Entre 1916 et 1928, un certain nombre de films muets américains expérimentent les formes complexes d’un assemblage ostensiblement articulé entre un ou des récits situés dans le passé (historique, antique ou biblique) et un récit situé à l’époque moderne. Nous avons appelé cet assemblage le « Spectacle des Siècles », suivant la formule publicitaire rencontrée sur l’affiche d’un de ces films, Noah’s Ark (M. Curtiz, 1928). Les films du Spectacle des Siècles ne se confondent pas avec les films historiques ou bibliques également mis en scène dans le cinéma muet, et qui supposent une action unique et une diégèse centrée autour de la période reconstituée. Les films étudiés font dialoguer passés et présents en relatant une multiplicité d’époques, de décors, d’actions et de personnages. Cette recherche se propose de mettre en lumière outre la variété des contenus, les diverses solutions d’assemblage élaborées par ces films pour aboutir à l’harmonie d’une œuvre cohérente. Les formes originales imaginées par les cinéastes font apparaître les multiples passages, transferts et métamorphoses de ces parallèles entre le passé et le présent, l’ancien et le nouveau. Elles interrogent ce que les films ont à dire sur leur siècle, en instaurant un présent démultiplié et orienté vers de nouvelles promesses. Ainsi les films du Spectacle des Siècles donnent à lire un moment de l’histoire du cinéma muet américain qui connut une brève période d’activité. / Between 1916 and 1928, some American silent films are in search of putting together one or several stories set in the past (historical, ancient, biblical) and one story set in the modern times, thus displaying complex cinematic forms conspicuously articulated. We called this assembling the « Spectacle of the Ages », according to the advertising formula encountered on the poster of one of these films, Noah’s Ark (M. Curtiz, 1928). The films of the Spectacle of the Ages are not to be confused with biblical or historical films – also produced in silent cinema – which assume a single action and a diegesis focused on the reenacted period. The films we are to sudy here confront the past with the present, by telling multiple ages, sets, actions and characters. Beyond the variety of these stories, this research aims to highlight the various assembling solutions created by the filmmakers to achieve a coherent and harmoniously shaped work of art. These cinematic forms show various passages, translations, metamorphosis of the parallels between the past and the present, the old and the new, thus revealing something of their Age and of a promising future. We perceive in the Spectacle of the Ages a short-lived moment in the history of American silent cinema.

Utilizando a teoria do polissistema literário de Itamar Even-Zohar, as concepções psicanalíticas de Sigmund Freud e de Erich Fromm, como também posições defendidas por teóricos tais como Roland Barthes, Christian Metz, Julia Kristeva e pelos líderes do movimento Futurista Italiano, entre outros, o presente trabalho analisa duas obras: Crash, romance de J. G. Ballard e Crash, filme de David Cronenberg. O objetivo não é de contrapôlas. Ao contrário, muitas vezes elas serão tratadas como se fossem partes de uma mesma obra, servindo assim uma para expandir a outra. Em relação ao filme, é destacada a forma como Cronenberg assume a autoria de Crash e como o filme rompe os limites do polissistema cinematográfico. É questão central deste trabalho a representação do desastre automobilístico, bem como dos elementos a ele associados, em Crash, romance e filme, especialmente sua reconstituição, bem como o acidente sendo encarado como uma maneira de concretizar o desejo de cometer suicídio e as conseqüências no corpo humano causadas por esse tipo de evento. Para expandir essa análise, aborda-se ainda a maneira como esse repertório é apresentado em outras formas de manifestação artística, fato do qual resulta um diálogo entre cada uma delas e Crash. / Making use of Itamar Even-Zohar’s theory of the literary polysystem, the psychoanalytical ideas expressed by Sigmund Freud and Erich Fromm, as well as point of view expressed by theorists such as Roland Barthes, Christian Metz, and Julia Kristeva, and the leaders of the Italian Futurist movement, among others, this thesis has as its basic aim to analyse two works: Crash, a novel by J. G. Ballard, and Crash, the film by David Cronenberg. The intention here is not to oppose them. On the contrary, in many cases they are to be considered as if they were parts of the same work, each one contributing to expand the other. Concerning the film, special attention is paid to the way Cronenberg takes hold of the authorship of Crash and how the movie breaks through the limits of the cinematographic polysystem. The focus of this thesis is centred upon the representation of automobile disasters as well related elements in Crash, novel and film, especially their reproduction, as well as the accident regarded as a means to commit suicide, and the consequences upon the human body caused by the violence of such events. In order to expand this analysis, the presence of the automobile accident in other forms of artistic expression is examined, a fact which will lead to a dialogue between each one of them and Crash.

Esta dissertação explora a relação entre cineastas, Estado e mercado para a viabilização de longas-metragens no Rio Grande do Sul, a partir da complexidade das relações formadas entre diretores, roteiristas, produtores e equipe técnica; distribuidores e sales agent; além do próprio Estado com seus editais e legislações para setor. Diante da posição marginal do RS em relação eixo RJ-SP, ainda que represente o terceiro estado que mais produziu filmes desde a retomada, questiono: como os cineastas gaúchos viabilizam seus longas-metragens nessa região do país? Quais as relações e as redes que articulam com o mercado e o Estado para a realização de seus filmes? Qual o papel ocupado, na prática, por cada um desses agentes? Partindo do pressuposto que o cinema gaúcho conforma um mundo da arte (Howard Becker), realizei entrevistas semiestruturadas com cineastas, produtores e distribuidores para esta dissertação. A pesquisa aponta para a importância da figura central do Estado no financiamento artístico, além do papel dos arranjos colaborativos dos cineastas gaúchos, diante da limitação de recursos financeiros. / This dissertation approaches the relationship between filmmakers, the state and the market for making feature films in Rio Grande do Sul, a Brazilian southern state. That production scene is formed by a complex network involving directors, writers, producers and technical staff; distributors and sales agents; and the state itself with policies and legislations. Rio Grande do Sul represents the third state in production of films in Brazil, but it is largely surpassed by the production of Rio de Janeiro and Sao Paulo states. Anyway, I raised the following questions: how do southern Brazilian filmmakers make their feature films viable in this region of the country? What kind of relationship and network do they articulate with the market and the state for making their films? What role does each agent play in practice? Based on the assumption that the Rio Grande do Sul cinema forms an art world (Howard Becker), I conducted semi-structured interviews with filmmakers, producers and distributors for this dissertation. This research indicates the importance of the central role of the state regarding artistic financing, and it sheds light upon the role of the collaboration arrangements of the local filmmakers, people who many times don’t have substantial financial resources to make their movies.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-graduação em Literatura / Made available in DSpace on 2012-10-24T00:32:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 255628.pdf: 1982495 bytes, checksum: 35d51310ceaf44f984a026abf0db5baa (MD5) / Esta tese busca uma leitura possível das razões do fracasso de grande parte das adaptações da dramaturgia de Nelson Rodrigues para o cinema. Sua primeira investida percorre o teatro rodrigueano, elaborando o conceito de dupla tensão como marca do autor. A primeira tensão, articulada ainda nos domínios temáticos, responderia pelo embate firmado entre o Brasil anterior à gripe-espanhola e os "novos tempos", dominados por uma modernidade produtora de tripla decadência, como pensa Eric Hobsbawm. A segunda tensão, insinuada nos domínios estéticos, promoveria certo afastamento do conceito de drama puro, segundo teoria de Peter Szondi, ao se deixar contaminar por gêneros diversos, posicionando-se entre o melodramático e o trágico. Neste contexto, Toda nudez será castigada, peça de 1965, seria o ponto mais alto desta trajetória. Tal conformação, perseguida em todo o teatro do autor, não parece ter encontrado eco nas releituras do cinema, quase todas reducionistas do universo tensional. A única experiência de exceção parece acontecer na versão de Arnaldo Jabor justamente para Toda nudez será castigada, filme de 1973 que transforma em ritmo próprio as tensões típicas da dramaturgia rodrigueana, movimento contrário às outras versões, que tentaram corrigi-las com sínteses nas mais variadas proposições.

[pt] Esta tese volta-se para a problematização do papel do cineasta como tradutor de demandas sociais no cinema brasileiro contemporâneo, tendo em vista o que se convencionou chamar, a partir dos anos de 1970, de virada antropológica da narrativa cinematográfica. Investiga-se a construção da narrativa em primeira pessoa na ficção do cinema brasileiro pós Retomada, levando em conta a crítica que se fez à voz do saber e ao uso da terceira pessoa, predominantes no discurso do Cinema Novo: isto é, num período em que as artes caminhavam em consonância com um projeto coletivo e igualitário de nação. No intuito de refletir sobre a relação entre opções estéticas e políticas no que diz respeito às práticas de enunciação, a tese privilegiou filmes baseados em obras literárias que suscitam o questionamento do lugar de fala do narrador (A Hora da estrela, Abril despedaçado e Cidade de Deus) e pares de filmes a partir dos quais se pode caracterizar o movimento pendular da produção contemporânea entre o cineasta-intelectual que arroga para si o papel de falar sobre e pelo outro e o cineasta-etnógrafo que cede espaço para a fala do outro de classe. Os pares Tropa de elite e Notícias de uma guerra particular, Carandiru e O Prisioneiro da grade de ferro e, por último, Cinco vezes favela e 5X favela – Agora por nós mesmos foram analisados à luz das questões levantadas. / [en] The thesis turned its attention to questioning the role of the filmmaker as a translator of social demands in contemporary Brazilian cinema, specifically 1970 s anthropological approach of narrative film. The work investigates the construction of the first-person narrative in Brazilian cinema after the so-called Retomada, taking into account the criticism of the voice of God and the use of the third person, which are predominant in the speech of the Brazilian movement Cinema Novo: That is, a period in which the arts were in line with a collective and egalitarian notion of nation. In order to discuss the relationship between aesthetic approaches and policies with regard to the statement of these practices, the thesis focused on films based on literary works that raise the question of the place of the narrator (Hour of the Star, Behind the Sun and City of God) and pairs of films from which one can characterize the pendulum of contemporary production between the filmmaker-intellectual who apropriate to themselves the role of talking about and for each other, and the filmmaker-ethnographer, that provides room for the speech of another class. The films Elite Squad and News From a Personal War, Carandiru and Prisioneiro da grade de ferro, and finally Cinco vezes favela and 5X Favela - Now by Ourselves were analyzed in the light of the issues raised.

GÓES , Alan Eduardo dos Santos. O cinema nos filmes de David Lynch: uma análise sobre a reflexividade e mise en abyme em Mulholland Drive e Inland Empire. 2016. 154f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, Fortaleza (CE), 2016. / Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-02-08T14:13:59Z No. of bitstreams: 1 2016_dis_aesgoes.pdf: 13267754 bytes, checksum: e316ec7dca161b11554b762c35da5509 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-02-09T10:51:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_dis_aesgoes.pdf: 13267754 bytes, checksum: e316ec7dca161b11554b762c35da5509 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-09T10:51:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_dis_aesgoes.pdf: 13267754 bytes, checksum: e316ec7dca161b11554b762c35da5509 (MD5) Previous issue date: 2016 / This study aims to analyze the agency modes of reflective films proposed by the north-american artist David Lynch, with greater attention to both movies Mulholland Drive and Inland Empire. Besides, some discussions will be redeemed on cinematic apparatus, since its conceptual proposition by Baudry, through updates as proposed by Metz and some recent notions such as those presented by André Parente. The outlook on the cinematic apparatus are related to the concepts of mise en abyme, operated by André Gide and subsequently developed by Dällenbach, and applied to the films of David Lynch by the work of Fatima Chinita; and the metacinematographic reflectivity and metafilmic reflectivity, presented by Metz, as well. It will present another issues that orbit the filmography of the director and researches on the topic oftenly, namely: the dispossession of artistic languages, conflicts between a genre cinema and an independent film and the surrealistic art movement. These discussions help us to understand some secondary traits of our research that pervade both the trajectory of the author as the films under our observation. The analyze of both movies are based on the routes listed above and, where possible, articulated with transdisciplinary thoughts that allow us to explore specific aspects, especially with cyberculture, studies of film theory and psychoanalysis. The relationship of these different theoretical perspectives endow the artifices to deepen narrative, technical and aesthetic instances of Mulholland Drive and Inland Empire. The management of those aspects apparently fragmented, in theory and in the works of the north-american filmmaker, are reflected in the structure of this work, with noncumulative and non-sequential chapters for each treated subject. Finally, the conceptual operations proposed to analyze the chosen corpus of moving images allow us to defend that reflectivity is a structural element in the David Lynch film works and, in general, in some parts of contemporary cinema. / Este trabalho se propõe a analisar os modos de agenciamento do cinema reflexivo proposto pelo artista estadunidense David Lynch, com atenção maior para as obras Mulholland Drive e Inland Empire. Para isso, serão resgatadas discussões sobre o dispositivo cinematográfico, desde a proposição por Baudry, passando por atualizações como as propostas por Metz e noções mais recentes como as apresentadas por André Parente. As perspectivas sobre o dispositivo são relacionadas com o conceito de mise en abyme; operacionalizado por André Gide, posteriormente desenvolvido por Dällenbach, e aplicados aos filmes de David Lynch por Fátima Chinita; bem como os de reflexividade metacinematográfica e reflexividade metafílmica, apresentados por Metz. São ainda trabalhadas algumas questões que costumam orbitar a filmografia do cineasta e as pesquisas referentes ao tema, sendo estes: a desterritorialização das linguagens artísticas, os conflitos entre um cinema de gênero e um cinema independente e o surrealismo. Estas discussões nos ajudam a compreender traços secundários de nossa pesquisa que perpassam tanto a trajetória do autor quanto os filmes em observação. As análises dos filmes são fundamentadas nos percursos apresentados acima e, quando possível, articuladas com pensamentos transdisciplinares que nos possibilitem explorar aspectos específicos, principalmente com estudos da cibercultura, das teorias cinematográficas e da psicanálise. A relação dessas diferentes correntes teóricas nos munem de artifícios para aprofundar instâncias narrativas, técnicas e estéticas de Mulholland Drive e Inland Empire. O ordenamento desses aspectos aparentemente fragmentados, na teoria e nas obras do cineasta estadunidense, traduzem-se na própria estrutura do trabalho, com capítulos referentes a cada tema e não-cumulativos e sequenciais. Por fim, as operações conceituais propostas à análise das imagens em movimento do corpus escolhido nos permitem defender que a reflexividade é um elemento estruturante nos trabalhos do cinema de David Lynch e, de modo geral, em partes do cinema contemporâneo.

SILVA, Jaison Castro. A tessitura insuspeita: cosmopolitismo, cinema nacional e trajetórias do olhar em Walter Hugo Khouri e Luis Sérgio Person (1960-1968). 2014. 812f. Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-Graduação em História, Fortaleza (CE), 2014. / Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-06-14T15:34:34Z No. of bitstreams: 1 2014_tese_jcsilva.pdf: 26089692 bytes, checksum: 126aac7f786594c46385793e7b0be59d (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-06-16T13:46:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_tese_jcsilva.pdf: 26089692 bytes, checksum: 126aac7f786594c46385793e7b0be59d (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-16T13:46:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_tese_jcsilva.pdf: 26089692 bytes, checksum: 126aac7f786594c46385793e7b0be59d (MD5) Previous issue date: 2014 / This work aimed to study the cultural cosmopolitan movements in the Brazilian movie industry from 1960 to 1968, which was a period that set forth a field for national cinematography. We firstly performed a historical background showing the cinematographic circles that discussed the intellectual dilemmas in the 1950’s. We next investigated how the demands placed by cinema essayists of the period, mainly after the I Convenção nacional da crítica [1st National Convention on Film Criticism] raised the need of building bridges between the practice and intellectual means of the cinematographic circles. We also investigated the conflicts that sprang from foreign influences on the work of Brazilian filmmakers. The group cinema novo [new cinema] came up parallel to this debate attracting the attention of national and international film analysts. At that same time, Brazilian State and its financial policies focused on the film production that highlighted the cultural importance of this medium. We set forth a cinematographic cosmopolitanism concept specific to that historical background through the layouts of perception that we made taking as depart station the film reviews of that time. In this conceptual frame elaborated from the prior chapters, Walter Hugo Khouri and Luís Sérgio Person were studied through the analysis of their intellectual trajectory and of their films. Both moviemakers made the imaginative engagement across the boundaries as an essential element of their careers. In films as São Paulo sociedade anônima (1965), by Person, and O Corpo Ardente (1966), by Khouri, they expressed dialogues with foreign referentials in an intense way. They dealt with the international style and forms of cinema as a constitutive element of their own practices, intertwining the idiosyncratic time structure to Brazilian culture through their films and cultural practices. Both were reluctant to fit into artistic groups, admitting their works as individual practices of cinema and introducing their unique treatments to technical resources and cinematographic culture. They directed films that make possible routes of perception to the study of visual culture of that time. Their works were inseparable from the cultural diversity in the construction of national cinematographic field, which was remarkable by its plurality of practices. / Esse trabalho estuda as manifestações culturais cosmopolitas na constituição do cinema nacional durante o intervalo de 1960 a 1968. Naquele momento, as demandas promovidas pela crítica cinematográfica, principalmente após a I Convenção nacional da crítica, voltam-se para a necessidade de lançar pontes entre a prática e a inteligência cinematográficas, não raro, em um quadro de conflitos em torno da apropriação dos influxos estrangeiros pelo cinema. O movimento cinema novo surge em meio a esse debate atraindo as atenções da crítica nacional e internacional. De modo simultâneo, uma política estatal mais atuante em relação ao meio transforma o cinema em importante tópico de ação cultural estatal. Desse modo, itinerários de percepção elaborados a partir das críticas dos filmes permitem delinear um cosmopolitismo cinematográfico historicamente situado, fazendo saltar a tessitura dos tempos que tornou possível as imagens dos cineastas Walter Hugo Khouri e Luís Sérgio Person. A partir desse olhar específico, ambos são estudados em suas trajetórias intelectuais e os seus filmes, enquanto práticas de cinema que fazem do engajamento através das fronteiras como características constitutivas de seu próprio fazer. Em filmes como São Paulo sociedade anônima (1965), de Person, e O Corpo ardente (1966), de Khouri, a partir de um entrelaçamento e de uma estrutura temporal idiossincráticas, que revelam sentidos insuspeitos. A indisposição de se filiar a grupos artísticos, a prática de cinema assumidamente individual e os modos singulares de abordar os recursos técnicos e a cultura cinematográfica são algumas da peculiaridades que ressaltamos. Seus itinerários transformam-se, nessa perspectiva, em artefatos imagéticos fundamentais para o estudo da organização das práticas de olhar na cultura visual da época, sendo inseparáveis da diversidade cultural na construção do campo cinematográfico nacional, notável pela sua pluralidade de práticas.

GOMES, Lenildo Monteiro. Um prato que se come frio: a dimensão da violência nos filmes de Quentin Tarantino. 2006. 204f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Sociologia, Fortaleza (CE), 2006. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-01-21T16:08:00Z No. of bitstreams: 1 2006-DIS-LMGOMES.pdf: 1842945 bytes, checksum: d82c432194142acc15f46716fdd99a2f (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-01-21T16:19:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2006-DIS-LMGOMES.pdf: 1842945 bytes, checksum: d82c432194142acc15f46716fdd99a2f (MD5) / Made available in DSpace on 2014-01-21T16:19:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2006-DIS-LMGOMES.pdf: 1842945 bytes, checksum: d82c432194142acc15f46716fdd99a2f (MD5) Previous issue date: 2006 / Some aspects of contemporary society can be analyzed from the particular reading scaled in the process of artistic production . Thus the art arises in this historical context influenced by consumerism by society communication and the media , being related to aestheticism and spectacle , especially in reconfiguring the production for television and film . Art is expression of life and the object of analysis of social relations and their assumptions , refer the issue of aesthetics. In this sense the image is an expression to understand the phenomena , notably with regard to the film and its development throughout history , its language , technical and narrative structure . The films of Quentin Tarantino resize aesthetically problematic of violence. As industrial art , reference twentieth century who spread lifestyle and behavior , cinema developed its own language and structure , and the technical and aesthetic treatment a form of composition of his narrative . movies analyzed common feature sublimation ornament and allegory by explicit violence existing in some dramatic situations . / Alguns aspectos da sociedade contemporânea podem ser analisados a partir da leitura peculiar dimensionada no processo de produção artística. Dessa forma a arte surge nesse contexto histórico influenciada pelo consumismo pela sociedade da comunicação e pelos mass media, sendo relacionada ao esteticismo e à espetacularização, reconfigurando-a notadamente na produção voltada para a televisão e para o cinema. A arte é expressão da vida e objeto de análise das relações sociais e, seus pressupostos, remetem a problemática da estética. Nesse sentido a imagem é expressão para a compreensão dos fenômenos, notadamente no que diz respeito ao cinema e seu desenvolvimento ao longo da história, sua linguagem, técnica e estrutura narrativa. Os filmes de Quentin Tarantino redimensionam esteticamente a problemática da violência. Como arte industrial, referência do século XX que difundiu estilo de vida e comportamento, o cinema desenvolveu linguagem e estrutura próprias, tendo no tratamento estético e técnico uma forma de composição de sua narrativa. Os filmes analisados têm como característica comum a sublimação do ornamento e da alegoria mediante a explicitação da violência existente em algumas situações dramáticas.

Esta dissertação explora a relação entre cineastas, Estado e mercado para a viabilização de longas-metragens no Rio Grande do Sul, a partir da complexidade das relações formadas entre diretores, roteiristas, produtores e equipe técnica; distribuidores e sales agent; além do próprio Estado com seus editais e legislações para setor. Diante da posição marginal do RS em relação eixo RJ-SP, ainda que represente o terceiro estado que mais produziu filmes desde a retomada, questiono: como os cineastas gaúchos viabilizam seus longas-metragens nessa região do país? Quais as relações e as redes que articulam com o mercado e o Estado para a realização de seus filmes? Qual o papel ocupado, na prática, por cada um desses agentes? Partindo do pressuposto que o cinema gaúcho conforma um mundo da arte (Howard Becker), realizei entrevistas semiestruturadas com cineastas, produtores e distribuidores para esta dissertação. A pesquisa aponta para a importância da figura central do Estado no financiamento artístico, além do papel dos arranjos colaborativos dos cineastas gaúchos, diante da limitação de recursos financeiros. / This dissertation approaches the relationship between filmmakers, the state and the market for making feature films in Rio Grande do Sul, a Brazilian southern state. That production scene is formed by a complex network involving directors, writers, producers and technical staff; distributors and sales agents; and the state itself with policies and legislations. Rio Grande do Sul represents the third state in production of films in Brazil, but it is largely surpassed by the production of Rio de Janeiro and Sao Paulo states. Anyway, I raised the following questions: how do southern Brazilian filmmakers make their feature films viable in this region of the country? What kind of relationship and network do they articulate with the market and the state for making their films? What role does each agent play in practice? Based on the assumption that the Rio Grande do Sul cinema forms an art world (Howard Becker), I conducted semi-structured interviews with filmmakers, producers and distributors for this dissertation. This research indicates the importance of the central role of the state regarding artistic financing, and it sheds light upon the role of the collaboration arrangements of the local filmmakers, people who many times don’t have substantial financial resources to make their movies.

Este projeto tem por finalidade o estudo das representações de conflitos sociais ocorridos na formação do Estado do Senegal nas obras cinematográficas de Ousmane Sembène, da década de 60 até início de 80. Nesse período o Estado estava sob o governo de Leopold Sédar Senghor cujo direcionamento político abrangia a concepção de Socialismo Marxista-Leninista e Negritude. A mudança da literatura ao cinema para Sembène ocorre com o objetivo de alcançar as massas que eram em sua maioria analfabetas. Por isso seus filmes são feitos em wolof e francês, esse ultimo devido a exigências governamentais e interesse de maior amplitude receptiva. Ao estudarmos os conflitos sociais no Senegal do período da recente independência percebemos que as ideias-chave por trás dessa realidade são identidade nacional, solidariedade negra e pan-africanismo. Partimos da concepção que a identidade é uma construção e o uso da raça como sua legitimação enfraquece sua força, pois supor uma solidariedade apenas pelo fato de ser negro diminuí seu poder legitimador.