Cette recherche explore une approche d'enseignement relationnel des arts plastiques. Elle prend racine dans le milieu scolaire multiethnique de l'Ouest de Montréal auprès d'élèves du premier cycle du primaire. La difficulté de socialiser constatée chez les élèves a motivé l'exploration d'interventions en cours d'arts plastiques afin de stimuler et d'améliorer leurs échanges. Il a fallu auparavant définir ce qu'étaient les habiletés sociales à acquérir, le rôle de l'enseignant, de l'école et de la discipline des arts plastiques dans l'apprentissage social des élèves. Les artistes et leurs œuvres ainsi que des pédagogues ont grandement influencé l'amorce d'une pédagogie relationnelle des arts plastiques. Cette dernière fut développée au cours d'une séquence pédagogique axée sur l'exploration du sens du toucher. La recherche qualitative (Van Der Maren, 2004) de type appliquée préconisée dans le cadre de cette recherche s'est imposée en fonction du sujet et du terrain d'étude. En choisissant précisément la recherche-action, une analyse plus approfondie de la problématique plutôt qu'une généralisation est possible. Elle permet une implication et une exploration plus souple compte tenu de la problématique, du milieu et des moyens à ma disposition. Ce mémoire débute par un examen détaillé de l'origine de la réflexion et du contexte d'étude. Le premier chapitre permet au lecteur de prendre connaissance du milieu de recherche tout comme de l'approche préconisée tant au niveau des objectifs, des hypothèses que de la méthodologie employée. Au deuxième chapitre, les deux composantes essentielles guidant la réalisation de la séquence sont abordées : les habiletés sociales et le sens du toucher. Elles y sont définies et envisagées selon la problématique et la réalisation sur le terrain. Le troisième chapitre propose un portrait théorique de la pratique artistique relationnelle et une sélection des pratiques artistiques faite par le biais de quatre concepts clés soit : l'objet, le corps, la rencontre et la co-production. Diverses approches pédagogiques favorisant le développement des habiletés sociales sont ensuite présentées à travers trois concepts clés soit : l'observation, l'échange et la coopération. Enfin, différentes stratégies pédagogiques sont envisagées dans un contexte d'enseignement des arts plastiques telles que la variation ou encore l'exploration des concepts artistiques et pédagogiques. Au quatrième chapitre, le déroulement et les différentes composantes de la séquence pédagogique réalisée au sein d'une école primaire de Montréal de janvier à juin 2008 sont décrits et détaillés. Celle-ci est analysée sous forme de récit au cinquième chapitre. Cette amorce d'une pédagogie relationnelle et l'expérimentation d'une séquence pédagogique sur le terrain semblent favoriser le développement social des élèves en diversifiant et stimulant les échanges sociaux. Également, elles semblent stimuler les apprentissages et la créativité des élèves. Cette recherche sou ligne la pertinence de la discipline, de certaines pratiques artistiques actuelles et de l'exploration du sens du toucher dans un enseignement relationnel. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Enseignement, Arts plastiques, École primaire, Pédagogie relationnelle, Pratiques relationnelles, Habiletés sociales, Sens du toucher, Séquence pédagogique

Mon expérience dans l'enseignement et la formation des maîtres au Québec et aux États-Unis, ainsi que la recherche relative à cette thèse ont permis de découvrir les points de force et les lacunes de l'enseignement des nouvelles technologies dans le domaine des arts, plus particulièrement auprès d'élèves de 12 à 16 ans du secondaire, objet d'étude de la présente thèse. La compilation de la documentation, les observations dégagées sur le terrain et les expérimentations viennent renchérir ces propos. Les chercheurs, pédagogues et autres intervenants du milieu signalent, entre autres, le désarroi ressenti par les enseignant(e)s au secondaire devant l'ampleur de l'apprentissage à faire des technologies de l'information et de la communication (TICs) et expliquent le phénomène, chacun à sa façon et à partir de son contexte. Les entrevues, réalisées auprès d'experts en la matière, s'ajoutent aux propos des spécialistes. La présente recherche pose la question de l'intégration des TICs en parallèle à la réflexion menée dans la thèse. Celle-ci tente d'identifier les besoins des enseignants intégrant les nouvelles technologies dans le domaine des arts. Plusieurs techniques et exercices se sont développés, formant une méthode pour répondre aux besoins identifiés. Cette méthode, qui s'articule à travers différents outils, se présente en cinq modules visant chacun l'un des domaines de l'intégration du multimédia. Cette approche cherche à renforcer les apprentissages, ainsi que les stratégies pédagogiques et à introduire une façon de faire novatrice, intégrant la science, l'art et la technologie, s'inspirant des attentes du nouveau programme de l'école québécoise. Elle prend la forme du Cahier d'activités. Les nombreuses activités stratégiques proposées peuvent aller jusqu'à modifier ou même influencer les orientations de la démarche de création. De plus, un apport visuel permet à l'enseignant de visualiser ces activités, ce qui contribue à les faciliter et les démystifier. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Enseignement des arts médiatiques, Technologies de l'information et de la communication (TICs), Cahier d'activités, Modèles pédagogiques, Transfert entre arts plastiques et arts médiatiques, Niveau secondaire, Besoins des enseignants.

La présente thèse-création part de l'hypothèse qu'une transposition de langage et de pratique s'effectuant entre le kata et l'écriture corporelle et graphique, ayant comme éléments charnières la mémoire, l'efficacité et la singularité, peut mener à un langage plastique singulier présentant toute la richesse que l'entre-deux de ces domaines peut nous proposer. Les deux champs, celui du kata ainsi que celui de la pratique de l'écriture, impliquent tout un substrat, un soubassement où des codes, des conditionnements viennent stimuler l'imagination. L'enjeu de la thèse est de dévoiler, par le rapprochement de ces deux champs d'action et de pratique et leurs croisements et interférences, un langage plastique singulier. Ainsi la thèse met en présence des sujets aussi divers que le kata, la transposition de langage, l'écriture corporelle et graphique, la mémoire, l'efficacité et la singularité, les dimensions matérielles et immatérielles de la production artistique, sans oublier l'expérience du spectateur face à cette dernière. Dans le cadre de cette thèse création sont associées de la manière la plus étroite, et à égalité, la réflexion théorique et la pratique. La théorie de l'art n'est pas indépendante de sa pratique. Réflexion, création, transposition, ont une valeur égale. Le cadre théorique s'appuie essentiellement sur les écrits de Kenji Tokitsu en ce qui concerne les différentes problématiques directement liées au kata et les écrits de François Jullien en lien avec la création artistique orientale. Les références concernant la création sont complétées par les ouvrages de Florence Hu-Sterk et Yolaine Escande. Afin de mieux cerner les idéologies orientales et la dimension spirituelle liées au kata et encore peu connues en Occident, sont pris en compte les propos de Michel Deydier-Bastide. Un cadre de références artistiques varié vient illustrer les propos. Les références se situent autant dans un corpus ancien de brouillons d'auteurs et de calligraphies que dans un répertoire pictural aux effets semblables mais d'approches différentes incluant des oeuvres de Frida Kahlo et de Jean Degottex. Les méthodes employées s'inscrivent dans une visée méthodologique transdisciplinaire puisant autant dans la phénoménologie, la sémiologie, l'esthétique et la poïétique. Les écrits de Maurice Merleau-Ponty et de Roland Barthes sont d'une aide précieuse à ce sujet. La recherche historique et sémantique est complétée par une approche heuristique fonctionnant selon le principe de la découverte. Nous restons alerte aux transformations et aux mutations possibles. Souhaitant produire un langage au delà de la combinaison de concepts et de théories communes à deux domaines différents, celui du kata et celui des arts plastiques, c'est dans le cadre d'une thèse création que l'auteur vient défendre sa liberté créatrice de pouvoir relativiser les définitions données à différentes notions afin de les adapter aux besoins de recherche. La méthode d'apprentissage et la sensibilité du kata sont-elles en effet applicables à la création artistique? Comment la transposition de langage s'effectue-t-elle, quels éléments peuvent être transposés? Le corps est-il vraiment graphie? Et si c'était le cas, faudrait-il alors éduquer le corps plutôt que d'apprendre des techniques artistiques? Comment cet apprentissage se ferait-il? Comment, dans quelles limites et par quels moyens s'exprime la singularité si nous souhaitons nous inscrire dans la pratique d'une riche tradition? Et finalement, comment et grâce à quels moyens, l'expérience d'un processus créatif se partage-t-elle ? Tant de questions où l'auteur essaie, dans le cadre de la présente thèse, de proposer quelques éléments de réponse. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art, Écriture, Kata, Mémoire, Efficacité, Singularité.

La présente recherche porte sur l'enseignement des arts plastiques au niveau secondaire en milieu multiculturel. Son objectif est de proposer un mode de pratique favorisant l'affirmation identitaire et la prise en compte de l'altérité chez les adolescents en cours d'arts plastiques. Mon ambition est d'enrichir l'enseignement des arts plastiques en explorant une approche adaptée à l'école pluraliste d'aujourd'hui. L'immigration au Québec a un impact sur les écoles montréalaises où se côtoit étroitement des élèves d'origines québécoise et des élèves issus de l'immigration. Les différentes recommandations ministérielles ont mis en lumière des lacunes en ce qui concerne l'éducation interculturelle dans le milieu scolaire et plus spécifiquement dans l'enseignement des arts plastiques. Les écrits traitant de la construction identitaire chez l'adolescent en général et particulièrement chez l'adolescent issu de l'immigration, sa quête identitaire ainsi que ses valeurs m'ont permis d'avoir une vision plus juste et moins stigmatisé de cette période de la vie. Au moyen d'une recherche-action, il s'agit de comprendre comment un projet de création peut lier la pratique de l'art actuel à l'affirmation identitaire, à l'altérité et au dialogue interculturel. Durant plusieurs semaines, en tant qu'artiste et à partir de mon expérience migratoire, j'ai déployé des stratégies pédagogiques pour engager les élèves dans l'élaboration d'un langage artistique symbolique et significatif dans lequel ils avaient l'opportunité de se questionner, d'enrichir et d'affirmer leur identité personnelle et culturelle. Pour favoriser l'engagement, ce projet de création devait être empreint de sens. Pour cette raison, je me suis référée à l'approche narrative afin qu'ils racontent leurs histoires personnelles. Le choix d'une installation intégrant la photographie, le son et les mots s'est imposé comme médium de création. À travers l'analyse des données, j'ai entrevu la possibilité de faire de la classe d'art un lieu d'échange, terrain propice à l'apprentissage de soi et à la rencontre de l'autre. La culture artistique a alors été envisagée comme vecteur indispensable d'ouverture sur le monde. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : arts plastiques, adolescents, immigration, identité, altérité, éducation interculturelle.

Notre travail se penche sur les circonstances et les conséquences de l’insertion de l’image dans un ensemble textuel sur l’écriture. Quels sont les enjeux et les implications d’une telle démarche lorsqu’elle est menée sciemment par l’écrivain ? Dans la littérature contemporaine européenne, A.S Byatt et Peter Handke sont de ceux qui manient la plume comme le pinceau et travaillent le langage comme une matière plastique, la figure même de l’artiste travaille l’univers fictionnel en profondeur, nourrissant et transformant l’écriture au fil d’un apprentissage tout entier centré sur le regard. La matière littérature s’interroge, loin d’une démarche plus traditionnelle qui traite l’image plastique comme une simple source d’inspiration à la façon de Tracy Chevalier.Certaines oeuvres inclassables, comme Henri Matisse, Roman de Louis Aragon ou Cantique de Matisse de Michel Butor choisissent l’entre-genre pour toucher à une possible harmonie littérature-peinture. La musique s’en mêle parfois, passant outre les frontières entre les arts. Que se passe-t-il quand l’écrivain peut, à juste titre, être appelé "plasticien" ? Bien qu’il se situe dans une approche intersémiotique littérature-arts plastiques, ce travail de recherche n’entend pas analyser l’inscription de la peinture dans le texte sur le mode de la transposition ou de l’illustration, il ne s’agit pas non plus de discerner les modalités picturales contenues dans l’appareil textuel et d’en dégager les effets ni d’assimiler stricto sensu la technique d’un peintre à celle d’un écrivain. / Our work focuses on the circumstances and the consequences of the insertion of imagery in thetextual body on writing. What are the issues and the implications of such an approach when it is conducted knowingly by the writer? In contemporary European literature, A. S. Byatt and Peter Handke are of those who handle the quill like a brush and work language as a plastic substance;their attitude is that of the artist who works the fictional universe in depth, nourishing and transforming script-writing through an acquisition centred entirely on watching. Literature as substance questions itself in a way which is far from a rather traditional approach which treats the plastic image as a simple source of inspiration, as is exemplified by the work of Tracy Chevalier.Certain non-classable works, like Henri Matisse, Roman by Louis Aragon or Cantique de Matisse by Michel Butor choose the mixed-genre to touch a possible literature-painting harmony. Musicmingles at times passing across boundaries among the arts. What happens when the writer can becalled, appropriately, “plastic arts technician”? Though indeed situated in an intersemiotic literature-plastic arts approach, this research does not intend to analyze how painting is inserted inthe text by way of transposition or illustration. Moreover, it is not concerned with discerning the pictorial modalities contained in the textual apparatus and dissimulating the effects or assimilating stricto sensu the technique of a painter to that of a writer.

Dans les anciens Pays-Bas méridionaux, la crise religieuse et les révoltes iconoclastes de la seconde moitié du XVIe siècle causèrent de graves préjudices au mobilier des églises. Lorsqu’il fallut restaurer les tableaux d’autel qui avaient été endommagés ou détruits, on donna la préférence au triptyque peint. Dès lors, ce format orna largement le lieu de culte, non seulement dans la fonction de retable, mais aussi d’œuvre commémorative voire épitaphe. Il survécut même cinq décennies après l’avènement du retable portique baroque, dans les années 1620. Nous nous proposons d’étudier son ultime période de production, depuis l’épisode iconoclaste de 1566 jusqu’à ce que Lucas II Franchoys eût achevé en 1673 le dernier exemplaire daté qui nous soit parvenu. Nous poursuivrons un double objectif :d’une part, évaluer dans quelle mesure et en quoi le contexte religieux influe sur l’iconographie des triptyques de notre corpus, d’autre part, définir ceux-ci du point de vue de la typologie, c’est-à-dire montrer comment ils sont organisés et articulés. Ce faisant, nous les situerons dans l’évolution du retable aux anciens Pays-Bas méridionaux, entre les triptyques traditionnels, qu’ils perpétuent peu ou prou, et les retables portiques, dont ils portent en germe certains traits. / Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Introduite et parallèlement travaillée par la pratique artistique de l’auteur, cette thèse d'arts plastiques se propose d’étudier les figures de la boucle dans l'art contemporain. Progression curviligne, forme autogénérée, répétition, réciprocité et rétroaction, la boucle est examinée ici sous la question du montage, des échanges et récits critiques qu’elle engage. Questionnant les intentions qui président à l’élaboration de la boucle et des rouages qui en gouvernent la structure, cette étude se rapporte à l’art d’aujourd’hui. De la deuxième moitié du XXe siècle au début du XXIe siècle, cette période est miseen perspective avec diverses incursions opérées dans l’histoire de l’art. La philosophie des Lumières, la révolution industrielle, la modernité et la postmodernité jalonnent ce parcours. Ces allers et retours sont propices aux trois pistes d’investigation – typologies, temporalités et espaces − retenues pour l’ossature de cette thèse. Sous l’observation attentive des objets et appareils qui s’y inscrivent en repères, ceinture, cerceau, ruban, pellicule, bobine, corde, ou carrousel, cette recherche informe la boucle via les médiums de la vidéo, du cinéma, de la peinture, de l’installation et de la performance.Son corpus artistique, par le dialogue d’oeuvres contemporaines (Francis Alÿs, Shilpa Gupta, Rodney Graham, Roman Ondák, Dan Graham, Ryan Gander, Harun Farocki, Simon Starling) et d’oeuvres qui les précèdent (Giotto, Gustave Courbet, Louis Aimé Augustin Le Prince, Buster Keaton, Alfred Hitchcock) permet d’analyser selon quelles modalités les figures de la boucle s’apparentent à depoétiques arrangements. / This thesis in visual arts, inspired by and worked upon through the author’s own artistic practices, proposes a study of the loop in contemporary art. With its curvilinear progression, its selfgenerating form, its repetition, reciprocity and feedback, the loop is examined through the question of its montage, through the exchange and critical narrative that it initiates. This study relates to the art of today, questioning the intentions which direct the elaboration of the loop and the mechanisms which govern its structure. We put the period, from the second half of the 20th century to the start of the 21st, into perspective with several forays into art history. The philosophy of the Enlightenment, the industrial revolution, modernity and post-modernity all punctuate this exploration. This back and forth guides our investigation into three key themes: typology, temporality and space, which, in turn, act as the backbone of this thesis. Acting as markers, an attentive observation of the following objectsand equipment: belt, hoop, band, film, reel, rope or carousel, this study informs the loop via the media of video, cinema, painting, installation and performance. The artistic corpus, by way of the creation of a dialogue between contemporary works (Francis Alÿs, Shilpa Gupta, Rodney Graham, Roman Ondák, Dan Graham, Ryan Gander, Harun Farocki, Simon Starling) and those which preceded them (Giotto, Gustave Courbet, Louis Aimé Augustin Le Prince, Buster Keaton, AlfredHitchcock), allows us to analyse according to what methods the loop amounts to a poetic arrangement.

François Bayle (né en 1932), compositeur de musique électroacoustique et directeur du Groupe de Recherches Musicales (GRM) de 1966 à 1997, a toujours affirmé son intérêt pour les arts plastiques. Ce constat nous incite à penser qu'il existe une incidence importante des éléments picturaux sur le processus de création, et par conséquent des répercussions majeures sur l'écoute et la perception d'un style particulier au compositeur.Une première partie aborde les notions de lumière et d'obscurité, qui semblent correspondre à deux pôles musicaux récurrents (transparence/brouillage), tandis que le modèle de la couleur concernerait des données musicales s'appliquant à une pièce entière, et s'apparenterait à l'idée de ton général, au sens pictural du terme.Les modèles du fond et de la forme graphique se comprennent comme description des variations sonores sur une petite échelle de temps. L'étude de leurs rapports, notamment par l'établissement d'une typologie des situations d'écoute, permet de mettre en évidence des choix esthétiques basés sur des axes sonores équilibrés, et une musique pensée comme doublage du monde sonore réel.Une dernière partie s'interroge sur les possibilités d'intégration de modèles picturaux, par définition statiques, dans une structure musicale dynamique. Il apparaît que, si les procédés de juxtaposition sont prédominants, la structure générale n'en est pas moins orientée, offrant une double lecture de la pièce ou du cycle. / François Bayle (born 1932), French composer of electroacoustic music and head of the Groupe de Recherches Musicales (GRM) from 1966 to 1997, has always claimed an interest in plastic arts. This leads us to think that pictorial elements have an important impact on our perception of the composer's style.The first section addresses the notions of light and darkness, which seem to match two poles (transparency/blur), while the model of color is related to the whole piece, and could be compared to the general tone of a painting.The models of background and graphical form can be understood as descriptions of sonic variations on a short time scale. The study of their relation to one another, in particular thanks to a typology of listening situations, enables us to bring to light esthetical choices based on balanced axes, and conveys the music as a double of the real sonic world.The last section investigates the integrational possibilities of pictorial models, which are static by definition, within a dynamic musical structure. Even if juxtaposition processes prevail, the general structure is oriented, and offers a second reading to the piece.Keywords : composition, electroacoustic music, musical analysis, François Bayle, painting, plastic arts, Groupe de Recherches Musicales (GRM), color, form, morphology

Initiée par la pratique artistique de l’auteur, cette thèse a pour premier objectif de saisir les qualités plastiques et esthétiques de l’aquarium, tant sous sa forme domestique et individuelle qu’à l’échelle des scénographies d’établissements publics. Le second est de déterminer ses rapports avec le monde subaquatique naturel, et son influence potentielle sur notre manière de percevoir ce milieu si particulier. Directement hérité du XIXe siècle, et pour ainsi dire ignoré de la recherche en dehors de l’aquariophilie, ce dispositif d’exposition se distingue par son ambiguïté. Il oscille constamment entre science, décoration et spectacle tout en prenant une infinité de formes, chacune engageant le spectateur de manière différente. Puisant des exemples dans les champs de l’art contemporain, de l’histoire de l’art, de la littérature comme des sciences naturelles, et impliquant constamment le travail plastique de l’auteur, la thèse s’organise en trois parties. À l’issue d’une approche historique, l’aquarium est d’abord défini comme dispositif écranique tenant à la fois du tableau et de la scène de théâtre avant d’apparaître dans un deuxième temps, au vu des éléments qui le composent, comme un jardin miniature. Loin de reproduire avec fidélité un site naturel donné, l’aquarium relève du domaine de l’art et de la création, héritant du maniérisme de la Renaissance, du courant pittoresque du XVIIIe siècle comme des jardins d’Extrême-Orient. Sans évolution marquante depuis son invention, le paysage dans l’aquarium apparaît enfin dans sa dimension nostalgique, grottes, ruines et autres fabriques renvoyant autant aux apocalypses légendaires qu’aux risques écologiques actuels. / Initiated with the author’s own artistic work, the first purpose of this thesis is to point out the plastic and aesthetic properties of the aquarium, in its household and unique form as much as in the scale of the scenographies used by the public aquariums. The second objective is to determine its connections with the natural state of the subaquatic world, and its influence over our way of perceiving this unique environment. Directly inherited from the XIXth century, and essentially ignored by the academic world, this exhibition device is characterized by its ambiguity. It constantly fluctuates between science, decoration and entertainment, while taking an infinite variety of forms, each one involving the spectator in a different way. Using examples in the fields of art, art history, literature, and natural sciences, but constantly linked to the author’s artistic work, this thesis is organized in three parts. After a brief historical approach of the aquarium, it is first defined as a display, a screen generating pictures, based on the model of the painting and the theater stage, and it appears then, considering its components, to be a miniature garden. Far from an accurate reproduction of a natural site, the aquarium falls under the field of art and creation, perpetuating the Mannerism of the Cinquecento, the theory of the picturesque developed in the XVIIIth century, or Chinese and Japanese traditional gardens. Without any major change since its invention, the land- or aquascape inside the aquarium finally projects a nostalgic piece of scenery - the ruins, grottoes and other follies referring to both legendary apocalypses and the current ecological peril.

De quoi le geste photographique est plein dans le paysage ?Pour répondre à cette question, nous employons une méthode résolument transversale en revenant à l’étymologie pour déployer non pas une manière de faire mais d’aller vers. Dans cette lancée favorable à une pratique et une théoriedu paysage puis à l’articulation de ces deux versants, la recherche épistémologique permet de décrire les fondements de l’instauration des dualismes, ces césures aux fondements de la modernité européenne d’abord instaurés par la projection perspective (cette manière tout à fait singulière de se représenter – mais aussi de rapporter – le monde) et sur lesquelles le paysage européen repose ;tandis que la recherche photographique vient éprouver nos arguments et in fine, mettre en abîme les conceptions épistémologiques dont l’outil photographiques’est in niment fait le relais dans le paysage. Nous montrons notamment que l’image photographique consomme la rupture du fossé dualiste :elle le fait matériellement aboutir en images et en épuise symétriquement sa possibilité théorique. En Islande, sur un terrain qui donne – du moins de prime abord – toutes les garanties d’une « pure nature », nous photographions des sites où il n’est visiblement plus possible de séparer nettement le naturel de l’humain, avec l’ambition de faire poindre, à la fois dans et par l’image, ce qu’il convient de nommer la fermeture épistémologique qu’annonce l’Anthropocène, un tournant géohistorique éminemment photographique. / Doctorat en Art et Sciences de l'Art / info:eu-repo/semantics/nonPublished