Esta dissertação faz parte de uma pesquisa poética que abrange produções artísticas em dança. Assim, o corpo contínuo ou algodãozado é apresentado não como um conceito, mas como uma noção que opera construindo obras. Esse termo é uma imagem cunhada no âmbito da produção artística e pedagógica da autora, e procura dar conta de um entendimento de um corpo que não se reduz ao biológico, um corpo que, uma vez experimentado, desdobra-se em imagens, conceitos, palavras, sensações, impossibilitando o encontro com uma realidade última ou com um eu. Esse corpo também se desdobra no espaço, ao qual se entrega, do qual depende e com o qual é dinamicamente formado. Nesse campo de um eu problemático, o ponto de vista em primeira pessoa, a via da escuta das sensações, procura ser uma ferramenta de acesso para que se possa perceber os jogos de poder, de definições de realidade e conceitos, reiterados nas ações corporais, entendidas como idênticas a conceitos e imagens. Como essa experiência não encontra um ponto de fundação, passa a ser entendida como detonadora de um processo de criação permanente, confundindo arte e vida e solicitando ao fazer artístico a responsabilidade por explicitar as convenções que o legitimam, bem como pela proposição de outros modos de fazer. Daí a necessidade de compreender um processo artístico à luz das tradições que informam seus modos de fazer, ou, dito de outra maneira, que lhe subjetivam. No caso desta pesquisa, esta tradição abrange o legado de John Cage e Merce Cunningham, e, mais especificamente, da geração da Judson Church, ou da chamada dança pós-moderna norte-americana dos anos 1960 e 1970, especialmente no que se refere ao uso de técnicas de educação somática proposto como procedimento artístico por esses últimos. As produções artísticas aqui enfocadas – a série Caixas, os desdobramentos do espetáculo Instruções para abrir o corpo em caso de emergência e os procedimentos de falar-fazer – são produzidas por esse entendimento. Ao longo dos anos da pesquisa, o fazer das mesmas foi demandando a complexificação do entendimento do corpo algodãozado, desembocando na própria abordagem da escrita aqui presente como um de seus desdobramentos poéticos. / The present dissertation is one of the results of a research in Poetics, which comprises also artistic Dance productions. The terms Continuous or Cottoned Body are presented not as a concept, but as a perception that develops a work of art. Cottoned Body is an image derived from the author’s Artistic and Educational history, built on the understanding of a body that can’t be reduced to Biology. A body that, once experienced, unfolds into images, concepts, words, sensations, not to be limited to a ultimate reality or a Self. The firstperson point of view, the way of listening to sensation, is an tool to access power games, definitions of reality and concepts, which are reiterated in body actions – herein understood as identical to concepts and images. The foundations of such experience are not attainable, therefore it fosters a permanent creative process, blurring Life and Art, and compelling the Artist to present the conventions that legitimate her Poiesis. Hence the need to comprehend Poiesis in light of the traditions that subject it. In the present research, this traditions can be traced back to the legacy of John Cage and Merce Cunningham, and the Judson Church generation from the 1960s and 1970s. We focus specifically on the use of Somatic Education as a tool for artistic creation by the Judson Church group. The artistic works analyzed in this dissertation (the Caixas series; the developments of Instruções para abrir o corpo em caso de emergência; and the Falar-Fazer procedures) are a result of such comprehension. During the research time, the Poiesis of these works engendered a complexification of the notion of Cottoned Body. This complexification resulted in the narrative approach presented in this dissertation, itself one of its poetic unfoldings.

Focusing on the poetry published in the Cornhill, Once a Week, Good Words, and the Argosy, four of the most prominent illustrated literary periodicals of the 1860s, this dissertation contends that the popular poetry found in mid-century periodicals is not only essential to our understanding of the periodical press, but also that the periodical is integral to our understanding of Victorian poetics. Each chapter examines the poetry and poetics of a single periodical title and addresses several key issues related to the publication of poetry in the periodical press: the power and influence of illustrated poetry in contemporary visual culture, the intended audience of the literary periodical and the issues that raises for editors and poets, the sociology and networks of print, and the ways in which periodical poetry participated in contemporary debates about prosody. This dissertation thus offers an alternative history of Victorian poetry that asserts the centrality of the periodical and popular poetry. In other words, it argues that without a consideration of the vital importance of periodical poetry, Victorian poetry studies is quite simply anachronistic. / Graduate / 2018-12-31 / 0593 / 0391

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Les Gnawa sont présents dans toutes les grandes villes du Maroc (Oujda, Tanger, Casablanca, Fès, Meknès, Rabat, Marrakech, Essaouira, Agadir etc.). Musiciens, officiants et adeptes se rassemblent dans un rituel nocturne baptisé la lîla (litt. "une nuit") lequel célèbre à la fois, Dieu, son prophète Muhammad, l'Afrique subsaharienne ainsi que de nombreux autres entités invisibles réparties en sept familles. La musique, la danse et la transe sont omniprésentes dans cette célébration. Cette thèse analyse l'identité des Gnawa, leurs représentations, leurs instruments rituels, leurs performances, leur musique, les textes chantés, leurs danses et leurs transes. L'examen de ces différents champs d'activité révèle que les Gnawa jouent avec l'ambiguïté de manière systémique et à plusieurs niveaux. Leur perception par la société marocaine, leur "panthéon", leurs rythmes, leurs danses et leurs transes, tous ces aspects des actions et de la pensée des Gnawa sont actés avec ambiguïté. Confrérie hybride qui a autant perpétué la mémoire de ses racines subsahariennes qu'assimilé les influences mystiques et politiques de sa société d'exil, les Gnawa - des noirs mais aussi des métis et des blancs - ont érigé en art le fait de réconcilier des imaginaires potentiellement conflictuels dans la société marocaine. Mais paradoxalement, ils se doivent de cultiver ésotérisme et étrangeté pour conserver leur légitimité d'experts de l'invisible. / Gnawa are living in all the big towns of Morocco (Oujda, Tanger, Casablanca, Fes, Meknes, Rabat, Marrakech, Essaouira, Agadir etc.). Musicians, officiants and adepts gather in a night ritual called the leela (litt. "one night") which celebrates at the same time God, his prophet Muhammed, Sub-Saharan Africa and other many invisible entities divided in seven families. Music, dance and trance are ubiquitous in this ceremony.This thesis gives the analysis of Gnawa identity, of their representations, their ritual instruments, their performances, their music, their sung texts, their dances and their trances. The examination of these differents fields reveals that Gnawa play with ambiguity in a systemic way and at many levels. The way Moroccan society see them, their "pantheon", their rhythms, their dances and trances, all these aspects of their actions and thought are acted with ambiguity.Hybrid brotherhood which has both carried on the memory of its Sub-Saharan roots and integrated the mystic and political influences of its society of exile, the Gnawa - Blacks but also Mixed and White - have raised in art the fact to bring back imaginaries potentially contentious together in the Moroccan society. But paradoxically, they have to maintain esotericism and otherness to preserve their legitimacy of experts of the unseen.

Este trabalho é uma tradução da Poética de Aristóteles (com exceção dos capítulos 19 a 22, que não são discutidos aqui) acompanhada de comentários. A intenção dele é estabelecer um texto que leve em conta as várias contribuições dadas pelas principais traduções francesas, inglesas, italianas e portuguesas, e situar, por meio dos comentários, a Poética dentro do corpus da filosofia aristotélica, especialmente a ética de Aristóteles e sua teoria da ação. / This paper is a translation into Portuguese of Aristotle\'s Poetics (with the exception of chapters 19 trough 22, which are not discussed here), with accompanying commentaries. Its intention views the establishment of a text that takes into account several contributions given by the main French, English, Italian and Portuguese translations. The commentaries consider Poetics as a part of the Aristotelian philosophy teachings, especially Aristotle\'s ethics and his action theory.

Este trabalho pretende compreender a Heteronímia em chave retórico-poética, sobretudo no que ela se liga às concepções de ethos e pathos. Com isso, estabelecerá as relações de Fernando Pessoa com o mundo Antigo e a tradição que a ele se segue no que tange às questões do fingimento. O conceito de subjetividade ajudará a compor o contexto pessoano e, por conseguinte, ajudará na interpretação das mudanças que o sujeito comportou desde a Antiguidade até os dias do poeta português. A figura de linguagem chamada de etopeia é questão fundamental desta tese que se propõe a mostrar que a heteronímia é essa figura / This work\'s aim is to understand the Heteronomy in rhetorical-poetic key, especially in what it connects to the concepts of ethos and pathos. With this, it will establish the relationships of Fernando Pessoa and the Ancient World, and the tradition that comes after him in regard to the issues of pretense. The concept of subjectivity will help to select Pessoa\'s context and thus help in the interpretation of the changes that the subject kept since Antiquity until the days of the Portuguese poet. The figure of speech called etopeia is a fundamental matter in this thesis, which aims to show that heteronomy is such figure

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation questioned if a particular proposal for music education, the Proposal Musicpedagogical CDG Sing and Dance with Us, could be considered a pedagogical poetics, of artistic creation in and for school. In order to achieve this aim, the research began characterizing CDG from documents produced by and about it. At the same time, a study about poetics from the thought of Paul Valéry e René Passeron was carried out. The authors cited served as theoretical and methodological lenses through which I meant to amplify CDG, in order to demonstrate how a pedagogical proposal can be understood as a poetics; this claim did not aim to restrict CDG to art teaching, but the actual production of art. The poetics, as presented here, is: poïein (VALÉRY , 2011), a do that leads to a process of creation; poiesis (PASSERON, 1997), the study of creative behavior; poiesis (CASTRO, 2004), when studied from outside the metaphysical field, essence of acting, inseparable from the concept of physis (incessant arise) and ethos (the act as a sense of being); the poíesis (AGAMBEN, 2012), while production in the presence, of something that cross the not going to be to the to be. Therefore, in order to demonstrate how the CDG constitutes a poetics, the conducts of creation in the proposal, through the analysis of an article written by the author of the CDG and a report of the author of the dissertation, both related to experiences of creation were studied. The conclusion was that the conduct of creation guided by CDG has always a collective development and is an open work of art; that in the process of creating the work, each person involved also creates a self, able to take responsibility for the success of them all and the work. The work in this context is the result of willingness and possibilities of each individual and the group. / A presente dissertação questionou a possibilidade de uma determinada proposta de ensino de música, qual seja, a Proposta Musicopedagógica CDG Cante e Dance com a Gente, ser considerada como uma poética pedagógica, de criação artística na e para a escola. Para tal, iniciou-se a pesquisa realizando uma caracterização do CDG a partir dos documentos produzidos pela e sobre a mesma. Concomitantemente, realizou-se o estudo da poética a partir do pensamento de Paul Valéry e René Passeron. Os autores citados serviram como lentes teóricas e metodológicas por intermédio das quais pretendi amplificar o CDG, a fim de demonstrar de que maneira uma proposta pedagógica pode ser entendida como uma poética; essa pretensão teve por objetivo não restringir o CDG à uma proposta de ensino de arte, mas à produção propriamente dita de arte. A poética, conforme apresentada neste trabalho, é: o poïein (VALÉRY, 2011), fazer conduzido por um processo de criação; a poiesis (PASSERON, 1997), estudo da conduta criadora; a poiesis (CASTRO, 2004) estudada fora do campo metafísico, essência do agir, inseparável da concepção de physis (surgir incessante) e ethos (agir como sentido do ser); a poíesis (AGAMBEN, 2012), enquanto produção na presença, do algo que passa do não ser ao ser. Portanto, a fim de demonstrar como o CDG se constitui em uma poética, estudou-se as condutas de criação presentes na proposta, por intermédio da análise de um artigo publicado pela autora do CDG e de um relato da autora da dissertação, ambos relacionados à experiências de criação no CDG. Concluiu-se que a conduta de criação no CDG é pautada pelo desenvolvimento coletivo de uma obra de arte que é sempre aberta; que no processo de criar a obra, cada pessoa envolvida cria, também um si mesmo, capaz de assumir responsabilidades pelo sucesso de todos e da obra. A obra, neste contexto, será o resultado dos quereres e das possibilidades de cada um e do grupo.

Submitted by JAQUELINE VANSAN null (jaque.vansan@yahoo.com.br) on 2016-06-24T15:58:49Z No. of bitstreams: 1 POÉTICA E RETÓRICA NAS HEROIDES DE OVÍDIO.pdf: 3119617 bytes, checksum: 5a64e6f59683127029a22458c65aeda2 (MD5) / Rejected by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br), reason: Solicitamos que realize uma nova submissão seguindo as orientações abaixo: Inserir a data de defesa na folha de aprovação. Corrija estas informações e realize uma nova submissão contendo o arquivo correto. Agradecemos a compreensão. on 2016-06-27T17:05:30Z (GMT) / Submitted by JAQUELINE VANSAN null (jaque.vansan@yahoo.com.br) on 2016-06-27T18:07:34Z No. of bitstreams: 1 POÉTICA E RETÓRICA NAS HEROIDES DE OVÍDIO.pdf: 3119297 bytes, checksum: 4260bcf166d6673471999d4f369ec024 (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-06-27T20:15:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 vansan_j_me_arafcl.pdf: 3119297 bytes, checksum: 4260bcf166d6673471999d4f369ec024 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-27T20:15:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 vansan_j_me_arafcl.pdf: 3119297 bytes, checksum: 4260bcf166d6673471999d4f369ec024 (MD5) Previous issue date: 2016-05-09 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Públio Ovídio Nasão (43 a. C. - 17 d. C) foi um dos autores mais versáteis e prolíficos do período augustano da Literatura Latina, deixando-nos como legado uma obra que abarca desde elegias que cantam aventuras e decepções amorosas ou lamentam o exílio, a poemas didáticos ou de caráter etiológico. Em meio aos primeiros escritos do autor encontram-se as Heroides, coleção de 21 elegias epistolares, tradicionalmente dividida em duas séries: a primeira formada por correspondências nas quais heroínas lendárias remetem súplicas ou lamentos aos amados distantes; a segunda, por trocas de cartas entre célebres casais do mito. Escrito provavelmente entre 20 e 16 a.C., o conjunto de poemas destaca-se pela forma com que foi composta, na qual se juntam ao gênero epistolar, elementos e metro próprios da elegia amorosa romana e uma escrita que revela traços da retórica cultuada na época. E, se por um lado, não se pode afirmar categoricamente que Ovídio seja o pioneiro a valer-se de tal mescla de gêneros, uma vez que Propércio já havia utilizado o modo epistolar anteriormente no terceiro poema a integrar o livro IV de sua obra elegíaca, por outro lado, sabe-se que é pela arte ovidiana que o formato é largamente desenvolvido e ganha status de coleção, inovando, ainda, ao buscar na tradição literária a voz presente em cada uma das correspondências. Ao se levar em consideração a singularidade proporcionada por esse entrecruzamento de gêneros e estilo de escrita, tem-se um produtivo foco de estudo, uma vez que a forma possibilita a identificação de conceitos ligados tanto às poéticas e como aos estudos retóricos desenvolvidos na Antiguidade, e os respectivos efeitos que causam na tessitura poética das epístolas. Nesse sentido, o presente trabalho tem por objetivo, além de reunir informações sobre as Heroides e dos componentes de sua arquitetura literária, analisar os recursos retórico-poéticos que participam da construção da primeira epístola que integra a obra, “De Penélope a Ulisses”, a fim de entender, por meio do próprio poema, a peculiaridade da construção da coleção de cartas e destacar a expressividade poética do texto. / Publius Ovidius Naso, more commonly known as Ovid (43 BCE–17 CE), was one of the most versatile and prolific writers of the Augustan period of Latin literature. His legacy ranges from elegies that talk about love adventures and disisllusions or lament exile to didatic or etiological poems. Among the first works of this writer are the Heroides, a collection of twenty-one poems in epistle form, traditionally divided into two series. The first consists of letters in which legendary heroines send their entreaties and laments to their distant loved ones, and the second of letters exchanged between famous mythical couples. Possibly written between 20 and 16 BCE, this collection of poems stands out for its composition, which combines the epistle form, elements and metrics characteristic of Roman love elegies, and a writing style that shows traces of the rhetoric celebrated at the time. And, if on one hand, it cannot be categorically said that Ovid is a pioneer in using this mix of genres, since Propertius had already used the epistle form in the third poem in Book IV of his elegiac work, on the other hand, it is widely known that it was through the art of Ovidius that the genre developed and gained a collection status. Ovid also brought new innovation to the epistolary genre by seeking in the literary tradition the voice present in each letter. A productive study can be made of the uniqueness of this crossing of writing genres and styles, since the form allows for the identification of concepts associated both with the poetics and with the rhetorical studies developed in antiquity, and the respective effects that they have on the poetic process of the epistles. Therefore, in addition to gathering information on the Heroides and the components of their literary architecture, this study aims to analyze the rhetorical-poetic resources that aided in writing the first epistle, “Penelope to Ulysses,” in order to understand, through the poem itself, the peculiarity of the construction of this collection of letters, and to highlight the poetic expressiveness of the text.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113869.pdf: 2760632 bytes, checksum: d5cbd8958bc98beba213e548f5d9f41b (MD5) Previous issue date: 2013-07-30 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This research deals with the artistic production of the artist Elke Hering between the 1950s and 1990s, particularly emphasizing experimentation and the search for new materials. The work is divided into three chapters that emphasize highlight the critical, the circuit and the poetic artistic. In the first, it is the art critical texts and discourses applicants about their work. In the second, discusses the relationship of the artist with her city from similarities and differences that produced Blumenau in her artistic life. At last, we highlight the different poetic material in the works as well as the connections that were present in the works of other artists. / Esta pesquisa trata da produção artística da artista Elke Hering entre as décadas de 1950 e 1990, particularmente destacando a experimentação e a busca de novos materiais. O trabalho encontra-se dividido em três capítulos que priorizam a crítica, o circuito e a poética artística. No primeiro, considera-se os textos críticos de arte e os discursos recorrentes sobre sua obra. No segundo, aborda-se a relação da artista com sua cidade a partir de aproximações e distanciamentos que Blumenau produziu na sua vida artística. No último, ressalta-se as diferentes poéticas e materiais presentes nas obras de Elke Hering, bem como, as conexões que estiveram presentes nos trabalhos de outros artistas.

Les slogans révolutionnaires sont un genre de discours politique qui fait l’objet d’une attention récente : recueillis, archivés, édités parfois, ils échappent parfois à leur destin de matériau de lutte éphémère. Formes brèves modernes issues des cortèges de manifestants ou bombées à la va-vite sur les murs des villes insurrectionnelles, les slogans se situent à la frontière de la littérature et de la politique. Contre les slogans autoritaires des dictateurs et les slogans publicitaires des annonceurs, les slogans révolutionnaires inventent une langue commune de combat à l’heure où le peuple revendique le pouvoir pour soi. Cette thèse se propose d’examiner précisément comment poétique et politique s’articulent au sein de ces formes polémiques. Appréciées pour leurs qualités poétiques, elles peuvent parfois quitter leur contexte d’énonciation originel. Des murs des villes aux pages des livres, certaines trouvailles linguistiques et graphiques font alors leur chemin vers la littérature intentionnelle. Il s’agit de se demander comment cette dernière reconfigure ces formes originellement politiques, pour comprendre le rapport spécifique entre politique et littérature qui se noue dans la forme du slogan révolutionnaire. / Revolutionary slogans have recently emerged as a new speech genre. Simultaneously political and poetical, they have been archived and edited in collections. Slogans now play an integral part of media coverage during uprisings and revolutions, and, more generally, of all social movements. Coined as modern aphorisms, they exist as ephemeral tools serving political action: chanted throughout protests or spray-painted on walls. Revolutionary slogans can be read as catchphrases blurring the border between art and action, politics and poetics. Standing against the authoritarian slogans of dictatorships, or denouncing the commercial slogans of advertising, revolutionary slogans are held as the invention of a collective language in times of struggle. They are the language of the people speaking out against tyranny and reclaiming its sovereignty. The aim of this research is to propose a poetics of a political form. The assessment of the poetic nature of these slogans is fundamental in order to understand how they can be perceived as aphoristic forms. From the walls of rebellious cities to the blank pages of books, slogans can be adapted to literary discourse. How does literature reconfigure this particular genre of political speech? Is the revolutionary slogan a new kind of literature? By broaching a poetics of revolutionary slogans, the specific ties this new form establishes between politics and literature will be investigated.