâtrale et par les pratiques théâtrales contemporaines et les études de Michel Foucault, à la lumière du concept d’attention à soi et d’une pratique ascétique à lui associée, l’écriture de soi. Grâce à cette relation, cette recherche présente des alternatives pour l’élaboration de la subjectivité des actrices noires comme résistance aux processus de blanchiment, montrant la formation comme possibilité de dire de soi au théâtre. / A dissertação trata sobre o modo como mulheres atrizes negras constituem a si mesmas a partir da formação teatral e do exercício profissional em teatro. A partir do depoimento de cinco atrizes negras de Porto Alegre, Brasil, o trabalho aborda o discurso do embranquecimento, engendrado pelo projeto colonizador como modo de subjetivação que frequentemente atua sobre as mulheres negras. Em um diálogo com questões apontadas pelo feminismo negro, demonstra a ocorrência de práticas sociais que revelam a influência de tal discurso sobre os corpos das atrizes e sobre a forma como elas se conduzem no mundo. Examina a reprodução de estereótipos relacionados à imagem das mulheres negras na dramaturgia como rastros do discurso do embranquecimento nessas áreas, que obstaculizam o desenvolvimento profissional das atrizes negras. Relaciona os elementos abordados pela formação teatral e pelas práticas teatrais contemporâneas com os estudos de Michel Foucault, à luz do conceito de cuidado de si e de uma prática ascética associada a ele, a escrita de si. Por meio dessa relação, a pesquisa apresenta alternativas para a elaboração da subjetividade das atrizes negras como resistência aos processos de embranquecimento, mostrando a formação como possibilidade de dizer de si no teatro.

Le travail a pour objectif principal de réfléchir sur le processus de formation des spectateurs, afin d'élargir les discussions sur la médiation théâtrale - comprise comme la formation de l'activité pédagogique. La proposition vise à mettre en évidence trois projets différents dédiés à la médiation des activités dans le théâtre, dirigé la formation de spectateurs dans l'éducation publique de base, provenant des initiatives culturelles. La base théorique de l'analyse sont des études sur la formation des spectateurs de théâtre, développées par des auteurs tels que Desgranges, Oliveira, Alcantara et Deldime, entre autres; théories de la connaissance détenue par Vygotski et Feuerstein, qui considèrent l'éducation une perspective de médiation; principes de Barbosa, Coutinho et le matériel d'apprentissage de la 8e Biennale Mercosul, traitant la médiation dans le domaine des arts visuels; et des études sur l'enseignement des arts et le théâtre dans les écoles, appuyés par la loi brésilienne national et régional. En établissant le dialogue entre ces domaines, l'étude vise à décrire les méthodes de la médiation dans le théâtre, la réception théâtrale pour la formation de spectateurs et de souligner les approches importantes pour le travail de médiation en vue de promouvoir la (trans) formation des médiateurs et des spectateurs. / O trabalho tem por objetivo central refletir sobre o processo de formação de espectadores, com vistas à ampliação das discussões a respeito da mediação teatral – compreendida como atividade pedagógica de formação. A proposta pretende evidenciar três diferentes projetos, dedicados a atividades de mediação em teatro, direcionados à formação de espectadores na Educação Básica pública, oriundos de iniciativas culturais. As bases teóricas das reflexões são estudos sobre a formação de espectadores de teatro, desenvolvidos por autores como Desgranges, Oliveira, Alcântara e Deldime, dentre outros; teorias do conhecimento defendidas por Vigotsky e Feuerstein, que consideram a educação numa perspectiva de mediação; aportes de Barbosa, Coutinho e do material pedagógico da 8ª Bienal do Mercosul, que tratam a mediação na área das artes visuais; e estudos sobre o ensino das artes e do teatro no âmbito escolar, amparados pela legislação brasileira nacional e regional. Ao estabelecer diálogo entre essas áreas, o estudo pretende qualificar metodologias de mediação em teatro, dinamizar a recepção teatral para a formação de espectadores e apontar abordagens significativas referentes ao trabalho de mediação, a fim de promover a (trans)formação de mediadores e espectadores.