Orientador: Antonio Alcyr Bernardez Pecora / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-03T19:38:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Moreschi_MarceloSeravali_M.pdf: 8326078 bytes, checksum: 4aa4154752f42562e8cf2554a4555ddb (MD5) Previous issue date: 2004 / Resumo: O propósito desta dissertação é o de estudar o emprego de uma determinada palavra em um dado conjunto de textos. A palavra é "barroco", e o conjunto de textos é constituído pelos catálogos das exposições de arte organizadas durante as comemorações dos 500 anos do Brasil. Propõe-se a discussão de como se produz nacionalidade por meio do termo "barroco" e de como se configura um objeto museológico num gênero específico de escrita: o catálogo de exposição / Abstract: This dissertation examines how the specific word "baroque" is used throughout the catalogues that accompanied the artwork exhibitions organized during the celebrations of the Five-Hundredth Anniversary ofthe "discovery" ofBrazil. We attempt to show not only how a specific writing geme, the exhibition catalogue, configures a museological object, but also how certain uses of the term "baroque" can produce a nationality definition as well / Mestrado / Teoria e Critica Literaria / Mestre em Teoria e História Literária

[EN] The flight of the flying human figure must be situated, because of its abundance and dynamic particularities, in the art of the Modern Age, especially in the Italian art. In a context in which modern physics are calling into question the validity of the previous Aristotelian theories, and flying machines (which have a fantastic aspect in the literature) are invented, visual art develops a flight free from all the earthly obstacles that prevent the man from elevating. In this work we have inquired about the configuration of the flying human figure in the visual depiction (mainly Italian) from the XV century until the first half of the XVIII century, about the process of creation that allows to picture this movement which does not exist in external reality, about the visual resources involved in its expression, and about how the expression of flight evolves along this period. The flight of the aerial figures is an invention, in real life there is no actual reference of this kind of movement. In spite of its connection to flight, floatation, and weightlessness, it is not fully identifiable with neither of these dynamic phenomena. The mobile possibilities that flying figures exhibit support the idea that this kind of movement is detached from the everyday action of human beings: total freedom of trajectories which contradicts physical reality, elasticity and flexibility, constant movement, and changes in the nature and substance; moreover, it is a movement that appears to occur in a specific space-time. Its dynamism is attractive because of its visual character and also because of the ideas it conveys, which reveal a connection with the ideas in angelology and classic mythology. In the expression of flight within each artistic style, the taste and interests of the time are manifested. During the Quattrocento the change takes place, and the most significant features that are developed later appear in that moment. The presence of flying figures becomes progressively more abundant, mainly with the depictions of putti and cherubim. Also, from the XVI century onwards, the symbolism of flight as an approach to the spiritual world and physical emancipation becomes settled. In the final stage of this period, during the Rococo, flight becomes less abundant, and the visual complexity it had reached in previous stages is simplified and becomes subtler. The creative process to represent flight is based on intuition as a generator of internal and sensory experiences, visual memory and invention; from all these we find, under different terminologies, evidence in the texts of the Modern Age. Moreover, the use of visual information from different real actions (both in moving and static objects) and its transformation reveals itself in numerous pieces, especially in sketches. The dynamic resources of the artistic language are used to transmit the mobile characteristic of flying figures, mainly by stressing its dynamism, and prolonging the art work observation time. In ceiling pictures, these resources concentrate in the expressive use of the space of representation, and, frequently, in generating the sensation that the flying figures are part of the material reality of the spectator, merging the real and the fantasy world through both the symbolism and the material elements involved. The floating figure of the human figure cannot be dissociated from the Italian cultural context in the Modern Age, and to a great extent our knowledge of flight is defined by the art works coming from this period. / [ES] El vuelo de la figura humana se localiza, por sus particularidades dinámicas y abundancia, en el arte de la Edad Moderna, especialmente en el arte italiano. En un contexto en el que la Física cuestiona las teorías aristotélicas y se inventan máquinas voladoras (que tienen una faceta fantástica en la literatura), el arte plástico desarrolla un vuelo libre de todos los obstáculos terrenales que impiden al hombre elevarse. En este trabajo nos preguntamos cómo ha sido configurado el vuelo de la figura humana en la plástica (principalmente la italiana) desde el siglo XV hasta la mitad del siglo XVIII, cuál es el proceso de creación que permite dar imagen a este movimiento que no existe en la realidad externa, qué recursos plásticos participan en su expresión y cómo evoluciona la expresión del vuelo a lo largo de este periodo. El vuelo de la figura humana es una invención, en la vida material no existe un referente real de este movimiento. A pesar de su conexión con el vuelo, la flotación y la ingravidez, no es identificable plenamente con ninguno de estos fenómenos dinámicos. Las posibilidades móviles que exhiben las figuras voladoras apoyan la idea de que su movimiento está alejado de las acciones cotidianas del ser humano: libertad total de trayectorias que contradice la realidad física, elasticidad y flexibilidad, movimiento constante y cambios en la naturaleza de su sustancia; además, se trata de un movimiento que parece transcurrir en un espacio-tiempo también específico. Su dinamismo es atractivo por su visualidad y también por las ideas que transmite, las cuales manifiestan una conexión con ideas de la angelología y de la mitología clásica. En la expresión del vuelo de cada estilo artístico se manifiestan los gustos e intereses del momento. En el Quattrocento tiene lugar el momento de cambio y surgen las características más significativas, que posteriormente se desarrollan. La presencia de figuras voladoras es progresivamente más abundante, sobre todo las representaciones de putti y querubines. Asimismo, desde el siglo XVI se consolida el simbolismo del vuelo como acercamiento al mundo espiritual y a la liberación física. En la fase final de este periodo, durante el Rococó, el vuelo es menos abundante, y la complejidad visual que había alcanzado se simplifica y serena. El proceso creativo para representar el vuelo se basa en la intuición como generadora de experiencias internas y sensoriales, la memoria visual y la invención; de todo ello encontramos, bajo otros términos, evidencias en los textos de la Edad Moderna. Además, el uso de información visual a partir de diversas acciones reales (tanto con modelos en movimiento como estáticos) y su transformación se trasluce en numerosas obras, especialmente en dibujos preparatorios. Los recursos dinámicos del lenguaje plástico se orientan a transmitir las características móviles de las figuras voladoras, principalmente acentuando su dinamismo y prolongando el tiempo de observación de la obra. En las pinturas cenitales, estos recursos se centran en el uso expresivo del espacio de representación, y con frecuencia, en generar la sensación de que las figuras voladoras forman parte de la realidad material del espectador, fusionando el mundo real y el de la fantasía, tanto a través del simbolismo como de la materia. El movimiento flotante de la figura humana no puede desligarse del contexto cultural italiano de la Edad Moderna, y en gran medida nuestro conocimiento del vuelo está definido por las representaciones de esta época. / [CAT] El vol de la figura humana es localitza, per les seues particularitats dinàmiques i abundància, en l'art de l'Edat Moderna, especialment en l'art italià. En un context en el qual la Física qüestiona les teories aristotèliques i s'inventen màquines voladores (que tenen una faceta fantàstica en la literatura), l'art plàstic desenvolupa un vol lliure de tots els obstacles terrenals que impedeixen a l'home elevar-se. En aquest treball ens preguntem com ha sigut configurat el vol de la figura humana en la plàstica (principalment la italiana) des del segle XV fins a la meitat del segle XVIII, quin és el procés de creació que permet donar imatge a aquest moviment que no existeix en la realitat externa, quins recursos plàstics participen en la seua expressió i com evoluciona l'expressió del vol al llarg d'aquest període. El vol de la figura humana és una invenció, en la vida material no existeix un referent real d'aquest moviment. Malgrat la seua connexió amb el vol, la flotació i la ingravitació, no és identificable plenament amb cap d'aquests fenòmens dinàmics. Les possibilitats mòbils que exhibeixen les figures voladores recolzen la idea que el seu moviment està allunyat de les accions quotidianes de l'ésser humà: llibertat total de trajectòries que contradiu la realitat física, elasticitat i flexibilitat, moviment constant i canvis en la naturalesa de la seua substància; a més, es tracta d'un moviment que sembla transcórrer en un espai-temps també específic. El seu dinamisme és atractiu per la seua visualitat i també per les idees que transmet, les quals manifesten una connexió amb idees de la angelologia i de la mitologia clàssica. En l'expressió del vol de cada estil artístic es manifesten els gustos i interessos del moment. En el Quattrocento té lloc el moment de canvi i sorgeixen les característiques més significatives, que posteriorment es desenvolupen. La presència de figures voladores és progressivament més abundant, sobretot les representacions de putti i querubins. Així mateix, des del segle XVI es consolida el simbolisme del vol com a acostament al món espiritual i a l'alliberament físic. En la fase final d'aquest període, durant el Rococó, el vol és menys abundant, i la complexitat visual que havia aconseguit se simplifica i serena. El procés creatiu per a representar el vol es basa en la intuïció com a generadora d'experiències internes i sensorials, la memòria visual i la invenció; de tot açò trobem, sota altres termes, evidències en els textos de l'Edat Moderna. A més, l'ús d'informació visual a partir de diverses accions reals (tant amb models en moviment com a estàtics) i la seua transformació es reconeix en nombroses obres, especialment en dibuixos preparatoris. Els recursos dinàmics del llenguatge plàstic s'orienten a transmetre les característiques mòbils de les figures voladores, principalment accentuant el seu dinamisme i perllongant el temps d'observació de l'obra. En les pintures zenitals, aquests recursos se centren en l'ús expressiu de l'espai de representació, i amb freqüència, a generar la sensació de que les figures voladores formen part de la realitat material de l'espectador, fusionant el món real i el de la fantasia, tant a través del simbolisme com de la matèria. El moviment flotant de la figura humana no pot deslligar-se del context cultural italià de l'Edat Moderna, i en gran manera el nostre coneixement del vol està definit per les representacions d'aquesta època. / Peris Medina, MC. (2016). La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italiana [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/60153 / TESIS

[EN] This thesis deals with the study of one of the latest hieronymite monasteries built, the San Pedro de la Ñora monastery (Murcia, Spain). It is focused on two aspects, knowledge of historical events, some of them unknown until now, from its founding to the secularization and the analysis of its baroque architecture and construction as well as the study of the architects involved in it or that worked for this hieronymite community. And among them, especially Fray Antonio de San Joseph and Fray Pedro de San Agustín, hieronymite monks that were architects involved in its construction and in many others. / [ES] Aborda esta tesis el estudio de uno de los últimos monasterios Jerónimos construidos, el de San Pedro de la Ñora (Murcia), centrado este en dos aspectos, el conocimiento de los hechos históricos, algunos de los cuales hasta ahora no conocidos, desde su fundación hasta la exclaustración, y el análisis de su arquitectura barroca, y su construcción, así como el estudio de los artífices que en él intervinieron, o para esta comunidad jerónima trabajaron. Y de ellos en especial fray Antonio de San Joseph y Fray Pedro de San Agustín monjes arquitectos, de la Orden Jerónima que intervinieron en su construcción y en otras muchas. / [CAT] Aborda esta tesi l'estudi d'un dels últims monestirs Jerónimos construïts, el de Sant Pere de la Ñora (Múrcia), centrat este en dos aspectes, el coneixement dels fets històrics, alguns dels quals fins ara no coneguts, des de la seua fundació fins a l'exclaustració, i l'anàlisi de la seua arquitectura barroca, i la seua construcció, així com l'estudi dels artífexs que en ell van intervindre, o per a esta comunitat jerònima van treballar. I d'ells en especial fra Antonio de Sant Joseph i Fra Pere de Sant Agustí monjos arquitectes, de l'Orde Jerònima que van intervindre en la seua construcció i en moltes altres / Maestre Meroño, JA. (2016). El Monasterio Jerónimo de San Pedro de La Ñora. Aspectos Históricos y Arquitectónicos [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63667 / TESIS

En Canarias existe un gran número de obras retablísticas de relevada importancia dentro del arte isleño entre las que destaca el retablo barroco, obras muchas de ella catalogadas en la obra de Alfonso Trujillo Rodríguez. En la isla de La Gomera, además del retablo neogótico, neorrenacentista y el neobarroco, existe una importante representación del retablo barroco en las iglesias más significativas de la isla, Iglesia de San Salvador, Iglesia de Santo Domingo de Guzmán y la Iglesia de Ntra. Sra. de la Asunción. Para su estudio se han realizado fichas catálogo de cada una de las obras poniendo un especial interés en la retablística barroca de la isla. Se estudian y comparan sus características con las del "Retablo Barroco Propio o Isleño" demostrando que ambas son prácticamente idénticas por lo que éstos deberían denominarse de igual modo que el retablo barroco del resto de las islas y, por lo tanto, ser incluidas en la catalogación del retablo barroco canario. / In the Canary Islands, there are many retablísticas works of relief importance within the island art, among which the baroque altarpiece stands out, works many of them cataloged in the work of Alfonso Trujillo Rodríguez. On the island of La Gomera, in addition to the Neo-Gothic altarpiece, Neo-Renaissance and Neo-Baroque, there is an important representation of the Baroque altarpiece in the island's most important churches, San Salvador Church, Santo Domingo de Guzmán Church and Ntra. Mrs. of the Assumption. For its study, catalogs of each of the works have been made, placing a special interest in the baroque retablística of the island. They study and compare their characteristics with those of the "Baroque Retablo Propio or Island" showing that both are virtually identical so they should be named in the same way as the baroque altarpiece of the rest of the islands and therefore be included in the cataloging Of the Baroque Canarian altarpiece. / En Canaries existix un gran numero d'obres RETABLÍSTICAS de rellevada importancia dins de l'art illenc entre les que destaca el retaule barroc, obres moltes d'ella catalogades en l'obra d'Alfons TRUJILLO RODRÍGUEZ. En l'illa de La Gomera, ademes del retaule NEOGÓTICO, NEORRENACENTISTA i el NEOBARROCO, existix una important representacio del retaule barroc en les esglesies mes significatives de l'illa, Esglesia de Sant Salvador, Esglesia de Sant Dumenge de GUZMÁN i l'Esglesia de NTRA. Sra. de l'Assuncio. Per a el seu estudi s'han realisat fiches catalec de cada una de les obres posant un especial INTERÉS en la RETABLÍSTICA barroca de l'illa. S'estudien i comparen les seues caracteristiques en les del "Retaule Barroc Propi o Illenc" demostrant que abdos son practicament identiques per lo que estos deurien denominar-se d'igual modo que el retaule barroc del restant de les illes i, per lo tant, ser incloses en la catalogacio del retaule barroc canari. / Calero Cordobés, MJ. (2017). CATALOGACIÓN Y ESTUDIO DEL PATRIMONIO RETABLÍSTICO PERTENECIENTE A LAS IGLESIAS Y ERMITAS NO PRIVADAS DE LA ISLA DE LA GOMERA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/94042 / TESIS

Orientador: Karylleila dos Santos Andrade / Resumo: Este estudo sobre a Festa de Nossa Senhora do Rosário em Monte do Carmo teve o propósito de compreender o contexto no qual ela se insere e os sentidos que lhe são atribuídos pela comunidade local, garantindo sua permanência no transcurso das gerações. A abordagem escolhida foi a da história cultural, em razão de sua natureza multidisciplinar e seu diálogo com vários campos de conhecimento, importantes para a compreensão de uma manifestação religiosa e cultural. O aporte teórico do trabalho foi estruturado com o estudo das mestiçagens no contexto da colonização europeia nas Américas, do fenômeno barroco e das irmandades religiosas. A pesquisa foi um trabalho etnográfico, apoiado no conceito semiótico de cultura de Clifford Geertz, segundo o qual o homem está vinculado a teias de significados tecidos por ele próprio, sendo a cultura essas teias e sua análise, um canal de interpretação e busca do significado. O caminho metodológico no trabalho etnográfico foi a descrição densa proposta por Clifford Geertz, com a utilização de observações participantes, entrevistas, acervos fotográficos e outros elementos produzidos pela comunidade na realização da festa. Ao final da pesquisa, ficou evidenciado que a Festa de Nossa Senhora do Rosário em Monte do Carmo se aproxima do contexto das mestiçagens culturais, e que sua permanência entre as gerações tem sido garantida pelo sentimento de pertença e pela manutenção das tradições, em meio às adaptações que se fizeram necessárias frente a nov... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This study about Nossa Senhora do Rosário Festival in Monte do Carmo had the purpose of understanding the context in which it is inserted and the meanings attributed to it by the local community, ensuring its permanence over the generations. The chosen approach was the cultural history, due to its multidisciplinary nature and its dialogue with various fields of knowledge, important for the understanding of a religious and cultural manifestation. The theoretical contribution of the work was structured with the study of crossbreeding in the context of European colonization in the Americas, the baroque phenomenon and religious brotherhoods. The research was an ethnographic work, supported by Clifford Geertz's semiotic concept of culture, according to which man is linked to webs of meanings woven by himself, being the culture these webs and their analysis, a channel of interpretation and search for meaning. The methodological path in the ethnographic work was the dense description proposed by Clifford Geertz, with the use of participant observations, interviews, photographic collections and other elements produced by the community in the celebration of the festival. At the end of the research, it was evidenced that the Nossa Senhora do Rosário Festival in Monte do Carmo comes close to the context of cultural crossbreeding, and its permanence between generations has been guaranteed by the sense of belonging and the maintenance of traditions amid the adaptations that needed in the ... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

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[pt] A retomada dos estudos referentes ao barroco mobilizou grande parte da crítica literária brasileira a partir da década de 50 do século XX. Através do debate proporcionado, mostra-se plausível auferir significativas divergências de modelos críticos e historiográficos, assim como o caráter interessado envolvido no descarte ou na valorização do barroco. Enquanto Antonio Candido silencia a produção barroca em seu panorama historiográfico de formação da literatura brasileira, por conta de certa inadequação diante da noção de sistema literário, Haroldo de Campos destaca o procedimento poético do barroco em perspectiva sincrônica com a vanguarda concretista, como impulso de ruptura capaz de renovar os métodos de composição e recepção literária. A polêmica provocada pelo sequestro do barroco, portanto, serve como ancoragem para a análise de um projeto mais amplo de historiografia literária de Antonio Candido e Haroldo de Campos, no qual para o primeiro o que estava em jogo era o reconhecimento de uma tradição fundada na dimensão autoconsciente do escritor, enquanto que para o último a tradição pautava-se numa espécie de inventário das rupturas. / [en] The retake of the studies about baroque mobilized great part of the Brazilian literary criticism since the 50ths of the Twentieth Century. Through this debate, it is possible to grasp meaningful divergences in the critical and historiographic models, as well as the interested choices involving the oblivion or the valorization of baroque. As long as Antonio Candido silences the baroque in his historiographic landscape of the Brazilian literature formation, due to a certain inappropriate notion of a literary system, Haroldo de Campos lines baroque poetic procedure in a synchronic perspective with the concretist vanguard as a movement of rupture able of renewing the methods of literary composition and reception. The polemic provoked by the sequestration of baroque, therefore, leads to a wider analysis of Antonio Candido and Haroldo de Campos projects of literary historiography, in which to the former it was important to recognize a tradition founded in the self reflected dimension of the author, while to the second one the tradition was settled in a kind ruptures inventory.

Este trabalho tem por objetivo analisar como a aplicação da Linguística de Corpus e da Abordagem Funcionalista da tradução podem auxiliar ao longo do processo tradutório de textos antigos. A pesquisa está fundamentada nas definições de Linguística de Corpus elaboradas por Berber Sardinha (2004), Tagnin (2013) e Weisser (2016), entre outros, e nos princípios da Abordagem Funcionalista desenvolvidos por Holz-Mäntäri (1984), Reiss e Vermeer (1984) e Nord (1988). Os textos a serem traduzidos do italiano ao português brasileiro são uma carta e um tratado de música sobre baixo contínuo, escritos por Agostino Agazzari no início do século XVII, época em que essa prática começou a ser desenvolvida. Preparamos uma primeira versão da tradução, utilizando apenas os materiais convencionais de consulta, como dicionários e Internet. Em seguida, elaboramos uma segunda versão com o apoio de seis corpora: quatro especializados construídos por nós, e dois de referência disponibilizados para uso na ferramenta online Sketch Engine (Lexical Computing), que também possibilitou a análise linguística de todos os corpora. Compilamos um corpus em português brasileiro e outro em italiano relacionados à técnica barroca do baixo contínuo (tema principal do tratado) através da seleção de artigos, dissertações, teses e livros pertinentes ao tema. Construímos, também, quatro corpora (dois em português brasileiro e dois em italiano) sobre baixo contínuo e instrumentos musicais, através da WebBootCaT, uma ferramenta presente no Sketch Engine que extrai textos da Internet. Por fim, preparamos três glossários de termos mais relevantes do tratado e suas definições. Procuramos guiar todo o processo tradutório de acordo com os conceitos desenvolvidos pela Abordagem Funcionalista da tradução, refletindo principalmente sobre a função, o público-alvo e a dimensão temporal dos textos de partida e de chegada. A análise dos corpora possibilitou a confirmação de várias hipóteses que haviam surgido durante a primeira versão da tradução, além de esclarecer dúvidas e favorecer o processo de adaptação do tratado ao português brasileiro contemporâneo, apesar da dificuldade em encontrar textos representativos sobre os arcaísmos e as abreviações. A etapa de pesquisa dos termos com o auxílio da Linguística de Corpus exigiu muito menos tempo que o necessário durante a primeira versão, devido à possibilidade que essa metodologia oferece de rapidamente encontrá-los e analisá-los em seu contexto de uso. Já a Abordagem Funcionalista constituiu uma base fundamental para a elaboração da tradução, auxiliando o processo de tomada de decisões sempre baseado na função e no público-alvo dos textos de partida e de chegada. A tradução da carta e do tratado contribui para a disponibilização de material especializado direcionado a tradutores, estudantes de música, musicólogos e intérpretes de música barroca. Também colabora com a difusão de pesquisas baseadas em corpora, voltadas especificamente ao campo musical. / This paper aims to analyze how corpus linguistics and a functionalist approach can help throughout the process of translating very old texts. Our research is based on the Corpus Linguistics definitions elaborated by Berber Sardinha (2004), Tagnin (2013), and Weisser (2016), among others, and on the principles of the Functionalist Approach developed by Holz-Mäntäri (1984), Reiss and Vermeer (1984), and Nord (1988). The texts to be translated from Italian into Brazilian Portuguese are a letter and a music treatise about basso continuo, written by Agostino Agazzari in the early 17th century, a time when this practice started being developed. We first prepared an initial version of the translation using only conventional reference materials, such as dictionaries and the Internet. Next, we developed a second version with the support of six corpora: four specialized tools we built ourselves, and two references tools available for use online at the Sketch Engine (Lexical Computing) website, which also allowed us to conduct linguistic analysis on all the corpora. We compiled two corpora (one in Brazilian Portuguese and another in Italian) related to the Baroque technique of basso continuo (the main theme of the treatise) by selecting articles, dissertations, theses, and books pertaining to the topic. We also built four corpora (two in Brazilian Portuguese and two in Italian) about basso continuo and musical instruments, using WebBootCaT, a tool found in the Sketch Engine platform that extracts texts from the Internet. Finally, we prepared three glossaries with the most relevant terms in the treatise and their definitions. We sought to guide the entire translation process according to the concepts developed by the functionalist translation approach, reflecting mainly on the function, the target audience, and the temporal dimension of the source and target texts. Corpus analysis allowed us to confirm several hypotheses that had arisen during the first version of the translation, in addition to answering questions and supporting the process of adapting the treatise to contemporary Brazilian Portuguese, despite the difficulty of finding other texts that were representative of the archaic word choice and abbreviations. The stage of searching for terms with the help of Corpus Linguistics required much less time than had been necessary during the first version, due to the features of this methodology for quickly finding and analyzing them in context. A Functionalist Approach, however, was essential as a basis on which to prepare the translation, because it supported the decision-making process by always basing it on the function and target audience of the source and target texts. Translating the letter and treatise contributes to the availability of specialized material aimed at translators, music students, musicologists, and baroque music performers. It also helps spread knowledge of research based on corpora and focused specifically on the field of music theory.

Esta pesquisa foi fundamentada teórico-metodologicamente por uma perspectiva de análise interpretativa e tradutora do significado de imagens e de símbolos verbais e não-verbais (hermenêutica semântico-simbólica). Seu objetivo principal foi investigar a influência e a coimplicação das imagens iconográficas e arquitetônicas pertencentes às igrejas barrocas de Ouro Preto na formação de um imaginário barroco que se prolonga até a contemporaneidade. Como fonte de pesquisa iconográfica utilizou-se principalmente imagens e símbolos presentes na Matriz de Nossa Senhora da Conceição (Antônio Dias), na Igreja da Ordem 3a de São Francisco de Assis, na Matriz de Nossa Senhora do Pilar e na Igreja de São Miguel e Almas, Sagrados Corações e Senhor Bom Jesus de Matozinhos de Ouro Preto. Como fontes de pesquisa do imaginário ouro-pretano, destacam-se: 1) fontes etnográficas: depoimentos de moradores de Ouro Preto; 2) fontes literárias: textos de Drummond, Pedro Nava, Murilo Mendes, entre outros; 3) fontes visuais: pinturas de Alberto da Veiga Guignard, pinturas realizadas por José Joaquim de Oliveira e por José Roberto Grão Mogol (Oficina de arteterapia do Centro de Atenção Psicossocial de Ouro Preto), além de fotografias de Edward Zvingila sobre a cidade. Aplicando-se a hermenêutica semântico-simbólica à iconografia barroca recolhida, verificou-se que a sua mensagem conduzia a quatro tipos de representações dos medos da morte: 1) imagens da morte-martírio e da função redentora da mortificação corporal; 2) imagens do medo do Julgamento e da condenação; 3) imagens macabras/vanitas que exortam à angústia diante da transitoriedade da vida; 4) imagens da animalidade devorante que exprimem simbolicamente as faces do diabo, da angústia da morte e do Julgamento. Como representações imagético-simbólicas do imaginário ouro-pretano, a hermenêutica semântico-simbólica evidenciou: 1) imagens análogas aos quatro tipos de representações da morte que se abstraiu da iconografia barroca; 2) a obsessiva representação de uma cidade espacialmente sitiada, dominada e subjugada pelas torres das igrejas ouropretanas; 3) a memória da iconografia macabra/vanitas e a memória do Purgatório como estruturantes das narrativas míticas sobre fantasmas e almas penadas, as mais populares do imaginário ouro-pretano. Conclui-se que o espaço barroco das igrejas de Ouro Preto é um agente gerador de cultura que arregimenta, rege e governa as representações imagéticosimbólicas do imaginário ouro-pretano, conservando e re-transmitindo heranças da memória barroca. Sugere-se daí uma função educativa do espaço interno/iconográfico e externo/arquitetônico das igrejas de Ouro Preto que, ao preservar e revisitar a memória barroca da cultura, educa o imaginário ouro-pretano. / The present research was, theoretically and methodologically, based on an interpretative and translator analysis of the meaning of verbal and non-verbal images and symbols (semanticsymbolic hermeneutics). The purpose of it was to investigate the influence and the coimplication of the iconographic and architectural images from Ouro Pretos baroques churches on the formation of a baroque imaginary, which is extended to the contemporaneity. The source of the iconographic research was the images and symbols found in the Matriz de Nossa Senhora da Conceição (Antônio Dias), in the Igreja da Ordem 3a de São Francisco de Assis, in the Matriz de Nossa Senhora do Pilar and in the Igreja de São Miguel e Almas, Sagrados Corações e Senhor Bom Jesus de Matozinhos de Ouro Preto. Among the sources for the research of the imaginary of the people from Ouro Preto, are highlighted: 1) ethnographic sources: testimonies of the residents of Ouro Preto; 2) literary sources: texts written by Drummond, Pedro Nava, Murilo Mendes and others; 3) visual sources: paintings by Alberto da Veiga Guignard, paintings done by José Joaquim de Oliveira and also by José Roberto Grão Mogol (workshop on art therapy at the Center for Psychosocial Care of Ouro Preto), besides photographs of the city taken by Edward Zvingila. By applying the semanticsymbolic hermeneutics to the collected baroque iconography it was verified that the message led to four different types of representations of fears of death: 1) images of death preceded by martyrdom and of redemptive role of the corporal mortification; 2) images of the fear of the Judgment and of condemnation; 3) macabre/vanitas images which exhort to the anguish before the transience of life; 4) images of a devouring animalism that symbolically express the faces of the devil, the anguish of death and the Judgment. As images and symbols which represent the imaginary of the native residents, the semantic-symbolic hermeneutics showed: 1) analogous images to the four types of representations of death which were abstracted from the baroque iconography; 2) the obsessive representation of a spatially besieged city, dominated and overwhelmed by the towers of the churches; 3) the memory of macabre/vanitas iconography and the memory of Purgatory as the structure for mythic narratives about ghosts and wandering souls, which are the most popular in the imaginary of the native residents of Ouro Preto. It can be concluded that the area of the baroque churches in Ouro Preto is a generator agent of culture which regiments, commands and governs the representations of images and symbols from the imaginary of the people of Ouro Preto, retaining and continually transmitting the inheritance from the baroque memory. Therefore, it is suggested an educational function of the internal/iconographic and external/ architectural spaces of the Ouro Pretos churches which, while preserving and revisiting the memory of the baroque culture, educates the imaginary of the people from Ouro Preto.

Enquanto muitos estudos são feitos para a análise e classificação de pinturas e outros ramos das Artes, este estudo não se detém somente a classificação. Estende-se aqui um método de análise já aplicado a Música e Filosofia (1), representando a evolução da Pintura como uma série temporal onde relações como oposição, inovação e dialética são medidas quantitativamente. Para isso, um corpus de pinturas de 12 artistas reconhecidos do período Barroco e de movimentos da Arte Moderna foram analisadas. Um conjunto de 99 atributos foi extraído e os atributos que mais contribuíram para a classificação das pinturas foram selecionados. O espaço de projeção obtido a partir desses atributos criou a base para a análise de medidas. Essas medidas quantitativas revelaram observações sobre a evolução dos estilos artísticos, especialmente quando comparados com outras áreas do conhecimento humano já analisados. A Música parece ter evoluído com a influência de uma tradição mestre-aprendiz (i.e. por apresentar alta dialética entre os músicos estudados). A Filosofia apresenta valores altos de oposição entre os representantes escolhidos (1), sugerindo que sua evolução apresenta constante oposição de ideias. Já na Pintura nota-se um outro padrão: aumento constante da inovação, baixa oposição entre membros do mesmo período artístico e picos de oposição no momento de transição entre estes períodos. Uma diferença entre os movimentos Barroco e movimentos da Arte Moderna foi também percebido no espaço projetado: enquanto as pinturas barrocas aparecem formando um agrupamento sobreposto, as pinturas modernas apresentam quase nenhuma sobreposição e estão dispostas espalhadas ao longo da projeção, mais que as barrocas. Essa observação encontra base na história da Arte onde os pintores barrocos compartilham características estéticas de suas pinturas, enquanto os modernos tendem a desenvolver seus próprios estilos e, por conseguinte, suas próprias estéticas. / While many studies were performed for the analysis and classification of paintings and other art venues, this study does not stop in the classification step. It extends an analysis method already applied to music and philosophy, representing the evolution of painting as a time-series where relations like opposition, skewness and dialectics were measured quantitatively. For that, a corpus of paintings of 12 well-known artists from Baroque and Modern art was analyzed. A set of 99 features was extracted and the features which most contributed to the classification of painters were selected. The projection space obtained from the features provided the basis to the analysis of measurements. This quantitative measures underlie revealing observations about the evolution of art styles, even when compared with other humanity fields already analyzed. (1) While music seems to evolve guided by a master-apprentice tradition (i.e. presenting high dialectics between composers) and philosophy by opposition, painting presents another pattern: constant increasing skewness, low opposition between members of the same movement and opposition peaks in the transition between movements. A difference between Baroque and Modern movements are also observed in the projected space: while Baroque paintings are presented as an overlapped cluster, the Modern paintings present minor overlapping and are disposed more scattered in the projection than baroques. This finds basis in arts history where Baroque painters share aesthetic characteristics while Modern painters tend to develop their own style and aesthetics.