Depuis 2001, le Programme de formation de l’école québécoise impose l’enseignement de la compétence « apprécier » dans les quatre disciplines artistiques. Ce mémoire s’intéresse à l’influence que peuvent avoir des activités intégrant les arts plastiques à la musique sur l’expérience d’appréciation musicale d’élèves de sixième année du primaire. Plus spécifiquement, elle vise à rendre compte des différentes dimensions présentes dans la description que font les élèves de leur expérience d’appréciation ainsi qu’à comprendre de quelle façon les activités d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique affectent la verbalisation que font les élèves de cette expérience. La recherche prend la forme d’études de cas réalisées auprès de cinq élèves de sixième année du primaire. Ces élèves, ainsi que tous les élèves de leur classe, ont participé à une activité d’appréciation musicale intradisciplinaire ainsi qu’à deux activités d’appréciation interdisciplinaires. Après chacune des activités, ces cinq élèves ont été rencontrés individuellement. Au cours d’entrevues semi-dirigées, il leur était demandé de rendre compte de leur expérience d’appréciation. Quatre grandes tendances ont émergé de l’analyse des propos des élèves, soit le sentiment de mieux s’approprier l’œuvre entendue, une verbalisation plus précise des éléments perçus, une verbalisation plus précise des sentiments ressentis et enfin, une forme de distraction par rapport à l’œuvre entendue. Au terme de cette étude, il semble que l’utilisation d’activité d’appréciation intégrant les arts plastiques à la musique, sans faire l’objet d’un usage systématique, pourrait constituer une forme de différenciation pédagogique qui serait utile à certains types d’apprenants. / Since 2001, the Quebec school program states that an « appreciation » competency has to be taught within all four artistic school disciplines. This study describes the influence of activities integrating visual arts and music on the appreciation experience of 6th grade students. More specifically, this study aims to relate the different dimensions that can be found in the students’ verbal account of their appreciation experience and to show how the interdisciplinary activities affect their verbalization of these dimensions. Five case studies conducted with 6th grade elementary school students are presented. These five students, along with the other students in their class, have participated in one intradisciplinary activity and two interdisciplinary activities integrating visual arts and music. Following each activity, the students were met for semi-structured interviews in which they were asked to share their appreciation experience. Four tendencies have emerged from qualitative data analysis: a more insightful listening, a more accurate description of perceptual elements, a more accurate description of the student’s feelings and finally a form of distraction from the music. It appears that appreciation activities which integrate visual arts and music could be, if not a systematic approach, a way to differentiate teaching in a way that could be helpful to some types of learners.

Cette thèse présente les résultats d'une recherche sur la musique au cinéma et la prolongation de l'expérience cinématographique en dehors de l'espace et du temps du dispositif cinématographique par l'écoute de la bande originale du film. Plus particulièrement elle aborde la bande originale du film en tant que musique emblématique de l'univers filmique. Elle instruit une réflexion sur la place de la musique dans nos vies et sa capacité à créer et recréer des expériences esthétiques du quotidien. A partir de la tripartition sémiologique développée par Jean Molino, nous proposons d'appréhender la bande originale de l'univers Disney depuis les conditions et le contexte de sa production d'abord, c'est-à-dire au niveau "poïétique ". Nous procédons à l'analyse de l'univers filmique et musical ensuite en nous plaçant au niveau " neutre " de l'œuvre. Enfin, par le biais d'une enquête par questionnaire dans le cadre d'un protocole de recherche expérimental nous analysons la réception de la bande originale de film à son niveau " esthésique ". Le mickeymousing, technique cinématographique définissant la ponctuation narrative des mouvements par la musique, est appréhendé comme une forme d'esthétisation du réel. Entre synchronisation, emblème et réel esthétisé cette recherche porte, in fine, sur l'esthétisation cinématographique du quotidien par la musique. De la bande originale de film à la bande originale de vie, les fonctions emblématiques de la musique sont décrites par une ethnographie de la musique au quotidien (festivals, trains, Disneyland, rayons des disquaires).

Cette thèse présente les résultats d'une recherche sur la musique au cinéma et la prolongation de l'expérience cinématographique en dehors de l'espace et du temps du dispositif cinématographique par l'écoute de la bande originale du film. Plus particulièrement elle aborde la bande originale du film en tant que musique emblématique de l'univers filmique. Elle instruit une réflexion sur la place de la musique dans nos vies et sa capacité à créer et recréer des expériences esthétiques du quotidien. A partir de la tripartition sémiologique développée par Jean Molino, nous proposons d'appréhender la bande originale de l'univers Disney depuis les conditions et le contexte de sa production d'abord, c'est-à-dire au niveau «poïétique ». Nous procédons à l'analyse de l'univers filmique et musical ensuite en nous plaçant au niveau « neutre » de l’œuvre. Enfin, par le biais d'une enquête par questionnaire dans le cadre d'un protocole de recherche expérimental nous analysons la réception de la bande originale de film à son niveau « esthésique ». Le mickeymousing, technique cinématographique définissant la ponctuation narrative des mouvements par la musique, est appréhendé comme une forme d'esthétisation du réel. Entre synchronisation, emblème et réel esthétisé cette recherche porte, in fine, sur l'esthétisation cinématographique du quotidien par la musique. De la bande originale de film à la bande originale de vie, les fonctions emblématiques de la musique sont décrites par une ethnographie de la musique au quotidien (festivals, trains, Disneyland, rayons des disquaires). / This thesis presents the results of a research on music in cinema and the extension of the cinematographic experience out of the cinematographic model by listening to the film score. More specifically, it addresses the issue of the film score being the emblematic music of the film environment. Being such, it generates a reflexion about the role of music in our lives and its capacity to create and recreate aesthetic experiences of our daily lives. Based on Jean Molino?s semiotic tripartition, we propose to tackle Disney?s film score starting from its production context, that is, the ?poietic? level. We then proceed to analyse the film and musical environment by placing ourselves on the ?neutral? level of the work. Finally, through the use of a questionnaire survey made in a experimental context, we will analyse the film score reception at a ?aesthetic? level.Mickey Mousing, film technique that syncs the actions in the movie with music is tackled as a way to aestheticize the world. Between the synchronisation, the token and the aestheticized reality, the research is eventually about the cinematographic aesthetisation of the daily-life through music. From movie soundtracks to life soundtracks, the emblematic fonctions of music are described through an ethnography of the daily usage of music (festivals, trains, Disneyland, music stores)

Ce mémoire est une étude de cas sur Le voyage d’hiver (2013) de Keith Kouna. Réalisée par René Lussier, cette œuvre de musique enregistrée est une transposition musicolittéraire d’après Winterreise (1828) de Franz Schubert. Malgré la réécriture d’un texte en français et les transformations musicales notables qui caractérisent Le voyage d’hiver, les fondements mélodiques et harmoniques qu’il reproduit génèrent un effet de reconnaissance qui ne cesse de renvoyer Kouna vers Schubert. Plutôt que de les tenir pour inséparables l’un de l’autre, cette étude propose une réflexion sur la distance qui les sépare. On se demandera si Le voyage d’hiver peut constituer une œuvre avec le caractère propre de ce qui la rendrait autonome et originale. Considérant que la réécriture textuelle dont il procède s’enracine dans l’écoute musicale, la recherche pose d’abord que le Voyage d’hiver s’établit comme la trace d’une écoute de Winterreise. À partir du rapport entre texte et musique qui s’y déploie, il s’agit ensuite de suivre cette écoute à travers les médiations de la musique enregistrée en studio qui en ont constitué l’inscription. L’établissement de ce tracé permettra d’évaluer l’ampleur des transformations qui donnent lieu au Voyage d’hiver afin de mettre en perspective la distance qui le sépare et le distingue de l’œuvre de Schubert. / This master’s thesis is a case study of Keith Kouna’s music recording Le voyage d’hiver (2013). Produced by René Lussier, this album is a literary and musical transposition based on Franz Schubert’s Winterreise (1828). Although the text was rewritten in French and the music underwent significant transformations, the melodic and harmonic foundations of Le voyage d’hiver create a recognition effect that constantly hearken Kouna’s work back to Schubert. Instead of viewing both works as inseparable, this study will examine the distance that separates them. One may ask if Le voyage d’hiver possesses the distinctive traits to be considered an original, free-standing musical work. Given that the rewriting of the text is rooted in music listening, this research posits that Le voyage d’hiver takes form as the result of listening to Schubert’s Winterreise. Based on the relationship that unfolds between the text and music, the research is then a matter of following this listening through the mediations of the resulting music that was created and recorded in the studio. Establishing this path will make it possible to assess the extent of the transformations that led to Le voyage d’hiver in order to put into perspective the distance that separates and distinguishes it from Schubert’s work.

Ce mémoire emprunte à la ludomusicologie tout en s’inscrivant dans le cadre des études du jeu vidéo et des études cinématographiques. Il est une exploration du sonore à l’intérieur d’une situation de conflit présente dans un jeu vidéo. Nous y appréhendons la construction sonore de la situation de conflit, caractérisée par un combat entre un personnage jouable et un antagoniste. Nous posons les problématiques suivantes : de quelle manière le sonore se construit-il dans une situation de conflit vidéoludique? Qu’est-ce que cette construction apporte au joueur ou à la joueuse? En prenant appui sur le cinéma puis le cinéma d’animation, nous envisageons le son dans sa construction audio-visuelle, rattaché à une image mouvante. Il apparaît rapidement que le son en rapport à l’image possède des fonctions qui permettent à l’auditeur-spectateur d’appréhender, voire d’amplifier à la fois l’histoire et les émotions. À travers le cognitivisme, nous transposons ensuite ces fonctions vers le jeu vidéo, en prenant en compte le paradigme de la jouabilité. En nous intéressant au joueur, nous partons de ses attitudes d’écoute pour proposer la construction d’une concrétion sonore, un ensemble de sons et de musiques inhérents à toute situation audio-visuelle. Il ne s’agit plus de séparer sons, musique et bruits, mais bien de les hiérarchiser en fonction des besoins du joueur, qui sont déterminés par la situation de jeu. Une étude de cas nous permet d’expliciter la concrétion sonore. Nous précisons enfin les enjeux relatifs à la concrétion sonore dans le cadre de la situation de conflit. Il apparaît au fil de nos recherches que le son, les bruits et la musique possèdent des fonctions qui dépendent moins de leur structure que de l’assemblage sonore complet. De nombreux exemples présenteront des strates sonores aux multiples fonctions. La musique comme le son peuvent constituer aussi bien une aide qu’un frein à la jouabilité. Des techniques de production (volume, spatialisation, complexité du sonore) permettent au joueur de hiérarchiser la concrétion sonore pour profiter d’une meilleure expérience audio-visuelle. / This dissertation is the result of research in ludomusicology, game studies and cinema studies. It is an exploration of sound in the context of a conflict situation present in a video game. We apprehend the sound construction of the conflict situation, characterized by a fight between a playable character and an antagonist. We propose the following questions: how is sound constructed in a video game conflict situation? What does this construction bring to the player? By studying the cinema and then animation, we consider sound in its audio-visual structure, linked to a moving image. It quickly appears that the sound in relation to the image has functions that allow the listener-spectator to apprehend, even amplify both the story and the emotions. Through cognitivism, we then transpose these functions to video games, taking into account the paradigm of playability. By focusing on the player, we start from his listening attitudes to suggest the construction of a sound concretion, a set of sounds and music inherent to any audio-visual situation. It is no longer a question of separating sounds, music and noises, but rather of prioritizing them according to the player's needs, which are determined by the gaming situation. A case study allows us to explain the sound concretion. Finally, we specify the stakes related to sound concretion in the context of the conflict situation. It appears through our research that sound, noises and music have functions that depend less on their structure than on the entire sound assembly. Many examples will present sound layers with multiple functions. Music and sound can be both an aid and a hindrance to playability. Production techniques (volume, spatialization, sound complexity) allow the player to prioritize the sound concretion to enjoy a better audio-visual experience.

Un biais fonctionnel entre les oreilles droites et gauches a été largement documenté, avec un avantage de l'oreille droite (AOD) dans les tâches perceptives, en particulier celles utilisant le traitement verbal. Les sons complexes tels que la parole sont perçus plus facilement dans l'oreille droite (OD) que dans l'oreille gauche (OG) pour les tâches d’écoute dichotique (ED) ainsi que pour les tâches de perception de la parole dans le bruit (PDB). Des études sur les tâches d’ED ont démontré que le vieillissement est associé à une réduction globale des performances des deux oreilles, avec un déficit de performance plus important pour les stimuli présentés à l'OG par rapport à ceux présentés à l'OD entraînant une augmentation de l’AOD. Ce déficit à l'OG pourrait être le résultat d'une baisse de l'efficacité du transfert inter hémisphérique d'informations auditives via le corps calleux due au vieillissement ou de changements liés au vieillissement dans les fonctions cognitives. Cependant, des preuves chez les jeunes adultes ayant une audition normale suggèrent que les différences interaurales (DI) dans le traitement sensoriel au niveau des parties inférieures du système auditif pourraient également expliquer l'ampleur de l’AOD pour les tâches d’ED. L'objectif principal de cette thèse est d'étudier si les DI dans le traitement sensoriel aux niveaux inférieurs du système auditif sont associés à l'ampleur de l’AOD chez les personnes âgées. De plus, ce projet vise également à déterminer si les DI dans le traitement sensoriel au niveau des parties inférieures du système auditif sont associées aux processus de perception de la PDB chez les personnes âgées. Pour ce faire, 70 personnes âgées ont participé à cette étude. Tous les participants ont été évalué avec une batterie complète de tests auditifs examinant les seuils de sons purs, les émissions otoacoustiques évoquées transitoires avec et sans stimulation acoustique controlatérale, la réponse auditive du tronc cérébral et la performance sur les tâches d'ED et de perception de la PDB. Afin de contrôler la fonction cognitive, les habiletés cognitives telles que la vitesse de traitement, la flexibilité cognitive et la mémoire de travail ont également été évaluées. Les DI dans le traitement sensoriel aux niveaux inférieurs du système auditif ont été dérivées en calculant la différence entre l’OD et l’OG pour chacune des mesures auditives. Des modèles de régression bivariées et multivariées ont été réalisés en intégrant les variables d’habiletés cognitives dans les modèles de régression. Les résultats ont révélé que la DI pour les seuils de sons purs et la DI pour les émissions otoacoustiques évoquées transitoires avec suppression étaient associés significativement à l'ampleur de l’AOD chez les personnes âgées. De même, la DI pour les émissions otoacoustiques évoquées transitoires et la DI pour la réponse auditive du tronc cérébral expliquent la performance de la perception de la PDB chez les personnes âgées. De plus, les résultats ont révélé que les habiletés cognitives contribuent de manière significative à l'ampleur de l’AOD ainsi que pour la performance de la perception de la PDB chez les personnes âgées. Dans l'ensemble, la présente thèse fournit des données qui suggèrent que les DI dans le traitement sensoriel au niveau des parties inférieures du système auditif explique en partie l'ampleur de l’AOD pour les tâches d’ED ainsi que les problèmes de perception de la PDB chez les personnes âgées. / A functional bias between the right and left ears has been widely documented, with a right-ear advantage (REA) in perceptual tasks, particularly those employing verbal processing. Complex sounds such as speech are more accurately perceived in the right ear (RE) compared to the left ear (LE) for dichotic listening (DL) and speech perception in noise (SIN) tasks. Although previous studies have shown that aging is associated with an overall decline in DL performance in both ears among older adults, the left ear (LE) performance often decreases more dramatically relative to the right ear (RE) performance, causing an increased REA for speech stimuli. This greater LE deficit may be the result of age-related changes in (A) cognitive functions; (B) functions of the right hemisphere (RH); and /or (C) the efficiency of interhemispheric transfer of auditory information via the corpus callosum. However, evidence in normal hearing young adults suggest that interaural difference (ID) in sensory processing at lower portions of the auditory system might also explain the magnitude of the REA for DL. The main aim of this thesis is to investigate whether ID in sensory processing at lower levels of the auditory system are associated with the magnitude of the REA for DL among older adults. In addition, this project aimed to investigate whether ID in sensory processing at lower levels of the auditory system is associated with SIN performance in older adults. A total of 70 older adults participated in this study. To assess sensory processing at lower levels of the auditory system, hearing thresholds, transient evoked otoacoustic emission (TEOAE), contralateral suppression of TEOAE, a proxy measure of medial olivocochlear (MOC) activation and click-and-speech auditory brainstem response to speech stimuli were measured in both ears separately. The ID in sensory processing was derived by calculating the difference between the right and left ears for each auditory measure. The mobile device app version for iPhone of the Bergen Dichotic Listening test, the iDichotic, was used to evaluate DL. In addition, SIN performance was evaluated with the hearing-in-noise test (HINT). With the aim to control for cognitive function, cognitive abilities such as speed of processing, cognitive flexibility and working memory were also evaluated. Bivariate and multivariate regression models were performed, and cognitive measures were accounted for in the regression models. Results revealed that ID in pure-tone thresholds and ID in MOC-induced TEOAE suppression were significantly associated with the magnitude of the REA for DL among older adults. Similarly, ID in TEOAE and ID in speech-ABR measures explained SIN performance in older adults. In addition, results revealed that cognitive measures significantly contributed to the magnitude of the REA for DL and SIN performance in older adults. The present thesis provides evidence indicating that ID in sensory processing at lower levels of the auditory system partially explain the magnitude of the REA for DL as well as SIN performance among older adults.

Cette thèse de recherche-création explore certaines des causes esthétiques, techniques et inter- artistiques qui font du cinéma un domaine privilégié pour l’étude du son. Les hypothèses de cette recherche sont formulées à partir de ma posture de concepteur sonore pour le cinéma et émergent des conditions pratiques et esthétiques singulières ayant menées à la création sonore de différentes œuvres. La première partie de la thèse explore ces trois axes (esthétique, technique et inter- artistique) par la mise en résonance d’expériences pratiques et de recherches théoriques : mon travail de conception sonore pour le film Le silence des semences (Guillaume Roussel-Garneau, 2021) m’amène d’abord à rendre compte de l’émergence du courant expressiviste à la fin du XVIIIe siècle (Taylor) et de la reprise de l’expression comme modèle théorique en art (Abrams) pour ensuite mettre ces modèles à l’épreuve des théories du son au cinéma (Chion, Fano) ; mon travail de post-production sonore pour le film Le rêve et la radio (Renaud Després-Larose et Ana Tapia- Rousiouk, 2022) m’entraîne à explorer ce qui, dans la nature mécanique et matérielle du son capté, monté et reproduit par différentes techniques (Altman, Lastra, Schaeffer, Schafer, Cardinal), permet de rejouer ces tensions entre représentation et expression ; ma « sensibilité technicienne » (Tapia-Rousiouk) me permet de faire l’étude des modes d’articulation et d’interaction des sons entre eux, avec l’image, avec le spectateur ou l’auditeur ; ces modes d’articulation et d’interaction sont empruntés aux autres arts sonores, et ils survivent dans l’univers cinématographique à travers les œuvres et la pratique des musiciens et créateurs sonores Ernst Karel (Heard Laboratories, Heard Laboratories Performed, Leviathan) et Christian Calon (Continental Divide). La deuxième partie de cette thèse prend la forme de quatre œuvres sonores crées pour l’exposition La couleur du temps, le son d’un espace, présentée au Centre d’exposition de l’Université de Montréal à l’été 2022. Chacune d’elles, par leur mise en scène du son, de l’écoute et du corps, permettent de rejouer ces enjeux esthétiques et techniques fondamentaux de la création sonore au cinéma : tension entre espace sonore et espace visuel ; matérialité du sonore, entre sens et sensation ; malléabilité des qualités temporelles du son ; qualités transformatives de l’écoute, tant au niveau de la création que de la réception. / This research-creation thesis explores some of the aesthetic, technical and inter-artistic reasons that make cinema a privileged field for the study of sound. The hypotheses of this research are formulated from my position as a sound designer for film and emerge from the singular practical and aesthetic conditions that led to the sound design of different works. The first part of the thesis explores this question along these three axes (aesthetic, technical and inter-artistic) through practical experiences and theoretical research. My sound design work for the film Le silence des semences (Guillaume Roussel-Garneau, 2021) leads me first to recount the emergence of the expressivist current at the end of the 18th century (Taylor) and the use of expression as a theoretical model in art (Abrams) and then confront these models to theories on sound in cinema (Chion, Fano). My audio post-production work for the film Le rêve et la radio (Renaud Després-Larose and Ana Tapia-Rousiouk, 2022) leads me to explore what, in the mechanical and material nature of recorded, edited and reproduced sound with the use of sound reproduction technologies (Altman, Lastra, Schaeffer, Schafer, Cardinal), replays the tensions between representation and expression. My “technical sensibility” (Tapia-Rousiouk) allows me to study the modes of articulation and interaction between sounds, between sound and image, with the spectator or the listener. These modes of articulation and interaction are borrowed from other sound arts, and they survive in the cinematic world through the works and practice of musicians and sound artists such as Ernst Karel (Heard Laboratories, Heard Laboratories Performed, Leviathan) and Christian Calon (Continental Divide). The second part of this thesis takes the form of four sound works created for the exhibition La couleur du temps, le son d’un espace, presented at the Centre d'exposition de l'Université de Montréal in the summer of 2022. Each of these works, through their staging of sound, listening and the body, reformulate these fundamental aesthetic and technical questions regarding sound creation in cinema: the tension between auditory space and visual space; the materiality of sound, between meaning and sensation; the plasticity of the temporal qualities of sound; the transformative qualities of listening, both in terms of creation and reception.

Ce travail s’intéresse au problème de la rétroingénierie du son pour l’écoute active. Le format considéré correspond au CD audio. Le contenu musical est vu comme le résultat d’un enchaînement de la composition, l’enregistrement, le mixage et le mastering. L’inversion des deux dernières étapes constitue le fond du problème présent. Le signal audio est traité comme un mélange post-non-linéaire. Ainsi, le mélange est « décompressé » avant d'être « décomposé » en pistes audio. Le problème est abordé dans un contexte informé : l’inversion est accompagnée d'une information qui est spécifique à la production du contenu. De cette manière, la qualité de l’inversion est significativement améliorée. L’information est réduite de taille en se servant des méthodes de quantification, codage, et des faits sur la psychoacoustique. Les méthodes proposées s’appliquent en temps réel et montrent une complexité basse. Les résultats obtenus améliorent l’état de l’art et contribuent aux nouvelles connaissances. / This work deals with the problem of reverse audio engineering for active listening. The format under consideration corresponds to the audio CD. The musical content is viewed as the result of a concatenation of the composition, the recording, the mixing, and the mastering. The inversion of the two latter stages constitutes the core of the problem at hand. The audio signal is treated as a post-nonlinear mixture. Thus, the mixture is “decompressed” before being “decomposed” into audio tracks. The problem is tackled in an informed context: The inversion is accompanied by information which is specific to the content production. In this manner, the quality of the inversion is significantly improved. The information is reduced in size by the use of quantification and coding methods, and some facts on psychoacoustics. The proposed methods are applicable in real time and have a low complexity. The obtained results advance the state of the art and contribute new insights.

Ce travail de recherche prend sa source dans mes diverses expériences professionnelles, sur plus de dix ans, en tant que psychologue clinicienne et psychanalyste en formation, exerçant avec des enfants, des adolescents, leurs familles ainsi qu’avec des adultes. Il s’agit d’une clinique particulière puisqu’elle a été recueillie au Liban, un pays qui a une histoire difficile à cerner, ponctuée de guerres et parsemée de violences. Un pays qui est marqué par un système de résonance et d’écho entre les traumas individuels et les rapports aux traumas collectifs. Cette recherche porte plus précisément sur une population bien définie puisqu’elle est exclusivement constituée d’ex-enfants, puis ex-adolescents de la guerre de 1975 à 1991 ayant vécu dans l’ex-Beyrouth-Est, puis devenus désormais adultes. Elle est aussi caractérisée par le fait qu’une fois le travail de la cure est bien avancé, j’ai pu comprendre que j’avais durant mon enfance puis mon adolescence, partagé, des tranches de vie avec mes patients. Ces moments étaient des vécus de guerre traumatiques. En effet, mes patients adultes, les parents des petits en cure et moi-même, nous-nous sommes trouvés aux mêmes endroits, et nous avons vécu aux mêmes moments, seuls, loin des adultes, les mêmes événements de guerre. Il s’agit d’une réflexion qui englobe au final, quatre générations. Je m’interroge sur la qualité du lien qui existerait entre la question des particularités du travail d’élaboration de situations de traumatismes personnels et de traumatismes familiaux au sein de thérapies d’enfants. Mon interrogation porte également sur le type d’intéraction qu’il y aurait entre le trauma spécifique du parent ex-enfant de la guerre et celui du trauma collectif propre à un pays en guerre. Comment ceci se joue-t-il dans la cure et avec le thérapeute de l’enfant (génération 1) né après la guerre ? Je m’interroge, d’une part, sur les modalités défensives des parents (génération 2) et les particularités des traumatismes personnels internes qui survenaient en écho avec des traumatismes familiaux entremêlés et emboîtés aux traumatismes cumulatifs collectifs/sociaux. D’autre part, je me questionne à propos de la psyché parentale qui me semblait figée, envahie, prisonnière d’un « entre-deux intérieur/extérieur-non-humain, fantasme/réalité », aux liens forts et inapparents qui semblaient inexistants mais desquels ils ne pouvaient pas se libérer à l’âge adulte. Je me demande si les enfants (génération 1) nés après la guerre, ne seraient pas pour leurs parents (génération 2), réduits à un symptôme ; symptôme que ces derniers n’auraient pas eu la possibilité de porter durant leur vécu infantile. L’enfant (génération 1) ne serait-il pas le porteur du « clivé parental » ? Je me demande finalement si les parents (génération 2) pourraient avoir accrédité, lors de l’entretien qui fixe le cadre, le contrat muet ou pacte suivant : « nous savons/vous savez ce que nous avons/vous avez vécu dans notre/votre enfance : on le pose là et on n’en parle pas ». Même si ce pacte n’a pas été explicité verbalement, la transmission s’établissait d’une autre manière : au-delà du langage. C’est pour cette raison qu’en confiant leur enfant, ces parents (génération 2) parvenaient enfin et pour la première fois, à confier l’enfant en eux à une personne qui « saurait », qui « serait passée par là » et qui a « les mots pour l’exprimer ». Pour essayer de répondre à mes interrogations, je tente d’introduire et d’expliquer une modalité particulière de vivre le cadre analytique : il s’agirait d’une co-construction, avec le patient d’un cadre. Ce cadre serait comme une piste de danse propice à la mise en place d’une « chorégraphie de la cure » qui permettrait à l’analyste et son patient de « danser avec la cure ». Ceci sous-entend un mouvement de rythmicité, un rapproché, un va et viens nécessaire à l’évolution.... / This research is rooted in my various professional experiences over more than a decade as a clinical psychologist and psychoanalyst in training, dealing with children, adolescents, their families as well as adults. This relates to a particular type of clinical work since the data for this study was collected in Lebanon, a country that has an elusive history, punctuated by wars and scattered violence; a country that is characterized by a resonating and echoing system between individual trauma and collective traumas. This study refers more precisely to a well-defined population, consisting exclusively of former children and adolescents of the 1975-1991 Lebanese war having lived and grown up in the former East Beirut. The study is also characterized by the fact that, once the analytic cure was well advanced, I was able to understand that I experienced, during my childhood and my adolescence, similar shared moments with my patients pertaining to traumatic experiences resulting from the war. In fact, my adult patients, the parents of the children in psychotherapy as well as myself, found ourselves as children and adolescents in the same places, experiencing the same epoche, alone, and away from adults (our parents or teachers), the same violent and destructive war events. This is a reflection that pertains to four generations. I wonder as to the quality of the links that exist between the peculiarities of the elaborative work of personal traumatic experiences and family traumas within the context of child psychotherapy. My interrogations also relate to the possible type of interaction existing between the specific trauma of the parent who is an ex-child (and ex-adolescent) of the war and the collective trauma that is specific to a country at war. I question in part the nature of the defense modalities of parents (generation 2) And the particularities of inner personal traumas that occur as an echo to family’s trauma, intertwined and interlocked with cumulative and collective social trauma. Moreover, I question why the parental psyche seems frozen, as if invaded, a prisoner “in a “no man’s land”, an undefined territory internal/external- non-human, fantasy/reality”, I also wonder about the strong, hidden links that seemed to glue up the members of a family. Those links or particular ways to live the attachment seemed, at first, apparently nonexistent but paradoxically they were extremely present in the sessions. The adults seamed unable to free themselves from this chain. I wonder if the children (generation 1) born after the war, are not, in the parental psyche (generation 2) reduced to a symptom – a symptom that the parents (generation 2) could not have had the opportunity to carry during their own childhood. Therefore, the child (generation 1) would be the bearer of "parental splitting"? I finally question the setting and wonder if the parents (generation 2) may not have accredited during our first encounter the « psychoanalytic » framework with the following dumb contract or agreement: "we know/you know what we/you have lived in our/ your childhood: we leave it aside and we do not talk about it at all. " Although the pact has not been explained verbally, transmission seemed to have been established in a « non-verbal communication. It may be for this reason that, the parents (generation 2) felt sufficiently at ease to try and place, for the first time in their lives, the suffering “child in them” in what they might have felt as being the securing, healing and soothing arms of “someone” who can be there for them; “someone” who has known what they have encountered because he is not a total stranger to their childhood experiences, “someone” who has the words and the capacity to talk about these unpleasant things; someone who may be able to express the “unspeakable experiences” with simple words ....

Le XIXe siècle français a été marqué par une pratique extrêmement répandue de la transcription musicale. Cette thèse veut s'attacher à ses usages comme moyen d'accès à l'œuvre, à travers l'apport exceptionnel en ce domaine du compositeur et organiste Alexandre Guilmant, des années 1850 – époque de ses premières activités professionnelles – à 1910, veille de sa mort. Si transcrire n'est pas spécifique au XIXe siècle, cet acte irrigue la création musicale, se place au cœur de la conception esthétique de l'œuvre, au point de concentrer en lui de nombreuses questions liées à l'écoute, à la pratique amateur et professionnelle, à l'émergence d'une littérature spécifique et adaptée, à la propriété intellectuelle, entre autres. Le cas Guilmant, étudié dans son contexte socio-artistique, éclaire l'image du transcripteur qui se nourrit de l'extrême mobilité de la musique, s'imprègne des styles classiques et anciens, actualise des œuvres choisies et contribue ainsi à la construction d'un répertoire exemplaire. La transcription apparaît alors comme médiatrice d'une culture, capable d'accompagner le développement de la conscience historique. / Musical transcription was an extremely widespread practice in 19th-Century France. This thesis will focus on its use as a mean of accessing the original artwork, through the outstanding contribution in this field of composer and organist Alexandre Guilmant, between the years of his early professional activities in the 1850s until the eve of his death in 1910. Although transcription is by no means confined to the 19th-Century, it flows through all of musical creation and lies at the heart of the aesthetic design of the artwork – to the point of bringing into focus many issues related, among others, to listening, to amateur and professional practice, to the emergence of a literature both specific and adapted to intellectual property. Guilmant’s case, studied against his socio-artistic background, illuminates the transcriber who, feeding on the extreme mobility of music, is impregnated by classical and antique styles, updates selected works, and so contributes to the development of an exemplary repertoire. Transcription appears as the mediator of a culture and capable of supporting the development of historical consciousness.