[pt] Propondo uma leitura do traço ensaístico da obra da poeta brasileira Marília Garcia, esta tese apresenta uma pesquisa em torno do que nomeamos de amizade das formas entre poesia e filosofia. Marília Garcia tem produzido uma obra que pode ser considerada, em si mesma, experimental e desviante: desvia do poema ao produzir objetos discursivos prenhes de mecanismos investigativos, ao mesmo tempo que desvia do ensaio inserindo, na especulação e na teoria, procedimentos não apenas criativos, como afetivos. Constituída por três movimentos de escrita, intitulados Perguntas, Imagens e Forma, na primeira parte da tese, a centralidade é dada ao livro Um teste de resistores (2014) através da análise de seu poema de abertura, Blind light. Está em jogo, nesse movimento, deslocar os lugares tradicionalmente atribuídos ao poeta e ao filósofo na participação (ou não) na terra estranha do saber, segundo expressão de Walter Benjamin. No segundo movimento, partindo da afirmação da própria poeta de que as imagens a ajudam a pensar, centramos nossa leitura no uso das imagens técnicas em Parque das ruínas, poema-ensaio que intitula o livro homônimo de Garcia, publicado em 2018. No terceiro movimento, que versa sobre a forma do poema-ensaio, a centralidade é dada ao texto O poema no tubo de ensaio, publicado na antologia crítica Sobre poesia: outras vozes (2016) e em Parque das ruínas (2018), e à história de suas versões. Transversalmente, o trabalho dialoga com a proposição de Giorgio Agamben sobre o estabelecimento da filosofia enquanto forma de conhecimento por meio de uma relação de inimizade com a poesia. Diante desta cisão, que marca o ocidente, propomos pensar, apoiados na emergência da ideia primeiro romântica da crítica de arte e nas teorias do ensaio, uma amizade das formas entre poesia e filosofia marcadamente através do poema-ensaio como forma, sendo esse, portanto, o mote que nos impulsiona em direção à poesia de Marília Garcia. / [en] Proposing a reading of the essayistic trait in the work of Brazilian poet Marília Garcia, this thesis presents an investigation around what we named friendship of forms between poetry and philosophy. Marília Garcia has produced a work that can be considered, in itself, experimental and deviant: it deviates from the poem by producing discursive objects pregnant with investigative mechanisms, while also deviating from the essay by inserting, in speculation and theory, procedures that are not only creative but affective. Consisting of three writing movements, entitled Questions, Images and Form, in the first part of the thesis, centrality is given to the book Um teste de resistores (2014) through the analysis of its opening poem, Blind light. At stake in this movement is the displacement of the places traditionally attributed to the poet and the philosopher in the participation (or not) in the strange land of knowledge, to use Walter Benjamin s expression. In the second movement, starting from the poet s own assertion that images help her to think, we focus our reading on the use of technical images in Parque das ruínas, a poem-essay that titles Marília Garcia s eponymous book, published in 2018. In the third movement, which deals with the poem-essay as form, centrality is given to the text O poema no tubo de ensaio, published both in the critical anthology Sobre poesia: outras vozes (2016) and in the author s book Parque das ruínas(2018), and the history of its versions. Throughout, he work dialogues with Giorgio Agamben s proposition on the consolidation of the social position of philosophy as a discursive form through the establishment of a relationship of enmity with poetry. We propose to think of this split, which marks the West, in terms of its undoing, supported by the emergence of the first romantic idea of criticism and the theories of the essay. One possible way of realizing the proposition of a friendship of forms seems to rest in the poem-essay, hence the driving force that impels us towards Marília Garcia s poetry through the analysis of three of her poem-essays.

Depuis le début du vingtième siècle, une poésie écrite fait entendre dans l’ensemble des Amériques la voix des personnes d’origine africaine ; ce phénomène est distinctement moderne, dans la mesure où une telle voix était jusqu’alors impensable dans un champ littéraire conçu selon des termes peu conciliables avec l’idée d’une perspective propre à un groupe social ou ethnique. De la « Harlem Renaissance » des années 1920 au « negrismo » cubain, du « Teatro Experimental do Negro » brésilien au « Black Arts Movement » nord-américain ou au « Caribbean Artists Movement » caribéen, nombreux ont été les moments de manifestation de cette quête d’une voix noire en poésie. L’appropriation par les poètes de pratiques orales, en particulier, a joué un rôle moteur dans l’émergence de cette communauté de discours poétique transnationale. L’objectif de ce travail est d’interroger les apports méthodologiques de la littérature comparée dans l’éclaircissement des enjeux proprement littéraires de cette poésie moderne des « Amériques noires ». / From the early Twentieth Century on, a written poetry has been carrying in the entire Americas the voice of people of African descent; this phenomenon is distinctively modern, as far as such a voice had until then been unconceivable within a literary field conceived in terms that were hardly compatible with the very idea of a perspective proper to one particular social or ethnic group. From the “Harlem Renaissance” of the 1920s to the Cuban “negrismo”, from the Brazilian “Teatro Experimental do Negro” to the “Black Arts Movement” or the “Caribbean Artists Movement”, there have been numerous manifestations of this quest of a Black poetic voice. The poets’ appropriation of oral practices, in particular, played a dynamic role in the appearance of this transnational poetic community of discourse.. The aim of this work is to question the methodological benefits of comparative literature in the clarification of what is at stake literarily speaking in this modern poetry of the “Black Americas”.

[pt] Esta dissertação tem como objetivo central investigar a escrita de poetas da novíssima geração brasileira (publicados do ano 2000 em diante) que fazem uso de outras línguas além do português em seus poemas, a fim de compreender o que move uma parte significativa da nova geração a escrever dessa forma e o que isso pode vir a dizer sobre as interações artísticas do Brasil com outras culturas na contemporaneidade. Para empreender essa investigação, parte-se de duas vanguardas nacionais que fizeram um uso afim de línguas estrangeiras na poesia e na música brasileiras — a antropofagia e a tropicália — as quais, embora possuidoras de várias características encontradas também na poesia bilíngue da nova geração, estavam imbuídas, em maior ou menor grau, de um desejo de construção de identidade nacional que não se observa mais hoje. Os poemas escolhidos, de onze autores diferentes, serão estudados com base em textos e conceitos oriundos tanto dos estudos culturais quanto do pós-estruturalismo francês, e a dissertação como um todo está calcada na obra de autores como Silviano Santiago, Eneida Maria de Souza, Alberto Fuguet, Charles Perrone, Gilles Deleuze, Roland Barthes e Jacques Derrida, dentre outros. Far-se-á ainda um esforço comparativo entre o caso brasileiro e o americano, tomando como objeto poetas residentes nos EUA que escrevem numa mistura de inglês e espanhol que se convencionou chamar de Spanglish. Com isso, pretende-se demonstrar que a nova geração da poesia brasileira parece escolher seus temas e formas mais por questões de afinidade mais que de nacionalidade. / [en] This thesis is an examination of the writings of young Brazilian poets (debuting since 2000) who use other languages than their native Portuguese in their poems, in order to understand what motivates part of a generation to write in such a fashion, and what this could mean in terms of Brazil’s artistic interaction with other cultures in a contemporary framework. Two avant-garde movements that have incorporated foreign languages into Brazilian literature and music in the past will be examined – antropofagia and tropicália. Though they share a number of features with the new bilingual poetry being written today, to a greater or lesser extent these movements were concerned with issues of national identity that are no longer relevant to Brazilian poets today. The poems chosen for analysis, by 11 different authors, will be read in connection with texts and concepts from Cultural Studies and French Post-Structuralism, and the thesis draws on such authors as Silviano Santiago, Eneida Maria de Souza, Alberto Fuguet, Charles Perrone, Gilles Deleuze, Roland Barthes and Jacques Derrida, among others. Finally, a comparative analysis will be carried out between the Brazilian case and Spanglish literature in the United States. The overall intention of the study is to demonstrate that the new generation of Brazilian poets, in their choice of themes and formats, are driven by criteria of affinity rather than of nationality.

O presente trabalho analisa a obra completa de Orides Fontela, com um total de cinco livros publicados entre 1969 a 1996, observando os processos de continuidade e ruptura ao longo de seu percurso. Buscou-se compreender como se estabelecem os seus mais notórios procedimentos estéticos, a tensão entre a palavra e o silêncio, a fixação pela luz, a constituição de seu sujeito lírico oculto, a densa presença de elementos da natureza e o trabalho conciso a partir de um peculiar repertório simbólico-metafórico. A análise e a interpretação de tais procedimentos permitiram observar como a poética orideana oscila entre a sensação de potência e impossibilidade. Para tanto, investigou-se a organização das inter-relações figurativas entre os poemas e como o emprego de pares antitéticos e ideias paradoxais contribuem para a riqueza de significação alcançada. A contínua transposição poética, entre a água e o sangue, o voo e o pouso, o céu e o abismo, a vida e a morte, tende a produzir uma camada de sentido subterrânea, que para além da aparente transcendência e extemporaneidade da autora, comunica-se com a historicidade de seu tempo / The present work analyzes the collection of Orides Fontela, which result a total of five published books from 1969 to 1996, observing the processes of continuity and rupture all over this route. We were looking for a understandable search for their most important aesthetic procedures, about the tension between word and silence, the fixation by lucidity, the constitution of its occult lyrical subject, the dense presence of nature elements, and the concise employment from a peculiar repertoire symbolic and metaphorical. The analysis and interpretation of such procedures about this poetic allowed to observe the oscillation between the sense of power and impossibility. To this end, we investigated the figurative organization of interrelationships between poems and how they use the antithetical pairs and the ideas paradoxical that contribute to the richness of meanings reached. The continuous poetic transposition between water and blood, flight and landing, the sky and the abyss, life and death, tends to produce a layer of sense subterranean, that beyond the author´s apparent transcendence and extemporaneity, communicates with the historicity of her time

A tese propõe um percurso interpretativo pelo trabalho do escritor e artista visual Nuno Ramos (1960), abordando suas vertentes literária, plástica e ensaística. Seu foco principal incide sobre os diferentes modos de agenciamento da linguagem, no interior das práticas de escrita do artista e, sobretudo, no que diz respeito à produção de relações entre essa esfera e um campo expandido das artes visuais, que identifica no cerne de movimentos decisivos da poética do artista. Para tanto, articula seu movimento em torno do operador conceitual voz, delineado a partir de aportes provenientes de certas teorias da enunciação e da poesia, da psicanálise principalmente de extração lacaniana e de certa filosofia contemporânea, buscando, ainda, desenvolver algumas de suas consequências éticas, políticas e ontológicas, sempre em diálogo com o problema da subjetivação. As três primeiras partes da tese partem de uma organização básica de teor cronológico, bem como da discussão de trabalhos fundamentais para o recorte proposto, sempre buscando expandir as análises na direção das múltiplas frentes de investigação do artista e de aproximações e distanciamentos estruturais e históricos entre os campos literário e plástico e entre essa poética e seus outros. O corpus de base é composto pelos livros Cujo (1993), Ó (2008) e Sermões (2015) e, no domínio das artes visuais, 111 (1992), Vai, vai (2006) e Ensaio sobre a dádiva (2014/2016). Finalmente, na quarta parte da tese, essas discussões são ampliadas em contato com a sondagem de incursões do artista pelo âmbito do ensaio, sobretudo no que toca ao registro das interpretações do Brasil, e, desdobrando essa linha a partir da atividade do artista como letrista, pelo universo da canção. / The thesis proposes an interpretative trajectory through the work of the writer and visual artist Nuno Ramos (1960), approaching its literary and plastic realms, as well as the artists activity as essay-writer. It focuses, first of all, on the different modes of conception of language, regarding the artists writing practices and, most of all, the production of relations between this domain and an expanded field of the visual arts, identified in the core of a major part of Ramoss poetics. For doing so, its crossed perspective is structured by a notion of voice, grounded upon references from certain theories of utterance and poetry and psychoanalytical concepts, mostly from the Lacanian tradition, attempting to carry some of its ethical, political and ontological consequences, always in regard to the issue of the subject. Parts I, II and III begin with a basic chronological organization, and bring to the fore the analyses of works considered to be essential for the purposes of the thesis, always making an effort to expand these analyses towards the multiple realms of the artists activity, aiming at pointing out structural and historical comparisons between literature and the visual arts, as well as between Ramoss poetics and its others. Its basic corpus is composed by the books Cujo (1993), Ó (2008) and Sermões (2015), and by the visual art works 111 (1992), Vai, vai (2006) and Ensaio sobre a dádiva (2014/2016). In the last part of the thesis, these debates are expanded by means of a reading of some aspects of the artists essaywriting, mostly in regard to the theme of interpretation of Brazil, and attempting to unfold this line, in relation to the artist activity as song-writer, towards the universe of popular song.

O trabalho é uma leitura da obra de João Cabral de Melo Neto, de Pedra do Sono a Andando Sevilha, reavaliando algumas considerações de sua Fortuna Crítica. Promove-se a revisão de alguns estudos definidores da poética cabralina que postularam que sua lógica de composição está atrelada à segmentação de sua poesia em duas vertentes: as \"duas águas\". Considera-se que a maioria destes estudos, realizados durantes os anos 60 e 80, reforçaram alguns pressupostos, tais como o antilirismo de sua poesia, sem confrontar as categorias analíticas ao conjunto dos livros do poeta, escritos após A Educação Pela Pedra. Apresentase, portanto, a análise dos seis livros do poeta de Museu de Tudo a Andando Sevilha que conferem ao todo da poesia de João Cabral uma nova conformação. A partir da análise da tematização do lirismo-amoroso e do feminino e da inscrição do autobiográfico na obra, problematiza-se a divisão da poesia cabralina em duas vertentes e reconsideram-se os desdobramentos dela decorrentes. / This research is the reading about João Cabral de Melo Neto work, from Pedra do Sono (Sleep\'s Stone) to Andando Sevilha (Walking Sevilla) , re-evaluating some considerations from his Critical Fortune. It is promoted a revision of some studies which defined the Cabral\'s poetics and which postulated that his logic of composing is attached to the segmentation of his poetry in two ways: the \"two waters\". It is considered that most of those studies, which were accomplished during the 1960\'s and 1980\'s, reinforce some propositions, such as the antilyricism in his poetry, without confronting the analytical categories to all his books, written after A Educação Pela Pedra (Education by Stone). It is presented, therefore, the analysis about the six books written by the author from Museu de Tudo (Museum of Everything) to Andando Sevilha (Walking Sevilla) which give to João Cabral whole poetry a new configuration. Starting from the analysis about the themes of love-lyricism and feminine and the inscription of auto-biography in his work, it is discussed the problematic of the division of Cabral\'s poetry in two perspectives and the unrollings which are consequences of this division.

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Aparecida de Macedo.pdf: 3670400 bytes, checksum: cf9a169c1f89d25926b11fbcbf5da351 (MD5) Previous issue date: 2009-04-28 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This work studies the poetic in Invention of Orfeu, Jorge de Lima, and looks for to trace a intersemiotical relation between parts of the poem and some pictorial productions of the author. Considering the workmanship a symbolic universe, it searchs to unmask the existing paradox around silence and of the words, in a metapoetics analysis, aiming at to the joint between word/silence and silence/painting. It tries to trace the passage of the poetical tradition, since Aristotle until works on the structure of modern lyrics, where Invenção de Orfeu if fits. For this, the workmanship of Hugo Friedrich was basic. In the studied text, the poet, such which Orfeu, god of music and the poetry, is launched in a trip to the search of the self-knowledge and the poetical inspiration. In an attempt to disclose sensible in a workmanship full of stylistic artifices, the presence of silence gained prominence. It was analysed like the area of the meaning, as the Emptiness of Mallarmé or the Nothing of Rimbaud, product of the metric one, of mimesis, metaphor, intertextual dialog among works, intersemiotics and a cosmogonical idea of the poem, as a synthesis of the human being literary trajectory. The ideas of Júlio Plaza had given base for the analysis of some excerpts of the poem in intersemiotical dialogue with screens of the author, evidencing that word, form and silence reverberate multiple meanings. Texts of Maurice Merleau-Ponty and Carlos Drummond de Andrade had also contributed for this dialogue. The result of the research was the briefing of important questions of literary praxis, showing that word and silence are also transforming and integrative forces in art / Este trabalho estuda a poeticidade em Invenção de Orfeu, de Jorge de Lima, e procura traçar uma relação intersemiótica entre partes do poema e algumas produções pictóricas do autor. Considerando a obra um universo simbólico, busca desvendar o paradoxo existente em torno do silêncio e das palavras, numa análise metapoética, visando à articulação entre palavra/silêncio e silêncio/pintura. Tenta traçar o percurso da tradição poética, desde Aristóteles até trabalhos sobre a estrutura da lírica moderna, em que Invenção de Orfeu se enquadra. Para isso, a obra de Hugo Friedrich foi fundamental. No texto estudado, o poeta, tal qual Orfeu, deus da música e da poesia, lança-se em uma viagem à procura do autoconhecimento e da inspiração poética. Numa tentativa de descortinar sentidos em uma obra repleta de artifícios estilísticos, a presença do silêncio ganhou destaque. Ele foi analisado como um vão da significação, como o Vazio de Mallarmé ou o Nada de Rimbaud, produto da métrica, da mimese, da metáfora, da intertextualidade, da intersemiótica e da idéia cosmogônica do poema, como uma síntese das trajetórias humana e literária. As idéias de Júlio Plaza deram base para a análise de vários excertos do poema em diálogo intersemiótico com telas do autor, evidenciando que palavra, forma e silêncio reverberam múltiplos significados. Textos de Maurice Merleau-Ponty e Carlos Drummond de Andrade também contribuíram para esse diálogo. O resultado da pesquisa foi a elucidação de questões importantes da prática literária, mostrando que tanto a palavra como o silêncio são forças ao mesmo tempo transformadoras e integradoras na arte

Este trabalho apresenta um estudo sobre o eu lírico oculto de uma seleção de poemas de Pau- Brasil, de Oswald de Andrade, sobre São Paulo e Minas Gerais. As análises tentam mostrar como a despersonalização e a extrema objetividade dos poemas se inserem em uma discussão acerca da perda do eu na lírica moderna europeia e como essa operação foi apreendida pela estética paubrasil, dentro do contexto de busca de uma identidade nacional encampada pelo Modernismo brasileiro. Ao mesmo tempo, as análises evidenciam a tentativa de elaboração mítica de São Paulo e Minas por meio desse sujeito oculto, que engendra objetivamente as paisagens paulista e mineira dos poemas. Percebe-se que o sujeito se denuncia segundo intensidades variadas de acordo com o grau de dificuldade de formulação do mito e que essa complexidade está relacionada aos momentos históricos das duas regiões: o auge do café e a decadência do ouro. / The present work is a research into the elliptical subject of selected poems regarding São Paulo and Minas Gerais, from the book Pau-Brasil, by Oswald de Andrade. The analysis attempts to demonstrate how the poems absence of subjectiveness and acute objectiveness inserts itself into the debate concerning the impersonality in the modern European poetry. It also studies how this procedure is apprehended by the pau-brasil aesthetic, taking into account Brazilian Modernisms search of a national identity. Simultaneously, the study verifies the absent selfs effort to elaborate São Paulos and Minas landscapes in the poems as myths. The subject reveals itself in a nuanced fashion that varies according to the difficulty that involves the myth creation, and the referred complexity refers to the historic moments of both regions in the 1920s: the increasing in the coffee exportation and the decadence of the gold mining.

Esta dissertação procura interpretar a obra dos poetas contemporâneos brasileiros Roberto Piva e Claudio Willer tendo em vista a tradição que invocam em suas produções, a qual aponta para as matrizes teóricas do romantismo e se desenvolve na modernidade sendo radicalizada pelas vanguardas históricas, pelo surrealismo e pela geração beat. O texto se foca na relação entre poesia e práxis vital no intuito de ressaltar como os poetas aqui estudados elaboram uma poética ao mesmo tempo em que negam tal intento. / This dissertation seeks to interpret the work of the contemporary Brazilian poets Roberto Piva and Claudio Willer in view of the tradition that they invoke in their productions, which points to the theoretical frameworks of romanticism and it is developed throughout modernity being radicalized by historical avant-gardes, surrealism and beat generation. The text focuses on the relation between poetry and vital praxis to highlight how the poets studied here develop a poetic while at the same time deny such intent.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-07-18T12:04:53Z No. of bitstreams: 1 Gabriela Ribeiro Martins Neta.pdf: 19016907 bytes, checksum: 060d9d51d8698510d4b9400b2074550b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-18T12:04:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriela Ribeiro Martins Neta.pdf: 19016907 bytes, checksum: 060d9d51d8698510d4b9400b2074550b (MD5) Previous issue date: 2017-06-29 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study aims an analysis of the work of Ricardo Chacal considering the relationship between the poetic form and the representation of the city, established in the author’s poetry. This selection was imposed from the reading of Chacal’s complete poetry, a long-living work. One evidenced that the city and the relations with the urban space appear as a possible outliner of his search for an artistic expression. From this perception the hypothesis arose that the several faces of the city makes a promising interpretive entrance of his poetry, forming a trail of understanding of a work that begins in the decade of 1970 and continues until the current days. How that dialogue with the metropolis is built and in what measure it determines the linguistic materiality of the poetry of Chacal were the questions that propelled this study. The corpus of the research is composed of twelve poems: “Hóspede do planeta ” (1972), “Jazidas de titânio em Mato Grosso” (1975), “Na jaula do aparelho” (1983), “A coisa e o nome” (2002), “À rua” (2002), “Cidade” (2002), “Mameluco” (2002), “Ruas” (2002), “CEP 20.000” (2002), “SPO3MA” (2007), “New York” (2007) e “Edificações” (2012). To develop this work, we based ourselves on texts of Viktor Chklovski, Octavio Paz and Viviana Bosi about the poetics; Fernanda Medeiros concerning the Chacal’s critical fortune end poetics; and Renato Cordeiro Gomes about literature and city. This dissertation is divided into three chapters: the first one focuses on the relationship between poetry and city; the second brings artistic references that make up the aesthetic project of the poet; and the third is intended to analyze the corpus / Este estudo propõe uma análise da obra de Ricardo Chacal em torno da correspondência entre a forma poética e a representação da cidade, presente na poesia do autor. Tal recorte impôs-se a partir da leitura das poesias completas, obra intensa e longeva. Constatou-se que a cidade e as relações com o espaço urbano surgem como um possível delineador de sua busca por uma expressão artística. A partir dessa percepção, levantou-se a hipótese de que as várias faces da cidade constituem uma promissora entrada interpretativa de sua poesia, formando uma trilha de entendimento de uma obra que se inicia na década de 1970 e continua até os dias atuais. Como esse diálogo com a metrópole é construído e em que medida ele determina a materialidade poética da poesia de Chacal foram as questões que impulsionaram este estudo. O corpus da pesquisa está composto por doze poemas: “Hóspede do planeta ” (1972), “Jazidas de titânio em Mato Grosso” (1975), “Na jaula do aparelho” (1983), “A coisa e o nome” (2002), “À rua” (2002), “Cidade” (2002), “Mameluco” (2002), “Ruas” (2002), “CEP 20.000” (2002), “SPO3MA” (2007), “New York” (2007) e “Edificações” (2012). Para desenvolver este trabalho, nos apoiamos principalmente, mas não apenas, em textos de Viktor Chklowski, Octavio Paz e Viviana Bosi para discutir a poética; Fernanda Medeiros, no que diz respeito à fortuna crítica e à poética de Chacal; e Renato Cordeiro Gomes sobre literatura e cidade. A dissertação está dividida em três capítulos: o primeiro foca a relação entre poesia e cidade; o segundo traz referências artísticas que compõem o projeto estético do poeta; o terceiro é destinado à análise do corpus