283f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-05-24T14:30:04Z No. of bitstreams: 1 tese Guilherme de Jesus.pdf: 2582132 bytes, checksum: c3e339c0953f196539ee372258a63e1c (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-24T14:30:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese Guilherme de Jesus.pdf: 2582132 bytes, checksum: c3e339c0953f196539ee372258a63e1c (MD5) Previous issue date: 2007 / Neste trabalho é examinada a hipótese de que os estudos fílmicos brasileiros pagam tributos altos demais a um determinado esquema conceitual de atribuição de valor à música dos filmes, esculpido no âmbito das grandes teorias gerais do cinema, com raízes mais profundas na declaração assinada por Eisenstein, Pudovkin e Alexandrov sobre o futuro do cinema sonoro, de 1929, e em um artigo escrito pelo compositor francês Maurice Jaubert, em 1937. Flagrando fragilidades conceituais e empíricas importantes no paradigma em questão, a pesquisa questiona a rentabilidade analítica deste modelo e propõe, como alternativa, uma base epistêmica construída a partir de um conjunto de pressupostos do campo da Estética, da Musicologia e dos estudos internacionais contemporâneos sobre a música do cinema, articulados no interior da matriz metodológica que orienta os trabalhos do Laboratório de Análise Fílmica – a ‘Poética do Filme’. O teste da metodologia, realizado nos filmes Ajuste final e O homem que não estava lá, sugere que a dimensão pragmática da análise torna-se acentuadamente mais dinâmica com a aplicação da matriz de raiz aristotélica aqui proposta - análise imanente com foco nos efeitos sensoriais, sentimentais e cognitivos que a obra produz sobre o apreciador -, do que com os esquemas conceituais dominantes no contexto dos estudos fílmicos brasileiros. Tudo indica que esta ‘poética da música dos filmes’, aplicada a uma determinada obra, constrói um território conceitual e analítico mais seguro e fecundo para ajudar a compreender por que algumas estratégias musicais têm grande potência de impressionar o gosto e a memória, enquanto outras são esquecidas ou guardadas nas subpastas das coisas corriqueiras e banais. / Salvador

The purpose of this study is to investigate the pedagogic implications of Being in dramatic and poetic works. Chapter 1 shows the writer's concern that Being, separated from being, is forgotten in a scientific-technological education, Dramatic and poetic studies are in danger of being unfolded in the bracketings of science and technology. Man's suffering at the technology includes loneliness, boredom, frustration and An urgent need arises to develop the pupil's technological capacity and skill, and to actualise his potential, as long as Being is deconcealed. A technology-based education system, mainly for blacks, based on Japan, is being considered. Influenced by science and technology, verbal and nonverbal aspects are separated in drama and poetry. These aspects are integrated in drama and poetry encountered in action, as poetic thinking unites Being and being. Computer education, like writing, focuses on and teievision emphasises nonverbal factors. If pupils participate in drame, their actions are authentic. Mere spectators act inauthentically. A scientifically-influenced literary critic separates the play's parts and ignores nonverbal qualities. / Educational Studies / D. Ed. (Philosophy of Education)

Esta dissertação se insere no contexto do debate em torno da tradução e apresenta dois objetivos: o primeiro, mais geral, é fazer o (re)conhecimento da poética do traduzir, projeto teórico do pensador francês Henri Meschonnic (1932-2009); o segundo, mais específico, é revisitar, a partir desse (re)conhecimento da poética do traduzir, três temas clássicos no debate em torno da tradução à luz dessa teoria, a saber, a própria tradução, a fidelidade e a equivalência. Justifica-se a inserção desta discussão no debate sobre a tradução pelo fato de a poética do traduzir apresenta um posicionamento bastante distinto daqueles mais reconhecidos hoje tanto na discussão acadêmica quanto no senso comum sobre o que é a tradução. Isso se deve ao fato de a poética do traduzir supor e indicar uma reflexão sobre a linguagem que modifica a visão do traduzir. A linguagem, no âmbito poético, não é tomada a partir dos termos comuns da língua (como forma e sentido, por exemplo), que representam uma visão redutora da linguagem, descontínua por natureza. Pelo contrário, a poética do traduzir situa a tradução – e a própria linguagem – no terreno do discurso, que é da ordem do contínuo, e, por aí, modifica o pensamento sobre o que é a linguagem e, consequentemente, o que é o traduzir. Desse modo, esta dissertação apresenta, inicialmente, as bases do pensamento poético, que dizem respeito a uma visão não-redutora da linguagem. Nesse contexto, a leitura meschonniquiana dos pensamentos de Wilhelm von Humboldt, Ferdinand de Saussure e Émile Benveniste é apresentada para embasar essa visão não-redutora. A partir dessa construção, passo aos elementos da poética do traduzir para que se faça claro o posicionamento teórico que Meschonnic apresenta para debater a tradução. Esse é um ponto de extrema relevância pois indica como funciona o sistema do pensamento poético, permitindo seu (re)conhecimento. Por fim, a discussão final se dá como consequência das reflexões anteriores. Se a poética modifica o saber sobre o traduzir, cumpre demonstrar como isso se dá em comparação com o pensamento sobre os temas propostos a partir da visão da Tradutologia para que se compreenda como a poética do traduzir introduz elementos que renovam o debate em torno desses temas comumente difundidos em discussões dessa natureza. / This dissertation is inserted in the context of the debate regarding translation and has two objectives: the first, more general, is to make the (re)acknowledgement of the poetics of translating, the theoretical project of the French thinker Henri Meschonnic (1932-2009); the second, more specific, is to revisit, based on this (re)acknowledgment of the poetics of translating, three classic themes in the debate regarding translation in the light of this theory, namely: translation itself, fidelity and equivalence. The insertion of this discussion in the debate about translation is justified by the fact that the poetics of translating presents a different point of view from those most recognized today in both academic discussion and common sense about what translation is. This is due to the fact that the poetics of translating assumes and indicates a reflection on language that modifies the idea of translating. Language, in the poetic scope, is not regarded by the common terms of a language (such as form and meaning, for example), which represent a reductive view of language, discontinuous in nature. On the contrary, the poetics of translating places translation – and language itself – in the field of discourse, which is of the order of the continuum, hence modifying the general idea about what language is, and consequently what is there to translate. In this way, this dissertation presents initially the bases of the poetic thought, which concern a non-reductive view of language. In this context, the meschonniquian reading of the ideas of Wilhelm von Humboldt, Ferdinand de Saussure and Émile Benveniste is presented to support this non-reductive view of language. From this construction, I turn to the elements of the poetics of translating so that the theoretical positioning that Meschonnic presents to discuss translation becomes clear. This is a point of extreme relevance because it indicates how the system of poetic thinking works, allowing its (re)acknowledgement. Lastly, the final discussion comes as a consequence of these previous reflections. If poetics modifies the knowledge about translation, it is necessary to demonstrate how this is done in comparison with the ideas about the themes proposed from the point of view of Traductology so that one understands how the poetics of translating introduces elements that renew the debate around these subjects commonly disseminated in discussions of this nature.

Fundação Carlos Chagas Filho de Amparo a Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Em sua breve carreira filosófica, o poeta e dramaturgo alemão Friedrich Schiller (1759-1805) se apropriou do conceito kantiano do sublime, identificando-o ao trágico e à tragédia, manifestação artística que seria genuinamente regulada por princípios estéticos daquela ordem. Deste modo, buscamos neste trabalho relacionar o caráter subjetivo da experiência do sublime com as suas implicações de ordem prática para a arquitetura da tragédia, em especial as que dizem respeito à estrutura ideal do drama, intimamente vinculada à sua finalidade, que é a efetivação do efeito estético que lhe cabe por definição. Se, por uma via, o pensamento de Schiller caminha em direção ao desenvolvimento de uma concepção do trágico a partir de um dos conceitos fundamentais da estética moderna, por outra ele permanece atrelado à tradição aristotélica quando se concentra no estudo da tragédia enquanto gênero literário e busca por meio deste estudo estabelecer regras para a citação dramatúrgica. Assim, Schiller constrói uma poética do sublime, um programa de arte que inaugura um debate importante sobre o fenômeno do trágico na filosofia alemã. Mas, como pretendemos defender, é justamente a concepção do trágico forjada a partir de uma interpretação acentuadamente moral do sublime que torna o conteúdo de sua teoria da tragédia problemático, embora tal teoria seja a resposta encontrada por Schiller para perguntas ainda pertinentes. Afinal, por que nos entretêm assuntos trágicos? / In his brief philosophical career, the German poet and playwright Friedrich Schiller (1759-1805) appropriated the Kantian concept of the sublime and he indentified it to the tragedy and to the concept of tragic. Tragedy would be genuinely regulated by those kind of aesthetic principles. Thus, this study sought to relate the subjective character of the experience of the sublime with his practical implications for the architecture of the tragedy, especially those concerning the ideal dramatic structure. If, on a road, Schiller's thought walks toward the development of a conception of the concept of tragic from concepts of modern Aesthetics, for another it remains tied to the Aristotelian tradition when it focuses on the study of tragedy as a literary genre. So, Schiller builds a sublime's poetics, an art program that opens an important debate about the tragic phenomenon in German philosophy. But, as we intend to uphold, the concept of tragic forged from a moral interpretation of the sublime becomes problematic Schiller's theory of tragedy. Although, this theory has relevant questions: Why we like tragic issues?

A dissertação ora apresentada traz em foco um homem da cultura musical nordestina de grande valor. Referimo-nos a João do Vale, O poeta do povo. Suas produções musicais refletem a cultura de uma parcela significativa do povo brasileiro, o nordestino. Canto do poeta do povo: um estudo nas letras de João do Vale analisa as letras das canções do primeiro disco deste compositor, por entendê-las no contexto em que foram produzidas e examina-as no seu processo de atuação dos anos 60 em que, sem cortar vínculos com o sertão nordestino, ligou-se às questões políticas, social e cultural de todo o país. Abordam-se as canções populares como ferramenta eficaz para atrair a atenção dos educandos, para o estudo dos fatos da língua portuguesa nos diferentes contextos em que ela se apresenta, por meio de temas instigantes, tal como a ditadura e a cultura popular do homem do sertão. Entre as várias possibilidades de estudo da língua, privilegiou-se estudar a estilística como ciência da expressividade, dando ênfase à estilística poética, pela força da poeticidade de João do Vale mostrada quando externa à poesia simples e aos ensinamentos sábios do povo. Ao apontar caminhos para o estudo da língua portuguesa através das produções musicais populares, em especial as letras de João do Vale divulga-se seu trabalho e torna-se conhecida a trajetória e a produção deste cancioneiro maranhense que, na leveza de sua expressividade, no anseio de ser compreendido e ver valorizada a história de seu povo, registrou-a com musicalidade / The dissertation presented here brings into focus a reputed man of the musical culture of the Northeast of great value. We refer to João do Vale "The poet of the people." His music reflects the culture of a significant portion of the Brazilian people, the Northeast. Canto do poeta do povo: a study in the lyrics from João do Vale analyzes the lyrics of the first album by this composer understand them in the context in which they were produced and examined in the process of operation from the 60s that without cutting laces with the northeastern hinterland engaged himself in the political, social and cultural development of the whole country. His folk songs are approached as effective tools to attract the attention of students to the study of the facts of the Portuguese language in different contexts in which they are presented, through-instigating themes, such as dictatorship era and popular culture of the country man. Among the various possibilities of language study, it was privileged studying the science of how stylistic expressiveness emphases stylistic poetic, through the poetic force from João do Vale when he externalizes the simple poetry and teachings of wise people. As pointing the way for the study of the Portuguese language through popular musical productions, especially the lyrics from João do Vale is to disseminate his work and make known the history and production of this maranhense songmaker that in smooothness of its expressiveness, the longing to be understood and prized to see the history of his people recorded it with musicality

A tese focaliza alguns dos principais poemas de João Cabral de Melo Neto desenvolvidos como crítica poética. O mote da investigação é a construção de uma lírica crítico-discursiva, uma produção artística que avalia a arte com os termos, os instrumentos da própria arte. Esta perspectiva analítica é deflagrada pelos primeiros românticos (Schlegel e Novalis) e expande-se em duas direções: tanto o poema escrito a partir de uma reflexão sobre a arte ou a natureza (crítico em sua gênese), quanto a crítica, transmutada em poesia. A abordagem comparativa de estâncias do poeta com obras picturais nelas referenciadas evidencia o constante diálogo do poeta com as poéticas da visualidade e com as concepções estéticas da modernidade, mormente com a poética de Joan Miró. Através da abordagem comparativa, materializam-se dois caminhos privilegiados de experimentação estética: o percurso do poético ao plástico, em João Cabral; o caminho inverso, na obra do pintor catalão do plástico ao poético. Para ambos os artistas, os processos de exploração das linguagens artísticas ocasionam, como consequência extrema, a dissolução do plástico e do poético, rumo ao inefável na pintura e na poesia. Para Miró, os signos plásticos são poéticos, porque guardam em si um universo de possibilidades significativas que transcendem a ordem da própria coisa em si. E o alcance das transformações que a sua poética empreende afetará a poesia de modo análogo: os signos poéticos mostram-se plenamente poéticos, ao transcenderem a forma e o sentido, no âmbito da plasticidade da palavra. Se a palavra pode se tornar matéria (passar da abstração para a concreção), a matéria pintada pode ser poesia. Integram a constelação teórica desta investigação os principais filósofos que discutem o caráter crítico da poesia, desde os filósofos do primeiro romantismo (Schlegel e Novalis), até aqueles cujo pensamento está relacionado à modernidade ou à pós-modernidade (Benjamin, Adorno, Lyotard, Blumenberg e Agamben) / This thesis focuses on some major poems João Cabral de Melo Neto developed as poetic criticism. The theme of this research is the construction of a critical-discursive lyric, an artistic production that evaluates art with the terms, the very instruments of art. This analytical perspective is triggered by the early Romantics (Schlegel and Novalis) and expands itself torwards two directions: the poem written from a reflection on art or nature (critical in its genesis), as far as the criticism, transmuted into poetry. The comparative approach of the poets stanzas with pictorial works referenced therein demonstrates the poet's constant dialogue with the visuality poetics and the aesthetic conceptions of modernity, particularly with Joan Mirós poetics. Through comparative approach, two paths full of experimental aesthetics materialize: the route of the poetic to the plastic in João Cabral, and the opposite way, the work of the Catalan painter from the plastic to the poetic. For both artists, the artistic languages exploration processes cause as extreme consequence, the plastic and poetic dissolving, toward the ineffable in painting and poetry. For Miró, plastic signs are poetic because they keep into themselves a universe of possible meanings that transcend the order of the thing itself. And the scope of the changes that his poetic reaches endeavor the poetry analogously: poetic signs show up fully poetic by transcending the form and the meaning within the plasticity of the word. If the word may become matter (moving from abstraction to concreteness), the matter painted can be poetry. Integrate the theoretical of this research the main philosophers who discuss the critical nature of poetry, from the romanticism of the first philosophers (Schlegel and Novalis), even those whose thinking is related to modernity or postmodernity (Benjamin, Adorno, Lyotard, Blumenberg and Agamben)

Este trabalho refere-se ao educar/cuidar/pesquisar centrado na orientação de enfermagem para o autocuidado da pessoa idosa, com diabetes, visando seu bem-estar; visto a evidência do crescimento demográfico da população idosa em todo o mundo e, em especial, no Brasil. Tem como objetivo aplicar, no contexto de um curso de autocuidado ministrado em oficina sociopoética, o Diagrama de Nola Pender como instrumento de produção de dados sobre a construção de ações e apresentação de propostas de comportamentos de saúde, visando o bem-estar de pessoas. O marco teórico enfoca a Teoria de promoção da saúde de Nola Pender, que defende o processo de capacitação da comunidade para buscar sua qualidade de vida e saúde, incluindo maior participação e controle deste processo. O marco teórico metodológico é a sociopoética, que fundamenta um estudo qualitativo, descritivo, desenvolvido em 2012, após aprovação do Comitê de Ética da Universidade do Estado do Rio de Janeiro, mediante a instituição do Grupo Pesquisador, dispositivo analítico, deste método, composto por 10 sujeitos, aplicando-se as técnicas de pesquisa de sensibilidade e artísticas. São resultados da técnica Vivência de Lugares Geomíticos a delimitação das categorias temáticas, a saber: Medo do desconhecido; Transcendendo a convivência com a diabetes através da aceitação; O autocuidado como resolução dos problemas a serem enfrentados; Busca da cura da diabetes através de uma vida saudável; e Expectativas para o futuro. Na técnica Corpo como território mínimo emergiram os temas: Insegurança; Fragilidade; Dificuldade no controle da glicemia; Controle; Autocuidado; Otimismo; Perseverança; Dificuldade no controle da alimentação; Tranquilidade; Dependência; Conformação; Revolta; Equilíbrio; Desânimo; Autoestima; Autoimagem e Descuidado. Aplicando o Diagrama de Nola Pender constatou-se entre os membros do Grupo Pesquisador (GP) os fatores pessoais que influenciam a conduta prévia à adoção do autocuidado, os benefícios de ações percebidas durante o ensino do autocuidado, e as demandas de competência para assumi-lo, visando à promoção da saúde. Conclui-se, que a conduta de promoção de saúde é a variável que conduz a um olhar através de ações dirigidas que tenham resultados positivos para o bem-estar e o equilíbrio das dimensões corporais. Entre as condutas de promoção da saúde adotadas pelo GP estão: ter compromisso na realização de atividades físicas; alimentação saudável, uso de medicação diariamente e regularmente, além do autocuidado com o corpo e mente, através de práticas de atividade física e de lazer. / This paper refers to education/care/research focused on nursing orientation for self-care of the elderly with diabetes, seeking their welfare; as there are evidences related to elderly growth in the world population and, in particular, in Brazil. It aims to apply the Nola Pender Diagram in the context of a course about self-care based on social poetics, as a way to produce data based on the actions and proposals for health behaviors, seeking the welfare of people. The theoretical framework focuses on Nola Penders theory of health promotion, saying that the process of enabling people to seek their quality of life and health, including greater participation and control of this process. The theoretical methodology is social poetics, which establishes a qualitative and descriptive study, through the establishment of a research group, analytical device of this method, consisted of 10 individuals, applying artistic and sensitivity research techniques. The technique "experience in geomitic places results on the delimitation of the following themes: Fear of the unknown; Transcending living with diabetes through acceptance; Self-care as resolution of problems to be exceeded; Searching for a cure for diabetes through healthy living, and expectations for the future. In the technique "Body as minimum territory" the following themes emerged: Insecurity; Fragility; Difficulty in controlling blood glucose; Control, Self-Care, Optimism, Perseverance; Difficulty in controlling feeding; Tranquility; Dependence; Conformation; Revolt; Balance; Discouragement; Esteem; Careless and self-image. By applying the Nola Pender Diagram it was possible to find the research group personal factors that influence behavior prior to the adoption of self-care, the benefits of perceived actions during teaching self-care, and the demands of competence to assume so in order to promote health. It was found that the conduction of health promotion is the variable that leads to a look through targeted actions that have positive outcomes for the welfare and balance the body dimensions. The following actions for health promotion adopted by the research group were found: commitment to physical activity; healthy eating, daily and regular medication and self-care with the body and mind through practice of physical activity and leisure.

The actual research, accomplished in the Teaching Post-Graduation Course, Arts Education field, results from the activities realized from 2001 to 2003 at the school of incomplete fundamental education Intendente Manuel Ribas, sited at Caturrita village, in Santa Maria, RS, in which there has not been a practice regarding Art Education. The subjects of this investigation are students from the 2nd, 3rd and 4th year. The village is stigmatized and known as Dump , due to the fact that the waste disposal of the city is located in that area and most of its workers get their income out of that in subhuman conditions, without any protection, having low financial support and under exploration circumstances imposed by the companies that negotiate the product of their work . The applied methodology aims to cartograph their meetings and the affections produced by the dialogs of the praxis; the approach is qualitative; the instruments used for gathering data are direct and participative observation, analyses of the creation process, field journal and semi-structured interviews. The research has as objectives to investigate how the creative process is developed by the subjects and to what extent the development of visual language potentializes the construction of subjectivities in relation to the vivential quotidian and the social context in order to offer possibilities for a potentially active, common doing. Thinking the outside of the school and itself as inserted in the context and system, the experiments lived through the creative action proportionated the cognitive development and were converted into sense production, autonomy, initiative, flexibility, sensibility, and self-confidence, without producing an universal identity molded according to educational practices that try to frame everyone into an asepsis controlled by rules of submission / A presente pesquisa realizada no Curso de Pós-Graduação em Educação, Linha de pesquisa Educação e Artes, advém de atividades exercidas entre 2001 e 2003 na Escola de ensino fundamental incompleto Intendente Manuel Ribas, situada na Vila Caturrita da cidade de Santa Maria-RS, na qual não havia uma prática voltada para o ensino da arte. Os sujeitos da pesquisa são alunos da 2ª, 3ª e 4ª séries. A vila é estigmatizada e conhecida como Lixão , devido ao fato de localizar-se aí o depósito de lixo da cidade e a maioria dos trabalhadores obterem seu sustento através deste, em condições desumanas, sem a mínima proteção, com baixo retorno financeiro e sob uma situação de exploração por parte das empresas que negociam o produto de seu trabalho . A metodologia empregada pretende cartografar os encontros entre os envolvidos e as afecções produzidas pelos diálogos da práxis; a abordagem é qualitativa; os instrumentos usados para a coleta de dados são a observação direta e participante, análise do processo de criação, diário de campo e entrevistas semi-estruturadas. A pesquisa tem por objetivos investigar como se desenvolve o processo criativo nos sujeitos envolvidos e em que medida, o desenvolvimento da linguagem visual potencializa a construção de subjetividades elacionando-se com o cotidiano vivencial e o contexto social no intento de abrir possibilidades para a produção de um fazer comum potencialmente ativo. Pensando "o fora" da escola, e a própria como inserida neste contexto e sistema, as experiências vividas através da ação criativa proporcionaram o desenvolvimento cognitivo e refletiram-se em produção de sentido, autonomia, iniciativa, flexibilidade, sensibilidade e autoconfiança, sem que estas características viessem a produzir uma identidade universal, modeladas segundo as práticas educativas que tentam enquadrar à todos em uma assepsia controlada por regras de submissão

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-03-09Bitstream added on 2014-06-13T19:26:59Z : No. of bitstreams: 1 lopes_ac_me_assis_parcial.pdf: 63069 bytes, checksum: 1fc50d74046ca3e9b613490ec24ee26c (MD5) Bitstreams deleted on 2015-03-16T11:30:16Z: lopes_ac_me_assis_parcial.pdf,Bitstream added on 2015-03-16T11:31:01Z : No. of bitstreams: 1 000685805.pdf: 570994 bytes, checksum: dce177483fa6ed4f578120ac3d18bd64 (MD5) / Esta dissertação é fruto de uma pesquisa que tem como proposta principal o estudo da metáfora seiscentista em cento e quatro romances atribuídos ao poeta português Antônio da Fonseca Soares. Por se tratar de fonte manuscrita, em primeiro lugar fizemos um trabalho de Crítica Textual, por meio do qual efetuamos a transcrição e a atualização linguística dos poemas analisados de acordo com os critérios de uma edição modernizada. Em seguida, nosso foco centrou-se nos usos, escolhas e construção da metáfora seiscentista no gênero poemático em questão. Para tal, consideramos os manuais de retórica e poética da Antiguidade, especialmente os escritos de Aristóteles e Horácio; a preceptiva poética seiscentista debatida por Emanuele Tesauro e Baltazar Gracián, e os estudos contemporâneos no campo da historiografia literária que versam sobre retórica, as letras do século XVII, e assuntos a ela relacionados. Os resultados da pesquisa demonstram o papel expressivo da mais louvada figura dentre os usos da expressão arguta na retórica seiscentista, aplicada a uma das formas poemáticas mais cultuadas por poetas que praticavam a poesia vulgar desse período / This dissertation results from a master's degree research that has as the main proposal the study of the metaphor of seventeenth century in the one hundred and four romances attributed to the Portuguese poet Antônio da Fonseca Soares. To deal with a manuscript source, we started with a work of Textual Criticism, with which we made the transcription and the ortographic updating of the analyzed poems in agreement with a modernized edition. After that, the focus was centered in the uses, choices and construction of the metaphor of the 17th century in the poems. To analyze the romances, we considered the rhetoric manuals and poetics of Antiquity, especially Aristotle and Horace‟s writings; the poetic rules of seventeenth century debated by Emanuele Tesauro and Baltazar Gracián, and the contemporary studies in the field of the literary historiography about rhetoric, the seventeenth century literature and subjects related. The results of the research demonstrate the expressive function of the most praised rhetoric figure of the seventeenth century in one of the most important poematic form to the vulgar poetry of that period

The Crescent Moon School (新月派Xinyue pai) is a Chinese intellectual group that was active from 1923 to 1934. Its members include Xu Zhimo 徐志摩(1897-1931), Hu Shi 胡适 (1891-1962), Liang Shiqiu 梁实秋(1903-1987), Wen Yiduo 闻一多(1899-1946), Luo Longji 罗隆基(1896-1965), and many other Anglo-American educated scholars in the Republican era. Although the group was engaged in various activities, poetry was their primary concern and their most notable practice. This thesis intends to solve two problems: 1) what common values or core spirit guided the various cultural practices of the group? 2) what are the poetic features and underlying poetics of the group as a whole? To answer the two questions, this thesis firstly examines the core spirit of the group by reviewing their activities and historical development. It argues that underlying the various activities and facts, there was a core spirit shared by the group. This core spirit, which I refer to as the “modern conservative spirit”, reflected a unique understanding of modernity that was different from that of the May Fourth discourse. They understood modernity not as a negation of tradition, but as a critical synthesis and mutual conformity between the old and the new, the local and the global. I show how the Crescent Moon intellectuals acquired this core spirit, and how it was displayed in their various activities. Secondly, this thesis provides detailed textual analysis of several Crescent Moon poems and reconstructs their poetics. It argues that their poetics demonstrated three faces, i.e. a romantic temperament, a classic ideal, and a modern consciousness. The three faces coexisted throughout the poetic practice of the group, although a certain face might have dominated in a certain period. I demonstrate how the three faces were unified under the guidance of the modern conservative spirit, and I argue that the simultaneousness of the three faces embodied the modern conservative intellectuals’ pursuit of literary modernity. By discussing the core spirit and poetics of the Crescent Moon School, this thesis concludes that the group was a missing link in Republican modern conservative trend, linking the late 1910s and early 1920s neotraditionalist thinkers with the mid-1930s Beijing School writers. The modern conservative intellectuals represented a dissenting voice in the Republican era, but they were also committed pursuers of modernity and cosmopolitanism.