Alors que la post-modernité en avait proclamé la fin, alors que le post-dramatique s’était déployé contre, les grands récits semblent de retour sur les scènes du théâtre public depuis les années 1990, et plus encore les années 2000 et 2010. Cette thèse se propose d’explorer ce mouvement vers l’épique depuis que la création théâtrale n’est plus aussi explicitement tendue par de grands vecteurs politiques et idéologiques, soit, symboliquement, depuis la chute du bloc soviétique avec celle du mur de Berlin. Comment de nouvelles formes épiques s’inventent-elles alors au plateau, dans le souvenir de Brecht mais sans s’adosser comme lui à une téléologie marxiste ? Comment ce nouvel épique théâtral refonde-t-il sa verticalité ou s’invente-t-il sans verticalité ? Quel lien entretient-il avec l’édifice théorique du dramaturge allemand mais aussi quel rapport construit-il aux épopées homériques ? En observant les grandes tendances épiques contemporaines, cette thèse s’attache à dégager un concept d’épique qui soit pertinent dans le contexte démocratique et égalitaire qui est le nôtre. / While post-modernity had proclaimed their end and post-dramatic theatre had unfolded against them, grand narratives seem to have returned to the stages of French public theatre since the 1990s, and even more so in the following decades. This thesis sets out to explore this movement towards the epic genre since dramatic creation is no longer propelled by great political and ideological vectors, given the fall of the Soviet bloc and the fall of the Berlin Wall. How can new epic forms be invented on the set, following the heritage of Brecht but without leaning against a Marxist teleology? How does this new dramatic genre of epic rebuild its verticality or reinvent itself without verticality? What is its relation with the theoretical work of the German dramatist, as well as with the Homeric epic poems? By observing major contemporary epic trends, this thesis seeks to identify a concept of epic that is relevant in the democratic and egalitarian context in which we live.

Cette étude développe l’analyse de stratégies d’appropriation et d’administration religieuse du territoire dans le sixième livre de l’Énéide selon une perspective géoreligieuse. Avec le nom de géoreligion, nous définissons un paradigme interprétatif qui étudie l’impact des éléments religieux de façon simultanée sur le paysage interne au récit (a), sur le contexte extratextuel (b) ainsi que sur le terrain de la compétition poétique (c). D’abord nous examinons comment les éléments religieux influencent l’organisation du territoire italique et celui de l’au-delà (a). Dans ce cadre, nous avons réalisé que les éléments religieux ont la fonction d’actualiser l’espace épique : il est alors légitime de se demander dans quelle mesure ils influencent la perception que le lecteur a du contexte extratextuel (b). Enfin, cette double re-territorialisation religieuse, qui investit le paysage épique de même que l’horizon d’attente du lecteur/auditeur, implique systématiquement une réélaboration du bagage de la tradition littéraire antérieure (c). En conclusion, notre travail propose de lire une série d’éléments religieux choisis du sixième livre de l’Énéide (les rites funéraires, le complexe sanctorial de Cumes, les discours d’Anchise et de la Sibylle) comme des points nodaux qui structurent le territoire épique (a), qui influencent la perception du lecteur/auditeur (b) et qui constituent l’occasion concrète pour la réélaboration virgilienne de traditions littéraires hétérogènes (c). / This dissertation looks at the strategies of religious appropriation and organisation of the fictional territory in Book Six of the Aeneid from a geo-religious perspective. I use the term ‘georeligion’ to refer to an interpretive paradigm that studies the impact of religious elements on the fictional territory of epic (a), on the extratextual context (b) and on the field of poetic competition (c). First, I examine how religious elements inform the Book’s Italic and catabatic landscapes. In this context I conclude that the religious elements serve to contemporize the fictional landscape and, as a consequence, influence the reader/listener’s horizon of expectation. I then attempt to identify the poetic and meta-poetic strategies that underlie such acts of religious ‘re-territorialisation’. In conclusion, I suggest reading certain religious elements from Book Six (the funerary rites, the sacral site of Cumae and the speeches of Anchises and the Sibyl) as nodal points that (a) give structure to the epic territory, (b) influence the perception ofthe reader/listener, and (c) act as a platform for the reworking of the earlier literary tradition.

Dans le contexte d’une mise en question sans cesse renouvelée des hiérarchies sociales et culturelles dans les sociétés occidentales contemporaines, dont rend compte le développement des études culturelles depuis les années 1960, la publication d’un grand nombre de réécritures romanesques de l’Iliade témoigne d’un mouvement réflexif de la littérature vis-à-vis de sa propre histoire. En observant les tensions dynamiques à l’œuvre dans la rencontre du roman et du discours épique, ce travail de thèse entend proposer une approche du champ littéraire qui ne soit pas fondée sur la division de ce dernier entre culture artistique et culture à destination du grand public, mais conçue sous l’angle d’un partage transmédiatique et transculturel. L’analyse des réécritures romanesques de l’Iliade révèle en effet une convergence des procédés et des discours de part et d’autre du « grand partage » littéraire, au service d’une réflexion commune sur le caractère problématique du canon littéraire. La confrontation des discours épique et romanesque contribue à l’élaboration d’une pensée démocratique de la société, qui repose sur la construction d’un espace narratif traversé par une pluralité de discours génériques et de références culturelles. / Challenging the social and cultural hierarchies which are still authoritative in our contemporary Western societies has been a long-lasting concern of Cultural Studies ever since their development in the 1960s. As evidenced by the great amount of novels set in the fictional world of the Trojan War, which prove themselves to be genuine rewritings of the Iliad narrative, the Western canon and its relevance are equally scrutinized by contemporary novelists. By studying the dynamic conflicts which underlie the encounter between epic discourse and the genre of the novel, this dissertation intends to dispute the concept of a “Great Divide” between artistic and popular culture, and to prove that literature is a transcultural medium. A close study of a few contemporary novelisations of the Iliad brings to light existing shared narrative techniques and discourses undermining the legitimacy of the Western canon. Through the remodeling of the epic genre and its conventions, the novel assumes a democratic approach to society which stems from a narrative architecture hinging on a multiplicity of generic discourses and cultural references.

Depuis plus de cinquante ans, la quadrifonctionnalité apparaît comme une alternative aux discordances de la théorie trifonctionnelle de Georges Dumézil. La quatrième fonction permet dorénavant d'inclure dans une grille de lecture fonctionnelle des éléments problématiques et peut notamment expliquer la catabase gréco-romaine, topos littéraire issu du fond légendaire indo-européen. Ses nombreux constituants, des héros qui accomplissent la descente aux Enfers, en passant par l'état physique et géographique des lieux, aux diverses rencontres effectuées, évoquent un nombre considérable d'éléments qui ne s'inscrivent pas dans la théorie trifonctionnelle, mais trouvent plutôt réponses dans la définition de la quatrième fonction. Parmi ceux qui accomplissent la catabase, les récits de héros tels que celui d'Énée principalement, et ceux d'Ulysse, d'Orphée, de Dionysos, d'Héraclès et de Thésée, nous montrent une construction fondamentalement initiatique, un rite de passage relevant de la F4. Cet élément non négligeable de la catabase structure l'essentiel de ce mémoire qui se veut d'une part une mise en évidence des problématiques de la trifonctionnalité, et d'autre part une présentation de la quadrifonctionnalité en tant que complément à la théorie dumézilienne.

Peut-on lire l’épopée espagnole et l’épopée portugaise du seizième siècle indépendamment l’une de l’autre ? La présente étude montre qu’entre 1569 et 1589, l’Espagnol Alonso de Ercilla et le Portugais Jerónimo Corte-Real composèrent une série d’épopées au fil desquelles émerge une pratique commune et originale du genre. Étroitement liées aux Lusiades de Luís de Camões (1572), elles dessinent un modèle partagé de narration épique dans une étroite relation intertextuelle. Lues dans l’ensemble de la péninsule ibérique, ces épopées portugaises et espagnoles éveillèrent l’intérêt du public pour leurs sujets tirés de l’histoire récente. La comparaison avec les chroniques révèle une mimésis formelle, destinée à autoriser ces récits en vers en adoptant de certains traits de l’histoire en prose. Mais le choix de l’épopée les rattache au traitement de la guerre et des conflits dans la longue histoire du genre. À l’instar de la tradition épique depuis Homère, elles reflètent les profonds changements qui accompagnent l’expansion territoriale espagnole et portugaise et la réunion des deux couronnes en 1580. Cette convergence des poètes autour de l’actualité de l’Ibérie moderne les place en situation de concurrence. Il en résulte une émulation affichée dans l’imitation de modèles communs – latins, le plus souvent – et dans la reprise de motifs caractéristiques de l’épopée dans lesquelles est chiffrée cette concurrence. En travaillant ces mêmes motifs, en se répondant d’un texte à l’autre, Ercilla, Corte-Real et Camões, forgent sur deux décennies un patron narratif ibérique qui rompt avec le modèle du Roland furieux avant que celui du Tasse ne s’impose dans la péninsule. / Can we read Spanish and Portuguese epic poetry independently of each other? This study demonstrates that between 1569 and 1589 the Spaniard Alonso de Ercilla and the Portuguese Jerónimo Corte-Real published a series of epic poems through which emerged a common and original practice of the genre. Closely linked to Camões’ Lusiadas (1572), they form a shared epic model built on an intertextual poetic practice. Read throughout the Iberian peninsula, this Spanish and Portuguese epic demonstrates its readers’ interest for the subjects based on recent history. Compared to the chronicles it reveals a formal mimesis through which verse history is authorized by some formal imitations of prose history. Nevertheless, by choosing epic poetry, poets link these narratives to the treatment of war and military conflicts during the long history of the genre. As epic poets since Homer, these modern poets unveil the deep changes that occurred during the Spanish and Portuguese colonial expansion and the union of the two crowns in 1580. Because they deal with current events in modern Iberia, the poets are placed in a competitive situation, coded in the text, in the imitation of common poetic models –Latin, mostly– and in the use of some typical epic motives. Through working on the same motives and dialoguing from one text to another, Ercilla, Corte Real and Camões invent, over the course of two decades, a narrative Iberian pattern that breaks with the Orlando furioso tradition before Tasso’s model became preponderant in the peninsula.

La figure de l’épouse fait partie intégrante du genre épique, dont les œuvres homériques ont élaboré le modèle pour la littérature gréco-romaine. L’importance accordée à l’eros féminin, et particulièrement conjugal, est l’un des aspects sur lesquels repose l’évolution de la généricité épique, d’œuvre en œuvre. À l’époque flavienne, Valérius Flaccus et Stace confèrent un rôle déterminant à deux figures féminines, celle de Médée dans les Argonautiques et celle d’Argie dans la Thébaïde, et présentent, tous deux, d’autres facettes de l’eros conjugal dans leur épisode lemnien, dont Hypsipyle est l’héroïne centrale. Cette présence accentuée du féminin peut être rapprochée de la réflexion contemporaine sur l’éthique conjugale menée dans le domaine philosophique, notamment par Musonius Rufus. Sur le plan littéraire, dans le contexte de la latinité d’argent, elle manifeste un questionnement des normes du genre, qui se traduit par une représentation de l’épouse selon des modèles autres qu’épiques : celui du genre tragique et de l’élégie romaine, particulièrement des Héroïdes d’Ovide. À la confluence de trois traditions littéraires, épique, tragique et élégiaque, le rôle des figures féminines témoigne d’un renouvellement de l’épopée, dont l’élaboration de critères d’analyse portant sur les notions de genre, de généricité et d’intergénéricité permet de donner l’entière mesure. / The character of the wife is a central feature of the epic genre, for which Homer's poems stand as a model in Greek and Latin literature. The major role the feminine eros, especially towards a husband, plays in those works is one of the aspects on which the evolution of epic genericity relies, evolving from one poem to another. During the Flavian Age, Valerius Flaccus and Statius gave two feminine characters a major part in their poems : one is Medea in The Argonautics, the other Argia in Statius' Thebaid. Besides, both poets also illustrate other aspects of husband and wife eros in the Lemnian episode, which stages Hypsipyle as its heroine. From a philosophical point of view, we can see how this emphasized presence of feminine characters matches contemporary philosophers' theories on ethics within marriage, such as Musonius Rufus' thoughts. From the point de view of literature however, considering its setting in the Age of Silver latinity, we can consider this presence as a questioning of epic generic codes, which shows in the way wives are represented, according to the patterns of tragedy and of the Roman elegy, particularly of Ovid's Heroids. Therefore in the wake of three literary traditions - epic, tragedy, elegy -, the role of feminine characters shows the renewal of the epic, which we can fully study by creating criteria of analysis bearing on the notions of genre, genericity and intergenericity.

Malgré les apports de l'anthropologie juridique, l'étude de la norme au travers des sources narratives médiévales est encore de nos jours à l'état embryonnaire. Les historiens du droit restent attachés, très logiquement, à l'étude de la norme formalisée et coercitive, tandis que les historiens des faits sociaux restent circonspects quant à la capacité informative des sources littéraires. Souhaitant dépasser ce clivage culturel, cette thèse renouvelle les sources de l'analyse juridique, en recourant aux fictions médiévales du XIIe-XIIIe siècle. Les processus normatifs étudiés au travers le prisme de la parenté dans la Matière de France et le Roman de Renart révèlent une représentation cohérente de l'organisation sociale, s'appuyant à la fois sur les réalités séculières du système judiciaire des XIIe-XIIIe siècles, mais également sur une anastylose poétique de pratiques et de normes héritées des temps mérovingiens et carolingiens. En fait, le système normatif fictionnel repose sur les normes contemporaines, sur le souvenir imparfait des normes antérieures, mais également sur une pluralité de valeurs et de comportements codifiés. Ainsi, les fictions médiévales ne sont pas seulement des « machines judiciaires », mais bien des « machines normatives », qui englobent non seulement la norme reconnue ou la règle admise, autrement dit la « juridicité » de la pratique judiciaire antérieure et contemporaine aux XIIe-XIIIe siècles, ainsi que ses représentations ou reconstructions, mais également un système de références morales et comportementales. Par ailleurs, si dans les récits, les deux sources matricielles de normativité sont incontestablement la vassalité et la parenté, les règles juridiques qui en découlent, apparaissent bien souvent comme étant supplétives de volonté : leur respect ou leur défiance dépend à la fois des intérêts, des aspirations et des postures d'un individu, mais également des contraintes fictionnelles que les récits déterminent entre eux. / In spite of the contributions of the legal anthropology, the study of the standard through the medieval narrative sources is even nowadays in the embryonic state. The historians of the law remain attached, very logically, to the study of the formalized and coercive standard, whereas the historians of the social facts remain cautious as for the informative capacity of the literary sources. Wishing to overtake this cultural cleavage, this thesis renews the sources of the legal analysis, by resorting to the medieval fictions of the XIIe-XIIIe century. The normative processes studied in the fault the prism of the kinship in the Matière de France and Le Roman de Renart reveal a coherent representation of the social organization, leaning at the same time on the secular realities of the judicial system. of the XIIe-XIIIe centuries, but also on the poetic anastylose of practices and standards inherited from Merovingian and Carolingian times. The fictional normative system thus bases on the contemporary standards, on the imperfect memory of the previous standards, but also on the plurality of values and codified behavior. So, the medieval fictions are not only " judicial machines ", but also many " normative machines ", which include not only the recognized standard or the accepted ruler, in other words the "juridicité" of the previous and contemporary judicial practice in the XIIe-XIIIe centuries, as well as its representations or reconstructions, but also a system of moral and behavioral references. Besides, ff the texts, both matrix sources of normativity are unmistakably the submission and the kinship, the legal rules which ensue from it, appear very often as being auxiliary of will: their respect or their mistrust depends at the same time on interests, on aspiration and on postures of an individual, but also on fictional constraints which narratives determine between them.

La Chanson d’Anseïs de Mes est la quatrième et dernière branche de la Geste des Lorrains. On ne possède actuellement aucune édition complète de cette chanson de geste : la seule que nous ayons est celle d’Herman Green, faite en 1939 sur un manuscrit fautif et sans aucun apparat critique, d’où la nécessité d’une nouvelle édition. Cette édition de la partie inédite permet une série de conclusions qui soulignent l’originalité de ce poème que nous appellerons désormais Anseïs de Gascogne. 1. Cette chanson n’est pas une chanson lorraine, mais picarde ; notre manuscrit présente des traits picards très marqués. L’auteur, linguistiquement un picard, est originaire de cette partie nord de la France qu’il connaît parfaitement. La composition est à situer vers 1255-1260, dans la région picarde qui jouxte la Flandre. 2. Anseïs de Gascogne représente une idéologie nouvelle qui la place à contre courant des autres chansons des Lorrains. Même si elle met en scène les deux lignages ennemis des Bordelais et des Lorrains, l’esprit est totalement différent : Anseïs de Gascogne est une œuvre « engagée » qui vise à la gloire de la Flandre et à l’anéantissement du roi de France et de son royaume, et où les Lorrains sont désavoués. Histoire et fiction se rencontrent dans cette œuvre d’actualité qui clôt une fois pour toutes l’histoire des Lorrains. 3. C’est l’œuvre d’un clerc lettré qui a donné la priorité à l’intelligence et à la culture, avant la prouesse chevaleresque. Cet écrivain de talent a utilisé avec soin toutes les ressources du style épique [laisses, motifs, formules] ; le poème témoigne en outre d’une composition solide, parfaitement structurée et d’une recherche dans l’écriture : peinture réaliste et pittoresque mettant en valeur des personnages bien dessinés, art de suggérer, parfois avec humour, mélange de tragique et de scènes divertissantes qui en font une œuvre d’art. / The Poem of Anseïs of Mes is the fourth and last part of the Geste des Lorrains. There is no complete edition of this epic poem: the only one that exists is the work by Herman Green which was completed in 1939 on an inaccurate manuscript and without any accompanying notes. Therefore a new edition is necessary. The release of the unpublished part would highlight enough evidence of the originality of this poem which will now be called Anseïs of Gascony. 1. This work is not a poem from Lorraine but from Picardy; the manuscript has very pronounced features from Picardy. The author speaks the language and knows perfectly well his native land of Picardy in the north of France. The text can be placed around 1255-1260, in the region of Picardy which is next to Flanders. 2. Anseïs of Gascony represents a new ideology which goes against the prevailing current of the other poems of the Lorrains at the time. Even if it presents the two rival lineages of Bodeaux and Lorraine, the spirit is totally different: Anseïs of Gascony is a "committed" work which aims for the glory of Flanders and the destruction of the king of France and his kingdom and where the people of Lorraine are disowned. History and fiction meet in this topical text which ends once and for all the history of the people of Lorraine. 3. It is the work of a scholarly clerk and gives priority to intelligence and culture, before chivalrous feats. This talented writer carefully used all the resources in writing this epic poem [leads, motifs, formulas]; additionally, this thoroughly researched poem is a well-structured and by all means, a solid piece of work: a realistic picture highlighting characters which are well drawn, the art of suggesting, sometimes with humor, a mixture of tragic and amusing scenes which on the whole form a good work of art.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Le Kutiyattam du Kerala est un théâtre épique qui entremêle drame et récit et dont le jeu d’acteur, central, se caractérise par une constante distanciation. Cette hypothèse d’ordre esthétique – l’« épique » renvoie à Brecht – est démontrée dans une approche pluridisciplinaire, ethnoscénologique. Tout commence par une « première scène » et un enfant jouant un rôle d’Acteur, puis devenant acteur-conteur. Fil conducteur de la thèse, cette cérémonie contient « tout », tous les fondements et les ingrédients de l’esthétique épique, ensuite explicités par l’exemple du Ramayana, l’épopée que le Kutiyattam porte en scène, entre autres œuvres anciennes en sanskrit. Le Livre I traite des « compétences », et tout d’abord du je des concepteurs et maîtres du Kutiyattam, les Cakyar (première partie). Après cette ethnographie, il s’attache aux apprentissages sous-tendant la formation du corps-acteur, véritable enjeu en soi par son extrême codification (deuxième partie). Le Livre II, dédié aux « performances », étudie les textes en jeu (troisième partie) dans les cinq cycles performatifs ramaïques représentés dans les temples : cinq actes dramatiques en sanskrit et les longs récits en malayalam qui s’y enchâssent, consignés dans les manuels scéniques des praticiens. Ces textes forment un répertoire unifié présentant des structures d’emboîtements multiples où se combinent des principes d’arrêt du temps, de changement de perspective et de retour en arrière générateurs de distanciation. Le jeu scénique (quatrième partie) exalte cette dramaturgie : performeur aux multiples fonctions – personnage, conteur, danseur et surtout régisseur –, l’acteur jongle en maître avec ces principes lorsqu’il entre dans la « substitution », jeu de rôles aux saisissants effets de simultanéité. Les annexes (vol. 3) contiennent des analyses complémentaires (annexes I) et les textes (annexes II) et supports audiovisuels (3 DVD-DL avec livrets) nécessaires à l’étude des performances. La forme de la thèse et le montage des films reflètent la dramaturgie étudiée en procédant à des arrêts et à des extensions du temps. Note : Les titres, résumés et mots clés figurant sur version originale de la thèse portent une accentuation qui, pour des raisons techniques, n’a pas pu être reproduite ici. / Kutiyattam of Kerala is an epic theatre that interweaves drama and narrative, characterized by an acting technique wherein the performance of the central actor makes constant recourse to a distancing effect. This hypothesis – esthetic in nature while "epic" refers to Brecht – is demonstrated through a multidisciplinary, ethnoscenogical approach. Everything begins with a so-called "first performance" in which a child plays at being an Actor-character, and then becomes a storyteller. This ceremonial, which serves as a common thread throughout our study, contains "everything", i.e. all of the foundations and ingredients of the epic esthetic, which we go on to explain using the example of the Ramayana – one of the numerous ancient Sanskrit texts that Kutiyattam brings to the stage. Book I first proposes an ethnography of the Cakyar-masters of Kutiyattam (first part), emphasizing their unique skills. It then analyses the training that underpin the codification of the actor’s body, demonstrating the challenge of being an actor in itself, before even assuming a character/persona (second part). Book II is dedicated to the performances. It begins by examining the texts (third part) of the five Ramayana cycles that are performed in the temples: five acts in Sanskrit into which are interwoven narratives in Malayalam, written in performers’ acting manuals. Taken together, these texts form a unified repertoire characterised by iterative embedded structures that interlock the principles of stop-in-time, change in point of view and flash-back. The acting (fourth part) enhances this dramaturgy. The performer who has multiple functions – character, storyteller, dancer, and director – juggles these principles, especially when he enters into the "substitution" process, a role-play that engenders striking effects of simultaneity. The annexes (Book III) contain the additional analyses (annex I) and the texts (annex II) and audiovisual materials (3 DVD-DLs with booklets) related to the performances. The thesis itself, including the montage of the films, is structured in such a way that it reflects the dramaturgy of Kutiyattam, and notably its use of stop-in-time. Note : Titles, summaries and keywords appearing in the dissertation contain accents, which, because of technical reasons, could not be reproduced here.