Submitted by Automação e Estatística (sst@bczm.ufrn.br) on 2018-06-05T22:13:05Z No. of bitstreams: 1 ThardellyPereiraLima_DISSERT.pdf: 8467209 bytes, checksum: 34b9a025ba8f942a82eb72d52b7d40f6 (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2018-06-11T22:19:28Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ThardellyPereiraLima_DISSERT.pdf: 8467209 bytes, checksum: 34b9a025ba8f942a82eb72d52b7d40f6 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-06-11T22:19:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ThardellyPereiraLima_DISSERT.pdf: 8467209 bytes, checksum: 34b9a025ba8f942a82eb72d52b7d40f6 (MD5) Previous issue date: 2018-02-28 / Esta pesquisa teve como objetivo unir as narrativas tradicionais de caçadores ao rico universo de narrativas, tomando como inspiração as relações entre homens e feras, e todos os significados políticos, sociais, culturais e históricos que permeiam essas relações. A pesquisa de campo foi realizada no município de São José do Espinharas/PB, local referido pelo cordelista João Melquíades de Ataíde em seu folheto “Histórias de Cazuza Sátiro, o matador de onça”. No estudo de campo registramos depoimentos de pessoas que conheciam as histórias dessas caçadas. Na segunda etapa, houve uma pesquisa no sentido da construção de uma narrativa, em que foram realizadas experimentações práticas que confrontaram e reuniram as principais teorias levantadas por Dario Fo, Gilbert Durand, Walter Benjamin e Peter Brook. A terceira e última etapa foi a da criação cênica de Suçuarana – resultado do processo de experimentação desse ator-contador -, que tomou como base o material coletado na pesquisa de campo e os cordéis encontrados. Ao final desse processo, acreditamos que a pesquisa consolida uma experiência ímpar de composição cênica através do contato com narrativas de caçadores, sendo estas incorporadas ao texto teatral e à encenação. / This research's goal is to unite traditional narratives from hunters with the rich narrative universe taking as inspiratoin the relations between men and beasts, as well as the political, social and cultural meaning of the stories that permeates such relationships. The field research was made in the city of São José do Espinharas/PB, a place that was referred by the cordel storyteller João Melquíades de Ataíde, in his booklet "Histórias de Cazuza Sátiro, o matador de onça". In this field study testimonies were registred from people who knew these hunt stories. The second stage was a research in the direction of the construction of a narrative, in which practical experiments were carried out that confronted and concatenated with the main theories raised by Dario Fo, Gilbert Durand, Walter Benjamin and Peter Brook. The third and last part consisted on a scenic creation of Suçuarana experiment, result of the experimentation process from myself as an actor and storyteller, using as groundwork the material collected in field research and found cordel. At the end of the process the research consolidates a unique experience of scenic composition through contact with hunters narrative which were incorporated to the theatrical text and enactment.

Made available in DSpace on 2016-12-23T13:46:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Claudia Stringari Piassi.pdf: 9823271 bytes, checksum: 1925ffb8ca3b79af2c262aa493a30a83 (MD5) Previous issue date: 2013-05-17 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Flavio-Shiro's familiar influence by oriental art is on of the requirements, among others, to understand the genesis of his shapes, lines, colors and gestures on painting work. Flavio-Shiro‟s dissertation, his painting and his diversity aims to study some works created by the artists in the 1950s, 1960s and 1970s that highlight by the use of diverse materials. The materiality of painting and how to make referrals Eastern calligraphic gestures which guide them throughout his artistic career. Materiality was analyzed here as a way to highlight the relationship of the material to the technique used by the artist both in manufacturing and in the handling of his artwork. Shiro‟s photographs was another technique studied in this research, but within a comparative analysis with some of his paintings. It is the technique used by the artist that requires more detail in the research. Therefore there is an intention to continue with photographs raise discussion about an era of abstraction photographs and appear new discussions about the artist‟s painting. To seek points of convergence with those who worked on a performative way as Jackson Pollock and Antoni Tàpies, establishing parallel with performance in oriental painting. Lines are formed from gestures in a position not so usual for an artist, or crouching on the work, revealing skill in forming firm and agile lines, even though there is formation of ideograms, reminiscent of a past that is present in his life. Because of this, the pictorical production, the artist (so formative horizontally and vertically, depending on the intent and uses of matter) transforms a brushstroke into vigorous and expressive gestures. It is noticed that there is a physical energy and body forming every brushstroke, drawings and ideograms that express the essence of writing. Therefore this research seeks to establish a possible dialogue between the ancient art of Japanese calligraphy and expressiveness of painting performative character of Shiró. The yearning for freedom in Shiro‟s painting since his childhood, when he received encouragement from his father and today makes him a painter with such unique characteristics of artistc production. And his concern about the everyday life and, because he is an artist who never bothered to specialize in a movement or technique of painting is what feeds the performer during his career / A influência familiar de Flavio-Shiró pela arte oriental é um dos requisitos, entre tantos outros, para entender a gênese de suas formas, linhas, cores e gestos diante da pintura. A dissertação Flavio-Shiró, sua Pintura e sua Plurisensorialidade, tem como objetivo estudar algumas obras criadas pelo artista nas décadas de 1950, 1960 e 1970 e que se destacaram pelo uso diversificado de materiais. A materialidade e a maneira de pintar fazem referências aos gestos caligráficos orientais gestos estes que norteiam todo o seu percurso artístico. A materialidade foi aqui analisada como uma maneira de destacar as relações do material com a técnica utilizada pelo artista tanto na fabricação quanto na manipulação de sua obra de arte. A fotografia de Flavio-Shiró foi outra técnica estudada, na presente pesquisa, porém dentro de uma análise comparativa com algumas de suas pinturas. É uma técnica utilizada pelo artista que requer maior detalhe na pesquisa. Por isso, há uma intenção de continuar com os estudos fotográficos, pois as fotografias de Flavio-Shiró levantam discussões sobre uma época da fotografia abstrata e seus experimentos. Quanto à performance nas obras de Flavio-Shiró aparecem novas discussões sobre a pintura do artista. Buscam-se pontos de convergências com artistas que trabalharam de maneira performática como: Jackson Pollock e Antoni Tàpies, estabelecendo paralelos com a performance na pintura oriental. As linhas são formadas a partir de gestos em uma posição não tão habitual para um artista, ou seja, agachando-se sobre a obra, revelando destreza na formação de linhas firmes e ágeis, mesmo que não haja a formação dos ideogramas, reminiscências de um passado que se faz presente em sua vida. Devido a isso, na produção pictórica, o artista (de maneira performática na horizontal ou na vertical, dependendo da intencionalidade e da matéria que utiliza) transforma a pincelada, em um gesto vigoroso e expressivo. Percebe-se que há uma energia física e corporal que formam, a cada pincelada, desenhos e ideogramas que expressam a essência da escrita. Por isso, esta pesquisa, procura estabelecer um possível diálogo entre a arte milenar da caligrafia japonesa e a expressividade de caráter performático na pintura de Flavio-Shiró. A ânsia por liberdade na pintura de Shiró vem desde a sua infância, quando ele ainda recebia incentivo do pai, e até hoje o torna um pintor com características tão ímpares de produção artística. E a sua preocupação com relação à vida e ao cotidiano, pelo fato de ser um artista que nunca se preocupou em se especializar em um movimento ou técnica de pintura é o que o alimenta durante seu percurso performático

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This master degree dissertation was developed in the researches of Art and Visuality of the Master in Visual Art Course at the Universidade Federal de Santa Maria. This research included the creative process of eleven paintings, which are part of the group Corpos-Beijos e Olhares. With this group, I try to show descriptive images from photos of models who gets in a pose for this purpose and, appropriated images from pieces of by great artists sought in Art History and also expressions of italian language. The text is divided into three chapters, attending respectively: presentation of the paintings, the creative process and its development and finally, the pictorial possibilities of this study with the pieces of other artists. / A presente dissertação foi desenvolvida na linha de pesquisa Arte e Visualidade do Mestrado em Artes Visuais da Universidade Federal de Santa Maria. A pesquisa contou com o processo criativo de onze pinturas, que compõem a série Corpos-Beijos e Olhares. Com essa série, busca-se mostrar imagens descritivas a partir da fotografia de modelos que posam para este fim, bem como de apropriações de imagens de obras de arte de grandes artistas buscados na História da Arte e de expressões da língua italiana. O trabalho está divido em três capítulos tratando respectivamente: em um primeiro momento da apresentação das pinturas, em sequência o processo criativo e seus desdobramentos, por último das possibilidades pictóricas e as relações das pinturas deste estudo com as obras de outros artistas.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This work deals with the opening of the work of art to the participation of the public in contemporary art. Participation stands for the relation with works of art that need the objective interference of the public and make their involvement and their action part of the process of the construction of the works. The choice for this theme is a response for the curiosity and interest in understanding proposals that happened inside and outside the exhibition spaces, and which provoked the public to act and interact among peers, committing with the development of the work. In the first instance the contemplative context is approached, then the theorists and artists thoughts that start to consider the viewer as a participant too, one who address meaning to the work of art, giving it wholeness. A series of proposals in the 1960s that literally embrace the idea of a participant public are then explored, proposals that make the public involved objectively in the instauration of the work. These proposals motivate the experimentation of the body and physical action of the public with the works, seeking to promote freedom in a moment renowned for its political context of repression. In a second moment, the understanding of the expansion and the persistence of participatory proposals in contemporaneity is sought, as a strategy of the artist abdicating total control over the work of art and its meanings and as a form of relation between work and public today understood in the sense of a shared production. Matters discussed are the motivations and denials of contemporary artists who continue nowadays to involve the public directly in the process of construction of their works. At last, the unpredictability and the risk implied by participatory attitude are discussed. These factors run through both the artist s attitude, by opening his/her production to the interference of the other and the attitude of the participant public, engaging in a proposal which is still open. It is sought to demonstrate therewith how the relations are transformed and even the distribution of the roles between artist, work, and public in the participatory proposals and in which way they can represent opening for experience. Guy Brett, Claire Bishop, Jacques Rancière, and Laurent Goumarre are the main references working as a basis for this investigation. This work points to the comprehension that the unpredictable participation of the public is able to enrich the works of art and the view of the artist himself/herself concerning a proposal, at the same time that it can become a significant experience for the participant public. / Este trabalho trata da abertura da obra à participação do público na arte contemporânea. A participação constitui a relação com trabalhos que necessitam da interferência objetiva do público e fazem de seu envolvimento e de sua ação parte do processo de construção da obra. A escolha por esse tema respondeu à curiosidade e interesse em compreender propostas que aconteciam dentro e fora dos espaços expositivos e que provocavam o público a agir, a interagir entre si, a comprometer-se com o desenvolvimento da obra. Em um primeiro momento, parte-se do contexto contemplativo e do pensamento de teóricos e artistas que passam a considerar que o espectador é também um participante, ao dar sentido à obra, conferindo-lhe completude. Explora-se então uma série de propostas que nos anos 60 tornam literal a idéia de um público participante, fazendo com que este se envolva objetivamente na instauração da obra. Essas propostas motivam a experimentação do corpo e a ação corporal do público junto às obras, buscando promover a liberdade em um momento marcado por contextos políticos de repressão. Em um segundo momento, busca-se compreender a expansão e a persistência das propostas participativas na contemporaneidade, como estratégia do artista que abdica do controle total sobre a obra e sobre seus significados e como forma de relação entre obra e público que hoje é entendida no sentido de uma produção compartilhada. Discutem-se, então, as motivações e renúncias dos artistas contemporâneos que continuam, hoje, envolvendo o público diretamente no processo de construção de seus trabalhos. Por fim, discute-se a imprevisibilidade e o risco implicados pela conduta participativa. Esses fatores perpassam tanto a atitude do artista, ao abrir sua produção à interferência do outro, quanto a atitude do público participante, ao engajar-se em uma proposta que ainda está em aberto. Procura-se demonstrar, a partir disso, como se transformam as relações e até mesmo a distribuição de papéis entre artista, obra e público nas propostas participativas e de que forma elas podem representar uma abertura para a experiência. Guy Brett, Claire Bishop, Jacques Rancière e Laurent Goumarre são os referenciais principais que servem como base para essa investigação. O trabalho aponta para a compreensão de que a participação imprevisível do público é capaz de enriquecer as obras e a própria visão do artista a respeito de uma proposta, ao mesmo tempo em que pode tornar-se uma experiência significativa para o público participante.

This paper presents a research on visual arts, specifically in the field of art and culture. It is based on an investigation that focuses the creative processes of visual artists and artists of the scene (dancers and actors) in the art of performance and its developments and reflections in the contemporary world. To do so, the research focuses on the understanding of the concept of performance art as a language in order to cast a look at the treatments given to the body by the performers and their creative processes. Thus, it begins with a historical survey about the beginning of performance, which appeared as an artistic genre in late '60s, emerging as a form of provocation and challenge. In this context, it is referred to the body-art as constituent parts of the work as well as it saw the passage of these bodies, before understood as tools, currently seen as subject-art. The Body as a reference point, with its images and expressions, is treated here as a reference in the language of the performances of the artists investigated. We chose to define the research on artists who develop performance art in Rio Grande do Sul state. These artists were nominated by their peers, artists and academics, which are connected directly to the study and research focused on the Art of Performance. Then, it is drawn a relationship between these artists and a parallel of the issues presented is carried out. In this dissertation, it is observed that the traffic of knowledge preserves its singularity, marking out territories with diluted borders in accordance with the creative and formative processes of artists. So, the performers have expressed their knowledge in understanding the art of performance, significantly diversifying their creative processes in this new world. / Este trabalho apresenta uma pesquisa em artes visuais, especificamente no campo da arte e cultura, baseado em uma investigação que enfoca os processos criadores dos artistas visuais e dos artistas da cena (bailarinos e atores) na Arte da Performance e seus desdobramentos e reflexões na contemporaneidade. Para tal, a pesquisa se debruça sobre os entendimentos do conceito de performance arte enquanto linguagem, com o objetivo de lançar um olhar para os tratamentos dados ao corpo pelos performers e seus processos criadores. Para isso, inicia-se com um levantamento histórico sobre o surgimento da performance, que apareceu como gênero artístico no final dos anos 60, surgindo como uma forma de provocação e desafio. Neste contexto, remeteu-se aos corpos-arte, como partes constitutivas da obra, e vislumbrou-se a passagem destes corpos, antes compreendidos como instrumento e, atualmente, como sujeito-arte. O Corpo como ponto de referência, com suas imagens e expressões, é tratado aqui como um referencial na linguagem das performances dos artistas investigados. Desta forma, a opção foi delimitar a pesquisa aos artistas que desenvolvem performance arte no Rio Grande do Sul. Estes artistas foram indicados por seus pares, artistas e professores universitários, que estão ligados diretamente ao estudo e à pesquisa voltada para a Arte da Performance. Então, foi traçada uma relação desses artistas, estabelecendo-se um paralelo entre as questões apresentadas. Nesta dissertação, observa-se, em meio ao trânsito de saberes, a preservação da singularidade, demarcando territórios com suas fronteiras diluídas, de acordo com os processos criadores e formativos dos artistas. Assim, os performers têm expressado seus saberes no entendimento da Arte da Performance, diversificando significativamente seus processos criadores.

This dissertation proposes a reflection on the fundaments and possible poetries observed in the web performance series Dramaturgy of Flesh, realized by the author from practical experimentations on the relation of the body with projected images (photography and videos) and its other possibilities. Three web performances compose this series; 4 Seminar of the Body Shopping List, Heart and Anatomical Map, all realized in the year of 2009. Dramaturgy of Flesh has been since its embryo a plural and multidisciplinary work which intends to wave and widen the perception of different artistic areas (performing arts and visual arts). It also dares to invade the field of anthropology and philosophy to emphasise even more this possible relation and fundament as an ephemeral art; that leaves its mark by the temporal suspension in the memory of each witness. The dramaturgy written in the body of this dissertation proposes to dissect some layers of the multidisciplinarity of the body in performance. / Esta dissertação propõe uma reflexão sobre os fundamentos e possíveis poéticas espreitadas na série de web performances Dramaturgia da Carne, realizadas pela autora a partir de experimentações práticas de relação do corpo com projeções de imagens (fotografias e vídeos) e seus demais desdobramentos. Três web performances compõe essa série: 4° Seminário sobre a lista de compras do corpo, Coração e Mapa Anatômico, todas realizadas no ano de 2009. Dramaturgia da Carne, desde seu embrião, é um trabalho plural e interdisciplinar, que procura entrelaçar e horizontalizar as percepções de diferentes áreas artísticas (artes cênicas e artes visuais) assim como se arriscar no campo da antropologia e filosofia para enfatizar ainda mais essa possível relação e fundamentação na arte efêmera que deixa sua marca pela suspensão temporal na memória de cada testemunho. A dramaturgia inscrita no corpo dessa dissertação propõem a dissecação de algumas camadas da multiplicidade do corpo em performance.

This research aims to approach to contemporary art through a theoretical study of the poetic of Sandra Rey, an analysis of hers creative process and how hybridization occurs in hers works. The artist's works are made based on images taken in situations of displacement by certain landscapes and scenes of everyday life. Hers works are the result of photographic images that she prepares in the digital environment, in order to transform the models extracted from reality, transforming them into experimental structures of meaning. In this creative context, it is believed that different ways to intercross the visual arts with digital technologies highlight themselves, which enables an approach to the hybrid processes in contemporary art. The dissertation is divided into four chapters: the first discuss the career of the artist Sandra Rey and the insertion of hers creative process in the field of art and technology, the second establish a dialogue between the concepts of hybridization defended by different authors and a review of some works of Sandra Rey, in order to understand the issues surrounding the hybridization that guide the research, the third chapter presents an approach to photography and its relations to the analog image and digital image, as well as their contributions to the hybrid processes in contemporary art. / Esta pesquisa visa uma aproximação da arte contemporânea por meio de um estudo teórico da poética de Sandra Rey, de uma análise sobre o seu processo criativo e o modo como ocorre a hibridação nas suas obras. Os trabalhos da artista são elaborados com base em imagens captadas em situações de deslocamento por determinadas paisagens e cenas do cotidiano. Suas obras resultam de imagens fotográficas que ela manipula no ambiente digital, com a finalidade de transformar os modelos extraídos do real, transfigurando-os em estruturas experimentais de sentidos. Nesse contexto criativo, acredita-se que se evidenciam diferentes maneiras de entrecruzar as artes visuais com as tecnologias digitais, o que possibilita uma abordagem sobre os processos híbridos na arte contemporânea. A dissertação está dividida em quatro capítulos: o primeiro trata do percurso da artista Sandra Rey e da inserção do seu processo criativo na área de arte e tecnologia; o segundo estabelece um diálogo entre conceitos de hibridação defendidos por diferentes autores e uma análise de algumas obras de Sandra Rey, a fim de compreender as questões em torno da hibridação que norteiam a pesquisa; no terceiro capítulo, apresenta-se uma abordagem da fotografia e das suas relações com a imagem analógica e a imagem digital, bem como suas contribuições para os processos híbridos na arte contemporânea.

The present work is a monographic study about the visual poetic of the artist Carlos Vergara, in which I propose an approach to his process of creation. To do this, I adopt three works at the exhibition Sacred Heart - San Miguel Mission, from December 23, 2008 to March 15, 2009 at the Art Museum of Rio Grande do Sul Ado Malagoli, in Porto Alegre, RS. The aforementioned works are: St. Michael - Sacred Heart (Monotype and paint on raw canvas), SM 4 (3D lenticular) and San Miguel - Floor VI (Monotype on raw canvas). In addition, two issues influenced the development of this research: the physical displacement and the subsequent appropriation of space by the artist in his creative process. Thus, the problem proposed in this research is: How is the displacement of the visible / invisible in the work of Carlos Vergara? That is, as the physical displacement of the artist - the action of visiting certain places - and the possible shifts contained in his poetry, a sign / signs / signals from these places, relating to both in their process of creation. The work is divided into three chapters, with the first chapter deals with the person Vergara, in which the focus is the direction taken by the artist and his influences. The second chapter provides a chronological overview of the artist from the 1960s to its current production, which demarcated their production in the context of contemporary Brazilian art. Finally in the third chapter, in house procedures adopted by the artist in the preparation of the artwork from the works already mentioned, which emphasizes the concept of displacement, incorporating how the artist perceives the issue. The approach to the creative process led to confirmation of existing dislocations, confirming its nature of mobility, but also the possible variables of the visible, these issues often addressed in the production and reflection of contemporary art. / Este trabalho consiste no estudo da poética visual do artista Carlos Vergara, no qual se propôs uma aproximação ao processo construtivo de três obras apresentadas na Exposição Sagrado Coração Missão de São Miguel, no período de 23 de dezembro de 2008 a 15 de março de 2009, no Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, em Porto Alegre, RS. As mencionadas obras são: São Miguel - Sagrado Coração, (Monotipia e pintura sobre lona crua), S.M. 4 (3D lenticular) e São Miguel - Piso VI (Monotipia sobre lona crua). Além disso, duas questões permearam o desenvolvimento da pesquisa: o deslocamento físico e a conseqüente apropriação do espaço pelo artista em seu processo criativo. Com isso, a problemática proposta foi a seguinte: De que maneira ocorre o deslocamento do visível/invisível na obra de Carlos Vergara? Ou seja, como o deslocamento físico do artista ação de visitamento a determinados lugares , e os possíveis deslocamentos contidos na sua poética, enquanto vestígio/indícios/sinais desses lugares, incidem simultaneamente em seu processo de criação. O trabalho está dividido em três capítulos, sendo que o primeiro capítulo versa sobre a pessoa Vergara, no qual o enfoque é dado aos rumos tomados pelo artista e suas influências. O segundo capítulo oferece um apanhado cronológico de obras do artista desde a década de 1960 até sua produção atual, onde se demarcou sua produção no contexto da arte brasileira contemporânea. Finalmente no terceiro capítulo, adentro nos procedimentos adotados pelo artista na elaboração da obra de arte, a partir das obras já nomeadas, no qual se destaca o conceito de deslocamento, incorporando o modo como o próprio artista percebe essa questão. A aproximação ao seu processo criativo permitiu a constatação dos deslocamentos existentes, atestando seu caráter de mobilidade, como também das possíveis variáveis do visível, questões essas abordadas na produção e reflexão da arte contemporânea.

Submitted by Automação e Estatística (sst@bczm.ufrn.br) on 2018-07-02T22:10:51Z No. of bitstreams: 1 DiocelioBatistaBarbosa_DISSERT.pdf: 3966015 bytes, checksum: 70c527d2957761613b67cc0d54f321ab (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2018-07-09T13:14:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DiocelioBatistaBarbosa_DISSERT.pdf: 3966015 bytes, checksum: 70c527d2957761613b67cc0d54f321ab (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-09T13:14:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DiocelioBatistaBarbosa_DISSERT.pdf: 3966015 bytes, checksum: 70c527d2957761613b67cc0d54f321ab (MD5) Previous issue date: 2018-03-29 / As águas, que movem esta pesquisa nascem do desejo de se refletir acerca da linguagem da palhaçaria. Colocamos o foco no corpo cômico e buscamos investigá-lo como potência para a criação artística pondo em evidência a pesquisa do coletivo paraibano ‘Companhia dos Clownssicos’. Objetivamos com este estudo apontar possibilidades criativas de descoberta deste corpo cômico buscando uma organicidade que desemboque num estado risível. Para isto, navegamos pelas terras-devaneios de um palhaço-pesquisAtor, agitando suas águas-memórias que têm nos auxiliado a desvendar a natureza da terra ancestral que nele habita, uma terra que transcende o sentido de firme e assume uma qualidade muito mais movediça. Acreditamos que uma pesquisa sobre o universo do palhaço no meio acadêmico pode suscitar uma rica troca de experiências, assim como aguçar e estimular outros artistas a encontrarem sua maneira de falar, registrar, e além de tudo, refletir sobre o seu processo de trabalho artístico. Por fim, trabalhamos na perspectiva do teatro como encontro e estudamos os afetos que permeiam a máscara líquida do palhaço. / The waters, which move this research, are born in the desire to reflect about the language of clowning. We focus on the comical body and seek to investigate in him the potency for artistic creation, highlighting the research of the collective "Companhia dos Clownssicos". With this research, we aim to indicate creative possibilities of the comical body, seeking an organization that can generate a laughable state. For this, we navigate through the reverie grounds of a clownresearcher/actor, stirring up his water memories that have helped unravel the nature of the ancestral land that he inhabits, a land that transcends the sense of firmness and assumes a much more moving quality. We believe that a research on the clown universe in academic terms can give rise to a rich exchange of experiences, as well as sharpen and stimulate other artists to find their way of speaking, recording, and, above all, reflecting on their artistic work process. Finally, we work from the perspective of theatre as an encounter and study affections that permeate the liquid mask of the clown.

Submitted by Automação e Estatística (sst@bczm.ufrn.br) on 2018-07-02T22:10:52Z No. of bitstreams: 1 FrankDuesberg_DISSERT.pdf: 4609176 bytes, checksum: 177b112624afd63e80879bdd8aa1fce9 (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2018-07-09T13:31:25Z (GMT) No. of bitstreams: 1 FrankDuesberg_DISSERT.pdf: 4609176 bytes, checksum: 177b112624afd63e80879bdd8aa1fce9 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-09T13:31:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 FrankDuesberg_DISSERT.pdf: 4609176 bytes, checksum: 177b112624afd63e80879bdd8aa1fce9 (MD5) Previous issue date: 2018-03-22 / Esta pesquisa indaga a possibilidade de uma experiência trágica de um espectador ou do autor no teatro contemporâneo. O objetivo é questionar a possibilidade da concentração do trágico, por exemplo, em um gesto performático. Hans-Thies Lehmann, no seu livro ‘Tragödie und dramatisches Theater’ (2014), reflete sobre a experiência trágica, que envolve vários aspectos, como a estetização de um acontecimento trágico, a cisão dessa estetização e uma reflexão. Foram criados e pesquisados múltiplas reescritas, experimentos e fragmentos reunidos sob o nome de ‘Estrada V’, baseados principalmente na obra ‘A Estrada de Volokolamsk’, de Heiner Müller e nas experiências do presente autor. O foco ficou nas reflexões e práticas em relação ao público e da possibilidade de uma experiência trágica vir a ocorrer. Constatou-se que no mundo moderno, a mística do excesso não precisa ser mais grandiosa, porém exige-se uma aumentada atenção com o comum. O teatro da tragédia contemporâneo é um local de conscientização intensa de perda, onde o sujeito é confrontado com a dissolução inevitável do ser e com uma experiência da própria finitude. Neste contexto, o trágico no teatro contemporâneo investiga o sujeito fragmentado do mundo atual, tocando na antiga e sempre renovada experiência do excesso. O destino fundamental do caráter trágico é seu desejo de investigação por uma verdade maior, em um mundo onde não há certezas e postulados irrefutáveis. Foi verificado que na arte performática a criação do trágico nasce do afeto, estabelecendo uma conexão específica entre o performador e o receptor, permitindo o surgimento de uma experiência trágica. / This research investigates the possibility of a tragic experience of a spectator or the author in contemporary theater. The objective is to question the possibility of the concentration of tragic, for example, in a performance gesture. Hans-Thies Lehmann, in his book 'Tragödie und dramatisches Theater' (2014), reflects on the tragic experience, which involves several aspects, such as the aestheticization of a tragic event, the breakup of this aesthetization and a reflection. Multiple re-writings, experiments and fragments were collected and researched organized under the name of 'Estrada V', based mainly on Heiner Müller's 'The Road of Volokolamsk' and the experiences of the present author. The focus was on reflections and practices of the relationship between stage and the public and the possibility of a tragic experience to occur. It has been found that in the modern world, the mystique of excess need not be grand, but an increased attention to the common is demanded. The theater of contemporary tragedy is a place of intense awareness of loss, where the subject is confronted with the inevitable dissolution of being and with an experience of one's own finitude. In this context, the tragic in contemporary theater investigates the fragmented subject of the present world, touching on the old and always renewed experience of excess. The fundamental destiny of the tragic character is its desire to investigate for a greater truth in a world where there are no certainties and irrefutable postulates. It was verified that in performance art the creation of the tragic arises from affection, establishing a specific connection between the performer and the receiver, allowing the emergence of a tragic experience.