Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This Master Degree Thesis aims to identify how a small set taken from a series of contemporary artworks, considered by some authors as "contemporary Vanitas" is characterized formal, symbolic and thematically, delving to evidence how the today s art can incorporate its historical past and especially the Vanitas traditional theme. The study, using an iconographic approach based on the method of Erwin Panofsky, primarily noted that the analyzed group of artworks, besides incorporating other themes with that of traditional Vanitas, showed a great formal distance from the ancient Vanitas paintings. The survey also verified that these artworks do not take the traditional Vanitas only by displaying the same symbolic motifs of the theme, but in fact, by the apprehension of its idea, which can be summarized as the confrontation between the man's vanity and the transience of his earthly life. / Esta pesquisa de mestrado se propõe a identificar como um pequeno conjunto retirado de uma série de obras de arte contemporânea, consideradas por alguns autores como Vanitas contemporâneas se caracteriza formal, simbólica e tematicamente, buscando evidenciar como a arte atual pode incorporar seu passado histórico e, especialmente, o tradicional tema da Vanitas. O estudo, por meio de uma abordagem iconográfica baseada no método de Erwin Panofsky, constatou principalmente que o grupo de obras analisado, além de incorporar outros temas junto ao da Vanitas tradicional, apresentou uma grande distância formal das Vanitas antigas. A pesquisa também verificou que estas obras não assumem a Vanitas tradicional apenas pela exibição dos mesmos motivos simbólicos da temática, mas sim pela apreensão de sua ideia, que pode ser sintetizada como o confronto entre as vaidades do homem e a efemeridade de sua vida terrena.

O interesse desta tese reside na persistência da questão da \"arte brasileira\" na crítica de Frederico Morais (Belo Horizonte, 1936) em três períodos distintos de sua produção, os quais nomeio, de acordo com o comportamento de seu discurso: \"Contestação\" (1966-1973), \"Dúvidas\" (1974-1984) e \"Conciliação\" (1985-2012). Parte-se do fato de que a formulação de um debate em torno da definição do que seria uma \"arte brasileira\" surgiu ainda no século XIX - embora já tivesse se delineado em termos literários no século anterior - e foi se transformando com o passar do tempo, mantendo-se vivo, porque ainda em discussão, durante o século seguinte. Nesse contexto, procurou-se identificar, na produção de Frederico Morais, a sobrevivência da questão do nacional e, ainda, mostrar de que maneira ele se utiliza de uma prática constante de revisão da história - por meio de textos publicados na imprensa, mas também manuais, cronologias e \"enciclopédias\" - para manter essa discussão em pauta. No Capítulo 1 (\"Contestação\") analiso o primeiro período de sua crítica de arte, caracterizado pela adoção de um discurso assertivo e militante, em defesa de uma \"arte brasileira\" como um espaço privilegiado para a experimentação e a resistência. Nessa época, ele apoia incondicionalmente a \"vanguarda brasileira\", movimento que, segundo o autor, estaria sediado no Rio de Janeiro, expandindose a partir da antiga capital para o restante do país. No Capítulo 2 (\"Dúvidas\") trato de sua fase de transição, em que se revela certo desencanto com a situação da vanguarda no Brasil. No Capítulo 3 (\"Conciliação\") abordo o segundo período do crítico, quando se consolida o processo em que Frederico Morais abdica da defesa do \"novo\" enquanto principal saída para a \"arte brasileira\", passando a revisar tanto suas posições como parte significativa da história da arte brasileira. Nesse percurso, seus vai adotando posturas mais conciliatórias, menos intransigentes para o que entende como possibilidades de uma produção artística de caráter brasileiro. Esta tese procurou demonstrar que é possível encontrar ecos do desejo por uma arte nacional em críticas, ensaios e artigos que atravessam as três fases do percurso de Morais. Buscou ainda apontar as contradições e fragilidades que surgiram entre duas posturas distintas do crítico em relação à produção artística do período no país: uma, a escolha pelo que seria \"genuinamente nacional\", aproximando-se de algo que singularizasse a arte produzida no Brasil em relação àquela que se apresentava assertivamente como internacional; outra, colocandose contra o risco do isolamento, do atraso e do descompasso em relação ao mundo, adotava a opção por se deixar levar pelas correntes artísticas que vinham dos Estados Unidos e Europa. / The interest of this thesis lies in the persistence of the question of Brazilian art in the criticism produced by Frederico Morais (Belo Horizonte, 1936) in three distinct periods of his production, which I have named, according to the behavior of his discourse, as \"Contestation\" (1966-1973), \"Doubts\" (1974-1984) and \"Conciliation\" (1985-2012). The starting point resides in the debate formulated around the definition of what Brazilian art is, which emerged in the nineteenth century -- although it had already been delineated in literary terms in the previous century --, a debate that changed over time, kept alive in discussion throughout the following century. In this context, the thesis aims to identify the survival of this question of the national in Morais\' production. It also proposes to show -- through texts published in the press, but also in chronologies, manuals and \"encyclopedias\" -- how he makes constant use of historical revision to keep the discussion relative to Brazilian art on the agenda of public debate. In Chapter 1, I analyze his first period, characterized by the assertive and militant discourse adopted in defense of Brazilian art as a privileged space for experimentation, resistance and, above all, for the avant-garde. In his view, this movement was based in Rio de Janeiro, expanding from the former capital to the rest of the country. In Chapter 2, I deal with his transitional period, which reveals a certain disenchantment with the situation of the avant-garde in Brazilian art. In Chapter 3, I address the critic\'s second period, which consolidates the process in which Morais abdicates the defense of the \"new\" as the principal \"way ahead\" for Brazilian art, and comes to revise not only his positions, but a significant part of the history of the Brazilian art as well. Over the course of time, Morais gradually adopts positions that are less intransigent and more conciliatory regarding what he understands as possibilities for an artistic production with Brazilian character. This thesis has attempted to demonstrate the possibility of finding echoes of this desire for a national art in criticism, essays and articles that intersect the three phases in the trajectory of Frederico Morais. It has also sought to indicate the contradictions and fragilities that emerged between two distinct stances adopted by the critic in relation to the period\'s artistic production: the option for what could be considered \"genuinely national\", making advances in the direction of something that would singularize it in relation to an art that presents itself assertively as international; or the option to counter the danger of isolation, backwardness and being out-of-step with the world, by choosing to be carried along by the artistic currents imported from the United States and Europe.

Orientador: Luiz Cesar Marques Filho / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-18T19:25:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Byington_ElisaLustosa_D.pdf: 11767756 bytes, checksum: cc888a875e1153c43477a94f879eb9be (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: A primeira edição de "As Vidas dos mais excelentes arquitetos, pintores e escultores italianos de Cimabue aos nossos dias", escrita por Giorgio Vasari (1511-1574), arquiteto e pintor de Arezzo, é publicada em 1550. Ela é marcada pelas questões que animavam a Academia Florentina (1541) - a questão da historia, da língua vernácula e da sua difusão - e pela "disputa entre as artes", conforme proposta por Benedetto Varchi (1503-1565) nas célebres "Duas Lições". A segunda edição das "Vidas", publicada em 1568, será marcada por outra academia e por nova versão da "disputa"; i.é, pela Academia delle Arti del Disegno e o texto "Una Selva di Notizie", escrito por Dom Vincenzo Borghini(1515-1580), lugar-tenente da nova academia, rediscutindo a hierarquia entre as artes. Para a nova Academia, fundada em 1563, e para o texto "Una Selva di Notizie" (1564), a referência e modelo eram aqueles, institucional e intelectual, da década de "40. Tanto a academia dos artistas, fundada pelo próprio Vasari junto com o filólogo Borghini, seria inspirada na Academia Florentina, conforme declarado por eles, quanto a retomada da "disputa entre as artes" pelo lugar-tenente da Academia do Desenho, fazia referência à Lição de Varchi e às cartas escritas pelos artistas em resposta ao debate de quase vinte anos antes. Tais aspectos institucionais, e as distintas características do debate intelectual, influenciam respectivamente cada uma das edições com idéias que procuramos ressaltar e analisar no âmbito da política cultural do duque Cosimo I / Abstract: The first edition os the "Lives of the most excellent architetcts, painters and sculptors from Cimabue to ourdays" written by Giorgio Vasari (1511-1574), architect and painter of Arezzo, is published in 1550. It is marked by questions that directed the Florentine Academy (1541) - the question of history, of the vernacular ando its dissemination - and by the "dispute between the arts", as proposed by Benedetto Varchi (1503- 1565) in the famous "Due Lezzioni" (Two Lessons). The second edition of the "Lives", published in 1568, is marked by another Academy and by new version of the "dispute"; i.e. by the Academia delle Arti del Disegno and the text "Una Selva di Notizie", written by Don Vincenzo Borghini(1515-1580), lieutenant of the new Academy, rejudging the hierarchy between the arts. For the new Academy, founded in 1563, and the text "Una Selva di Notizie" (1564), the reference and model were those, institutional and intellectual, of the "40s. Both the academy of the artists, founded by Vasari himself along with the philologist Borghini, would be inspired by the Florentine Academy, as stated by them, as the resumption of the "dispute between the arts" by the Lieutenant of the Academy of drawing, made reference to the Lesson of Varchi and letters written by the artists in response to the debate of almost twenty years before. Such institutional aspects, and the distinct characteristics of the intellectual debate, influence respectively each of editions with ideas that emphasize and analyze the cultural policy of the Duke Cosimo / Doutorado / Historia da Arte / Doutor em História

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T11:45:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vicente_AndreiaMariaFarah_M.pdf: 19556829 bytes, checksum: 686cc2c66a287ef5728caa7f985b6a90 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Este trabalho analisa o processo de inserção no cenário artístico nacional dos artistas plásticos João Câmara e Siron Franco - que, através da linguagem da pintura oriunda da técnica em óleo sobre tela, se destacaram no cenário artístico nas décadas de 60 e 70, época em que se discutia intensamente - tanto no Brasil como no exterior - a crise do suporte artístico tradicional em detrimento das novas linguagens artísticas. Como fator importante neste processo, destacamos a criação de Salões competitivos em outras capitais do Brasil nos quais as obras desses dois artistas foram selecionadas ou premiadas. A representação da figura humana é o principal eixo condutor da trajetória das obras de João Câmara e Siron Franco, sendo o corpo espaço metafórico para reflexões sobre os problemas humanos, críticas à sociedade e/ou ao momento político em que o país se encontrava no período acima citado. / Abstract: This dissertation analyses the insertion of the artists João Câmara and Siron Franco - artists that through the language of painting build up from the technique oil painting over canvas have appeared into the artistic scenario in the decades of 1960 and 1970. In this time it was discussed - in Brazil and abroad - the crisis of the traditional artistic support, taking only in consideration the new artistic languages. As an important factor of this process we point out the creation of competitive Art Salons in others main cities of Brazil, in which the works of those two artists were selected and won thefirst prizes. The representation of the human figure is the main axis of the trajectory of the works of João Câmara and Siron Franco, taking into account that the body is the metaphorical space for the reflections upon human problems, critics to the society and/or, to the political moment of the country related to the aforementioned decades. / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2015-12-03T14:19:01Z No. of bitstreams: 1 talissonmelodesouza.pdf: 5159280 bytes, checksum: 518577b5946c28a4a28d6be6120c76c2 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2015-12-03T14:21:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1 talissonmelodesouza.pdf: 5159280 bytes, checksum: 518577b5946c28a4a28d6be6120c76c2 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-12-03T14:21:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 talissonmelodesouza.pdf: 5159280 bytes, checksum: 518577b5946c28a4a28d6be6120c76c2 (MD5) Previous issue date: 2015-03-05 / A partir do contexto de emergência e consolidação da atividade do curador de exposições de arte contemporânea na esfera artística internacional, esta análise direciona-se a duas edições da Bienal de São Paulo (as 18ª e 19ª, promovidas em 1985 e 1987, respectivamente) para compreender as condições e desdobramentos dessa profissão no Brasil. As curadorias da crítica de arte Sheila Leirner são estudadas aqui em sua singularidade e em relação com diversas exposições realizadas em instituições congêneres. Colocamos em perspectiva a historiografia já estabelecida acerca dessas duas propostas curatoriais (“O Homem e a Vida” e “Utopia versus Realidade”), e esquadrinhamos o debate crítico suscitado por elas dentro e fora do país. Seleções de obras artísticas e artistas, expografia, discurso teórico e poder de legitimação são articulados com a trajetória crítica da curadora e as transformações nas políticas públicas para a cultura e no status das instituições culturais na década de 1980, em diálogo com a os processos de globalização da arte e redemocratização política no Brasil. / From the context of emergency and consolidation of the curator’s activity of organizing contemporary art exhibitions in the international artistic sphere, this analysis focuses on two editions of the Sao Paulo Art Biennial (the 18th and 19th ones, promoted in 1985 and 1987, respectively) to understand the conditions and consequences of this profession in Brazil. Here we study the curatorial projects of the art critic Sheila Leirner in its uniqueness and in relation to other events held in similar institutions. Questioning the approach already established by the Brazilian historiography about these two curatorial proposals ("Man and Life" and "Utopia vs. Reality"), this research scrutinizes the critical debate raised by them within and outside the country. We also link selections of art works and artists, expography, theoretical discourse and legitimation power to Leirner’s critic production and the transformations in public policy for culture and cultural institutions status during the 1980s, connecting them to the processes of globalization of art and political redemocratization in Brazil.

Made available in DSpace on 2017-06-01T18:24:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao_flavia_alves.pdf: 728457 bytes, checksum: d75aa1f95c39f91b1595fb98cb0767e4 (MD5) Previous issue date: 2009-11-01 / We undertaken in this work, an analysis of six critical texts about the work of the Pernambucano painter Cicero Dias. In the light of the theoretical citation of Critical Discourse Analysis (CDA), specifically of the three-dimensional model analysis of proposed speech by Norman Fairclough (2001),we identified in the critiques that make up the corpus of our work, the enunciated modality, the intertextuality, the interdiscursivity and the ethos in order to check that images of the painter s work are built by these texts. To undertake this analysis, we placed Cicero Dias in the scenery of the Brazilian art and we made a brief gathering of his life and the phases of his work. Furthermore, we examined the nature and origin of the critique of art in Brazil in the same way that we made reflections about the social role of critique and the critical. Our study induced us to infer that the critique of art, while guides the look of the interlocutor, constitutes itself in more one implement formative of opinion Who has imputed to the critical the Power to say and He approval of the society to say what He says. / Empreendemos, neste trabalho, uma análise de seis textos críticos sobre a obra do pintor pernambucano Cícero Dias. À luz do referencial teórico da Análise Crítica do Discurso (ACD), especificamente do modelo tridimensional de análise do discurso proposto por Norman Fairclough (2001), identificamos, nas críticas que compõem o corpus de nosso trabalho, a modalização enunciativa, a intertextualidade, a interdiscursividade e o ethos a fim de verificar que imagens da obra do pintor são construídas por esses textos. Para empreender essa análise, situamos Cícero Dias no cenário da arte brasileira e fizemos um breve apanhado da sua vida e das fases de sua obra. Além disso, investigamos a natureza e a origem da crítica de arte no Brasil assim como fizemos reflexões acerca do papel social da crítica e do crítico. Nosso estudo levou-nos a concluir que a crítica de arte, na medida em que orienta o olhar do interlocutor, constitui-se em mais um instrumento formador de opinião que tem atribuído aos críticos o poder de dizer e a autorização da sociedade para dizer o que diz.

Este estudo trata da crítica de arte de Geraldo Ferraz durante o período das primeiras Bienais de São Paulo. Foi dada especial atenção aos artigos sobre as IV, V e VI Bienais, publicados no jornal O Estado de São Paulo. Através da pesquisa nos arquivos da Fundação Bienal (Arquivo Histórico Wanda Svevo), do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP), do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), do Arquivo Edgard Leuenroth da Universidade Estadual de Campinas (AEL UNICAMP), do Centro de Documentação e Memória da Universidade Estadual de São Paulo (CEDEM UNESP) e do Arquivo do Estado de São Paulo, foram selecionados e analisados documentos em critica de arte. O crítico Geraldo Ferraz, proveniente do jornalismo e da literatura, contribuiu para difusão da crítica de arte e para o desenvolvimento do jornalismo na área da cultura. Na análise de sua trajetória como crítico, destacou-se a sua reflexão sobre a organização das Bienais e seus posicionamentos estéticos. / This paper regards the art criticism articles written by Geraldo Ferraz about the early Art Biennials in São Paulo. We focused our analysis in the articles written about the 4th, 5th and 6th Biennials, published by the newspaper O Estado de S. Paulo. We used articles, documents and other materials from the following institutions: Fundação Bienal (Historic Archive \'Wanda Svevo\'), Museum of Modern Art of São Paulo (MAM SP), Museum of Contemporary Art of São Paulo University (MAC USP), State University of Campinas\' Arquivo Edgard Leuenroth (AEL UNICAMP), Documentation and Archive Center of the State Universty of São Paulo (CEDEM UNESP) and Archives of the State of São Paulo. The art critic Geraldo Ferraz was an author and journalist, and his work contributed to the establishment of art criticism sections in Brazil\'s media, as well as the development of cultural journalism in the country. In this analysis of his career as a critic, the study highlights his reflections about the organization of the Art Biennials and its aesthetic postures.

RODRIGUES, Kadma Marques. As cores do silêncio: habitus silencioso e apropriação de pintura em Fortaleza (1924-1958). 2006. 230f. Tese (Doutorado em Sociologia) – Universidade Federal do Ceará, Departamento de Ciências Sociais, Programa de Pós- Graduação em Sociologia, Fortaleza-CE, 2006. / Submitted by Liliane oliveira (morena.liliane@hotmail.com) on 2011-11-28T19:15:39Z No. of bitstreams: 1 2006_tese_KMRODRIGUES.pdf: 7327311 bytes, checksum: 503630524656f70f3276a1edbcd611dc (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Josineide Góis(josineide@ufc.br) on 2011-11-29T14:45:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2006_tese_KMRODRIGUES.pdf: 7327311 bytes, checksum: 503630524656f70f3276a1edbcd611dc (MD5) / Made available in DSpace on 2011-11-29T14:45:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2006_tese_KMRODRIGUES.pdf: 7327311 bytes, checksum: 503630524656f70f3276a1edbcd611dc (MD5) Previous issue date: 2006 / O presente trabalho tem como objetivo principal problematizar a formação do habitus silencioso do público cultivado diante de pinturas como índice de autonomização do campo artístico, no domínio da pintura, na Fortaleza da primeira metade do século XX (1924-1958). Para tanto, a disposição silenciosa de um público cultivado particular, o qual estrutura suas categorias de percepção estética mediante familiaridade com o escrito, passa a ser entendida como manifestação do “olhar puro” de um público “civilizado”, de gestos contidos, cuja individualidade é valorizada no âmbito de um processo mais amplo de modernização urbano-industrial e modernismo cultural. É por meio de uma metodologia tríplice de análise que considero como fatores condicionantes da formação do habitus silencioso do público de pintura na capital cearense: 1) a produção da crítica de arte veiculada pelo jornalismo cultural da década de 20; 2) mudanças estruturais na organização de lugares de exposição nas décadas de 20 e 30; e 3) transformações formais das obras expostas ao longo das décadas de 40 e 50 no salão mais tradicional de Fortaleza – o Salão de Abril, mantido nesse período pela Sociedade Cearence de Artes Plásticas (SCAP). Concluo, portanto que o silêncio desse público integra uma série de experiências que se desenvolvem ao longo de gerações a fim de delinear a dinâmica de autonomização do campo artístico, tal como o conhecemos hoje. / Le présent travail a comme objectif principal interroger la formation de l’habitus de rester en silence du public cultivé devant peintures prinsent en tant qu’indice d'autonomisation du champ artistique, dans le domaine de la peinture, à Fortaleza de la première moitié du XXème siècle (1924-1958). Dans ce contexte, la disposition silencieuse d'un public cultivé particulier, qui structure leurs catégories de perception esthétique moyennant sa familiarité avec l'écrit, passe à être compris comme manifestation du « regard pur » d'un public « civilisé », de gestes contenus, dont l'individualité est valorisée dans le contexte d'un processus plus large de modernisation urbanoindustrial et de modernisme culturelle. C'est au moyen d'une méthodologie triple d'analyse que je considère comme des facteurs qui conditionnent la formation de l’habitus de rester en silence du public de peinture dans la plus importante ville du Ceará : 1) la production de la critique d'art propagé par le journalisme culturel de la décennie de 20 ; 2) des changements structurels dans l'organisation de places d'exposition dans les décennies de 20 et 30 ; et 3) des transformations formelles des oeuvres exposées au long des décennies de 40 et 50, dans le salon le plus traditionnel de Fortaleza - le Salon d'avril, maintenu dans cette période par la Société Cearence d’Arts Plastiques (SCAP). Je conclus donc que le silence de ce public intègre une série d'expériences qui se développent au long de générations afin de délinéer la dynamique d'autonomisation du champ artistique, tel que nous le connaissons aujourd'hui.