Orientador: Francisco Elinaldo Teixeira / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Campinas / Made available in DSpace on 2018-08-14T18:12:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bonotto_Andre_M.pdf: 1682639 bytes, checksum: b1eec344d3f7976da64393502e4eff35 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Este é um trabalho de análise fílmica da trilogia Qatsi (Koyaanisqatsi, owaqqatsi, aqoyqatsi), dirigida por Godfrey Reggio. É apresentada de início uma bio-filmografia do diretor, indicando sua trajetória e comentando um pouco sobre cada um de seus filmes. A seguir passa-se à análise dos filmes da trilogia, abordando-se primeiro Koyaanisqatsi, quanto aos movimentos de aceleração realizados ao longo das passagens fílmicas, decorrentes principalmente da captação de imagens aceleradas, da movimentação de câmera, e da relação imagem-música. É analisado então Powaqqatsi, discutindo-se um elemento fabulativo que envolve o filme: tanto os povos representados nele, quanto o próprio processo de realização fílmica. Passa-se à análise de Naqoyqatsi, apontando-se a diversidade de materiais visuais utilizados, com o predomínio das imagens técnicas, midiáticas, e virtuais, e sua relação no choque entre dois impulsos contrários, um de caos e o outro de controle. Após essa primeira parte são retomadas as questões principais trabalhadas em cada filme, observando-se a relação de cada uma com os outros filmes - o universo de toda a trilogia. Abre-se com isso o horizonte inicial, relacionando-se então os filmes da trilogia Qatsi com filmes do movimento das sinfonias da cidade, através de relações estéticas, e de algumas relações temáticas. Por fim, expande-se um pouco mais o horizonte do trabalho, identificando-se características dos filmes analisados com elementos oriundos da intersecção dos domínios do cinema documentário com o do cinema experimental, como as constantes fragmentações das narrativas e anamorfoses das imagens. A intersecção desses domínios possibilitaria a existência da estilística fílmica designada como documentário poético, o que se considera ser o caso dos filmes abordados neste trabalho. / Abstract: This work is a filmic analysis of the Qatsi trilogy (Koyaanisqatsi, Powaqqatsi, Naqoyqatsi), directed by Godfrey Reggio. Firstly, it is presented a bio-filmography of the director, indicating his trajectory and some comments on each of his films. Then, the analysis of the trilogy takes place, beginning with Koyaanisqatsi and focusing the acceleration movements along the filmic passages, mainly due to the registration of accelerated images, camera movement and music-image relationship. The Powaqqatsi analysis involves the discussion of the fabulative element present in the film: on the people and actions represented as well on the own filmmaking process. During the Naqoyqatsi analysis, it has been pointed out the diversity of visual materials used, in which dominate technical, mediatic and virtual images, and their relation with the shock of two opposite impulses, i.e. chaos and control. Further, the major issues focused in each film are again considered, taking into account their relations with the other films - the universe of the whole trilogy. The opening of the initial horizon occurs relating the films of the Qatsi trilogy with those of the movement of the city symphonies, through aesthetic and some thematic relationships. Finally, it is performed a further expansion of the initial horizon, identifying characteristics of the films analyzed with elements originated from the intersection of the documentary and experimental film domains, like the frequent narratives fragmentation and anamorphic image fluxes. The intersection of these fields would allow the characterization of the filmic stylistics known as poetic documentary, that is considered to be the case of the films here analyzed. / Mestrado / Mestre em Multimeios

Orientador: Carlos Eduardo Albuquerque Miranda / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-11T09:13:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Figueiredo_PriscillaKelly_M.pdf: 18154524 bytes, checksum: 0163780c693dc198320cd18a30cdbb7c (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: Este trabalho é um olhar sobre as práticas corporais nas revistas de cinema Cinearte e Scena Muda entre os anos de 1921 a 1941. As fotografias das revistas foram fontes importantes para tratarem das práticas esportivas, ginásticas, maquiagens, formas de vestir, comer, falar; enfim, formas de viver na nova sociedade urbano-industrial brasileira a partir do modelo de Hollywood. Tais fotografias, ao revelarem as referidas práticas, tratam de um discurso maior: a beleza. As imagens das estrelas de cinema Hollywoodianas eram, sobretudo, modelos a serem seguidos de prazer, civilidade e modernidade. A casa e os mais diversos espaços de intimidade são cenários de luxo e espetacularização de um corpo que precisava ser visto e desejado para ser consumido. A educação para a beleza vai ser o discurso norteador de todas as práticas, justificando os mais diversos investimentos sobre o corpo / Abstract: This work is a view over the corporeal practices in Cinearte and Scena Muda cinema magazines, between 1921 and 1941. These magazines pictures were important sources of sporting practices, gymnastics, make-up and dressing, eating and talking forms. To sum up, ways of living in the new Brazilian urban-industrial society ¿ based on a Hollywood pattern. Such photographs, while revealing these practices aimed a more ample speech: beauty. The Hollywood like stars images, were, above all, desire, civility and modernity patterns to be followed. The house and other several camps of intimacy are sceneries of luxury and spetacularization of a body which has the need of being seen and longed for to be consumed. The education for the beauty will be an orientating speech to all the practices, justifying the most diverse investments regarding the body / Mestrado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Mestre em Educação

Este é um estudo sobre os escritos do cineasta Dziga Viértov e sobre a publicação desses documentos na União Soviética e, posteriormente, na Rússia. Na primeira parte deste trabalho, é analisado o primeiro momento de resgate da obra de Viértov na então URSS pouco após o falecimento do cineasta, em 1954. Relacionando esse processo ao contexto mais amplo do chamado Degelo e analisando o período que vai de 1957 a 1967, vemos como o redescobrimento dos filmes de Viértov correu em paralelo com o redescobrimento de sua obra escrita, através da publicação de seus artigos, diários e roteiros inéditos inicialmente em revistas e jornais, depois na primeira coletânea desses escritos a ser publicada na URSS, Statí. Dnevnikí. Zámisli (Artigos. Diários. Projetos), organizada por Serguei Drobachenko. Lançada em 1966 e fonte comum de todas as principais traduções de textos de Viértov hoje disponíveis em diversos idiomas, esta coletânea é aqui analisada criticamente: partindo de comentários de pesquisadores como Liév Rochál, Aleksandr Deriábin, John MacKay e Dária Krujkôva a respeito de imprecisões na reprodução dos textos no volume, sobretudo em relação a cortes realizados por motivos políticos, foi realizado para este trabalho um cotejo de todos os documentos incluídos em Statí. Dnevnikí. Zámisli com as versões desses mesmos materiais na recente edição Iz Nasliêdia da obra escrita de Viértov, publicada na Rússia em dois volumes (2004, 2008). A íntegra desse cotejo é apresentada como a Parte IV deste trabalho; na Parte I, a partir de exemplos concretos de artigos que foram modificados, são propostas e analisadas as características gerais dos cortes e reescrituras deliberadas realizadas pelo editor do volume, sendo ressaltados os limites - estéticos e políticos - deste primeiro momento de recuperação da obra do cineasta na então URSS. Na Parte II, partimos de diversos materiais incluídos na recente edição Iz Nasliêdia (em grande parte, até então inéditos) e também de documentos preservados no fundo de Viértov no RGALI, em Moscou, e no Österreichiche Filmmusem, em Viena, para estudar a \"última fase\" da carreira de Viértov, de 1938 a 1954, anos durante os quais o cineasta realiza poucos filmes, mas desenvolve mais de trinta projetos que acabaram não sendo realizados. Destacamos suas tentativas de realizar filmes infanto-juvenis, suas experiências durante a Segunda Guerra Mundial, seus projetos de retratos de pessoas comuns, seus textos autoreflexivos da década de 1940 e os últimos artigos que escreve a partir de sua experiência no cinejornal Nôvosti Dniá, onde trabalhou de 1944 até sua morte em 1954. Na Parte III desta dissertação, são apresentadas traduções feitas a partir dos originais em russo (publicados em Iz Nasliêdia e preservados no RGALI e no Österreichiche Filmmusem) de catorze textos do cineasta comentados ao longo das partes I e II. / This is a work about the writings of Soviet filmmaker Dziga Vertov and their publication in Soviet Union and, more recently, in Russia. In its first part, we analyze the first wave of Vertov\'s posthumous recognition in the USSR after his death in 1954. Relating this process to the broader context of the so-called period of the Thaw and focusing on the time frame of 1957 to 1967, we discuss how the rediscovery of Vertov\'s films was accompanied by a rediscovery of his writings, through the publication of many previously unpublished articles, diaries and scripts initially in various film journals and newspapers and, in 1966, in the first collected edition of these materials to be published in the Soviet Union: Stat\'i. Dnevniki. Zamysly, organized by Sergei Drobashenko. As the main source for all of the most important translations of Vertov\'s writings to languages such as German, French and English, this edition is critically analyzed here: departing from commentaries by researchers such as Lev Roshal\', Aleksandr Deryabin, John MacKay and Daria Kruzhkova about the many imprecisions existent in the reproduction of Vertov\'s texts in this 1966 edition - such as the omission of certain paragraphs and sentences due to their political content -, a thorough comparative analysis was made for this work between all the texts included in Stat\'i. Dnevniki. Zamysly and the reproduction of these same materials in the recent Russian two-volume edition of Vertov\'s writings, Iz Nasledya (2004, 2008). The full text of this comparison is presented as Part IV of this work; in Part I, the general characteristics of these cuts and deliberate rewritings of certain passages within the texts, made by the volume\'s editor, are discussed on the basis of some concrete examples of documents that were considerably altered. By means of this analysis, we also discuss the aesthetical and political limits of this first wave of posthumous interest in Vertov in the USSR. In Part II, we depart from various materials included in the recent Iz Nasledya edition (many of which were previously unpublished) and also from documents preserved in Vertov\'s fund in the RGALI, in Moscow, and in the Dziga Vertov Collection of the Österreichische FIlmmuseum, in Vienna, to study the \"later period\" of Vertov\'s career, from 1938 to 1954, years during which he was able to make only a few films, but developed over 30 projects that remained unrealized. We discuss his unrealized projects for children\'s films, his experiences during the Second World War, his projects for portraits of ordinary people, his reflexive autobiographical texts of the 1940s and the last articles he wrote on the basis of his experience in the Novosti Dnia newsreel, which occupied Vertov from 1944 until his death in 1954. In Part III, we present translations to Portuguese from the Russian originals (published in the Iz Nasledya edition and preserved in the RGALI and in the Österreichische Filmmuseum) of fourteen of the filmmaker\'s texts commented in parts I and II of this work.

Esta tese aborda a circulação no Brasil de versões em espanhol produzidas por estúdios de Hollywood nos primeiros anos do cinema sonoro. Procuramos identificar nestes filmes algumas representações que os produtores norte-americanos vincularam à identidade latina. Temos o Rio de Janeiro e São Paulo como recorte geográfico, a partir da pesquisa histórica de recepção nas revistas Cinearte e A Scena Muda e nos jornais Correio da Manhã e O Estado de São Paulo. Entre 1930 e 1935, esses periódicos mencionaram uma série de produções hollywoodianas em língua espanhola, que nossas revistas consideraram inferiores aos filmes originais em inglês devido à barreira da língua e aos padrões de qualidade cinematográficos estabelecidos. Visamos demonstrar como a recepção das versões pela imprensa carioca e paulistana marcou o distanciamento que alguns grupos de nossa elite cultural projetavam em relação à América Latina, bem como um espelhamento nos Estados Unidos, afirmando uma relação imperialista pela via da cultura. / This dissertation approaches the circulation in Brazil of the Spanish-language versions produced by Hollywood Studios in the early years of sound cinema and aim to identify in these films some representations of Latinidad made by American producers. The cities of Rio de Janeiro and Sao Paulo constitute the geographic approach. The magazines Cinearte and A Scena Muda, and the newspapers Correio da Manhã and O Estado de São Paulo were the main reference for the historical research. Between 1930 and 1935 these journals mentioned some Hollywood Spanish-language productions, which Brazillian magazines considered worse than the original English-language films because of the language barrier and the established film quality standards. This work aims to demonstrate how the reception of the Spanish-language versions by the Brazilian press marked the distancing that some groups of Brazil´s cultural elite projected towards Latin America, as well as a mirroring in the United States. It marks an imperialist relation through culture.

Este estudo tem como propósito pesquisar como as produtoras de animação publicitária em São Paulo absorveram gradativamente a tecnologia digital a partir de meados dos anos 1980 até os anos 1990, observando seu funcionamento antes, durante e após a implementação mais efetiva dos novos recursos, identificando os fatos e dados que apontam para o impacto no processo criativo em todas as suas etapas. A partir de uma revisão bibliográfica, apresenta-se o modelo de produção analógico em animação, permitindo-se conjecturar a respeito do ambiente sócio-cultural que propiciou o surgimento dos estúdios de animação que imprimiram sua marca na história da publicidade brasileira. Dentro de uma perspectiva de pesquisa qualitativa fundamentada na história oral, procura-se, por meio de entrevistas com os produtores, compreender o trajeto da realização de um filme de animação, tanto da era analógica como da era digital. Buscou-se, com a coleta de depoimentos, criar evidências para a pesquisa, esperando contribuir assim para o resgate histórico de um momento muito fértil em nossa animação, e de um segmento audiovisual tradicionalmente pouco contemplado nas discussões acadêmicas. Como resultado, obteve-se uma reflexão sobre a evolução do processo criativo, que se mostrou dar-se não apenas em função da tecnologia, mas também em função de um conjunto de elementos sócio-econômico-culturais que influenciam na fruição através dos tempos e determinam diretrizes de produtividade para o audiovisual / This study aims to research how animation advertising companies have gradually absorbed digital technology in São Paulo from the mid-1980s until the 1990s. By observing their functioning before, during and after the effective implementation of new resources, and, by this investigative approach, the study identifies the facts and data which point toward the impact on the creative process at all its stages. In the review of literature, the analog production model of animation is presented, which allows for conjecturing as to what socialcultural environment has enabled the emergence of animation studios which have left their mark in the history of Brazilian advertising. From a qualitative research perspective grounded on Oral History, it used interviews with producers, to document and gain a clearer understanding of the making of an animation film, in both in the analog as well as in the digital era. By the collecting accounts, research evidence hopes to contribute to a historical review of a particularly fertile moment in the history of Brazilian animation. As well this study documents an audiovisual segment that traditionally is not addressed in academic discussions. As a result, a reflection of the development of the creative process was obtained, not only because of technology used but also by virtue of a set of social-economic-cultural elements which have influenced the fruition throughout times and determined productivity guidelines for the audiovisual.

Depuis la fin des années 1990, un certain courant du cinéma américain indépendant s'est développé à travers l'instauration d'une nouvelle communauté culturelle (jeune, intellectuelle, 'branchée'), d'où a découlé la constitution d'un nouveau public-niche à l'image de cette communauté ; mais également à travers l'invention d'une nouvelle imagerie, d'une nouvelle esthétique et de nouveaux modes de narration. notre hypothèse de travail est la suivante : le cinéma indépendant américain contemporain est devenu 'à la mode' et se prétend être la seule alternative sincère et indépendante du marché du cinéma plus grand public. il s'est constitué depuis les années 1990 jusqu'à aujourd'hui comme une véritable catégorie culturelle qui affiche son caractère d'opposition à un style commercial dominant. or les films indépendants américains sont devenus des produits culturels, tout autant que les films plus grand public. ce qui fut par exemple étiqueté un temps comme l'esthétique caractéristique des films indépendants américains est également réemployée et réinterprétée par hollywood qui la réintègre dans un style dominant (valorisation d'un effet 'petit budget', d'un style visuel amateur).le caractère indépendant des films n'est donc pas tant économique, industriel (ils sont d'ailleurs pour la plupart financés en partie par des grands studios) ou esthétique mais il est plutôt vécu comme une catégorie culturelle autonome, comme un mode de consommation culturelle (organisé par des stratégies marketing spécifiques). / As it became more popular, American independent cinema developed a perceptible label and a commercial industry. It is no longer a peripheral or marginalindustry and instead a dominant cultural sphere. This explains why this contemporary phase of independent cinema is commonly criticised or questioned.This popularisation of independent cinema developed media saturation. Everyone seems to have its own definition, which explains the discursive conflict and contradictory definitions of independent cinema. This independent position has exceeded its industrial and economic status. The new independent model questions agenuine American independent cinema even though the existence of it is assimilated in the auteuriste, promotional, critic and spectatorial discourses. Though,independent cinema represents now a cultural label, a culture of taste, and acommunity of elitist consumers in opposition of Hollywood. It organizes different interpretive strategies and expectations that are shared among authors, audiences,critics and distributors. Independent cinema coheres as a cultural category and nolonger just as a set of industrial or formal or stylistic conventions. It is the product of a judgment that we make about a certain cinema. Independent cinema is a perceptive film category.

[pt] Esta pesquisa apresenta a trajetória da atuação católica brasileira em cinema ocorrida no Rio de Janeiro, no período que compreende os anos entre 1954 e 1975, desde a criação da Central Católica de Cinema até sua extinção, ao ser absorvida pelos quadros de comunicação da CNBB. A Central foi uma instituição que organizou nacionalmente atividades da ala leiga católica em cinema, atuando principalmente na criação de fichas com cotações morais de filmes. Entretanto, estendeu sua atuação para promoção de cineclubes, cursos de cinema e criação de premiações católicas para filmes brasileiros, como o Prêmio Margarida de Prata e o Troféu Jangada. Tal empenho findou por lançar a pedra fundamental da organização Cineduc – Cinema e educação, que promove ensino de cinema e audiovisual para crianças, ainda em atividade nos dias de hoje. A pesquisa apresenta, sempre articulando as atividades cinematográficas com o contexto político brasileiro, como o olhar católico deslocou-se do moralismo censório inicial para a preocupação acerca da formação do espectador, desde sua infância e a implicação deste olhar na construção de uma cultura cinematográfica implicada com as questões sociais e estéticas brasileiras. / [en] This study presents the brazilian catholic work on cinema as it happened in the city of Rio de Janeiro between the creation of the Central Católica de Cinema in 1954, and its incorporation into the communication services of CNBB in 1975. The Central was an institution that organized on the national level the cinematographic activities of the catholic laity, working mainly on the moral rating of films. Its activities also included promoting film societies and courses, and the creation of catholic awards of brazilian cinema such as the Prêmio Margarida de Prata and the Troféu Jangada. The Central laid the ground for the Cineduc - Cinema e educação, a still active organization that provides audiovisual education for children. Relating cinematographic activity with the larger brazilian political context, this study shows how the catholic attention moved from moral censoring to a concern about the education of the moviegoer from his or hers childhood, and the involvement of this attention with the establishment of a cinematographic culture attuned to brazilian social and aesthetical issues.

Orientador: Marcelo Ramos Lazzaratto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T18:33:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bordinhon_EduardoMoraes_M.pdf: 3845537 bytes, checksum: 82fb436c7a3c64c012d0ee44bed936d6 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Essa dissertação teve como objetivo estudar os procedimentos técnicos que envolvem o trabalho a interpretação para cinema. Para isso, tivemos como objeto de pesquisa a filmografia do ator Marlon Brando (1924 ¿ 2004), com enfoque nos filmes "Uma Rua Chamada Pecado" (Elia Kazan, 1951), "Sindicato de Ladrões" (Elia Kazan, 1954), "A Face Oculta" (Marlon Brando, 1961), "O Grande Motim" (Lewis Milestone, 1962), "O Poderoso Chefão" (Francis Ford Coppola, 1972) e "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Verificamos, ao longo desses filmes, os procedimentos de construção de cena e personagens apoiados nos escritos de Stella Adler (2002) e Constantin Stanislavski (2001) sobre o trabalho do ator, com enfoque nas ações físicas no uso da imaginação e observação. Além disso, analisamos os temas e personagens recorrentes na filmografia de Brando identificando uma padronização de seu aparecimento na tela. Tal padrão está intimamente ligado à própria personalidade do ator e chega em duas figuras essenciais: o "jovem rebelde", presente nos filmes dos anos 1950 e caracterizado por sua postura contra o sistema vigente e o "padrinho", consolidado nas obras da década de 1970, marcado por sua relação de mentor de um personagem ou grupo de personagens. Para investigarmos essa padronização, utilizamos o conceito de ator-autor proposto por Patrick McGuiligan (1975) e desenvolvido por Luc Moullet (1993) e Pedro Maciel Guimarães (2012), com o qual se analisa a filmografia de um ator em busca de aspectos formais e temáticos que o possam nomeá-lo como co-autor de um filme / Abstract: This dissertation aim was studying the technical procedures of acting in cinema. In order to do this, we took as research material the filmography of the actor Marlon Brando (1924 ¿ 2004), focusing in the films "A Streetcar Named Desire" (Elia Kazan, 1951), "On The Waterfront" (Elia Kazan, 1954), "One-Eyed Jacks" (Marlon Brando, 1961), "Moutiny on the Bouty" (Lewis Milestone, 1962), "The Godfather" (Francis Ford Coppola, 1972) and "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Through those movies, we verified the procedures of creating a scene and a character supported by the writings of Stella Adler (2002) and Constantin Stanislavski (2001) on acting, focusing on physical actions, imagination and observation. Furthermore, we analysed the recurrent themes and characters on Brando¿s filmography investigating a pattern in his appearance on screen which is linked with the personality of the actor himself. Thus, we find two essential figures, the "young rebel", in the movies of the 1950s and characterized by his position against the hegemonic system, and the "godfather", consolidated in the 1970s, characterized by his relation as a mentor of a character or a group of characters. To investigate this standardization, we used the concept of the actor-author, proposed by Patrick McGuiligan (1975) and further developed by Luc Moullet (1993) and Pedro Maciel Guimarães (2012), in which one analyses an actor¿s filmography searching thematic and formal aspects that can categorize the actor as a co-author of a film / Mestrado / Teatro, Dança e Performance / Mestre em Artes da Cena

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Studio storiografico condotto su fonti archivistiche, filmiche e sulla stampa locale e specializzata che ricostruisce dettagliatamente l'ambiente cittadino d'inizio Novecento nel quale si sono diffusi i primi spettacoli cinematografici, determinandone le caratteristiche e tracciandone l'evoluzione fra 1896 e 1925. L'avvento della cinematografia è strettamente connesso a un processo di modernizzazione del volto urbano, degli stili di vita, delle idee e il cinema si salda a queste istanze di rinnovamento, con una precisa ricaduta sull'immagine della città e sull'esperienza dei suoi cittadini appartenenti alle diverse classi sociali. / The focus of this work is to reconstruct in detail the urban environment, its characteristics and evolution, in the beginning of the Twentieth Century, when the first movies were shown, using primary and filmic sources, and local and specialised press. Early cinema history is closely related to a process of modernization of the city of Bologna, as well as lifestyles and ideas, and the movies are tightly related to these instances, with a precise influence over the image of the city and on the experience of the citizens belonging to different social classes.