Made available in DSpace on 2016-04-27T19:30:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rafael da Gama.pdf: 5711868 bytes, checksum: 1bcdadfeb0b9b75175c906503ace33c5 (MD5) Previous issue date: 2014-03-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research analyzes how part of the press of Belém, during the late 1930s and the early 1940s (1938-1941), portrays the cinema and the woman. We will seek to debate in what manner the press built female ideals associated to the movies, through issues, illustrations and advertisements. The major documentary sources that will be analyzed are two variety magazines "A Semana" and "Pará Ilustrado", that used to circulate in the city which constantly issued the State of Pará, promoting spaces, ideals and social behaviors. We will also examine the great press of Pará, the newspaper "Folha do Norte" and the female catholic magazine "Quero", discussing on how these media press depicted the city of Belém, its movie theaters and content. Furthermore, we will apprehend the approach made by the press towards women, the feminine ideal which they presented and how they used to articulate it in the direction of the female value shown in the cinema. Thus, the press will be discussed as an active agent in the urban medium, used by social groups for diffusion of spaces, behaviors and values, in this case, more specifically, in the propagation and consolidation of the cinema in the city, whether articulating with its social construction of the city of Belém or making a strong use of the feminine in the direction of disclosure and appreciation of the cinema / Esta pesquisa analisa como parte da imprensa belenense na década de 30 e início da década de 40 (1938-1941) retrata o cinema e a mulher. Procuraremos debater como a imprensa construía ideais femininos associados ao cinema, através de matérias, ilustrações e anúncios publicitários. As principais fontes documentais que analisaremos são as revistas de variedades A Semana e Pará Ilustrado , que circulavam na cidade, das quais constantemente tratavam do Estado do Pará, difundindo espaços, ideais e comportamentos sociais. Também analisaremos o jornal de grande imprensa do Estado do Pará Folha do Norte e a revista católica feminina Quero , debatendo como estes veículos de comunicação retratavam a cidade de Belém, suas salas cinematográficas e seu conteúdo fílmico. Ademais, perceberemos as suas abordagens feitas à mulher, os ideais femininos que estes apresentavam, e o modo como articulavam seus ideais de mulher aos valores femininos presentes no cinema. Assim, discutiremos a imprensa como um agente ativo no meio urbano, utilizado por grupos sociais para a difusão de espaços, comportamentos e valores, nesse caso, mais especificamente, na propagação e consolidação do cinema na cidade, quer seja o articulando com sua construção social da cidade de Belém ou se utilizando fortemente do feminino para difusão e valorização desse cinema

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:31:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Lucia Annoni de Mello.pdf: 4434787 bytes, checksum: cc97356b56cde9d5fed350b7c953ecac (MD5) Previous issue date: 2015-09-17 / By analyzing two chosen films, this study aimed to discuss in what manner a cultural production contributes to address the social tensions caused by the growing presence and participation of indigenous communities in our days. The cinema creates versions of reality, selecting and developing inside the movies a particular meaning, made with our historical references. Both films expose the diversity of the imaginary developed among the society, representing indigenous communities, as well as the contradictions of the ideological discourse and state policies adopted throughout the Brazilian modernization process / Por meio da análise dos dois filmes escolhidos, a pesquisa pretendeu discutir como uma determinada produção cultural pode contribuir para o equacionamento das tensões na nossa sociedade em função da crescente presença e participação das comunidades indígenas, hoje. O cinema como linguagem constrói compreensões da realidade, seleciona e desenvolve na sua estrutura interna, um pensamento articulado com nossas referências históricas. Os dois filmes expõem a diversidade do imaginário social desenvolvido pela sociedade ao representar as comunidades indígenas, como também as contradições dos discursos ideológicos e das políticas de estado adotadas ao longo do processo de modernização brasileira

Através da discussão do modelo para análise da estrutura dramática do cinema clássico proposto por Kristin Thompson e David Bordwell em contraposição não somente aos ditamos correntes na maioria dos manuais de roteiro norte-americanos, mas também a uma posição preconizada por autores que procuram analisar o cinema com modelos mais próximos à dramática, o estudo de dois filmes, Cidade de Deus e Central do Brasil, serve de subsídio para a composição de um roteiro cinematográfico intitulado Cléo e Damião. / Through the discussion of the model for analysis of dramatic structure in classical cinema proposed by Kristin Thompson and David Bordwell contrasted with current terms in screenwriting manuals and other works which try to bring the analysis of film closer to drama, the study of two films, City of God and Central Station serves as subsidy for the creation of an original screenplay entitled Cléo and Damião.

Orientador: Maria de Lourdes Ortiz Gandini Baldan / Banca: Sylvia Helena Telarolli / Banca: Leonardo Francisco Soares / Resumo: O campo de pesquisa no qual este trabalho se insere é o das intricadas relações entre literatura e cinema, e seu objeto de estudo é Guerra conjugal (1975), adaptação cinematográfica de Joaquim Pedro de Andrade, um dos expoentes do Cinema Novo, para alguns contos de Dalton Trevisan, um dos mais importantes escritores em língua portuguesa. Tomando-se o esforço adaptativo por tradução crítica e, portanto, nada afeito à exigência de fidelidade à obra original, o objetivo deste trabalho consiste em demonstrar, mediante análise do seguimento narrativo fílmico dedicado à decadente figura vampírica de Nelsinho, a orientação antropofágica que (1), em sentido positivo, norteia o método criativo do cineasta, cuja obra mantém estreito e fértil diálogo com a literatura nacional, mas sem a ela se submeter; e (2), agora em chave negativa, permeia as batalhas amorosas registradas em Guerra conjugal, em sua declarada intenção de dominar, impor-se, enfim, devorar o outro através do sexo, em tratamento que alinha o filme a ao menos duas grandes tendências do cinema de então: o sexo como bandeira política e o retrato da decadência via crônica da vida privada. Para a consecução de tal objetivo, procurar-se-á identificar os contos-base de Dalton Trevisan utilizados para a composição da trajetória de Nelsinho no longa-metragem, bem como os principais expedientes da literatura do escritor curitibano, sem deixar de considerar o contexto de explosão do gênero conto no Brasil entre as décadas de 1960-1970. Em seguida, analisarse- á pormenorizadamente a narrativa do filme-resultado, procurando-se evidenciar o modo como Joaquim Pedro traduziu os contos, ao reelaborar a literatura de Trevisan no interior de um gênero cinematográfico de amplo apelo popular, a pornochanchada, a cujos traços mais recorrentes o cineasta adere, em princípio, apenas para subvertê-los na sequência / Abstract: The research field in which this work can be inserted in is that of the intricate relations between literature and cinema, and its subject matter is Guerra conjugal (1975), a film adaptation by one of the exponents of Cinema Novo in Brazil, Joaquim Pedro de Andrade, for some short-stories by Dalton Trevisan, one of the most important writers in Portuguese. Taking the adaptive effort as a critical translation and not at all accustomed, therefore, to the requirement of fidelity to the original work, the objective of this research is to demonstrate, by the analysis of the filmic narrative sequence dedicated to the decadent vampire figure of Nelsinho, the anthropophagic orientation that (1), in a positive sense, guides the creative method of the filmmaker Joaquim Pedro, whose work holds closely and fruitful dialogue with the Brazilian literature, but without undergoing the books; and (2), now in a negative way, permeates the loving battles of Guerra conjugal, which characters' intentions are to dominate, to impose, finally, to eat each other through the sexual experience, in a choice that lines up the film to at least two major inclinations of the cinema from that decade: sex as a political banner and the picture of decay through the chronic of private life. To achieve this goal, efforts will be made to identify the short-stories by Dalton Trevisan used for the composition of Nelsinho's path along the film as well as the main literary expedients of the writer from Curitiba, while considering the context of growth of the short-story in Brazil between the decades 1960-1970. Then it will be tried to analyze in details the narrative of the film adaptation, in a way to highlight how Joaquim Pedro translated the short-stories to the screen, rewriting Trevisan's literature in a filmic genre of a broad popular appeal, the pornochanchada, to which recurring features the filmmaker adheres in principle just to subvert them after / Mestre

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira / Banca: Luiz Guimarães Monforte / Banca: Rubens Eduardo Monteiro de Toledo / Acompanha DVD com animações / Resumo: Na história do cinema a técnica do stop motion, também conhecido como animação por deslocamento, dificultava a padronização que a indústria impunha como regra, assim, foram praticamente eliminadas dos grandes circuitos e prosseguiram pela produção de artistas independentes que podiam experimentar técnicas e estilos, sem a necessidade da criação de rígidos conjuntos de regras de produção e sem ficarem presos à linguagem cinematográfica criada. A proposta desta pesquisa é entrar no universo dos animadores que criaram uma linguagem independente da usada nas animações de grande massa, trazendo para a atualidade a prática do stop motion como técnica artesanal de animação. Como prática produzimos e realizamos cinco curtíssimas, sendo os processos e procedimentos mais relevantes do que as obras em si, porque neles encontramos a construção do pensamento que os tornaram possíveis, ilustrando a diferença entre aquilo que se concretiza como filme e o seu projeto idealizado / Abstract: In the history of movie making, the stop motion technique - also known as animation by displacement - hindered the pattern imposed by the industry as a rule, therefore it was practically eliminated from the big circuits and its production continued only by the efforts of independent artists who were able to experiment techniques and styles without following a rigid set of production rules, being free to explore the cinematographic language. This research intends to enter the universe of the animators who created an independent language from those used in the industrial circuits, bringing the current practice of stop motion as a craft technique and labelling the animation as a cinematographic and artistic practice. The stop motion as a creative reflection of how it would be possible to give thoughts new meanings of expression by the observation and description of the whole creative process / Mestre

Outros cinemas é uma pesquisa teórico-prática que discorre sobre o deslocamento do dispositivo cinema para os espaços da arte. São tomadas como ponto de partida as práticas pré-cinematográficas, seguidas das práticas com o dispositivo cinema desenvolvidas nos anos 1960 e 1970, no âmbito artístico internacional e nacional. Por fim, trabalhos produzidos por mim e em parceria com o grupo Poéticas Digitais apontam para reflexões acerca do contexto contemporâneo. Sem isolar a problemática brasileira em relação ao conjunto da produção mundial, este trabalho se propõe o desafio de pensar os contextos internacional e nacional da presença do dispositivo cinema como estratégia artística para a espacialização e desmaterialização e a abertura para a participação do público na passagem dos anos 1960 para os anos 1970, além de apontar para um modo de entendimento do contexto contemporâneo por meio de projetos pessoais. Esta pesquisa busca, por meio dos artistas Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek e Hélio Oiticica, explorar suas reflexões particulares e confirmar a presença definitiva dos artistas contemporâneos no debate crítico. Por esse viés, o dispositivo cinema é contextualizado em três viradas históricas: na transição para o modernismo, no pós-modernismo e na contemporaneidade. Essas passagens pontuam rupturas e atualizações do dispositivo, ao mesmo tempo que revelam as circunstâncias do deslocamento das salas escuras para o cubo branco. / Other cinemas is a theoretical and practical study addressing the displacement of the of the cinematic apparatus in contemporary art. Precinematic strategies are taken as a starting point, followed by the practices of the cinematic apparatus developed in the 1960s and 1970s, at international and national levels. In conclusion, works developed by me and in partnership with the group Digital Poetics lead to reflections on the contemporary context. Encompassing the Brazilian problematic in relation to the body of international production, this research attempts to undertake the challenge of reflecting about the presence of the cinematic apparatus in both international and national contexts as artistic strategy of spatialization, dematerialization and topening for public participation in the passage of the 1960s to the 1970s, furthermore it indicates to one way of understanding contemporary context through personal projects. This research explores the works of Anthony McCall, Paul Sharits, Stan VanDerBeek and Hélio Oiticica, and these artists\' personal reflections, as it confirms the definitive presence of contemporary artists in the critical debate. From this angle, the cinematic apparatus is contextualized in three historical turns: the transition to modernism, to postmodernism and to contemporaneity. These passages punctuate ruptures and updates of the cinematic apparatus at the same time it reveals the circumstances of its displacement from dark rooms to the white cube.

O presente trabalho busca analisar como certos filmes do modo de representação observacional são capazes de incitar no espectador a impressão de vislumbrar a própria realidade na tela, dividindo-se a pesquisa em dois períodos e contextos particulares: nos anos 60, quando surgiu o Cinema Direto nos Estados Unidos em torno da Drew Associates, e nos anos 2000 a partir de dois documentários brasileiros. / This work analyzes as certain films of the observational mode of representation are capable of provoking in the spectator the impression of glimpsing the reality itself on the screen in two periods and particular contexts: in the 60s, when the Direct Cinema appeared in the United States around the Drew Associates, and in the years 2000, through two Brazilian documentaries.

La présente thèse étudie la transformation de l’Italie vers la postmodernité (1957-1978) à travers le cinéma de trois auteurs : Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini. Elle explore l’historicité du cinéma, en interrogeant la manière par laquelle le septième art constitue une mise en forme et une écriture de l’histoire. Dans la convergence de deux histoires, celle humaine et celle du cinéma, elle met en récit l’expérience de la transformation sociétale et artistique. En dernière analyse, il est question d’étudier le cas italien comme un paradigme. En réactualisant les propositions des trois cinéastes dans le contexte contemporain de la mondialisation, de l’hypermédiatisation et de la domination technologique, le présent travail nous invite à repenser la vie humaine et la création artistique face aux défis de la postmodernité. / This thesis examines the transformation of Italy towards postmodernity (1957-1978) through the cinema of three film directors: Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, and Pier Paolo Pasolini. It explores the historicity of cinema, by questioning the concrete means through which film constitutes a form and a writing of history. In the coming together of two histories, the human one and that of the cinema, the thesis recounts the experience of a societal and artistic transformation. In the final analysis, it is a question of studying the Italian case as a paradigm. By updating the proposals of the three filmmakers in the contemporary context of globalization, hypermedia and technological domination, this work invites us to rethink human life and artistic creation, facing the challenges of postmodernity.

Submitted by Silvana Teresinha Dornelles Studzinski (sstudzinski) on 2017-02-10T12:49:22Z No. of bitstreams: 1 Luiz Henrique Gehlen_.pdf: 1373955 bytes, checksum: d2ae70201efa0171b1e893a7e77e5b4b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-10T12:49:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luiz Henrique Gehlen_.pdf: 1373955 bytes, checksum: d2ae70201efa0171b1e893a7e77e5b4b (MD5) Previous issue date: 2017-01-10 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A presente dissertação está inserida na linha de pesquisa Mídias e Processos Audiovisuais e tem como objetivo geral discutir a presença sonora a partir do uso de sons acusmáticos no cinema. Nossa argumentação é erigida em consonância com a necessidade de problematizar o som como um elemento expressivo na experiência sensorial do universo das imagens cinematográficas, tendo como horizonte a contribuição estética que as sonoridades técnicas ofertam ao cinema moderno. Para tanto, a fundamentação teórica é construída principalmente com base nos conceitos propostos por Gilles Deleuze, Walter Benjamin, Hans Ulrich Gumbrecht, Didi-Huberman e Michel Chion. No sentido de alcançar nossos objetivos, utiliza-se uma metodologia própria construída qualitativamente com ênfase nos métodos: Intuitivo, scanning, cartografia e na desconexão inspirada em Michel Chion, pelos quais tratamos de autenticar as atualizações da presença sonora – a dimensão da escuta e a presença sonora como potência de atualização dos corpos - na obra A Mulher Sem Piano (2009), filme dirigido por Javier Rebollo que representa a estética emergente do “novo cinema espanhol”. / The present thesis is inserted in the Media and Audiovisual Processes research line, and its general objective is to discuss the sonorous presence, by using of acousmatic sounds in cinema. Our argument is built in consonance with the need to problematize sound as an expressive element in the sensory experience of the cinematographic images universe, taking in consideration the aesthetic contribution that technical sonorities offer to modern cinema. For this, the theoretical foundation is built mainly on the concepts proposed by Gilles Deleuze, Walter Benjamin, Hans Ulrich Gumbrecht, Didi-Huberman and Michel Chion. In order to achieve our objectives, it is used a qualitative methodology built with emphasis on the methods: Intuitive, scanning, cartography and the disconnection inspired by Michel Chion, for which we try to authenticate the updates of the sonorous presence - the dimension of listening and the sonorous presence as a updating potency of the bodies - in the movie The Woman Without a Piano (2009), directed by Javier Rebollo, that represents the emergent aesthetics of the "new spanish cinema".

A presente pesquisa é fruto da observação de uma tendência recorrente nas cinematografias brasileira e argentina nos primeiro 16 anos do século XXI, qual seja, um estilo que deriva da combinação de princípios de uma estética realista com elementos característicos do horror. Gostaríamos de sugerir que essa mistura criativa de processos de linguagem, tradicionalmente díspares, cria uma atmosfera sensória de tensões e suspenses que se liga com aspectos psicológicos e subjetivos de um momento histórico particular ao Brasil e à Argentina. Isso ocorre principalmente em obras que, dentro desta tendência, expressam o tensionamento de diferentes segmentos sociais e se inspiram em um estilo vinculado ao imaginário gótico. A fim de demarcar essa atmosfera de medo em filmes realistas brasileiros e argentinos, realizaremos uma análise dos motivos temáticos, das ambiências e estados climáticos nos longas-metragens O som ao redor (Kleber Mendonça Filho, 2013) e Bem perto de Buenos Aires (Historia del Miedo, Benjamín Naishtat, 2014). / The present research is the result of the observation of a recurring tendency in Brazilian and Argentinean cinematography in the first 16 years of the 21st century, that is, a style that derives from the combination of elements of a realistic aesthetic with characteristic horror elements. We would like to suggest that this creative blend of traditionally disparate language processes creates a sensory atmosphere of tensions and suspensions that is linked with psychological and subjective aspects of a particular historical moment in Brazil and Argentina. This occurs mainly in works that, within this tendency, express a tension of different social segments and are inspired by a style linked to the Gothic imaginary. Through the analysis of thematic motifs, ambiences and climatic states, the research will draw a comparison between the films O Som ao Redor (Kleber Mendonça Filho, 2013) e Bem perto de Buenos Aires (Historia del Miedo, Benjamín Naishtat, 2014).