Les fondations de ce mémoire reposent sur l'examen de trois figures de la littérature universelle : Lear, OEdipe et Werther. Fruits du génie de Shakespeare, de Sophocle et de Goethe, ces personnages, confrontés à une force qui leur est supérieure, entrent dans un processus d'autodestruction qui ne semble avoir pour fin que l'assouvissement d'une vengeance. En effet, que penser de ce vieux monarque respecté de ses sujets, qui, après avoir donné les clés de son royaume en héritage puis s'être fait spolier par ses filles aînées, persiste à vouloir se dépouiller et s'enfonce dans la folie? Que dire de cet autre vieillard aveugle, roi jadis vénéré, que le désaveu de ses fils a poussé à l'errance et dont l'ultime volonté est d'offrir à Athènes sa dépouille, en guise de rempart et de protection aux assauts éventuels de sa Thèbes natale, cité où gouverne sa descendance? Ou encore de cet amoureux qui se suicide avec le pistolet de l'époux de sa bien-aimée après s'être repu de la douleur et de la culpabilité que son geste causera inévitablement à cette dernière? L'objectif principal de cette recherche est de démontrer que le phénomène d'autodestruction remarqué dans ces oeuvres est fondamentalement lié à un concept élaboré par Milan Kundera, la litost. Clochardisation, héroïsme et suicide ne seraient, du moins dans ces textes, que trois personnifications d'une seule et même chose ; la pire des défaites, une vengeance que l'on s'inflige à soi-même dans le dessein inavoué d'atteindre et de détruire l'autre, celui par qui souffrances et humiliation sont advenues. Par ailleurs, et ceci constitue la seconde visée de la démarche, il s'agit d'établir que l'autodestruction ravageant Lear, OEdipe et Werther n'est en fait que la conséquence d'une crise d'identité subie par chacun d'eux. S'ils réagissent aussi fortement, c'est qu'ils ont été atteints dans ce qui représente pour eux le souverain bien de la vie. C'est que, selon Charles Taylor, à qui est empruntée la notion d'identité, il existe un lien indéfectible entre identité et orientation éthique. Pour le héros shakespearien, le Droit divin des rois, discours faisant du roi l'égal de Dieu, constitue l'assise éthique de son individualité. Le concept prémoderne des vertus d'Âlasdair Maclntyre permet d'établir le cadre moral d'OEdipe et donc de discriminer les valeurs à la base de la société héroïque, tels le courage et la ruse, de celles qui prévalent au sein de la société athénienne du présent de l'auteur, sa créature chevauchant l'un et l'autre monde. Pour Werther, l'un des dignes précurseurs du discours romantique, le bien suprême se résume à être aimé par celle qu'il a choisi d'aimer. L'atteinte des objectifs formulés et les constats qui en découlent - les nuances dans la manière de gérer ce désir de vengeance et le questionnement relatif à la légitimité d'une cause présumant de la sagesse ou de l'immaturité des protagonistes - viennent reconnaître la pertinence d'appliquer et d'étendre à d'autres grands auteurs cette stratégie de lecture novatrice, amalgame des concepts de litost et d'identité et à l'origine élaborée par Mustapha Fahmi pour la critique de titans shakespeariens.

Le bon sens veut qu’une distance émotionnelle sépare l’humain de l’objet inerte, surtout si celui-ci est une chose fabriquée à des millions d’exemplaires et destinée à un usage quotidien et banal. Sauf exception, l’individu adulte n’est pas porté à développer un sentiment d’empathie pour une théière, une lavette, un rouleau à peinture ou une épingle à linges, tous des objets que l’on pourrait retrouver dans une scène de théâtre d’objets. Le théâtre d’objets, pourtant, s’efforce de créer de l’empathie entre l’humain et l’inanimé, de sorte que le spectateur en vienne à développer un rapport affectif avec le personnage-objet lorsque celui-ci est animé par un acteur-manipulateur (un manipul’acteur). Cette thèse de maîtrise se penche sur le phénomène de dénégation dans le théâtre d’objets et sur les façons dont l’acteur-manipulateur permet ou facilite l’adhésion du spectateur à la fiction scénique. Dans un premier temps, une étude de la littérature savante permettra de distinguer le théâtre de marionnette du théâtre d’objets, mais aussi d’examiner le rôle qu’y joue le manipulateur dans sa relation à l’objet et au public. Dans un second temps, il s’agira de mettre à l’épreuve ce savoir par un laboratoire expérimental de théâtre d’objets qui évaluera l’importance de la présence visible de l’acteur-manipulateur ainsi que de l’anthropomorphisation de l’objet dans le processus de dénégation du public et de son adhésion empathique pour l’inanimé. Nous déterminerons que c’est notamment par transfert mimétique du manipulateur vers l’objet que cette adhésion se fait.

Si notre étude des Tragoediae sev diversarum gentium et imperiorum magni principes (1621) de Pierre Mousson (Petrus Mussonius) présente la réception de quatre figures historiques de l'Antiquité lors du renversement de leur pouvoir, nous nous centrons essentiellement sur la pièce liminaire du recueil, Pompeius Magnus, réécriture tragique de la mort de Pompée, où nous analysons le processus d'élaboration mis en œuvre à partir d'un épisode essentiel de la vie de ce personnage historique, à la lumière des modèles esthétiques de l'Antiquité, des historiens grecs à l'épopée latine. Son esthétique dramatique privilégie la dimension culturelle par rapport aux intentions édifiantes : fragilité des grandeurs, opposition entre sagesse et démesure. Relevant, par son écriture dans le cadre d'un collège jésuite, d'un théâtre pédagogique spectaculaire, elle s'inscrit dans une tradition encore récente d'un théâtre moral destiné à la représentation. Notre analyse étudie comment, en empruntant sujets et forme littéraire à la culture antique, ce Père jésuite, professeur de rhétorique, a composé ce corpus dans la tradition du théâtre humaniste, alliant tragédie et histoire, dans une dimension rhétorique qui répond aux exigences de l'enseignement jésuite.Bien qu'éditées en 2000 par R. Rieks (Petrus Mussonius, Tragoediae, Peter Lang, Frankfurt am Main, 2000), ces tragédies n'ont fait l'objet d'aucune traduction, d'aucune analyse approfondie de leurs sources antiques, d'aucune étude de leurs conditions de rédaction et de représentation, ce qui motive le présent travail, étude de la réception de figures historiques et de genres littéraires antiques, sous l'influence de la rhétorique / This study about Tragoediae sev diversarum gentium et imperiorum magni principes (1621) from Pierre Mousson (Petrus Mussonius), presents the reception of four historical figures of Antiquity when they were falling their authority ; but we focus our attention essentially on the preliminary play of the compilation, Pompeius Magnus, which is a tragic rewriting of the death of Pompée, and we analyse the development process implemented from an essential episode of the life of this historical character, with regard to aesthetic models of antiquity, from Greek historians to the Latin epopee. His aesthetics privileges the cultural dimension compared to the edifying intentions : fragility of splendours, opposition between moderation and excessiveness. Concerning the spectacular teaching theatre because written in the Jesuit colleges, it also falls under a still recent tradition of a moral theatre intended for the representation. We study how this Jesuit Father, who taught rhetoric, took inspiration from topics and literary form to the ancient culture, and composed this corpus in the tradition of humanistic theatre, by combining tragedy with history, in rhetorical dimension which fulfils the requirements of Jesuit pedagogy. Although published by R. Rieks (Petrus Mussonius, Tragoediae, Peter Lang, Frankfurt am Main, 2000), these tragedies have never been translated, their ancient sources never thoroughly analysed, and their conditions of writing and performing never studied ; all these reasons justify this work about reception of historical figures and literary styles of Antiquity, under rhetoric influence

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Ce travail propose l’étude des différentes formes d’activités dramatiques en latin, français et breton, qui ont pris place dans le Nord-Ouest de la France du XIIIe siècle au XVIIe siècle commençant. Il aborde le drame liturgique, le théâtre des mystères, des farces et des moralités, le théâtre des entrées solennelles et le théâtre humaniste, en combinant une approche à la fois littéraire, historique et sociale. Cette étude se fonde d’abord sur une importante recherche archivistique destinée à mettre à jour les connaissances sur les attestations du théâtre. / This PhD research studies drama and the dramatic culture in Latin, French and Breton in northwestern France from the 13th century to the very beginning of the 17th century. It encompasses liturgical drama, mystery plays, farces, morality plays, civic entries and humanist drama, thanks to an interdisciplinary approach combining literary, historical and social elements.This analysis is primarily based on a thorough and comprehensive archive investigation, meant to extend our knowledge about theatrical mentions.

Cette thèse pose un regard critique sur la dimension politique de la scène contemporaine de théâtre au Québec, dans une perspective comparative avec celle allemande, avec une attention particulière pour les villes de Montréal et Berlin. L’autrice y explore, dans la mise en scène, les gestes et les stratégies qui permettent à l’artiste de prendre position politiquement par le théâtre, soient le recours au réel, la traduction, l’adaptation et l’ironie. La mise en relation entre Berlin et Montréal se traduit dans chacun de ces gestes, mais aussi de façon générale, dans le rôle historique et symbolique que joue l’Allemagne chez les artistes de théâtre au Québec. L’analyse prend pour objet un corpus susceptible d’être diffusé dans le réseau international des arts vivants, composé de six productions récentes ("Le NoShow" (2013) du collectif Nous Sommes Ici et du théâtre du Bunker, "Fear" (2015) de Falk Richter, "100% Montréal" (2017) de Rimini Protokoll, "Macbeth" de Shakespeare monté en 2016 par Angela Konrad, "Ein Volksfeind" de Henrik Ibsen monté en 2012 par Thomas Ostermeier et "Dans la République du bonheur" de Martin Crimp monté en 2015 par Christian Lapointe). L’approche privilégiée, inspirée de l’expérience comme conseillère dramaturgique de l’autrice, est celle de l’intermédialité. Ainsi, les dimensions politiques des oeuvres sont étudiées dans la forme que prend leur propos, dans les esthétiques et les traditions convoquées par les choix de la mise en scène, ainsi que dans les mécanismes déployés pour établir une relation avec le public. L’approche intermédiale implique aussi de mettre en relation ces éléments avec leur contexte de production, du fonctionnement institutionnel des théâtres aux modes de financement qui en permettent la réalisation, en passant par le subtil rapport de force qui régit le milieu des arts de la scène. En prenant soin de cerner les contradictions au sein des oeuvres étudiées, cette thèse esquisse une approche critique des politiques de la scène contemporaine de théâtre, dans une démarche au plus près de la pratique. / This thesis offers a critical perspective on the political aspects of contemporary theatre in Quebec by using a comparative perspective with German theatre, with a particular focus on the cities of Montreal and Berlin. The author explores staging methods, gestures, and various strategies used by theatre artists to adopt political stances through theatre such as : the use of the real, translation, adaptation, and irony. The connection between Montreal and Berlin is highlighted through various gestures but also through the historical and symbolic role Germany has long held for Québécois theatre artists. This analysis will take into account a corpus of recent productions subject to international presentation : ("Le NoShow" (2013) from the artist collective Nous Sommes Ici and the Bunker theatre, "Fear" (2015) by Falk Richter, "100% Montréal" (2017) by Rimini Protokoll, Shakespeare’s "Macbeth" staged in 2016 by Angela Konrad, "Ein Volksfeind" by Henrik Ibsen staged in 2012 by Thomas Ostermeier and "Dans la République du bonheur" by Martin Crimp staged in 2015 by Christian Lapointe). Drawing on the author’s own experiences working as a dramaturg in Quebec, the thesis adopts an intermedial approach in order to explore the political aspects of the aforementioned works ; thus, it looks at what traditions are conveyed and what aesthetics are deployed through staging, as well as a host of other mechanisms, whose aim it is to garner audience sympathies. This intermedial approach will also shed a light on those elements by using the context of production, the institutional operations of theatres as to how they are financed, and the power relationships within the performing arts sector. By determining the contradictions in the studied works, this thesis will critique the politics of contemporary theatre through a practical methodology.

Ce mémoire de type recherche-création cherche à analyser comment certaines productions théâtrales professionnelles utilisent des outils technologiques de pointe afin de créer des effets esthétiques, pour ensuite tenter de les reproduire avec des technologies du quotidien que nous sommes plusieurs à posséder à la maison tels le téléphone intelligent, le haut-parleur bluetooth ou le projecteur lors de laboratoire de création. Le projet s’inscrit dans un contexte social où les technologies s’intègrent de plus en plus à notre vie domestique en se diversifiant davantage pour répondre à nos besoins et nous divertir. Alors que nous sommes entourés de ces machines, qui pour la plupart peuvent être mises en réseau, ce projet souhaite explorer comment ces objets technologiques du quotidien peuvent soutenir une création artistique, théâtrale en l’occurrence. Cette recherche propose de construire les fondements d’un savoir dans l’intégration des technologies du quotidien par le biais d’explorations qui tenteront de recréer les effets obtenus dans les spectacles à l’étude, mais avec les technologies qui peuvent être retrouvées dans plusieurs foyers occidentaux. La partie théorique de cette recherche s’articule autour de trois pôles conceptuels clés, c’est-à-dire l’intermédialité qui théorise les relations entre les médias, le solomachine qui sous-tend un jeu entre l’acteur, sa machine et le spectateur et finalement la figure du conteur qui manipule le récit ainsi que les outils permettant de le raconter. Dans le cadre de cette recherche, le conte du petit Chaperon rouge revisité par Joël Pommerat a servi de base textuelle commune aux explorations. Deux laboratoires de créations ont donné lieu à une quinzaine d’explorations expérimentant chacune des techniques pour intégrer les technologies du quotidien dans une scène théâtrale. Le résultat des laboratoires résume les points forts, les points faibles ainsi que les pistes d’exploration futures de chacune des techniques expérimentées.

L’alliance est une recherche-création au cours de laquelle écriture dramatique et Cycles Repère furent mis en parallèle. Cet essai témoigne de mon expérience d’auteure dramatique dans un processus suivant celui des Cycles Repère. Il vise à questionner l’utilisation de ceux-ci au profit de l’écriture dramatique. Il explicite, en premier lieu, les quatre étapes des Cycles Repère pour ensuite témoigner de la façon dont elles ont été appliquées et utilisées dans le contexte de mon travail. Il présente également le texte L’alliance, issu de ce parcours créateur et présentée en lecture publique le 18 décembre 2012. De plus, il rend compte de l’influence et de l’apport des Cycles Repère sur le travail d’écriture.

À Paris, au XVIIIe siècle, le théâtre se propage dans l’ensemble des couches sociales. Il devient un outil privilégié pour diffuser les nouvelles idées de l’époque. Les spectateurs deviennent alors le centre d’attention des créateurs autant pour les auteurs dramatiques, que pour les acteurs. C’est l’évolution de cette interaction qui nous a intéressé : comment, par sa présence, le public a pu influencer les représentations ; mais aussi à l’inverse, comment ce théâtre a pu modifier le comportement de certains spectateurs. Afin de comprendre l’ensemble des aspects de cette relation, nous avons divisé notre mémoire en quatre sections. La diversité des profils sociaux des spectateurs qui se sont déplacés vers les salles ainsi que la multiplication des types de salles de spectacle qu’ils ont fréquentées tout au long du siècle seront abordées dans un premier temps. Par la suite, nous analyserons les particularités de la confrontation des attentes des spectateurs et des visés des créateurs. Ensuite, quels étaient les dispositifs mis à la disponibilité des créateurs pour répondre aux espérances du public, mais aussi y trouver leur gain ! Pour terminer, nous présenterons l’impact de la représentation sur le public une fois qu’il a quitté la salle de spectacle.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.