The aim of this thesis is to amalgamate philosophy and history of science with literature to achieve an overview of changing ideas of the animal/human divide during the nineteenth century. Drawing on the ideas of Jacques Derrida, Friedrich Nietzsche, Julia Kristeva and Giorgio Agamben. I consider this divide and its contents, often regarded as an abyss. The study is written like a time line, starting at the beginning of the nineteenth century and finishing at the end. I split the nineteenth century into four time periods centred around the emergence of Darwinian theory, considered by this study to be the single most prolific scientific event to have occurred during the nineteenth century. These time frames are the pre-Darwinian, the early Darwinian, the late Darwinian and the post-Darwinian. The study is split into four chapters which coincide with these time frames, covering four different novels which exemplify contextually relevant ideas of the abyss. These are Frankenstein by Mary Shelley, Moby-Dick by Herman Melville, Crime and Punishment by Fyodor Dostoevsky and The Island of Doctor Moreau by H.G. Wells. During the course of this study I consider various ideas applied by the authors about the abyssal limits and what they consist of. These include considerations on reason, society, morality and spirituality, all ideas used in various different manners to attempt to explain the abyss. From these various deliberations I formulate a conclusion which takes into account the various nuances which would have effected each of the writer’s formulations of the abyss.

Cette thèse se propose d’éclaircir des aspects communs au développement des genres narratifs dans la phase du modernisme européen autour de la Première Guerre mondiale à travers l’analyse comparée des œuvres et des projets littéraires de Marcel Proust, Franz Kafka et James Joyce. La démarche comparatiste se construit autour d’une réflexion sur les fonctions de la littérature dans le cadre de la modernité et du rapport au passé culturel, de la transformation des différentes instances subjectives opérant au niveau de l’autoreprésentation de l’écrivain et des personnages, ainsi que des différents aspects de la crise, de sa problématisation et enfin des transformations de la notion d’expérience dans sa configuration narrative. Une pluralité de méthodes et d’approches théoriques en est venue à s’imposer, allant de l’histoire des genres littéraires à la critique philosophique, de la perspective sociologique sur les processus de transformation opérant à l’échelle globale jusqu’aux propositions les plus récentes dans le champ des études modernistes. Chaque pôle thématique est ainsi traité selon sa spécificité mais aussi comme un élément paradigmatique commun aux auteurs examinés, utile à la compréhension du modernisme narratif. L’hypothèse à la base du présent travail concerne donc un lieu commun de la critique contemporaine, à savoir l’idée que la littérature au XXe siècle est marquée par une discontinuité nette face aux pratiques narratives du siècle précédent. Quelques fondements de ce principe sont remis en question, notamment concernant les concepts d’autonomie esthétique et celui de réalisme. Nous cherchons à comprendre de quelle manière ces idées, développées au cours du XIXe siècle, fournissent au modernisme les critères de vérité en lui permettant de créer une nouvelle perspective existentielle de l’œuvre comme explication subjective du monde, que nous proposerons d’appeler « ontologie du sujet ». / This research project focuses on some aspects in the development of modernist narratives before and immediately after World War I, through the analysis of literary projects and works by Marcel Proust, James Joyce and Franz Kafka. The comparison between these three authors is based on topics such as the function of literature in modern context and its relationship to cultural past ; the innovation regarding subjectivity in fiction, from the self-representation of the writer to the creation of characters ; the various aspects of crisis in the narrative configuration of experience, as well as the broadening of its signification.Such a framework required a wide scope in theoretical and methodological approaches, going from the history of literary genres to sociology, from philosophical views to the latest propositions in the field of Modernist Studies. Each one of the three thematic poles of the research is thus treated according to its specificity, but also as part of a common paradigm, which may be useful to a better understanding of a cultural phenomenon such us modernist narratives, which has not been completely historicized yet.The fundamental hypothesis of the entire research is thereby related to a common principle in literary criticism : the idea that the 20th century is marked by general discontinuity with the aesthetics belonging to the previous century. We question some of the theoretical foundations to this principle, especially regarding the perception of the revolt against the aesthetics of Symbolism and Naturalism, and proceed by trying to understand how categories such as that of aesthetic autonomy and realism are transformed and revitalized by the authors, becoming the inherited criteria of truth allowing the modernist work of narration to turn itself into a subjective description of the general sense of being, or as what we call it here, an «ontology of the subject».

Les littératures de pays anciennement colonisés, ou "postcoloniales", développement un mode d'expression original, qui outrepasse des limites. En s'appuyant sur les analyses de Patrick Sultan, on constate que la transgression est présente partout dans ces oeuvres : transgressions politiques, discursives, sociales, linguistiques et littéraires. Les auteurs postcoloniaux se définissent dans un rapport de tension avec l'ordre établi : pour exister, ils choisissent de rejeter l'héritage colonial. Pourtant, paradoxalement, le français demeure la norme, la langue d'expression. Ainsi, Déwé Görödé et Chantal Spitz, deux auteures respectivement kanak et polynésienne, subvertissent dans leurs oeuvres les normes, les codes et les formes liées à la culture française, accédant ainsi à une liberté nouvelle. Elles expriment leurs souffrances, dans une position anti-coloniale, où elles résistent à l'inclusion dans l'Etat-nation. Ceci se traduit dans l'écriture, où le refus des normes est omniprésent : transgressions des genres, déconstruction des codes grammaticaux, recours à des formes linguistiques jugées "familières" ou "populaires", expression de la révolte et de la violence...Elles assument cette nouvelle parole, et ce nouveau style d'écriture, qui est le leur. De plus, elles choisissent des personnages subversifs. Cette forme de littérature transgressive, qui porte les stigmates du colonialisme, est porteuse d'une joie paradoxale : le sérieux du propos politique peut côtoyer des passages plus légers, où les deux auteures s'amusent avec les mots, inventent des tournures de phrases, des néologismes, des calembours...L'écriture, très puissante, dévoile ainsi une grande fantaisie verbale. Si les femmes sont montrées comme victimes de la violence des hommes, dont elles restent souvent esclaves, elles expriment aussi une philosophie joyeuse, une philosophie du présent, un "gai savoir" au sens nietzschéen. / The literatures of formely colonised countries, also known as (postcolonial studies", have developed an original mode of expression, overstepping some limits. The notion of transgresseion refers to the breaking of rules, codes, while implying at the same time the existence of a norm to conformto. Bearing on Patrick Sultan's analyses, we have come to the conclusion that the notion of transgression can be found everywhere in postcolonial literary works, be it political, discursive, social, linguistic or literary. Postcolonial authors define themselves by their strained relationship with the established order. In other words, their choice of standing against colonial heritage is the aim and condition of their very exixtence. Still, the French language paradoxically remains the norm, the language of expression. Against this backdrop, Déwé Görödé and Chantal Spitz, a kanak and Polynésian author respectively, use their work to subvert the norms, the codes and the forms related to the French Culture, thereby gaining a new form of freedom. This finds expression in their writing, where the rejection of norms i all pervasive and underlies a transgression of genres, a deconstruction of grammar codes, the author's resorting to linguistic forms perceived as "colloquial or popular", the expression of revolt and violence. Moreover, the authors choose subversive characters. A careful study of these women's works has allowed me to show that this transgressive literary form, which bears the marks of colonialism, carries a parodixal joy : the gravity of the political discourse may well be interspersed with lighter passage, where the two authors play with words, and create their own turns of phrase, neologisms and puns. Therefore, their extremely powerful writing reveals remarkable verbal playfullness with words.

Depuis le XVIIe siècle, l’étude de la notion d’ennui a connu une évolution constante en Occident qui lui a permis de se détacher des autres concepts auxquels elle était préalablement associée, notamment ceux de mélancolie, de tædium vitæ et d’acédie. Au XXe siècle, le discours sur l’ennui en philosophie, en sociologie et en psychanalyse s’intéresse spécialement aux rapports entre l’homme et le monde à partir des représentations individuelles et collectives du temps, de l’action et de la vocation. Ces trois composantes de l’ennui aident à comprendre comment ce phénomène s’est répandu dans les sociétés postmodernes et comment il est devenu une forme d’expérience (Erfahrung) pour l’individu capable de se confronter à ses propres limites en tant que sujet agissant et ennuyé. Les cinq romans retenus pour le corpus littéraire du XXe siècle (Senilità de Svevo, Le Puits d’Onetti, Malone meurt de Beckett, L’Ennui de Moravia et La Télévision de Toussaint) analysent l’ennui à travers la mise en abyme de la création. En effet, les cinq héros se heurtent au paradoxe caractéristique de l’ennui profond qui les incite à s’engager dans la voie de l’action créatrice tout en les enfermant dans l’inertie contemplative de leur milieu immédiat. L’ennui permet aux héros-ennuyés de comprendre leur situation dans le monde, d’appréhender l’instant présent et d’aller au-delà de la représentation première de ce qu’ils considéraient leur réalité. Leur expérience de l’ennui, rendue manifeste à travers leur création, permet aux héros d’accéder enfin au statut de configurateurs de monde, au sens de Heidegger. / Since the 17th century, the study of the concept of boredom has known a continual evolution in the Occident, which allowed it to be separated it from other associated concepts such as melancholy, tædium vitæ and acedia. In the 20th century, the discourse on boredom in philosophy, sociology and psychoanalysis took an interest in the relationship between the individual and the world, based on the personal and collective representations of time, action and vocation. These three components of boredom help to understand how this phenomenon spread through postmodern societies and how it became a form of experience (Erfahrung) for the individual able to bring himself face to face with his own limits as an acting subject and as an ennuye. The five novels chosen for the literary corpus of the 20th century (Svevo’s As a Man Grows Older, Onetti’s The Pit, Beckett’s Malone Dies, Moravia’s The Empty Canvas and Toussaint’s Television) analyze boredom through a mise en abyme of the creation. Indeed, the five heroes face the characteristic paradox of boredom that encourages them to engage in the path of the creative action while being restrained by the contemplative inertia of their immediate environment. Boredom enables the heroes-ennuyes to understand their situation in the world, to comprehend the present moment and to go beyond their first representation of what they called their reality. Their experience of boredom is made manifest through their creation that allows them to finally reach the status of world-forming, in Heidegger terms.

La « Belle Époque », expression qui désigne la période s’étendant de la fin du XIXe siècle à 1914, est un syntagme qui interroge et dont l’origine reste incertaine : généralement située vers 1918, son apparition ne se résume pas à la stricte comparaison entre l’horreur de la Grande Guerre et le temps de paix qui l’a précédée. L’émergence du syntagme « Belle Époque » est plus complexe et ses emplois tendent à se multiplier, timidement, au cours des années 1930 et à se stabiliser après la Seconde Guerre mondiale. Les représentations de la Belle Époque sont elles aussi source de confusion : entre louange et blâme, entre indifférence ou sublimation, cet entre-deux-siècles ne laisse pas indifférent et suscite de nombreux discours, essentiellement littéraires, qui constituent le paradigme des représentations de la Belle Époque. Le paysage littéraire des années 1930 présente une production massive de souvenirs de l’époque 1900 ainsi que de nombreux romans-fleuves à contexte Belle Époque. Le genre littéraire, le contexte d’écriture, la trame narrative, les thèmes abordés, les figures et les événements, l’ensemble de ces éléments constituent les principaux facteurs de reconfiguration. C’est donc essentiellement à travers la littérature que s’invente la Belle Époque, au miroir des années 1930. / The “Belle Époque”, the expression wich appoints the period extending of the end of the XIXth century to 1914, is a syntagm wich questions and whose origin remains uncertain : generally situated by 1918, its appearance does not amount to the strict comparison between the horror of the Great War and the peacetime which preceded it. The emergence of the syntagm “Belle Époque” is more complex and its uses tend to multiply, shyly, during 1930s and to stabilize after the Second World War. The representations of the Belle Époque are too source of confusion: between praise and disapproval, between indifference or sublimation, this inter-centuries does not unmoved and arouses numerous speeches, essentially literary, which constitute paradigm of the representations of the Belle Époque. The literary landscape of the 1930s presents a massive production of memories of period 1900 as well as numerous sagas to context Belle Époque. The literary genre, the context of writing, the narrative weft, tackled issues, the figures and the events, all these elements constitute the main factors of reconfiguration. It is thus essentially through the literature that invents the Belle Époque, at the mirror of the 1930s.

“Jazz-Shaped Bodies” addresses representations of the city in black transnational literature, with a focus on sonic schemas and mapping. Drawing on cultural geography, posthumanist thought, and the discourse of diaspora, the thesis examines the extent to which the urban landscape is figured as a panoptic structure in twentieth and twenty-first century diasporic texts, and how the mimetic function of artistic performance challenges this structure. Through comparative analysis of works emerging from and/or invested with sites in American, Canadian, and Caribbean landscapes, the study develops accretively and is structured thematically, tracing how selected texts: map the socio-spatial dialectic through visual and sonic schemas; develop the metaphorical use of the phonograph in the folding of space and time; revive ancestral memory and renew an engagement with the landscape; negotiate and transcend shifting national, cultural, and geographical borderlines and boundaries that seek to encode and enclose black subjectivity. The project focuses on literary works such as James Baldwin’s intimate cartographies of New York in Another Country (1962), Earl Lovelace’s carnivalising of city space in The Dragon Can’t Dance (1979), Toni Morrison’s creative blending of the sounds of black music in Jazz (1992), and the postbody poetics of Wayde Compton’s Performance Bond (2004), among other texts that enact crossings of, or otherwise pierce, binaries and borderlines, innovating portals for alternative interpellation and subverting racially hegemonic visual regimes concretised in the architecture of the city. An examination of the specificity of the cityscape against the wider arc of transnationalism establishes how African American, AfroCaribbean, and Black Canadian texts share and exchange touchstones such as jazz, kinesis, liminality, and hauntedness, while remaining sensitive to the distinct sociohistorical contexts and intensities at each locus, underscoring the significance of rendition — of body, space, time, and sound — to black transnational writing.

Cette thèse se compose de deux parties. La première propose une théorie de l’humour, elle commence par étudier la notion en explicitant ses structures énonciatives, logiques ou encore syntaxiques afin d’en dégager une vision claire, avant de proposer une première tentative de définition. Puis elle établit des distinctions nécessaires entre les diverses catégories du risible afin d’affiner la délimitation des contours de l’humour. Une fois la notion circonscrite, la théorie de l’humour propose une typologie originale des thèmes humoristiques et une étude des trois variations principales de l’humour, avant de s’arrêter sur sa finalité. La deuxième partie aborde, à la lumière de certains concepts développés dans la première partie, la question de l’humour dans la littérature de science-fiction. En raison du peu d’études préalables sur la question, elle privilégie une optique large et traite divers aspects du phénomène. Dans un premier temps, la réflexion s’arrête sur la genèse, les thèmes et le pacte de lecture de la science-fiction pour analyser leur impact sur l’humour. Puis elle analyse la part effective de l’humour au regard des autres genres du risible avant d’interroger son développement et son rayonnement dans la science-fiction. Le dernier développement de la thèse interroge et classifie l’interaction entre l’humour et la science-fiction de la moins significative à la plus typique. Il aboutit au constat de l’existence d’un humour science-fictionnel qui s’appuie sur la puissance créatrice du genre. Enfin l’étude constate une distinction entre l’existence d’humour dans la science-fiction et la science-fiction humoristique en fonction de la quantité d’humour présente dans les textes. Elle s’intéresse alors plus précisément à la science-fiction humoristique et en dégage les structures en analysant les éléments saillants des récits, avant de s’intéresser à l’impact de cette dynamique relationnelle sur la construction des personnages. / This thesis is divided in two parts. The first part suggests a theory of humour, it starts studying that concept by explaining its enunciative, logical or syntactical structures in order to draw a clear vision of it, before offering a first attempt to define it. Then it establishes necessary distinctions between the various categories of the risible to refine the delineation of the contours of humour. Once the concept is marked out, the theory of humour suggests an original typology of humourous themes and a study of the three main variations of humour, before focusing on its purpose. The second part discusses, in the light of certain concepts developed in the first part, the question of humour in science fiction literature. Because of the few previous studies on the matter, it opts for a broad perspective and deals with various aspects of the phenomenon. At first, thought dwells on the origins, themes and reading pact of science fiction to analyze their impact on humour. Then it analyzes the actual share of humour compared to the other categories of risible before studying its development and its influence in science fiction. The last development of the thesis examines and classifies the interaction between humour and science fiction from the least significant to the most typical. It reaches the conclusion of the existence of a science-fictional humour that leans upon the creative power of the genre. Finally, the study finds a distinction between the existence of humour in science fiction and humourous science fiction depending on the amount of humour in the texts. It then focuses on the humourous science fiction and identifies its structures by analyzing the prominent elements of the stories, before looking at the impact of this relational dynamics on the construction of the characters.

This thesis proposes and explores the concept of ‘invisible architecture’ as a means of interpreting the city in the nineteenth century. Invisible architecture is understood as the unseen structure which holds together the modern city, allowing it to exist as a concept despite the impossibility of gaining full knowledge of it. It has two sides, the first repressive and stabilising, the second fluctuating and utopian. In this way, the thesis is interested in the material and spatial basis of ideology, as well as the ways ideology can be disrupted or distorted. It is also interested in developing a link between invisible architecture and two forms of the unconscious: the psychoanalytic unconscious, which is read through Freud and Lacan, and Walter Benjamin’s ‘optical unconscious’. More broadly, the thesis explores the ongoing significance of Benjamin’s Arcades Project (1927-40) for nineteenth-century city literature. Invisible architecture is explored by analysing how it operates as an object of interest and concern for a selection of writers whose work engages with the modern city between approximately 1830 and 1885. Chapter One focuses on Nikolai Gogol, whose essay ‘On Present-Day Architecture’ (1835) is read in relation to Sergei Eisenstein (1898-1948). This text expresses the desire to bring into visibility the submerged history of architecture and to produce a modern urban architecture that is monolithic and controlling. At the same time, it imagines a city built from suspended structures made of iron, a form of architecture that is speculative and destabilising. Gogol’s use of the term ‘arabesque’ (as in his 1835 volume, Arabesques) is also investigated, with reference to ‘The Overcoat’ (1842), as a means of thinking about how the city both disrupts and evokes totality. Chapter Two looks at James Kay, Friedrich Engels and Elizabeth Gaskell’s writing on industrial Manchester, especially Mary Barton (1848). It argues that the trope of the underground, which is associated particularly with the working class, operates as a form of invisible architecture, and considers the ways Kay’s 1832 pamphlet on Manchester cotton-workers seeks to bring the city into greater visibility. Chapters Three and Four focus on Dickens’s London in Dombey and Son (1848) and Our Mutual Friend (1865) respectively. Chapter Three looks at the hidden, but unstable, connections between the domestic and financial ‘houses’ of Dombey, and reads the railway as a force which both breaks apart and connects the city of London. Chapter Four focuses on the river as indicating the presence of that which cannot be integrated into the city because it is fundamentally unknowable, drawing on Lacan’s work on vision and the unconscious. This chapter also suggests that city space in Our Mutual Friend is frequently uncanny, referring to Freud’s essay on the topic. Chapter 5 examines Zola’s Paris in The Kill (1872) and The Ladies’ Paradise (1883) in relation to Debord’s Society of the Spectacle (1967), arguing that Haussmann’s boulevards and the new department stores of Second Empire Paris seem to open up the city with new vistas of space and glass, offering absolute visibility, but at the same time suppressing and destroying parts of the city. The conclusion looks at whiteness within city space, basing its discussion on texts covered in the preceding chapters. It proposes the contradictory combination of visibility and invisibility which whiteness signifies as a final example of invisible architecture, and argues for a dialectical connection between nineteenth-century whiteness and the whiteness of modernism.

Der Vortrag verfolgt die Geschichte und rhetorischen Funktionalisierungen des Seneca-Zitats, dass es nicht darauf ankomme, wer spricht, sondern allein darauf, was gesagt werde, von der Spätantike bis ins Spätmittelalter. Das Zitat erweist sich als polyfunktional: Geistlichen dient es zur Absicherung gegenüber der Gemeinde, Akademikern hilft es in Fällen anonymer Überlieferung - sogar eine Frau, die über das Waffenhandwerk publiziert, lenkt damit von sich als Verfasserin ab.

"Bombay is the future of urban civilization on the planet. God help us" (Suketu Mehta) Mit dieser Prophezeiung verweist Suketu Mehta in seiner diasporischen Reisereportage Maximum City: Bombay Lost and Found (2004) nicht nur auf die wachsende ökonomische Bedeutung der Millionen-Metropole Bombays, sondern thematisiert auch die 'degenerierten' Lebensformen außerhalb oder 'unterhalb' des stolzen monumentalen Raumes der wohlhabendsten postkolonialen 'neuen' Metropole. In ihrer Antrittsvorlesung am 28.04.2010 eruiert und verwendet Prof. Dr. Cecile Sandten, Inhaberin der Professur für Anglistische Literaturwissenschaft, die Begriffe "Metroglorification", "Diffuse Urbanism", das Postkoloniale oder den Palimpsestraum mit Bezg auf die so genannten "neuen" Metropolen. Die Veranstaltung beginnt um 19 Uhr im Hörsaalgebäude an der Reichenhainer Straße 90, Raum 113. Im Zentrum der Antrittsvorlesung stehen literarische und mediale Repräsentationen des Postkolonialen im urbanen Raum in den so genannten 'neuen Metropolen' wie Bangalore, Bombay, Delhi, Hongkong, Johannisburg, Kapstadt oder Lagos. In ihrer Vorlesung begreift Prof. Dr. Cecile Sandten die 'neuen Metropolen' als Palimpsesträume, in denen kosmopolitische bzw. globale, gleichsam individuelle und/oder kollektive Identitätsentwürfe auf vielschichtigen Bedeutungsebenen verhandelt werden. Diese Verhandlungen gelingen bzw. misslingen wiederum in Abhängigkeit von der Wechselwirksamkeit performativer und narrativer (Re-)Inszenierungen kolonialer Geschichte(n) und deren postkolonialen Transformationen und Dekonstruktionen. Vor dem Hintergrund urbaner Eigengeschichte(n) und exil-urbaner Fremdgeschichte(n), wie sie z.B. aus der Sicht von neuen Migrantinnen und Migranten oder (politischen) Flüchtlingen erzählt werden, wird dieses Phänomen anhand einer Auswahl an englischsprachigen literarischen und medialen Texten analysiert. Untersucht werden dabei die ungleichen Machtverhältnisse, die im postkolonialen (Stadt)Raum vorherrschen, als auch die vielfältigen Repräsentationen der metropolitanen Unterwelt auch im Sinne des 'Liminalraums', wie sich dieser im Zusammenhang mit z.B. illegalen Migrantinnen und Migranten, Slum-Bewohnern, Kriminellen und in Bezug auf korrupte Regierungen darstellt. Weiterhin soll durch die verschiedenen literarischen und medialen Protagonisten auch das benjaminsche Konzept des "Flaneurs" – in seiner Neuformierung hin zum 'postkolonialen Flaneur' – betrachtet werden.