Depuis une quarantaine d’années, la nature et le degré de présence des référents spatiaux et temporels diffèrent considérablement dans le théâtre catalan, au moins selon les périodes, mais sans doute aussi selon les auteurs. À partir du milieu des années 1980, l’écriture dramatique tend en grande partie à refuser tout ancrage de l’action dramatique dans une géographie et un moment historique précis et, en particulier, à éluder les représentations de Barcelone et/ou de la Catalogne. Cette thèse se propose d’examiner le traitement des référents en question dans les pièces écrites par Josep M. Benet i Jornet et Sergi Belbel au cours d’une période où la dramaturgie catalane semble souvent se détourner du monde « réel » comme univers immédiat de référence. Depuis le niveau macrocosmique de l’univers jusqu’aux microcosmes domestiques et intimes, Benet et Belbel creusent le réel selon des modes et avec des moyens dramaturgiques variés, donnant ainsi lieu à des constructions spatiotemporelles assez diverses, et l’on peut alors observer différents effets de la présence et/ou de l’absence du réel : effacement des marqueurs identitaires, ou au contraire, omniprésence des références géographiques et historiques ; sentiment de dilution du monde ; effet paradoxal de la lisibilité de la réalité historique malgré son invisibilité manifeste ; etc. À partir d’un corpus de huit œuvres – Desig, El gos del tinent, Olors et Salamandra de Benet, Elsa Schneider, Tàlem, El temps de Planck et Forasters de Belbel –, l’analyse des référents spatiaux et temporels vise à saisir les « territoires dramaturgiques » privilégiés de deux figures majeures de la dramaturgie catalane contemporaine. / The nature and level of presence of the spatial and temporal referents have considerably differed in the Catalan theatre for the last forty years or so, at least from one period to another but certainly also from one author to another. Since the mid-1980s, playwriting has largely tended to refuse any dramatic action that would have been rooted in any geographic location or any exact point in history and, in particular, to avoid the representations of Barcelona and/or Catalonia. This thesis proposes a study of the treatment of the referents in question through some plays written by Josep M. Benet i Jornet and Sergi Belbel at a time when the Catalan dramaturgy often seems to turn away from the « real » world which has ceased to be a direct universe of reference. Benet and Belbel explore reality from the macrocosmic scale of the universe to the domestic and intimate microcosms, thanks to varied modes and dramatic principles, thereby giving rise to quite varied space-time structures. One may then observe different results of the presence and/or absence of reality: the erasing of identity markers or, on the contrary, the omnipresence of geographic and historical references, the feeling of the dilution of the world, the paradoxical effect of the legibility of historical reality despite its obvious invisibility, etc. Through a selection of eight plays – Desig, El gos del tinent, Olors and Salamandra by Benet, Elsa Schneider, Tàlem, El temps de Planck and Forasters by Belbel –, the analysis of spatial and temporal referents aims to grasp the « dramaturgic fields » emphasized by two major figures of contemporary Catalan drama.

Depuis quelques années, certains metteurs en scènes européens prennent des initiatives particulièrement audacieuses dans leurs adaptations de textes classiques, coupant le texte, modifiant l’ordre des monologues et allant jusqu’à injecter des morceaux de textes écrits par eux ou bien issus d’autres oeuvre littéraires. Ils n’hésitent plus à "se mettre en scène", c’est-à-dire à traiter avant tout leurs propres questions existentielles par l’intermédiaire des textes classiques, se libérant ainsi de toute pression exercée sur eux par les interprétations textuelles faisant autorité ou bien par les représentations de ces textes dans l’imaginaire collectif, et emmenant les textes classiques dans un "ailleurs" très personnel. Leurs mises en scène dépassent la fragmentation et le désordre propres au théâtre postmoderne et s’attachent au contraire à raconter une histoire cohérente, centrée sur les préoccupations intimes du metteur en scène. Ce nouveau type de mises en scène s’appuie sur des influences diverses, depuis André Antoine jusqu’à Heiner Müller, en passant par Stanislavski, Artaud et Brecht, et constitue une nouvelle étape dans le processus d’autonomisation de l’art de la mise en scène à l'oeuvre depuis le XIXème siècle. Le corpus de cette thèse comprend quatre récentes adaptations (réalisées entre 2008 et 2011) de textes classiques : Hamlet de Thomas Ostermeier, Hamlet de Nikolaï Kolyada, Roméo et Juliette d’Olivier Py et Un tramway de Krzysztof Warlikowski (à partir de Un tramway nommé Désir de Tennessee Williams). Il comprend également une mise en pratique sous la forme d’une adaptation, Pygmalion - J’ai créé une femme (à partir de Pygmalion de George Bernard Shaw), réalisée par l’auteur de la thèse en 2014 au sein des Théâtres Nationaux de Turquie, et ayant permis de tester les arguments et conclusions tirés des analyses précédentes. / In recent years, some European directors are taking particularly bold initiatives in their adaptations of classic texts, cutting the text, changing the order of monologues and even injecting pieces of texts written by them or from other literary works. They do not hesitate to "stage themselves", that is to say, to treat primarily their own existential questions through the classic texts, thus releasing any pressure exerted on them by the authoritative textual interpretations or by the representations of these texts in the collective imagination, and taking the classic texts in a very personal "elsewhere". Their stagings exceed the fragmentation and disorder specific to postmodern theater and focus instead on telling a coherent story, centered on the intimate concerns of the director. This new type of staging draws on diverse influences from André Antoine to Heiner Müller through Stanislavski, Brecht and Artaud, and represents a new stage in the empowerment process of the art of staging at work since the nineteenth century. The corpus of this thesis includes four recent adaptations (conducted between 2008 and 2011) of classic texts: Thomas Ostermeier’s Hamlet, Nikolai Kolyada’s Hamlet, Olivier Py’s Romeo and Juliet, and Krzysztof Warlikowski’s A Streetcar (from A Streetcar Named Desire by Tennessee Williams). It also includes a practical application in the form of an adaptation, Pygmalion - I Created A Woman (from Pygmalion by George Bernard Shaw), directed by the author of the thesis in 2014 in the Turkish State Theatres and having tested the arguments and conclusions from previous analyzes.

La première partie du mémoire consiste en un court texte théâtral intitulé Procès-Verbal. Il met en scène un récit fragmentaire et explore les idées d’éclatement identitaire, de rupture de la mémoire et de mimétisme. Ces thèmes sont mis en relation avec des mécanismes de répétition, un traitement formel minimaliste et d’abondants silences, représentatifs de l’effacement identitaire des personnages. La seconde partie du mémoire, intitulée Filiation(s) rompue(s) : mémoire en pièces et tissus de parole, porte sur le traitement des thèmes de la mémoire et de l’héritage dans le roman Parents et amis sont invités à y assister d’Hervé Bouchard. L’analyse vise à mettre en lumière le lien entre la fragmentation textuelle et la rupture filiale, et s’attarde spécifiquement à la dislocation de la parole, qui témoigne d’une construction identitaire problématique. / The first part of this thesis consists of a short theatrical text entitled Procès-Verbal. It features a fragmentary story and explores the ideas of burst identity, broken memory and mimicry. These themes are related with mechanisms of repetition, minimalist formal treatment and abundant silences, representative of the faded identity of the characters. The second part of the thesis, entitled Filiation(s) rompue(s) : mémoire en pièces et tissus de parole, gets into the themes of memory and heritage in Hervé Bouchard’s novel Parents et amis sont invités à y assister. The analysis aims to highlight the link between textual fragmentation and disrupted legacy. It focuses specifically on the dislocation of speech, indication of a broken identity.

Este trabalho propõe uma reflexão sobre o teatro contemporâneo em embate com as transformações sociais pelas quais estamos passando. Neste momento de incertezas e inversão de valores, o teatro incorpora as discussões e temáticas ligadas à experiência sensível dos seres humanos, ao mesmo tempo em que inova sua linguagem, recorrendo a dispositivos tecnológicos que propiciam diferentes modos de interação com o público. Propostas sem atores em cena aportam o questionamento sobre que elementos, afinal, definem o teatro, enquanto que o compartilhamento de experiências busca expandir o entendimento da inserção do real em cena. A partir da aproximação a aspectos que observamos recorrentes na cena atual, abordamos dois espetáculos em cada uma das três partes que constituem a pesquisa. Recorremos ao conceito da teatralidade como ferramenta imbatível para a exposição de uma prática teórica construída no momento mesmo dos acontecimentos que se pretende analisar. Pretendemos, desse modo, responder às exigências da área de Teoria e Prática do teatro, que privilegia pesquisas que fundem o fazer e o refletir teatral. / The thesis proposes a reflection on contemporary theatre\'s confrontation with current social transformations. In this moment of uncertainty and inversion of values, theatre incorporates discussions on sensitive themes while innovating its language, using technological devices that provide different modes of interaction with the public. The absence of actors on stage raises questions about what ultimately defines the theatre, while the sharing of personal experiences by actors, expands the understanding of the insertion of the real into the scene. We seek to approach reoccurring aspects of the current scene, analyzing two shows in each of the three parts of this research. We turn to the concept of theatricality as a unique tool to explore a very contemporary practice. In this way, it seeks to respond to the demands of theatre Practice and Theory field, which favors researches that combine practice and reflection.

Mémoire en recherche-création / Le présent mémoire propose d’interroger la construction du récit médiatique dans la fable théâtrale contemporaine. D’abord par une fiction au dispositif épuré, mais au verbe cru et humoristique, la pièce de théâtre Transactions, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge Gueule d’Étienne Lepage, nous désirons explorer les liens qui unissent le comique et la violence du langage, notamment par des affinités avec le mouvement britannique In-Yer-Face (Sarah Kane) et tels que mis de l’avant par un « personnage-réseau » porteur de discours, en écho à l’« impersonnage » de Jean-Pierre Sarrazac. En ce sens, nous avons convoqué les notions de dialogisme (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay), d’esthétique de la divergence (Hervé Guay), de polyphonie (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay) et de la mise à mal d’un conflit afin d’expliquer le renouvellement d’une esthétique dramaturgique tout à fait contemporaine, se rapportant à la Toile et dont le spectateur émancipé (Jacques Rancière) devient un actant principal par l’intermédiaire duquel le théâtre prend tout son sens. / This thesis aims to question the construction of the media narrative in the contemporary theatrical fable. First, by analyzing the play Transactions and its sober scenography, yet raw and humorous words, and subsequently examining Étienne Lepage’s Rouge Gueule, we will explore the links between the humor and violence of language. This includes the affinity with the British movement In-Yer-Face (Sarah Kane) as put forward by a "network-character" speech bearer in response to Jean-Pierre Sarrazac’s "non-character". Thus, this paper will study concepts including heteromorph (Hervé Guay) dialogism (Bakhtin), aesthetics of the divergence (Hervé Guay), heteromorph (Hervé Guay) polyphony (Bakhtine) and the redefinition of conflict in order to explain the replenishment of an aesthetic dramaturgy that is quite contemporary, relevant to the Web and in which the emancipated audience (Jacques Rancière) becomes a main actor through which the play takes on its full meaning.

Cette étude s’intéresse à l’espace mental comme nouveau terrain d’exploration du drame britannique contemporain, et examine les manifestations d’un mouvement qui « met en pièces » les régions inexplorées des pensées inconscientes et les contrées impénétrables du traumatisme. Puisant dans les découvertes de la psychanalyse et des sciences cognitives, inspiré par le changement de paradigme de la mécanique quantique et ses interrogations sur le rôle et la nature de la conscience, ce théâtre non plus tant « in-yer-face » que « in-yer-head » s’éloigne de la sensibilité des années 1990. Les pièces de Crimp, Kane, Churchill, Cooper, Frayn, Stephens, Payne, Haddon, Ravenhill, Neilson et d’autres déconstruisent et reconstruisent le personnage comme la somme virtuelle de tous ses possibles. Le mode d’existence spéculatif, diffracté et pluriel du sujet renouvelle les définitions du réalisme psychologique et du réalisme théâtral. Ce travail étudie les modalités de cette « psychopoétique quantique » autour de concepts clés comme la probabilité ou l’incertitude, et montre comment des métaphores issues de la théorie quantique comme la dualité onde-particule ou les mondes multiples servent à illustrer l’indétermination de la psyché en évoquant les mécanismes de défense et autres symptômes qui constituent la réalité subjective d’esprits affectés par le traumatisme, la psychose, le stress ou la maladie neurologique. Nous montrons qu’en explorant la nature de la conscience, du soi et de la réalité ainsi que la condition des femmes, ces pièces posent des questions philosophiques sur le libre arbitre et la possibilité de choix dans un monde devenu plus incertain et imprévisible que jamais. / This study asserts that the human mind has become the new frontier in contemporary British drama, and interrogates and assesses manifestations of this movement which stages uncharted regions of thought and the dark territories of traumatic mindscapes. Drawing on theories from psychoanalysis and cognitive science, and inspired by the paradigm shifts of quantum mechanics and its interrogations on the role and nature of consciousness, this new theatre moves from “in-yer-face” to “in-yer-head” and away from the sensibility of the “nasty nineties.” Plays by Crimp, Kane, Churchill, Cooper, Frayn, Stephens, Payne, Haddon and others deconstruct and reconstruct the character as thevirtual sum of all her possibilities. In these mental spaces, the subject’s speculative, diffracted and plural mode of existence redefines psychological realism and stage realism. Examining the modalities of a quantum “psychopoetics” around key concepts such as probability and uncertainty, I show how metaphors borrowed from quantum theory based on the double slit-experiment, the wave-particle duality, the wavefunction collapse, the observer effect, quantum decoherence, quantum entanglement, and the many-worlds interpretation are used to emphasise the intrinsic indeterminacy of our minds. They evoke a number of psychological defense mechanisms and other symptoms that constitute the subjective reality of disturbed minds affected by trauma, psychosis, stress or neurological disease. By exploring the nature of mind, the self, and reality, and the condition of women, these plays address philosophical questions about free will and choice in a world that has become more uncertain and unpredictable than ever.

La présente étude analyse d'un côté et sous une perspective philosophique et anthropologique, la relation de l'artiste au réel. De l'autre, elle étudie la place ontologique et esthétique de l'acteur/du performer dans l'art documentaire contemporain. Puisque toute forme de documentation est soutenue par une définition du « réel » ainsi que par le problème de sa juste « saisie », il semble indispensable d’interroger la notion de « perception » et ceci sous ses aspects ethnographiques ainsi que physiologiques. Le positionnement contemporain qui se dessine apparaît donc comme « constructiviste », à savoir que ce que nous appelons le réel y est le fruit d’une relation dialogique et égalitaire entre l’homme et les objets du monde. Cette relation s’est libérée du concept cartésien des res cogitans et res extensa qui s’opposent de façon hiérarchique. Pour l’art documentaire contemporain, ce premier constat comporte deux conséquences : d’un côté, nous observons que la rencontre de l’artiste avec le réel est tâtonnant et emprunt de doutes et que ses esthétiques relèvent du fragmentaire et de l’hétérogène. De l’autre, l’art documentaire contemporain se voit obligé d’interroger la notion du « jeu » avec les documents, notamment les limites – esthétiques comme éthiques - de la fictionnalisation. Le constat de la fonction épistémologique prépondérante du jeu au sein de l’art documentaire contemporain, représente le cœur de la présente thèse. / The aim of the present thesis is on one hand, to explore the relationship between artists and reality from a philosophical and anthropological perspective and on the other hand, to describe the ontological and aesthetical position of the actor/performer in contemporary documentary art, particularly in theatre. Since any form of documentation of reality requires a definition of the real and the ways to deal with it, or to capture it, a definition of “perception” is essential, from a philosophical, ethnographical and physiological perspective. The contemporary point of view in this respect can be described as absolutely constructivist. Reality stands out as the product of a balanced communication between subject and object. Observer and observed reality are not in opposition to each other, in a hierarchical and dichotomous way as Descartes formulated it in his rationalist concept of res cogitans and res extensa, but they rather interact into a dialogue. For the contemporary documentary art this definition of reality offers two sides: on one hand, in an attitude that meets reality rather carefully and doubtfully, it results in an opened, fragmented and heterogeneous form of art. On the other hand, documentary art deals with the ethical and aesthetical problem of playing (with) the documentation. Each and every documentary artist shall constantly assess, whether and to what extend art is allowed to play with reality. However, the statement that playing with reality fulfills a unique, both epistemological and anthropological function, is definitely the subject of the present study. / Die folgende Studie untersucht einerseits, aus philosophischer und anthropologischer Perspektive, die Beziehung des Künstlers zur Realität. Andererseits beschreibt sie die ontologische und ästhetische Stellung des Schauspielers/Performers in der zeitgenössischen Dokumentarkunst. Da jede Form von Dokumentation der Wirklichkeit eine Definition des Realen und den Möglichkeiten diesem zu begegnen, beziehungsweise es zu erfassen, voraussetzt, scheint es unumgänglich den Begriff der « perception » (Wahrnehmung) auf philosophische, aber auch ethnographische und physiologische Definitionen abzuklopfen. Die zeitgenössische Perspektive, die sich dabei abzeichnet, scheint unumschränkt konstruktivistisch, d.h. dass sich Wirklichkeit als Produkt einer gleichberechtigten Kommunikation beschreiben 347 lässt, auch da wo der Mensch ein Objekt wahrnimmt. Beobachter und beobachtete Realität stehen sich nicht, wie es Descartes rationalistisches Konzept der res cogitans und res extensa formuliert, hierarchisch und dichotomisch gegenüber, sondern dialogisieren vielmehr. Für die zeitgenössische Dokumentarkunst ergibt sich daraus einerseits, dass sie Wirklichkeit eher vorsichtig und zweifelnd begegnet und ihr dementsprechend im Rahmen der Kunst offene, fragmentarische und heterogene Formen gibt. Andererseits setzt sie sich mit dem ethischen und ästhetischen Problems des Spiels von oder mit Dokumenten auseinander. Ob und inwieweit die Kunst mit der Realität spielen darf, muss von jedem Dokumentarkünstler neu beantwortet werden. Die Feststellung aber, dass Spielen mit Realität eine ganz eigene, epistemologische und anthropologische Funktion erfüllt, wird anhand der vorliegenden Studie anschaulich.

[pt] A presente dissertação se debruça sobre a criação cênica Hoje Não Saio Daqui – espetáculo ocorrido no Rio de Janeiro, resultado do encontro artístico entre a Cia Marginal, atores e atrizes angolanos moradores da Maré convidados e o dramaturgo Jô Bilac – para investigar de que maneira a dimensão performativa e relacional de sua dramaturgia e seu investimento nas chamadas escritas de si proporcionam uma abordagem dupla sobre a questão das fronteiras contemporâneas. Por um lado, as histórias narradas pelos migrantes angolanos explicitam as fronteiras materiais e subjetivas enfrentadas pelos mesmos tanto em suas travessias de África até o Brasil quanto aquelas que recaem sobre seus corpos na circulação dentro do território brasileiro – tecnologias que operam através do controle de deslocamentos e velocidades, da racialização e da fronteirização dos corpos. Por outro, o apelo para a diferença e à necessidade de separação manifestos na disposição autobiográfica da dramaturgia, que envolve posicionamentos e reivindicações próprias dos performers, paradoxalmente revê as fronteiras pensadas como sua hipótese primordial, e ativa a possibilidade de um regime de bordas (KIFFER) e de uma nova Cosmópolis (AGIER). Por fim, examina-se de que maneira a não obliteração da figura do dramaturgo externo e não participante em uma escrita cênica que investe em dramaturgias pessoais e na presença de corpos falantes produz materialidades que repensam uma política do comum. / [en] The present dissertation focuses on the scenic creation Hoje Não Saio Daqui – a theatrical play that took place in Rio de Janeiro, which was the result of the artistic gathering among Cia Marginal, invited Angolan actors and actresses living in Maré Complex and the playwright Jô Bilac – to investigate in which way the performative and relational dimension of its dramaturgy and its investment in the so-called writings of the self provide a twofold approach to the issue of contemporary borders. On the one hand, the stories narrated by the Angolan migrants make explicit the material and subjective borders faced by them both in their crossings from Africa to Brazil and those that their bodies suffer in the circulation within the Brazilian territory – technologies that operate through the control of displacements and speeds, of racialization and borderization of bodies. On the other hand, the appeal for difference and the need for separation manifest in the autobiographical disposition of the dramaturgy, which involves the performers’ own positions and claims, paradoxically revises the boundaries thought of as its primordial hypothesis, and activates the possibility of a regime de bordas (KIFFER) and a new Cosmopolis (AGIER). Finally, it examines how the non-obliteration of the figure of the external and non-participant playwright in a scenic writing that invests in personal dramaturgies and in the presence of speaking bodies produces materialities that rethink a politics of the common.

Sous l’intitulé « remembrance théâtrale », la thèse se propose d’examiner la présence du passé ainsi que les usages de l’Histoire et de la mémoire dans la création scénique contemporaine en Europe. Quel regard les artistes de la scène contemporaine portent-ils sur le passé ? Quelle lecture nous donnent-ils de l’Histoire et dans quelle perspective ? Comment, et à quelles fins, intègrent-ils ce passé dans leur processus d’écriture scénique ? En quoi la scène et ses possibilités artistiques sont-elles propices à l’exploration de la mémoire ? Quel rôle ces artistes délèguent-ils au spectateur dans l’établissement du sens de cette exploration ? L’analyse s’appuiera sur trois créations récentes de Maguy Marin (Description d’un combat), Christoph Marthaler (Papperlapapp) et François Tanguy (Onzième). A travers l’exemple de ces formes scéniques apparentées au « spectre postdramatique » (Christian Biet, Christophe Triau) ainsi qu’à la constellation des « écritures du plateau » (Bruno Tackels), dans lesquelles se manifestent les pratiques de la fragmentation, de la citation, de la trace et de l’archive, de la déconstruction et de l’assemblage, il s’agira de saisir les spécificités esthétiques qui découlent de ces explorations du temps depuis la scène en interrogeant à la fois les modalités de leur mise en œuvre, les conditions de leur réception et les visées de leur présentation. Selon une approche esthétique s’appuyant notamment sur la philosophie de l’Histoire de Walter Benjamin, la thèse envisage donc de déployer tout à la fois une poïétique, une poétique ainsi qu’une politique de la remémoration dans les arts du spectacle de ces quinze dernières années. / Under the heading "theatrical remembrance," this thesis sets out to examine the relation of modern theatre to the past and the uses of history and memory in contemporary stage creation in Europe. It examines how artists of the contemporary scene relate to the past asking the questions : What conception do they give us of history and from what perspective? How and for what purpose, do they integrate the past in their scenic writing process? In what way is the scene and its artistic possibilities conducive to the exploration of memory? What roles do artists delegate to their audience in determining the meaning of their artistic expression? The analysis is based on three recent creations by Maguy Marin (Description d'un combat), Christoph Marthaler (Papperlapapp) and François Tanguy (Onzième). Through these examples of scenic forms, affiliated to the "post-dramatic spectrum" (Christian Biet, Christophe Triau), as well as the contribution of Les écritures de plateau by Bruno Tackels, in which the practices of fragmentation, the quote, the trace, the archive; of dismantling and of assembly, appear. Through the use of the aesthetic characteristics resulting from these explorations of the past on the stage, and the questioning of the modalities of their implementation, the conditions of their reception and the purposes of their presentation and in accordance with an aesthetic approach based in particular on the philosophy of History by Walter Benjamin, the thesis plans to develop a poetics and politics of remembrance in the performing arts of the last fifteen years.

[pt] Esta pesquisa procura discutir o modo pelo qual algumas companhias teatrais cariocas se inserem no contexto do contemporâneo. Na cena contemporânea nacional e internacional, um grande número de grupos e companhias teatrais voltam-se para a experimentação estética em que o texto dramático serve como estímulo à livre interpretação e jogos de improvisação que resultam em espetáculos mais expandidos. Nesse contexto a escrita cênico-dramatúrgica se sobrepõe ao texto previamente escrito. Assim, os conceitos de teatro pós-moderno e de pós-dramático, cunhado pelo teórico Hans-Thies Lehmann, são contrapostos ao de performativo, como proposto por Erika Fischer-Lichte e Josette Féral. Embora tais conceitos possam ser operativos para alguns espetáculos estudados nesta pesquisa, não dão conta do repertório das companhias cariocas. Dessa forma, primeiramente, após o exame do pós-dramático, e performativo, busca-se refletir acerca do contemporâneo e da contemporaneidade nas análises de críticos e teóricos das artes, do teatro e da literatura. Em um segundo momento, será feita uma apreciação acerca da formação de grupos e companhias no Brasil, com especial atenção àquelas aqui investigadas e suas novas formas de composição: criação coletiva e trabalho colaborativo. Finalmente, a partir da investigação de práticas teatrais recentes das companhias Os Dezequilibrados e Cia. dos Atores, procura-se refletir acerca do que pode ser entendido como teatro contemporâneo e como ele se revela na cena carioca atual. / [en] The aim of this research is to discuss the way in which some theatre companies from Rio de Janeiro fit into the context of the contemporary. In the national and international scene a large number of theatre groups and companies are dedicated to aesthetic experimentation and the dramatic text is stimulus for a free interpretation and for improvisation games which result in more expanded plays. In this context where the dramaturgical writing on stage overlaps the text previously written, the concept of post-modern theatre, as well as post-dramatic theatre, coined by Hans-Thies Lehmann, are contrasted with the concept of performative, as proposed by Erika Fischer-Lichte and Josette Féral. Although these concepts may apply to some performance pieces brought about by this research, they do not account for the whole repertory of these theatrical companies from Rio de Janeiro. Thus, at first, after an examination into the post-dramatic and performative, an investigation concerning the contemporary and contemporaneity is carried out through analysis of Art, Theatre and Literature scholars writings on these issues. Secondly, there will be an appreciation of how theatre groups and companies were formed in Brazil, with special attention paid to those investigated here and their corresponding ways of theatre making: devising and collaborative work. Finally, based on an examination into recent theatrical practices of the companies Os Dezequilibrados and Cia. dos Atores, this investigation aims at reflecting upon what can be understood as contemporary theatre and how it can be perceived in Rio de Janeiro s current stages. / [es] Esta investigación analiza la forma en que algunas companías teatrales de Rio de Janeiro se sitúan en el contexto de lo contemporáneo. En la escena contemporánea nacional e internacional, grupos y companías de teatro vuélvanse a la experimentación estética, mientras el texto dramático sirve como estímulo para la libre interpretación y juegos de improvisación que producen espectáculos más expandidos. En este contexto, la escritura escénica y dramatúrgica se superponen al texto escrito previamente, Así, el concepto de teatro posmoderno y de posdramático, acunado por el teórico Hans- Thies Lehmann, se oponen al concepto de performativo según propuesto por Erika Fischer-Lichte y Josette Féral. Aunque estos conceptos se pueden aplicar a algunos espectáculos examinados en ese estudio, ellos no se aplican a todo el repertorio de las companías de Rio de Janeiro. Además, en primero lugar, después del examen del posdramátic y performativo, se busca reflexionar sobre el contemporáneo y la contemporaneidad en los análisis de críticos y teóricos de las artes, del teatro y de la literatura. En un segundo momento, será hecha una evaluación sobre la formación de grupos y companías en Brasil, con particular atención a aquellas aquí investigadas y sus nuevas formas de composición: creación colectiva y proceso colaborativo. Por fin, a partir de la investigación de las prácticas teatrales recientes de las companías Os Dezequilibrados y Cia. dos Atores, se busca reflexionar acerca de lo que puede entenderse como teatro contemporáneo y como él se revela en la escena actual en Rio de Janeiro.