Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Titre de l'écran-titre (visionné le 24 janvier 2024) / La censure du théâtre en Iran, dans les années postrévolutionnaires (1979- ) touche violemment les artistes. Le régime islamique est directement impliqué dans la censure par le biais du Ministère de la Culture et de l'Orientation islamique. Sous la direction du ministère, le Bureau de la Censure exerce toutes formes de la censure au niveau de la production et de la représentation du théâtre. Ainsi les groupes religieux promettent la censure culturelle et soutiennent les propagandes islamiques. Cette thèse essaie de démontrer d'abord les conséquences négatives de la censure sur les gens de théâtre et le fait que la peur du censeur pousse l'artiste vers la pratique inconsciente de l'autocensure. De nombreux artistes qui ont ouvertement représenté des sujets controversés ont connu l'isolement, voire l'exil. Cependant, malgré l'existence de la censure et son hégémonie, les artistes cherchent des moyens de surmonter les limitations. Pour théoriser ma recherche, les conceptions de Gramsci (sur l'hégémonie et la contre-hégémonie, 1929) de Foucault (sur le pouvoir et les rapports de force, 1975) et de Bourdieu (sur les champs et l'habitus, 1972), sont appliquées au contexte iranien en examinant les résistances contre la censure du théâtre. À travers les analyses approfondies de la représentation, tant en termes de contenu que de choix esthétiques, de trois spectacles mis en scène dans les années 2000, je montre, ensuite, comment la censure et ses mécanismes fonctionnent dans le milieu théâtral de l'Iran. Les spectacles utilisent une gamme variée de stratégies de contournement, comme le symbolisme, des objets métaphoriques, de l'ironie et une forme de théâtre sous-terrain. Ainsi l'adaptation des pièces occidentales est une stratégie très courante dans le théâtre postrévolutionnaire iranien ; c'est pour cette raison que je choisis trois spectacles d'après Shakespeare ayant tous en commun la critique du pouvoir intouchable d'un tyran. Les praticiens de théâtre en Iran sont confrontés au défi de contourner la censure tout en transmettant leur messages sociocritiques du régime aux spectateurs. De nombreuses stratégies créatives décrites dans cette thèse, telles que l'utilisation du symbolisme ou l'adaptation des pièces occidentales, démontrent que même dans une situation sociopolitique hautement contrôlée, la résistance est possible. Or, malgré la censure, les artistes iraniens peuvent s'exprimer en abordant leur théâtre de manière innovante. / Theater censorship in the post-revolutionary years (1979- ) in Iran has violently affected artists. The Islamic regime is directly involved in censorship through the Ministry of Culture and Islamic Guidance. Under the direction of the ministry, the Office of Censorship exercises all forms of censorship in the production and representation of the theatrical performance. Thus, religious groups promise cultural censorship and support Islamic propaganda. This thesis tries to demonstrate, first, the negative consequences of censorship on theater and then the fact that the fear of the censor pushes the artist towards the unconscious practice of self-censorship. Many artists who openly depicted controversial subjects experienced isolation or even exile. However, despite the existence of censorship and its hegemony, artists are looking for ways to overcome the limitations. The theories of Gramsci (l'hégémonie et la contre-hégémonie, 1929), Foucault (le pouvoir et les rapports de force, 1975) and Bourdieu (les champs et l'habitus, 1972) are applied to the Iranian context to examine the resistance against theater censorship. Through the in-depth analyzes of the representation, both in terms of meaning and aesthetic choices of three plays staged in the 2000s, I show how censorship and its mechanisms operate in the theatre milieux of Iran. The plays use a variety of circumvention strategies, such as symbolism, metaphorical objects, irony, and underground theatre. Thus, the adaptation of Western plays is a very common strategy in post-revolutionary Iranian theater; it is for this reason that I choose three adaptations of Shakespeare, all of which have in common the criticism of the untouchable power of a tyrant. Theater practitioners in Iran face the challenge of pivoting censors while conveying their message to audiences. Many creative strategies described in this thesis, such as the use of symbolism or the adaptation of Western plays, demonstrate that even in a highly controlled socio-political situation, resistance is possible; and despite censorship, Iranian artists can express themselves by approaching their theater in an innovative way.

Cet essai fait état d'une recherche visant à réaliser un métissage entre la danse Butô et le théâtre, en s'appuyant sur l'approche de la création que sont les Cycles Repère. Il comporte donc une portion théorique où sont abordées les notions de métissage, de théâtralité ainsi qu'une réflexion sur l'enrichissement possible entre la danse et le théâtre. L'essai aspire également à définir les contours de la danse Butô ainsi qu'à exposer la démarche des Cycles Repère pour mieux les mettre en parallèle afin d'en faire ressortir les liens de complémentarité. Le segment pratique compte trois expérimentations mettant en oeuvre le métissage de la danse Butô et du théâtre, soit Blottie, présentée sous forme de monologue et Sillon I et II, sous forme de dialogues. Cet essai fait donc un survol de ces créations ainsi qu'un bilan des difficultés encourues et des réflexions qui surgirent de ces processus. Un DVD regroupant les laboratoires accompagne ce document.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2005-2006 / Ce mémoire présente les travaux effectués dans le cadre d’une association entre le laboratoire de robotique ainsi que celui des nouvelles technologies de l’image, du son et de la scène (Lantiss), tous deux issus de l’Université Laval, relativement au développement d’une scène de spectacle dynamiquement reconfigurable. Une part importante de l’analyse traite de l’aspect esthétique des mouvements et des poses d’une telle surface, face à son utilisation dans le monde du spectacle. L’autre champ d’étude fait référence à des aspects techniques. Ainsi, les solutions qui sont artistiquement intéressantes sont analysées et optimisées afin de pouvoir être réalisées mécaniquement. C’est à cet effet que des études cinématiques et dynamiques de mécanismes ainsi que des optimisations de paramètres géométriques sont exposées. Finalement, ces démarches théoriques mènent à la fabrication et à la commande d’un prototype respectant les attentes artistiques de la scène mobile. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2019

Ce mémoire rend compte du processus de création de la pièce de théâtre Monologues de Femm, processus qui s'est échelonné sur plus de huit mois, de l'idée initiale aux représentations finales. Présentée pour la première fois en octobre 2007, cette pièce rassemble sept extraits de textes tirés d'oeuvres de la littérature. Premièrement, j'aborde ce qui a guidé mes choix littéraires et la manière dont j'ai agencé, adapté et parfois même traduit ces fragments. Ensuite, j'explique comment j'ai créé Femm, placière rebelle, personnage principal de la pièce, dont le propos unit chacun des extraits entre eux. Suit la description de l'arrivée des trois comédiennes dans le processus de travail ainsi que la définition de la scénographie, élaborée à l'étape des lectures. Finalement, je décris la mise en scène du spectacle proprement dit ; depuis la direction d'actrices jusqu'à la création de la pièce au Théâtre de la Bordée, à Québec. Des traces du spectacle sont conservées sur un DVD qui accompagne cet essai.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Lavoisier à la mer est une recherche-création visant à mettre en parallèle deux différents modes de perception et de pensée, l'un de type lecture et l'autre de type réseau, tout en offrant deux points de vue sur la fable, au sens propre comme au figuré. Ce mémoire présente les prémices de même que les étapes préparatoires à la réalisation future de cette recherche-création. La conception d'un espace théâtral à double optique a pris appui sur certaines conclusions de Marie-Madeleine Mervant-Roux et de Rie Knowles portant sur la réception théâtrale. La conception de la proposition dramaturgique et du texte laboratoires a été orientée par le principe de double optique. Les différents langages scéniques (scénographie, lumière, son, image, texte, etc.) ont été mis en espace de manière à tenter de susciter des expériences de réception différentes en fonction de l'emplacement du spectateur dans l'espace théâtral.

Cette thèse a pour but d’identifier, dans la mise en scène européenne des années 1990-2000, les pratiques de la frontalité et d’en déterminer les enjeux en termes de mise en scène, de jeu et de présence de l’acteur et de réception du spectateur. L’analyse distingue trois modalités d’intervention de la frontalité, chaque fois remises dans leur perspective historique. La première est celle de l’interpellation, dans l’héritage du théâtre de foire ou d’intervention. La frontalité y est le support d’un acte de communication. Deuxièmement, la frontalité prend une dimension cérémonielle et devient le fondement de l’acte théâtral pour élaborer, cette fois, une relation indirecte avec les spectateurs. Dans sa troisième modalité, la frontalité dépasse le face-à-face entre acteurs et spectateurs, soit par le recours à l’image vidéo, créant un face-à-face médiatisé, soit par l’extension de la frontalité à l’ensemble de la scène. Finalement, l’usage de la frontalité témoigne d’une nouvelle économie de la représentation fondée sur un principe de réciprocité entre le geste du metteur en scène, l’engagement de l’acteur, la production scénique et l’individu spectateur. Au-delà du souci de conduire le spectateur à une activité critique ou à une participation fusionnelle, la frontalité invite à interroger sa position de retrait et sa passivité extérieure. / This thesis aims at identifying the practices of frontal acting in the European performances between the 1990’s and the 2000’s in order to define its challenges with regards to the staging, the acting, the actor’s presence on stage as well as in terms of spectator’s perception. Our analysis distinguishes three modes of frontal acting, by replacing each of them in its historical context. The first one is “interpellation” inherited from the Theatre performances at fairs and the Agit-Prop Theatre. In this case, frontal acting is considered as a medium for communication. The second mode, frontal acting takes a ceremonial dimension and becomes the basis of the theatrical moment in order to create, this time, an indirect relationship between actors and spectators. In its third mode, frontal acting exceeds the face-to-face between actors and spectators either thanks to the use of the video – creating media attention around the face-to-face – or thanks to the extension of frontal acting to the full stage. Finally, the use of frontal acting indicates the emergence of a new performance mode based on a reciprocity principle between the gesture of the director, the commitment of the actor, the performance and the spectator as an individual. Beyond the willingness to lead the spectator to a critical thought processor to a fusional participation, frontal acting invites to question his distant position and his external passivity.

Le théâtre amérindien francophone et/ou de langues autochtones fait partie du paysage québécois depuis la fin des années 1970. Souvent désigné en tant que « théâtre des minorités » en raison de son histoire et de son contexte actuel, ce genre théâtral est lié de près à l’identité et à la mémoire. L’objectif de ce travail de recherche est d’entrevoir ce qui caractérise l’espace théâtral généré par les productions issues du théâtre amérindien francophone au Québec à travers le travail artistique de six créateurs rencontrés pour les besoins de ce mémoire. Pour une meilleure compréhension de ce genre théâtral, un survol historique axé sur le passage d’un théâtre colonial s’appropriant l’expérience amérindienne vers un théâtre amérindien se réappropriant son image ainsi que son identité sera effectué dans l’idée de voir ce qui a mené à l’éclosion d’un théâtre autochtone en Amérique du Nord durant le 20e siècle. Suite à cette démonstration, une revue de la littérature esquissera un portrait des différentes pistes de recherche utilisées pour aborder l’espace théâtral amérindien. Celles-ci permettront de mieux saisir la composition, le fonctionnement ainsi que les rôles de cette zone d’expression et d’observer diverses définitions du théâtre amérindien déjà établies. S’ensuivra une synthèse des entrevues ainsi qu’une analyse des données recueillies dont l’objectif est de voir ce qui détermine et constitue un espace théâtral amérindien autonome. Nous verrons à partir des résultats comment cet espace contribue au développement identitaire, culturel et politique. / The Aboriginal Theater either in French and/or Native American Aboriginal tongue is part of the Quebec landscape since the late 1970s. Often referred to as "theater of minorities" because of its history and its current context, this kind of theater is closely related to the identity and memory. The goal of this research is to make out what characterizes the theatrical space generated by production from the French Native Theater in Quebec through the artistic work of six artists met for the purposes of this paper. For a better understanding of this kind of drama, an historical overview will be made. This contextualisation will focus on the transition from a colonial theater appropriating the Native American experience towards an Aboriginal theater where the Native American reclaims his image and his identity, which led and motivated the emergence of an indigenous theater in North America during the 20th century. Following this demonstration, a literature review will outline the different avenues of research used to address the Indian theatrical space, wich will permit a better comprehension of the composition, the functionnings and the roles of this zone of expression and to observe the diverse definitions of the Aboriginal Theater that is already established. Will follow a summary of the interviews and an analysis of the data, whose purpose is to observe and determine what constitutes an autonomous Indian theatrical space. We see from the results how this space contributes to the identity and to the cultural and political development.

Ce mémoire aborde trois oeuvres du théâtre québécois contemporain, Scotstown de Fabien Cloutier, Yukonstyle de Sarah Berthiaume et Félicité d’Olivier Choinière dans le but de les comparer. Cette comparaison doit alimenter une réflexion sur le concept de québécité, que le présent mémoire définit comme la mise en place d’un traitement de l’identité qui encourage le développement d’une certaine ambivalence identitaire. En stipulant que les discours identitaires sont empreints de ce que Gérard Bouchard appelle les mythes sociaux, ce mémoire analyse le corpus proposé pour en extraire les parts rationnelles de ces mythes, mais aussi les parts émotionnelles, qui agissent comme fondation de l’identité au même titre que la raison. Ce faisant, ce mémoire a pour ambition de déplacer une perception de la québécité ancrée dans une tradition historique et politique influencée par le nationalisme pour ramener ce concept vers une définition plus large, mais aussi plus polysémique pour interpréter l’histoire de la dramaturgie québécoise, qui entretient depuis la Révolution tranquille un rapport ironiquement ambivalent à l’égard des discours identitaires. / This memoir addresses three works of contemporary Quebec theatre, Fabien Cloutier’s Scotstown, Sarah Berthiaume’s Yukonstyle and Olivier Choinière’s Félicité, for the purpose of comparing them. This comparison must fuel a reflection on the concept of Quebec-ness, herein defined as the establishment of a treatment of identity promoting the development of an ambivalent identity. By providing that identity discourses are marked by what Gérard Bouchard calls “social myths”, this memoir analyses the proposed corpus with the intent of extracting the rational part of such myths along with their emotional parts, with both parts considered equally significant in the foundation identity. This memoir seeks to move away from common conceptions of Quebec-ness that are rooted in a political and historical tradition influenced by nationalism and proposes a more global definition of this concept, a definition that takes into account various meanings, allowing us to revisit the history of Quebec dramaturgy, as said dramaturgy ironically maintains an ambivalent position in regards to identity discourses since the Quiet Revolution.

Cette thèse se propose d’étudier la diffusion et la réception du théâtre imprimé au XVIIe siècle dans deux aires géographiques ayant entretenu des rapports privilégiés sur le plan des échanges culturels depuis la Renaissance : l’Italie et l’Espagne. En effet, de la même façon qu’au XVIe siècle le théâtre italien de la Renaissance influence la naissance de la comédie humaniste en Espagne, le théâtre espagnol du XVIIe siècle est adapté et traduit par les dramaturges italiens. Le XVIIe siècle est également le moment où les grands dramaturges italiens et espagnols, dont la production alimente les représentations théâtrales, connaissent un succès inégalé non seulement sur les planches mais également grâce à la diffusion imprimée de leurs œuvres. De plus, au XVIIe siècle en toute l’Europe, la production théâtrale augmente sensiblement. Le théâtre est publié dans de petits et grands formats, en recueils ou en feuillets épars : l’édition théâtrale connaît une très forte augmentation. Cependant cette multiplication de l’imprimé théâtral n’est pas perceptible avec la même intensité à l’intérieur des bibliothèque privées des Espagnols et des Italiens ayant vécu au XVIIe siècle que nous avons étudiées.En nous appuyant sur les travaux qui concernent la matérialité du livre et l’histoire sociale, culturelle et littéraire, nous souhaitons étudier le théâtre en tant que phénomène ancré à l’intérieur des processus sociaux propres à l’Espagne et à l’Italie du XVIIe siècle, à travers à la fois l’analyse d’inventaires de bibliothèques privées et de paratextes de livres de théâtre. Cette approche implique une question générale qui est la suivante : de quelle manière la circulation et l’édition des textes théâtraux en Europe au XVIIe siècle ont-elles modifié la condition de l’auteur, les rapports entre théâtre et public (lecteurs et spectateurs), en permettant l’apparition de nouvelles théories et en construisant une conception du théâtre imprimé ? La réponse à cette ample interrogation nous permettra de dessiner un panorama européen de la circulation du livre de théâtre, des idées et des influences littéraires. En somme, deux grandes problématiques traversent nos recherches : d’un côté la circulation du théâtre imprimé, et de l’autre, sa réception en Espagne et en Italie au XVIIe siècle. / This research studies the diffusion and the reception of printed theater in the 17th century in Italy and Spain, two geographical areas having maintained privileged relations in terms of cultural exchanges since the Renaissance. As the Italian Renaissance drama influenced the birth of the humanistic comedy in Spain in the 16th century, in the same way Spanish drama is adapted and translated by Italian playwrights in the 17th century. The 17th century is also the century when the great Italian and Spanish playwrights know an unequaled success not only on the boards but also on the books pages promoted by printed distribution of their works. In addition, in 17th century throughout Europe, theatrical production increases significantly : the theatrical edition knows a very strong increase. The theater is published in small and large formats, in collections or « separate editions » (e.g. comedia suelta). However this multiplication of theatrical print is not visible with the same intensity in the private libraries of the Spaniards and Italians who lived in 17th century.We study theater as a phenomenon rooted in the social processes of Spain and Italy of the 17th century through the analysis of inventories of private libraries and paratexts of theater books. This approach involves a general question : how did the circulation and editing of theatrical texts in 17th century Europe change the status of the author, the relationship between theater and public (readers and viewers), allowing the developement of new theories and building a conception of printed theater ? The answer to theses questions will allow us to draw an European panorama of the circulation of theater books, ideas and literary influences. In other words, our research bases on two major issues : on the one hand the circulation of printed theater, and on the other, its reception in Spain and Italy of the 17th century.