L'analyse ergonomique de l'activité adoptée ici pour analyser celle des professeurs d'arts plastiques (PAP) au collège se fonde clairement sur l'approche historico-culturelle (Vygotski, 1934/1997). Cette dernière avance notamment que l'expérience et son développement ne sont pas immédiatement accessibles par l'observation directe, mais à partir de “ traces” qu'il faut reconstruire, ce qui nécessite le recours à des “méthodes indirectes” (Vygotski, 1999 ; Clot, 2001). Le cadre méthodologique utilisé est la création d'un espace-temps particulier qui consiste en la mise en place d'un dispositif d' “autoconfrontations ” (Clot et Faïta) permettant de mettre au jour les zones d ‘ombre de l'activité professorale en arts plastiques : depuis l'interprétation individuelle et collective des prescriptions officielles, au travail du débutant et du conseiller pédagogique – de l'aménagement d'un milieu de travail pour les élèves, à la création d'outils professionnels. L'analyse ergonomique se fondant sur l'intervention en milieu de travail, notre recherche vise autant à produire des connaissances sur l'objet d'étude (l'activité de travail des PAP) que sur le processus de recherche provoquant, à la fois, le développement des situations et des individus en présence, (y compris le chercheur). Par la confrontation de façons individuelles et collectives de penser, de faire et de dire le métier de PAP, notre recherche croise la spécificité de la didactique des arts plastiques et le caractère générique du métier enseignant, questionnant par là-même les dispositifs de formation.

Après avoir enseigné les arts plastiques au primaire pendant plusieurs années, et avoir expérimenté les technologies numériques dans des projets de création personnelle puis en classe avec les élèves, j'ai voulu approfondir ma connaissance des pratiques éducatives qui seraient adaptées à l'utilisation de ces nouvelles technologies qui nous sont maintenant accessibles en enseignement des arts plastiques au primaire. La présente recherche a permis tout d'abord de mieux comprendre les difficultés pédagogiques et les besoins à combler dans les écoles en ce qui a trait à l'utilisation des technologies numériques en enseignement des arts plastiques au primaire. Elle a permis aussi de mieux comprendre les caractéristiques des technologies utilisées et la terminologie y étant associée. En s'appuyant sur différents auteurs du domaine des arts, de l'éducation et des technologies de l'information et de la communication, la recherche a mis en lumière le potentiel des technologies numériques en enseignement des arts plastiques. Des chercheurs consultés ont aussi montré l'importance de la reconnaissance des difficultés et des besoins des enseignants pour une meilleure utilisation des technologies en milieu scolaire. Enfin, la recherche s'est penchée sur les bénéfices des approches interactionnistes dans un contexte d'enseignement avec la technologie numérique. Le cadre théorique de la recherche développe les aspects suivants : 1. Les caractéristiques de l'art numérique; 2. La reconnaissance des difficultés et des besoins relativement à l'utilisation des technologies; 3. Le potentiel des technologies numériques en enseignement des arts plastiques (particularités et bénéfices); 4. Les approches interactionnistes en enseignement (l'enseignement stratégique, le travail d'équipe et la pédagogie par projet). Par la recherche-action, des modalités de pratiques éducatives ont été explorées. Un projet pédagogique de création d'un album numérique des finissants avec des élèves du troisième cycle du primaire a été expérimenté. De l'analyse de l'intervention pédagogique décrite dans ce mémoire, il s'est dégagé des modalités de pratiques éducatives adaptées à l'enseignement des arts plastiques intégrant la technologie numérique. Les résultats de l'analyse ont permis d'établir une liste de recommandations dans le but d'orienter des projets pédagogiques et de supporter les enseignants d'arts plastiques qui veulent initier les élèves du primaire à l'art numérique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : pratiques éducatives, enseignement des arts plastiques, primaire, art numérique, technologie de l'information et de la communication (TIC), photographie

Cette recherche s’attache à la relation entre une production artistique et sa place au sein de la routine du quotidien. La «routine» supposée inhibitrice de la création entraîne dans certaines situations une évolution de cette pratique alors «sous contrainte». D’une pratique répondant aux exigences de la transcendance, nous passons à une pratique en résistance. Cette pratique prend le quotidien pour objet, motif et contexte et le débride, le déplace. Il s’agit de penser de façon critique le devenir esthétique de l’œuvre que cette attitude entrave. Le créateur est partagé entre le choix de conserver sa pratique d’usage qu’il insère dans les intervalles du quotidien et celui de sacrifier l’intégrité de l’œuvre aux coupes nécessaires à la résistance. Les limites de la résistance à la routine sont exacerbées par une pratique plastique qui parasite le quotidien ; à l’artiste par intermittences succède l’artiste de l’intermittence ; à l’artiste au travail, succède l’artiste du travail. / This study focuses on the relationship between an artistic production and its place within the daily routine. The “routine” supposed to be inhibitory to the creation leads, in some situations, to an evolution of this practice then “under constraint”. From a practice responding to the requirements of transcendence, we move on to a practice of resistance. This practice takes daily life as its object, motif and context, and debrides it. It is a question of thinking critically about the aesthetic development of the work that this attitude hinders. The creator is divided between the choice to retain his usual practice that he tries to insert in the intervals of daily life and that of sacrificing the integrity of the work to the cuts necessary to achieve the resistance. The limits of the resistance to routine are exacerbated: by a plastic practice that parasites the daily: to the artist by intermittudes succeeds the artist of the intermittence; to the artist at work, succeeds the artist of work.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Cette thèse analyse les rapports entre l’idée de décolonisation et les arts plastiques à Taïwan dans la seconde moitié du XXe siècle. Le contexte historique de Taïwan est marqué par un certain nombre d’expériences de colonisation, telles que la colonisation japonaise, mais aussi la quasi-colonisation que représentent les pratiques coercitives et l’autoritarisme du parti nationaliste venu de Chine continentale, ainsi que l’impérialisme culturel américain. Un retour historique sur la situation coloniale de Taïwan reflète le caractère emboîté de sa culture. Le corpus retenu comprend sept œuvres porteuses d’un regard spécifique : le tableau Pastoral de Lee Shih-chiao en 1946 ; le portrait de Chiang Kaï-shek peint à l’huile par Li Mei-shu en 1975 ; une série de photos retravaillées Voyage dans le temps de Chen Shun-chu de 2001 à 2003 ; le portrait fusionné Unir la Chine à travers les Trois Principes du peuple de Mei Dean-e en 1991 ; Représenta.tiff de Chou Yu-cheng exposée trois fois sous des formes changeantes entre 2008 et 2012 ; l’Exposition d’Automne 1966 de Huang Hua-cheng en 1966 ; le film Frontières d’Empire de 2008 à 2009 de Chen Chieh-jen. Nous faisons l’hypothèse qu’elles sont représentatives chacune d’une époque et d’un rapport particulier à la problématique de la colonisation. Certaines expriment un point de vue colonisé : celles qui importent, par exemple les codes esthétiques japonais ou européens. Des institutions – les Expositions officielles d’art – en véhiculent les principes. D’autres œuvres réalisées par les artistes de génération suivante portent un regard critique sur ces références culturelles héritées du moment colonial. Ces artistes remettent aussi en question les valeurs dominantes.Ceci permet de poser la question : quels acteurs mettent en œuvre un processus de décolonisation des arts de 1945 à 2012 ? Cette action est-elle terminée ? En nous inscrivant dans une démarche d’histoire culturelle et en empruntant à la sociologie des arts, nous avons analysé les modes d’élaboration des œuvres et leur réception critique, ainsi que le rôle des institutions de médiation, en particulier les musées. L’analyse permet d’identifier un basculement entre des œuvres inscrites dans un contexte colonial et des œuvres qui soit les critiquent, soit s’en affranchissent, ce qui représente deux modalités du point de vue critique sur le processus colonial à l’œuvre dans les arts plastiques. / This thesis analyses the relationship between the idea of decolonization and the plastic arts in Taiwan in the second half of the twentieth century. The historical context of Taiwan has been marked by a number of colonization experiences, such as the Japanese colonization, but also the quasi-colonization represented by the coercive practices and the authoritarianism of the nationalist party of China, as well as the American cultural imperialism. A historical overview of the colonial situation in Taiwan reflects the nested character of its culture. The selected corpus includes seven works bearing a specific view: the painting Pastoral of Lee Shih-chiao in 1946; the portrait of Chiang Kai-shek painted in oil by Li Mei-shu in 1975; a series of reworked photos Journeys in Time of Chen Shun-chu from 2001 to 2003; the merged portrait The Three Principles of the People Reunite China of Mei Dean-e in 1991; Representa.tiff of Chou Yu-cheng exposed three times under different formats between 2008 and 2012; École de Great Taipei Autumn Exhibition by Huang Hua-cheng in 1966 ; the video work Empire’s Borders from 2008 to 2009 by Chen Chieh-jen. We make the hypothesis that these works are each representative of an era and has a particular relationship with the colonization issue. Some express a colonized point of view: some of them import, for example the Japanese or European aesthetic codes. Institutions – official art exhibitions – convey the principles. Other works by the following generation of artists take a critical look at these cultural references inherited from the colonial moment. These artists question also the dominant values. This raises the question: which actors implemented a process of decolonization of the arts from 1945 to 2012? Is this action completed? By entering into an approach of cultural history and borrowing the one from the sociology of arts, we have analysed the methods of the works’ elaboration and their critical reception; the role of institutions of mediation, especially museums. The analysis enables to identify a switchover between works placed in a colonial context and works that either criticize them or free themselves from. This represents two modalities of the critical point of view on the colonial process at work in the plastic art.

La contrainte positive de Barney permet d’'aborder la capacité du dispositif à produire des usages qui, parce que contraints, s'avèrent féconds. Les corps monstrueux sont analysés dans le genre vidéoludique horrifique à partir de cette problématique de la fertilité artistique des dispositifs de contrainte développant une nouvelle approche iconologique tant des enjeux de la relation vidéoludique à l'image que du pouvoir générateur des monstres. Les dispositifs sont conçus comme parcours dont la spatialité est étroitement liée aux idées de clôture et d'obstacle. En écho à Jankélévitch, ces entraves se constituent en organes-obstacles engageant à une pratique où le malgré est paradoxalement le grâce-à. Le recours à l'entrave est souhaité en vue d'un processus génératif ne pouvant prendre corps qu'au risque de l'épreuve d'un déplaisir, d'une «horreur délicieuse» engageant à approfondir l'affinité entre le sublime et la façon dont les dispositifs de contrainte se constituent à travers l'expérience de plaisirs négatifs, d'une disconvenance conduisant selon Schiller à une convenance supérieure. Au-delà de la conjuration de la stupeur horrifiée, par l'artialisation de l' image, l'ouverture iconologique interartiale (picturale, vidéoplastique...) et mythologique permet la mise à jour heuristique de la genèse du monstrueux par un dispositif de contrainte (Tête de Méduse, Rubens) et de la résistance par impossibilité de la capture (Protée) qui conduit à examiner les dispositifs irréductibles à !'enclosure et la question de l'absence de contrainte comme contrainte paradoxale, induisant l' exercice de la mètis qui permet d'éviter l'achoppement dans le clos comme la perte dans l'ouvert. / The notion of positive restraint (Barney) brings to light the apparatuses' ability to produce practices that prove to be fertile, because restrained. Monstrous bodies in horror video games are analyzed from the perspective of the restraint apparatuses' artistic fertility, thus elaborating a new iconological approach to the image issues in videogames and monsters' generating power. Apparatuses are understood as routes whose spatialit is closely linked to the ideas of enclosure and obstacle. Echoing to Jankélévitch, these constraints establish organs-obstacles that set in motion a practice in which despife is paradoxically thanks to. Submitting to constraint engages a generalive process that can only take shape in the presence of a displeasure trial, a "delightful horror" leading us to investigate further the link between sublime and the way restraint apparatuses are grounded in the experience of negative pleasures, of a unsuitability leading, according to Schiller, to a superior suitability. Beyond discharging oneself from horrified stupor by the "artialisation" of the image, the interartial iconological (pictorial, video...) and mythological fields allow us to explore the genesis of monstrosity by restrainl apparatuses (Rubens' Medusa). It also underlines the idea of resistance by the impossibility of capture (Proteus) that leads us to examine the apparatuses without considering them as necessarily linked to closure, and the question of the lack of restraint considered as a paradoxical restraint, which leads to the practice of mètis that enables to avoid stumbling in closed spaces as well as getting lost in wide open spaces.

Cette thèse propose d’examiner le dialogue entre les arts tel qu’il apparaît dans le roman Um crime delicado, de l’écrivain brésilien Sérgio Sant’Anna (1941), en le considérant comme l’un des principes fondateurs de la poétique de cet auteur. Dans ce dialogue, l’histoire de l’art trouve sa place, ainsi que la description des rapports qu’entretiennent arts et artistes avec la critique. L’étude, menée à la suite, des trois dernières œuvres de Sérgio Sant’Anna parues – O Livro de Praga : narrativas de amor e arte (2011) ; Páginas sem glória (2012)  et O homem-mulher (2014) – nous a permis d’illustrer les pratiques en usage dans Um crime delicado : l’affirmation, par la lecture critique, de sa généalogie ; l’inscription de sa conception personnelle de la littérature dans le domaine plus vaste de l’art en général ; l’écriture de l’art selon les préceptes particuliers dévoilés au cours de cette étude. Est également décrite et examinée la progression du dialogue en cours : l’écriture de l’art, qui, au départ, était le moyen par lequel l’auteur établissait sa généalogie artistique, devient en soi un procédé de création : l’ecphrasis. / This dissertation proposes to examine the dialogue between the arts as it appears in the novel Um crime delicado by the Brazilian writer Sérgio Sant’Anna (1941), in seeing it as one of the principle foundations of the author’s poetics. Within this dialogue art history has its place, as well as a description of the relation of arts and artists to criticism. An ensuing study of the three most recently published works by Sérgio Sant’Anna – O Livro de Praga: narrativas de amor e arte (2011); Páginas sem glória (2012) et O homem-mulher (2014) – allows us to illustrate the practices used in Um crime delicado: A reaffirming his genealogy through a critical reading; situating his personal concept of literature in a much vaster domain of art in general; writing about art according to specific principles revealed in the course of this study. This dissertation will also describe and examine the progress of the dialogue under way: writing on art, at the beginning the way for the author to establish his artistic genealogy, becomes of itself a process of creation: the ekphrasis.

Le peintre Francisco Rizi (Madrid, 1614-Madrid, 1685), issu de la communauté d’artistes italiens qui gravitait autour de la Cour d’Espagne depuis la construction de l’Escorial, est l’une des figures majeures de la peinture baroque espagnole de la seconde moitié du XVIIe siècle. Cette thèse présente uné étude monographique qui étudie sa carrière et ses liens sociaux et professionnelles, étude accompagnée d'un premier catalogue raisonné de son œuvre. Malgré le fait que Francisco Rizi ait été le peintre attitré d’une Cour dont le souverain était à la tête d’une constellation d’états européens, où on était au courant des principaux courants artistiques du continent, sa vie et son œuvre ont été souvent analysés dans une approche très localiste. Par conséquent, l’image traditionnellement véhiculée a été celle d’un artiste de second rang qui n’eut guère de portée. Mais contrairement à cette idée reçue, la carrière de Francisco Rizi fut loin de se cantonner à un cadre local. Avec cette étude, on redécouvre un artiste inventeur de modèles de sculptures, d’architectures, de scènes de théâtre et même de pièces d’orfèvrerie. On révèle là un plaisir de la forme qui apparente Rizi à des artistes baroques tels que Rubens, Bernin ou Le Brun. Pourtant, dans son cas, aucun mythe ne s’était forgé. Bien au contraire, ses contributions en architecture et en sculpture lui valurent une véritable diabolisation. Dans ces domaines, l’artiste fut condamné par la critique néo-classique comme responsable de la décadence des arts en Espagne sous le règne de Charles II, mépris qui finit par déteindre sur son œuvre peinte. D’un autre côté, ses contributions pour le théâtre ne laissèrent aucune trace et tombèrent dans l’oubli. Notre contribution permet de confirmer que Rizi joua un rôle majeur dans les domaines de l’architecture décorative, dévoile tout à fait son rôle dans la conception de modèles pour la sculpture et permet de détailler pour la première fois les modalités de la confection des décors de théâtre. De toutes ces interventions, restées pour la plupart inédites, s’offre ici un premier corpus.Par ailleurs, cette thèse a mis l’accent sur les relations professionnelles du peintre et sur ses modes de production, sans pour autant négliger l’étude stylistique de sa production picturale et de ses dessins, ainsi que des rares gravures d’après ses compositions. Le catalogue de ses œuvres, expurgés de celles indûment attribuées au maître et augmenté de nombreux inédits, permet désormais une perception plus juste de l’art de Rizi. Toutefois, il faut reconnaître qu’à ce stade de la connaissance de l’artiste, ce catalogue ne peut inclure que les œuvres dûment attestées par la documentation connue à ce jour, ainsi que celles présentant sans équivoque le style typique du peintre. Des futures recherches devront élargir ce catalogue aux éventuels dessins présentant des ébauches et des études partielles encore non identifiés, ainsi qu’aux œuvres réalisées en collaboration avec d’autres artistes. Par ailleurs, les résultats de cette recherche permettront de faire surgir très certainement, on l’espère, des œuvres nouvelles à présent dispersées et inédites. Certains pans de l’œuvre de Rizi ont été redécouverts. C’est le cas notamment de son œuvre comme architecte et comme décorateur de fêtes théâtrales de la cour. Mais il est ainsi également de sa production de peintre murale, dont on connaît mieux à présent ses contributions et son organisation. Ces aspects permettent de nuancer la vision qu’on avait jusqu’à présent de l’artiste, dévoilant un rôle de premier ordre sur la scène artistique à Madrid pendant la seconde moitié du XVIIe siècle, presque incontournable dans les chantiers les plus prestigieux de la Cour. Rizi ne fut pas un peintre exclusivement religieux, comme les œuvres aujourd’hui conservées ont pu le suggérer. Longtemps resté méconnu et incompris, Rizi ne réussit pas seulement à devenir l’un des artistes les plus importants de son temps à travers une carrière brillante comme peintre de cour, mais également dans l’influence qu’il a eu sur son atelier, sur ses collègues et sur les artistes plus jeunes.Notre étude sur Rizi, cependant, ne s’est pas cantonnée à la confection du catalogue raisonné. Elle a également mis l’accent sur la relecture et l’analyse des sources positives et une étude prosopographique de l’entourage de l’artiste (dans la mesure où l’état de la question nous l’a permis). L’étude du milieu d’origine a permis de mettre en lumière que Rizi fut un héritier. Certes, il était le dernier représentant de toute une tradition artistique et le dernier bénéficiaire d’une stratégie du groupe socio-professionnel de l’ancienne colonie d’artistes de l’Escorial. Son père, le peintre Antonio Ricci, bien que peintre de second, voir troisième rang, abritait des grandes ambitions pour sa propre carrière et pour celle de ses fils. Ses relations dans les milieux des courtisans, notamment parmi les Italiens, ses affaires et ses projets variés à Madrid invitent à le confirmer. Dans le cadre d’une stratégie certainement bien réfléchie, Antonio plaça ses enfants chez deux maîtres peintres très en vue à la Cour, tous les deux d’origine et éducation italiennes. Juan Andrés a été placé chez le Père Mayno, maître de dessin du Roi, et Francisco chez Carducho, peintre du Roi à la tête de l’atelier le plus important de Madrid. Fortuné et influent, peintre érudit par excellence, Carducho était haut placé au sein de l’élite artistique et littéraire. Il transmit à Francisco l’héritage de la tradition académique du peintre inventeur cristallisé dans la Péninsule autour du chantier de l’Escorial, qui y joua un rôle comparable de celui de Fontainebleau dans le contexte français, et de l’éphémère Academia de San Lucas à Madrid. Mais l’héritage légué à Francisco par Antonio Ricci et par Vicente Carducho ne fut pas seulement d’ordre théorique et artistique. Il consista également en des relations socio-professionnelles dans le milieu des peintres, sculpteurs et architectes qui se révélèrent capitales dans la carrière de Rizi, mais aussi des relations dans les échelons de l’administration du Palais et dans les cercles ecclésiastiques et aristocratiques.La mort de son père et de Carducho en 1635 et 1638, alors que Rizi (à ce que l’on croit) n’avait pas encore démarré sa carrière en tant que maître indépendant, ne lui fit pas de tort ;bien au contraire. Ceci l’obligea, probablement, à offrir ses services dans d’autres ateliers, favorisant aussi, vraisemblablement, cette inventivité et cette capacité d’adaptation que nous avons signalées comme caractéristiques de l’œuvre de Rizi, caractéristiques qu’une formation dans un seul atelier dirigé par un seul et même maître aurait pu étouffer, éventuellement. Ses expériences dans des ateliers en compagnie de Pedro de la Torre, Francisco Fernández, Núñez del Valle et Antonio de Pereda (et peut-être aussi Cosimo Lotti) ont dû donner à Rizi l’opportunité d’enrichir et contraster son enseignement auprès de son père et de Carducho, et de ne retenir que ce qui pouvait lui être utile dans la suite de sa carrière. Mais surtout, Rizi put compléter son savoir-faire en matière d’organisation et de production à plusieurs mains, un aspect dans lequel il passera maître. Les dessins et la confection de modèles pour des tiers constituent un pan essentiel de sa production, négligé auparavant, et que notre étude a permis de mettre en lumière.Les relations tissées grâce à ses origines ouvrirent à Rizi les portes pour recevoir des commandes au Palais, et l’introduire dans les cercles du cardinal Moscoso et l’inquisiteur général Arce y Reinoso et du premier ministre Don Luis de Haro. Ainsi, les deux prélats devinrent ses protecteurs au début de sa carrière palatine. Il devint leur « créature », selon le langage de la cour. En effet, Rizi sut tirer profit des bouleversements produits à la Cour d’Espagne pendant les années qui suivirent la chute du ministre Olivares, à la différence d’un Alonso Cano ou d’un Antonio de Pereda. Dès la fin de 1648, à partir du mariage de Philippe IV avec Marianne d’Autriche, les commandes du Palais se succéderont, avec le seul malentendu produit pendant la Régence, en raison de la crise politique vécue alors. Sur la fin de sa carrière, les soutiens du cardinal Aragón, du prince Juan José d’Autriche et du jeune Charles II viendront confirmer sa place de choix à la Cour, et des commandes de prestige se suivirent.Les sources auxquelles Rizi s’est abreuvé dans son art sont multiples et variées. Il a hérité de son maître Carducho la maîtrise de la grande composition dans les tableaux d’histoire, à la laquelle il a su ensuite ajouter le dynamisme et la théâtralité du rubénisme. Ensuite et en parallèle, il s’est essayé dans l’introduction de la mode néo-vénitienne en Espagne, prenant principalement les modèles du Tintoret comme référence, pour devenir ensuite l’initiateur de l’intégration des nouveautés de Pietro de Cortona et de Carlo Maratti provenant de Rome, celles de Agostino Mitelli et de Michelangelo Colonna de Bologne et celles de Luca Giordano de Naples. Ces influences le situèrent à l’avant-garde de la production de grandes décorations et de tableaux d’autel monumentaux et lui permirent d’exercer une influence durable sur les peintres plus jeunes, même après sa mort. On en jugera à travers l’imposant Martyre de saint Gênes d’Arles et du décor de San Antonio de los Alemanes, qui s’inscrivent au rang de ses chefs-d’œuvre. L’œuvre de Rizi représente à lui seul l’évolution de la peinture d’histoire baroque à la cour d’Espagne, passant du style sage et monumental héritier de l’école toscane, au rubénisme plus mouvementé, au néo-vénétianisme plus chatoyant et décoratif, aux effets de la quadratura pour finir sur les grandes compositions peuplées de personnages et sagement agencées qui triompheront à la fin du siècle et prépareront l’arrivée à Madrid de Giordano. L’ardeur avec lequel ses collègues, ses élèves et ses suiveurs ont assimilé et perpétué l’une ou l’autre de ces tendances, voire plusieurs, ont contribué à conférer à la peinture du Baroque plein réalisée à Madrid l’homogénéité et la haute qualité qui la caractérisent. / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Résumé. L'art intègre parfois dans ses processus créatifs les témoignages corporels, sexuels, personnels et subjectifs/subjectivants de l'artiste, mais aussi de sujets sociaux qui s'opposent aux constructions sociales et culturelles imposées par le(s) biopouvoir(s) hégémonique(s). Cette thèse présente un art biocritique capable de reconnaître la potentialité esthétique et artistique des témoignages et des vécus qu'il intègre en tant que matériel plastique à sa biocritique artistique. Elle a pour objectif de proposer une théorie et une méthode de déconstruction esthétique permettant d'observer et de rendre observable les potentialités esthétiques des corporalités et sexualités subjectivantes considérées comme " abjectes " par le biopouvoir en tant qu'actions biocritiques esthético-politiques. Pour ce faire, le présent travail a mis en valeur la potentialité esthétique de l'autoérotisme et de l'orgasme, en tant qu'actions biocritiques menées dans le cadre de " l'Œuvre multiorgasmique collective ".